Romantiline periood

Miks "romantiline"?

Romantiline periood muusikas kestis umbes 1830. aastatest 1910. aastateni. Mingil määral on sõna "romantiline" lihtsalt silt, mõiste, mis trotsib ranget määratlust, nagu muide, nagu paljud teised. Paljusid meie raamatu kõigis peatükkides mainitud teoseid võib eranditult nimetada "romantilisteks".

Peamine erinevus selle perioodi ja teiste vahel seisneb selles, et selle ajastu heliloojad pöörasid rohkem tähelepanu muusika tunnetele ja tajumisele, püüdes selle abil väljendada emotsionaalseid elamusi. Selle poolest erinevad nad klassikalise ajastu heliloojatest, kelle jaoks muusikas oli kõige olulisem vorm ja kes püüdsid järgida kindlaid reegleid kompositsiooni koostamisel.

Samal ajal võib mõnede klassikalise perioodi heliloojate teostes näha romantismi ja romantilise perioodi heliloojate klassitsismi elemente. Nii et kõik, millest me eespool rääkisime, pole üldsegi jäik reegel, vaid lihtsalt üldine omadus.

Mis maailmas veel toimus?

Ajalugu ei seisnud paigal ja kõik inimesed ei muutunud ühtäkki romantikuteks, kes on hõivatud ainult oma emotsionaalsete kogemustega. See on sotsialismi, postireformi ja Päästearmee asutamise aeg. Samal ajal avastati vitamiinid ja raadium, ehitati Suessi kanal; Daimler ehitas esimese auto ja vennad Wrightid tegid esimese lennu. Marconi leiutas raadio, saates edukalt traadita side pooleteise kilomeetri kaugusele. Kuninganna Victoria istus Suurbritannia troonil kauem kui ükski teine ​​Inglise monarh. Kuldne palavik ajendas tuhandeid inimesi Ameerikasse minema.

Kolm romantika alajaotust

Meie raamatut sirvides märkate, et see on kõigist selle peatükkidest suurim, kus mainitakse vähemalt kolmkümmend seitset heliloojat. Paljud neist elasid ja töötasid samaaegselt erinevates riikides. Seetõttu oleme jaganud selle peatüki kolmeks osaks: vararomantikud, rahvusheliloojad ja hilisromantikud.

Nagu te ilmselt juba arvasite, ei pretendeeri see jaotus ka absoluutsele täpsusele. Loodame siiski, et see aitab säilitada narratiivi järjepidevust, kuigi see ei pruugi alati järgida kronoloogilist järjekorda.

Varased romantikud

Need on heliloojad, kellest on saanud omamoodi sild klassikalise perioodi ja hilisromantismi perioodi vahel. Paljud neist töötasid "klassikutega" samal ajal ning nende loomingut mõjutasid suuresti Mozart ja Beethoven. Samas andsid paljud neist oma isikliku panuse klassikalise muusika arengusse.

Meie esimene romantilise perioodi helilooja oli oma aja tõeline staar. Oma esinemiste ajal demonstreeris ta virtuoossete viiulioskuste imet ja esitas uskumatuid trikke. Nagu sada kuuskümmend aastat hiljem sündinud virtuoosne rokkitarrist Jimi Hendrix, Niccolo Paganini hämmastas publikut alati oma kirgliku mänguga.

Paganini võis seda pala mängida nelja keele asemel täielikult kahel viiulikeelel. Mõnikord

ta tegi isegi meelega nii, et keset etendust läksid paelad katki, misjärel ta publiku valju aplausi saatel teose siiski hiilgavalt lõpetas.

Lapsena õppis Paganini ainult muusikat. Sellest hoolimata karistas isa teda isegi selle eest, et ta ei teinud piisavalt trenni, andmata talle süüa ja vett.

Täiskasvanuna oli Paganini niivõrd virtuoosne viiulimeister, et kuuldavasti oli ta ise kuradiga lepingu sõlminud, sest nii suurejooneliselt ei oska ükski surelik mängida. Pärast muusiku surma keeldus kirik alguses teda isegi oma maale matmast.

Kahtlemata mõistis Paganini ise kõiki oma avalike kõnede eeliseid, väites:

"Ma olen kole, aga kui naised mind mängimas kuulevad, siis nad ise roomavad mulle püsti."

Muusikateoste stiil ja struktuur arenesid nii instrumentaalkompositsioonis kui ka ooperis. Saksamaal oli ooperi avangardi eesotsas Karl Maria von Weber, kuigi ta elas aastatel, mida paljud ei omista romantilisele perioodile.

Võib öelda, et ooper oli weberlaste jaoks perekondlik asi ja Karl reisis lapsena palju koos isa ooperitrupiga. Tema ooper Tasuta tulistaja (maagiline tulistaja) sattus muusikaajalukku tänu sellele, et selles kasutati rahvalikke motiive.

Veidi hiljem saate teada, et seda tehnikat peetakse romantilise perioodi iseloomulikuks tunnuseks.

Weber kirjutas ka mitu klarnetikontserti ja just nende jaoks on ta tänapäeval enamasti kuulus.

Itaalia on ooperi sünnikoht ja näkku Gioacchino Antonio Rossini Itaallastel oli õnn leida selle žanri uus kangelane. Ta kirjutas võrdse eduga nii koomilisi kui ka traagilisi oopereid.

Rossini oli üks neist heliloojatest, kes komponeerib kiiresti ja tavaliselt kulus tal ooperi kirjutamiseks vaid paar nädalat. Oma kuulsuse haripunktis ütles ta kord:

"Anna mulle pesuarve ja ma panen selle muusika saatel."

Nad ütlevad seda Sevilla juuksur Rossini komponeeris kõigest kolmeteistkümne päevaga. Nii kiire töötempo on viinud selleni, et tema uusi oopereid lavastatakse pidevalt kõigis Itaalia teatrites. Kuid ta ei kohtlenud oma teoste esitajaid alati soosivalt ja rääkis neist kord isegi tõrjuvalt:

"Milline imeline ooper oleks, kui selles poleks lauljaid!"

Kuid kolmekümne seitsmeaastaselt lõpetas Rossini ootamatult ooperite kirjutamise ja oma elu viimase peaaegu nelja aastakümne jooksul lõi ta ainult Stabat Mater.

Siiani pole päris selge, millest ta sellise otsuse tegemisel juhindus, kuid selleks ajaks oli tema pangakontole kogunenud arvestatav summa - etenduste tasud.

Lisaks muusikale tundis Rossini kirg kokakunsti vastu ning tema järgi on nimetatud palju rohkem roogasid kui teiste heliloojate omasid. Võite isegi korraldada terve õhtusöögi, mis sisaldab Rossini salatit, Rossini omletti ja Tournedo Rossinit. (Tournedos on riivsaias praetud liharibad, mida serveeritakse pasteeti ja trühvlitega.)

Franz Schubert, kes elas vaid kolmkümmend üks aastat, oli ta seitsmeteistkümneaastaseks saanud andeka heliloojana. Oma lühikese elu jooksul kirjutas ta kokku üle kuuesaja laulu, üheksa sümfooniat, üksteist ooperit ja umbes nelisada muud teost. Ainuüksi 1815. aastal lõi ta sada nelikümmend neli laulu, kaks missat, sümfoonia ja hulga muid teoseid.

1823. aastal haigestus ta süüfilisesse ja viis aastat hiljem, 1828. aastal, suri ta kõhutüüfusesse. Aasta varem osales ta oma iidoli Ludwig van Beethoveni matustel.

Tähelepanuväärne on asjaolu, et Schubert oli üks esimesi suuremaid heliloojaid, kes sai tuntuks tänu teiste inimeste teoste esitamisele. Ta ise andis oma surma-aastal vaid ühe suure kontserdi ja ka siis jäi teda umbes samal ajal Viini saabunud Paganini esinemise varju. Nii et vaene Schubert ei saavutanud oma elu jooksul kunagi väärilist austust.

Üks Schuberti suurimaid mõistatusi on Sümfoonia nr 8, tuntud kui Lõpetamata. Ta kirjutas sellest ainult kaks osa ja siis lõpetas töö. Keegi ei tea, miks ta seda tegi, kuid see sümfoonia on endiselt üks tema populaarsemaid teoseid.

Hector Berlioz sündis arsti perre, mistõttu ei saanud ta erinevalt paljudest teistest meie raamatus mainitud heliloojatest täisväärtuslikku muusikalist haridust.

Algul otsustas ta astuda oma isa jälgedes ja saada arstiks, mille pärast ta lahkus Pariisi, kuid seal hakkas ta üha sagedamini aega veetma ooperis. Lõpuks otsustas ta vanemate meelehärmiks muusikaga tegelema hakata.

Berliozi pilt võib tunduda karikatuurne, nii kaugel sellest, et ta inimestele kirjutaks

esitletakse kõiki heliloojaid: väga närvilised ja ärritunud, impulsiivsed, äkiliste meeleolumuutustega ja loomulikult ebatavaliselt romantilised suhetes vastassooga. Kord põrutas ta, püstol käes, endise armastatu kallale ja ähvardas teda mürgitada; teist ta jälitas, riietatud naisterõivastesse.

Kuid Berliozi romantiliste püüdluste peamiseks teemaks oli näitlejanna Harriet Smithson, kes sai hiljem tõsise närvivapustuse - ilmselt võlgneb ta need Berliozile endale. Esimest korda nägi ta teda 1827. aastal, kuid isiklikult õnnestus tal kohtuda alles 1832. aastal. Alguses lükkas Smithson Berliozi tagasi ja ta kirjutas, soovides saavutada vastastikkust Fantastiline sümfoonia. 1833. aastal nad siiski abiellusid, kuid nagu arvata võis, armus Berlioz mõne aasta pärast teise naisesse.

Mis puudutab muusikat, siis Berlioz armastas ulatust. Võtke see näiteks Reekviem, kirjutatud tohutule orkestrile ja koorile, samuti neljale puhkpilliorkestrile, mis on paigutatud lava igasse nurka. Selline sõltuvus suurvormidest ei aidanud tema postuumsele kuulsusele kuigi palju kaasa. Tema teoste esitamine sellisel kujul, nagu ta need välja mõtles, võib olla väga kulukas ja mõnikord isegi võimatu. Kuid ta ise ei olnud selliste takistuste pärast sugugi piinlik ja ta jätkas muusika loomist kogu selle kirega, milleks oli võimeline. Ühel päeval ütles ta:

"Igale heliloojale on tuttav valu ja meeleheide, mis tuleneb sellest, et tal pole piisavalt aega, et kirja panna, mida ta välja mõtles."

Iga õpilane, kes seda raamatut loeb, peaks tundma kadedust selliste inimeste peale Felix Mendelssohn, lapsepõlves kuulsaks saanud inimestele.

Nagu paljudest näidetest näeme, pole see klassikalise muusika maailmas sugugi haruldane.

Mendelssohn paistis aga silma mitte ainult muusikas; ta oli üks väheseid inimesi, kellel õnnestus saavutada hea tulemus kõiges, mida nad teha suudavad – maalis, luules, spordis, keeltes.

Selle kõige omandamine Mendelssohni jaoks polnud keeruline.

Mendelssohnil vedas – ta sündis jõukas peres ja kasvas üles Berliini kunstiringkondade loomingulises õhkkonnas. Lapsena kohtus ta paljude andekate kunstnike ja muusikutega, kes tulid tema vanematele külla.

Mendelssohn esines esimest korda avalikult üheksa-aastaselt ja kuueteistkümneaastaselt oli ta juba komponeerinud. Keeloktett. Aasta hiljem kirjutas ta Shakespeare'i näidendile avamängu Unenägu suveöös. Kuid ülejäänud muusika selle komöödia jaoks lõi ta alles seitseteist aastat hiljem (kaasa arvatud kuulus pulmade märts, mida ikka sageli pulmades esitatakse).

Edukalt arenes ka Mendelssohni isiklik elu: pika ja kestva abielu aastate jooksul sündis tal ja ta naisel viis last.

Ta töötas ja reisis palju, sealhulgas mööda Šotimaad, mille elanikest ta kuigi heaks kiitvalt rääkis:

"... [nad] ei tooda midagi peale viski, udu ja halva ilma."

Kuid see ei takistanud teda kirjutamast kahte suurepärast Šotimaale pühendatud teost. Kolmteist aastat pärast esimese reisi lõppu Šoti sümfoonia; alusel Hebriidide avamängud Sättisid šoti viisid. Mendelssohni seostati Suurbritanniaga ka oma oratooriumiga Elijah, mis lavastati esmakordselt Birminghamis 1846. aastal. Ta kohtus isegi kuninganna Victoriaga ja andis prints Albertile muusikatunde.

Mendelssohn suri suhteliselt noorelt – kolmekümne kaheksa aastaselt – insulti. Muidugi võib öelda, et ta ei haletsenud ennast ja oli liigsest tööst ülekoormatud, kuid mitte vähemal määral tõi tema surma lähemale armastatud õe Fanny surm, kes oli samuti andekas muusik.

Meie ees on järjekordne luudeni romantik. Kus Frederic Chopin Teda eristas ka kirglik pühendumus ühele instrumendile ja see on meie raamatus mainitud heliloojate jaoks suur haruldus.

Öelda, et Chopin armastas klaverit, tähendab mitte midagi öelda. Ta imetles teda, ta pühendas kogu oma elu klaveriteoste komponeerimisele ja selle mängimise tehnikate täiustamisele. Nagu polekski talle muid instrumente, kui orkestriteoste saateks.

Chopin sündis Varssavis 1810. aastal; tema isa oli prantslane ja ema poolakas. Frederic alustas esinemist seitsmeaastaselt ja tema esimesed kompositsioonid pärinevad samast ajast. Pean ütlema, et tema tunnusmärk alati on olnud püüdlus tuleviku poole.

Seejärel sai Chopin kuulsaks Pariisis, kus ta hakkas andma rikastele inimestele muusikatunde, tänu millele sai ta ise rikkaks. Ta jälgis alati hoolikalt oma välimust ja hoolitses selle eest, et tema garderoob oleks vastavuses viimase moega.

Heliloojana oli Chopin metoodiline ja põhjalik. Ta ei lasknud endale kunagi hooletu olla, iga töö oli tema poolt täiuslikkuseni viimistletud. Pole üllatav, et muusika loomine oli tema jaoks valus protsess.

Kokku lõi ta klaverile sada kuuskümmend üheksa soolopala.

Pariisis armus Chopin kuulsasse prantsuse kirjanikusse väljamõeldud nimega Amandine Aurora Lucille Dupin, rohkem tuntud pseudonüümi Georges Sand all. Ta oli üsna tähelepanuväärne isiksus: teda võis sageli kohata Pariisi tänavatel, meesterõivastes ringi kõndimas ja sigarit suitsetamas, mis vapustas hästi kasvatatud avalikkust. Chopini ja Georges Sandi romaan kulges ägedalt ja lõppes valusa lahkuminekuga.

Nagu mõned teisedki romantismiajastu heliloojad, ei elanud Chopin pikka elu – ta suri 39-aastaselt tuberkuloosi vahetult pärast George Sandiga lahkuminekut.

Robert Schumann On teine ​​helilooja, kes elas lühikese ja mureliku elu, kuigi tema puhul maitsestati kõike paraja hullumeelsusega. Tänapäeval tuntakse Schumanni teoseid klaverile, laule ja kammermuusikat.

Schumann oli geniaalne helilooja, kuid oma eluajal jäi ta naise varju Clara Schumann, selle aja geniaalne pianist. Heliloojana on teda vähem tuntud, kuigi kirjutas ka päris huvitavat muusikat.

Robert Schumann ise ei saanud käevigastuse tõttu pianistina esineda ning sel alal tuntuks saanud naise kõrval oli tal raske elada.

Helilooja põdes süüfilist ja närvivapustust; kord üritas ta isegi enesetappu sooritada, viskudes Reini jõkke. Ta päästeti ja paigutati psühhiaatriahaiglasse, kus ta kaks aastat hiljem suri.

Schumann oli kunsti suhtes pragmaatiline. Tema järgmine väide on teada:

"Komponeerimiseks on vaja lihtsalt välja mõelda meloodia, mis pole kellelegi pähe tulnud."

Kui Paganinit võib nimetada viiuldajate - interpreetide kuningaks, siis romantiliste pianistide seas kuulub see tiitel õigustatult Franz Liszt. Ta tegeles ka õppetööga ja esitas väsimatult teiste heliloojate, eriti Wagneri teoseid, millest tuleb juttu hiljem.

Liszti klaveriloomingut on ülimalt raske esitada, kuid ta kirjutas oma mängutehnikale, teades hästi, et keegi ei suuda neid temast paremini mängida.

Lisaks andis Liszt klaverile üle teiste heliloojate: Beethoveni, Berliozi, Rossini ja Schuberti teosed. Tema sõrmede all omandasid need veidra originaalsuse ja hakkasid kõlama uutmoodi. Arvestades, et need on algselt kirjutatud orkestrile, jääb vaid hämmastada muusiku oskust, esitades need üllatavalt täpselt ühel instrumendil.

Liszt oli oma aja tõeline täht; sada aastat enne rock 'n' rolli leiutamist elas ta iga rokkmuusiku väärilist elu, sealhulgas mitmesuguseid armusuhteid. Isegi otsus asuda preesterlusele ei takistanud tal suhet loomast.

Liszt populariseeris ka klaveri- ja orkestrimänge, mis on tänapäevalgi levinud. Talle meeldis püüda oma fännide imetlevaid pilke ja kuulata publiku entusiastlikke karjeid, kes vaatasid, kuidas ta sõrmed üle klahvide lendasid. Seetõttu keeras ta klaverit, et publik saaks pianisti esitust jälgida. Enne seda istuti seljaga publiku poole.

Üldsus teab Georges Bizet ooperi loojana Carmen, kuid meie raamatu lõpus avaldatud nimekiri sisaldas veel üht tema teost, Au Fond du Temple Saint(tuntud ka kui Nadiri ja Zurgi duett) ooperist Pärliotsijad. Ta on olnud järjekindlalt edetabelite tipus alates aastast 1996, mil alustasime Classic FM-i kuulajate seas populaarseimate lugude nimekirja koostamist.

Bizet on veel üks imelaps, kes demonstreeris lapsepõlves oma erakordseid muusikalisi võimeid. Oma esimese sümfoonia kirjutas ta seitsmeteistkümneaastaselt. Tõsi, ta suri ka varakult, kolmekümne kuue aastaselt, täiendades enneaegselt surnud geeniuste nimekirja.

Vaatamata oma andele ei saavutanud Bizet oma elu jooksul kunagi tõelist tunnustust. Ooper Pärliotsijad vahelduva eduga lavastatud ja esietendus Carmen ja lõppes üldse läbikukkumisega – tollane moekas avalikkus teda ei aktsepteerinud. Kriitikute ja tõeliste muusikatundjate poolt eelistatud Carmen võitis alles pärast helilooja surma. Sellest ajast alates on seda lavastatud kõigis maailma juhtivates ooperiteatrites.

Rahvuslased

Siin on veel üks äärmiselt ebamäärane määratlus. Mitte ainult kõiki romantilisi heliloojaid, vaid teatud määral ka paljusid baroki- ja klassikalise perioodi esindajaid võib õigustatult nimetada "natsionalistideks".

Sellegipoolest loetleme selles rubriigis neliteist romantilise perioodi juhtivat heliloojat, kelle teosed on kirjutatud sellises stiilis, et isegi klassikalise muusikaga vähe kursis olev kuulaja saab aru, kust see või teine ​​meister pärit on.

Mõnikord viidatakse nendele heliloojatele ühele või teisele rahvuslikule muusikakoolile, kuigi see lähenemine pole päris õige.

Tavaliselt tähistab sõna “kool” klassiruumi, kus lapsed täidavad õpetaja juhendamisel sama ülesannet.

Kui rääkida heliloojatest, siis ühendas neid üks ühine suund ja igaüks läks oma rada, püüdes leida oma unikaalseid muusikalisi väljendusvahendeid.

vene kool

Kui vene klassikalisel muusikal on asutaja, siis kahtlemata on see Mihhail Ivanovitš Glinka. Muusikud - rahvuslased eristuvad just selle poolest, et nad kasutavad oma teostes rahvaviise. Vene lauludega tutvustas Glinka vanaema.

Erinevalt paljudest teistest andekatest heliloojatest, keda meie raamatu lehekülgedel nii sageli mainitakse, hakkas Glinka tõsiselt muusikat õppima suhteliselt hilises eas – kahekümnendates eluaastates. Algul töötas ta raudteeministeeriumis ametnikuna.

Kui Glinka otsustas oma karjääri muuta, läks ta Itaaliasse, kus esines pianistina. Seal tekkis tal sügav armastus ooperi vastu. Koju naastes lõi ta oma esimese ooperi Elu kuningale. Publik tunnistas ta kohe parimaks vene kaasaegseks heliloojaks. Tema teine ​​ooper, Ruslan ja Ludmila, ei saavutanud nii suurt edu, kuigi pidas ajaproovile paremini vastu.

Aleksander Porfirevitš Borodin kuulub heliloojatele, kes lisaks muusikale tegelesid aktiivselt ka muu tegevusega. Mis puutub Borodini, siis ta alustas oma karjääri teadlasena - keemikuna. Tema esimene kompositsioon kandis pealkirja "Etüüljodiidi mõjust hüdrobensamiidile ja amariinile" ja loomulikult ei kuule te seda kunagi klassikalises FM-is, kuna see teaduslik töö sellel pole muusikaga midagi pistmist.

Borodin oli Gruusia vürsti vallaspoeg; armastuse muusika vastu ja huvi kunsti vastu üleüldse, võttis ta üle oma emalt, säilitades neid kogu eluks.

Pideva töötamise tõttu jõudis ta välja anda vaid paarkümmend teost, mille hulgas on sümfooniaid, laule ja kammermuusikat.

Koos Mily Balakirev, Nikolai Rimski - Korsakov, Caesar Cui ja Modest Mussorgski Borodin oli muusikalise kogukonna "Mighty Handful" liige. Kõigi nende heliloojate edu on veelgi tähelepanuväärsem selle poolest, et neil kõigil oli peale muusika ka muid tegevusi.

Selle poolest erinevad nad kindlasti enamikust teistest selles raamatus mainitud heliloojatest.

Borodini populaarseim teos on Polovtsi tantsud tema ooperist Prints Igor. Tuleb märkida, et ta ise ei teinud seda kunagi valmis (kuigi töötas selle kallal seitseteist aastat). Ooperi valmis tema sõber Rimski - Korsakov, millest räägime allpool lähemalt.

Meie arvamuse kohaselt Modest Petrovitš Mussorgski oli "Vägeva peotäie" heliloojatest kõige leidlikum ja mõjukaim, kuigi ebatavalise inimesena ei pääsenud ta ühest-kahest pahest, mis on omane paljudele loomingulise elukutse esindajatele.

Sõjaväest lahkudes sai Mussorgski töö riigiteenistuses. Nooruses armastas ta, nagu öeldakse, jalutada, eristas teda muljetavaldavusega ja elu lõpus põdes ta alkoholismi. Sel põhjusel on teda sageli kujutatud sasitud juuste ja ebaloomulikult punase ninaga.

Mussorgski jättis sageli oma teosed lõpetamata ja sõbrad tegid seda tema eest – mõnikord mitte nii, nagu ta ise kavatses, nii et nüüd pole me kindlad, mis oli autori algne kavatsus. Ooperi orkestratsioon Boriss Godunovümbertehtud Rimski - Korsakov, samuti kuulus "muusikapilt" Öö Bald Mountainil(kasutatud Disney filmis Fantaasia). Orkestreerimine kuni Pildid näituselt kirjutas Maurice Ravel ja selles versioonis on need tuntud meie ajal.

Vaatamata sellele, et Mussorgski pärit oli rikas perekond ning tal oli suur pianisti ja helilooja anne, ta suri vaid neljakümne kahe aastaselt alkoholismi.

Vanemad Nikolai Rimski - Korsakov unistasid, et nende poeg teeniks mereväes, ja täitis nende ootused. Kuid pärast mitmeaastast mereväeteenistust ja mitmeid merereise sai temast helilooja ja muusikaõpetaja, mis osutus tema perekonnale kahtlemata üllatuseks. Tõtt-öelda huvitas Rimski-Korsakovit alati muusika ja ta hakkas isegi komponeerima Sümfoonia nr 1, kui tema laev sildus Gravesendi tööstuspiirkonnas Thamesi suudmealal. See on ilmselt üks kõige vähem romantilisi komponeerimiskohti, mida selles raamatus mainitakse.

Lisaks sellele, et Rimski-Korsakov valmis ja töötles osa Mussorgski teoseid, lõi ta ise viisteist ooperit Vene eluteemadel, kuigi tema teostes on tunda ka eksootiliste maade mõju. Näiteks, Scheherazade"Tuhande ja ühe öö" loo põhjal.

Eriti hästi oskas Rimski-Korsakov näidata kogu orkestri kõla ilu. Ta pööras sellele oma õpetajategevuses suurt tähelepanu ja mõjutas seeläbi paljusid pärast teda tegutsenud vene heliloojaid, eriti Stravinskit.

Peeter Iljitš Tšaikovski Ta kasutas oma kompositsioonides ka vene rahvaviise, kuid erinevalt teistest vene rahvusheliloojatest töötles ta neid omal moel, nagu muuseas kogu Euroopa muusikapärandit.

Erinevatesse saladustesse varjatud Tšaikovski isiklik elu (jutud tema homoseksuaalsetest kalduvustest olid laialt levinud) polnud kerge. Ta ise ütles kord:

"Oleks tõesti, millega hulluks minna, kui mitte muusika!"

Lapsena eristas teda mõjutatavus ja täiskasvanuna oli ta vastuvõtlik melanhooliahoogudele ja isegi depressioonile. Rohkem kui korra külastasid teda enesetapumõtted. Nooruses õppis ta õigusteadust ja töötas mõnda aega justiitsministeeriumis, kuid lahkus peagi teenistusest, et pühenduda täielikult muusikale. Kolmekümne seitsmeaastaselt abiellus ta ootamatult, kuid abielu oli tõeline piin nii talle endale kui naisele. Lõpuks sattus tema naine psühhiaatriahaiglasse, kus ta suri. Ka Tšaikovski ise kannatas pikka aega lahkumineku all, mis leidis aset vaid kaks kuud pärast pulmi.

Laiem avalikkus ei tunnustanud Tšaikovski varaseid teoseid ja see põhjustas talle palju kannatusi. On uudishimulik, et paljud neist teostest, sealhulgas Kontsert viiulile ja orkestrile ja Kontsert klaverile ja orkestrile nr 1, in on praegu väga populaarsed. Salvestamine Kontsert klaverile ja orkestrile nr 1üldiselt sai sellest esimene klassikalise muusika salvestis, mis sai miljoni koopia müügi eest Kuldse Plaadi staatuse.

Tšaikovski kirjutas kümme ooperit, sealhulgas Jevgeni Onegin, ja muusika ballettidele nagu Pähklipureja, Uinuv kaunitar ja Luikede järv. Seda muusikat kuulates tajub koheselt Tšaikovski ande suurust, kes suutis luua äärmiselt harmoonilise ja põneva meloodia. Tema ballette lavastatakse endiselt sageli maailmalavadel ja avalikkus imetleb neid alati. Samal põhjusel teavad muusikalisi fraase tema sümfooniatest ja kontsertidelt ka need, kes klassikalise muusikaga kursis pole.

Aastaid nautis Tšaikovski jõuka lese Nadežda von Mecki soosingut, kes saatis talle suuri rahasummasid eeldusel, et nad kunagi isiklikult ei kohtunud. Võimalik, et isiklikul kohtumisel poleks nad üksteist ära tundnud.

Helilooja surma asjaolud pole siiani päris selged. Ametliku järelduse kohaselt suri Tšaikovski koolerasse: ta jõi viirusega saastunud vett. Kuid on versioon, mille kohaselt ta ise sooritas enesetapu, kartes, et tema homoseksuaalsed suhted avalikustatakse.

Tšehhi kool

Kui Glinkat peetakse vene klassikalise muusika isaks, siis Tšehhi klassikalises muusikas on sama roll Bedrichi hapukoor.

Hapukoor on alati saanud inspiratsiooni Tšehhi rahvakultuurist ja kodumaa loodusest. Eriti on seda tunda tema sümfooniliste poeemide tsüklis Mu isamaa, mille kirjutamiseks kulus Smetanal kaheksa aastat.

Praegu on selle tsükli populaarseim tükk Vltava, pühendatud ühele suurimale Prahat läbivale Tšehhi jõele.

Elu lõpupoole haigestus Bedřich Smetana raskelt (arvatavasti süüfilisesse), jäi kurdiks ja kaotas mõistuse. Ta suri kuuekümneaastaselt.

Tema muusika mõjutas meie nimekirjas järgmist heliloojat Antonín Dvořákit, kelle teosed on pälvinud tunnustust kaugel väljaspool Tšehhi piire.

Antonín Dvořák oli tõeline Tšehhi rahvuskangelane, kes armastas kirglikult oma kodumaad. Kaasmaalased vastasid talle ja jumaldasid teda.

Dvoraki teoseid propageeris laialdaselt Brahms (sellest tuleb juttu veidi hiljem). Järk-järgult hakati Dvoraki nime tunnustama kogu maailmas. Nii kogus ta fänne näiteks Inglismaal, kus ta esines Royal Philharmonic Society kutsel, aga ka festivalidel Birminghamis ja Leedsis.

Pärast seda otsustas Dvorak minna USA-sse, kus talle 1890. aastatel pakuti New Yorgi Rahvuskonservatooriumi dirigendi kohta, mida ta pidas kolm aastat. Dvorak igatses väga oma kodumaad, kuid ta ei lakanud tundmast huvi kohaliku muusika vastu. Tema muljed kajastuvad tema muljetes Sümfooniad nr 9, nimega Uuest maailmast.

Lõpuks otsustas Dvorak koju naasta ja veetis oma elu viimased aastad Prahas õpetades.

Lisaks muusikale huvitasid Dvorakit rongid ja laevad ning just see kirg aitas ilmselt kaasa sellele, et ta nõustus USA-d külastama, kuigi talle pakutav suur honorar võis mängida määravat rolli.

d Tšehhi rahvuse esindajatele muusikakool sisaldama ka Josef Suk, Leos Janacek ja Bohuslav Martinu.

Skandinaavia koolkond

norra keel Edvard Grieg kuulub kirglikult oma kodumaad armastavate heliloojate ringi. Ja kodumaa vastas talle. Norras on tema tööd siiani ülipopulaarsed. Kuid kõik oleks võinud kujuneda teisiti, kuna Griegi perekond oli tegelikult Šoti päritolu - tema vanavanavanavanaisa emigreerus pärast lüüasaamist Cullodeni lahingus brittidega Skandinaaviasse.

Mis kõige parem, Grieg hankis väikeste žanrite teoseid, näiteks Lüürilised palad klaverile. Aga tema kuulsaim kontsert on Klaverikontsert, muljetavaldava sissejuhatusega, milles tremolo timpanide alla paistavad klaverihelid nagu rahet.

d Skandinaavia Rahvusliku Muusikakooli esindajate hulka kuuluvad ka Karl Nielsen ja Johan Svendsen.

Vaatamata sellele, et 19. sajandil kirjutati Hispaanias ka klassikalist muusikat, polnud maailmakuulsuse saavutanud heliloojaid nii palju. Üks eranditest on Isaac Albenis, nooruses, ei paistnud silma kuuleka iseloomuga.

Räägitakse, et Albenis õppis klaverit mängima aastasena. Kolm aastat hiljem esines ta avalikult ja kaheksa-aastaselt hakkas ta tuuritama. Viieteistkümnendaks eluaastaks õnnestus tal külastada Argentinat, Kuubat, USA-d ja Inglismaad.

Eriti edukas oli Albenis improvisatsioonis: ta suutis käigupealt mõne meloodia välja mõelda ja seda kohe mitmes versioonis mängida. Samuti demonstreeris ta pilli valdamise imesid – mängis seljaga. Kõige tipuks pani ta iga kord selga musketäri kostüümi, lisades tema etteastete vaatemängu.

Täiskasvanueas rahunes ta pisut ja hämmastas publikut mitte enam oma šokeeriva käitumisega, vaid oma kompositsioonidega. Eriti kuulus oma klaveripalade tsükli poolest Ibeeria. Tänu oma edule tõi see helilooja Hispaania varjust välja ja äratas maailma muusikakogukonna tähelepanu.

d Albéniz avaldas mõju paljudele teistele Hispaania rahvuskooli heliloojatele, sealhulgas Pablo de Sarasate, Enrique Granados, Manuel de Falla ja Eytora villa – Lobos(kes oli brasiillane).

Inglise kool

Arthur Sullivan tänapäeval hästi tuntud. Kuid ajalugu ei kohtlenud teda kuigi õiglaselt, sest täna meenutavad nad kaugeltki tema parimaid teoseid. 1870. aastatel alustas ta koostööd poeedi ja libretisti W. Sh. Gilbertiga. Koos kirjutasid nad mitu koomilist operetti: Žürii, Pirates of Penzance, Tema Majesteedi fregatt "Pinafore", printsess Ida, Mikado, Yeoman – kaardiväelane muud.

Vaatamata ühistöö tohutule edule ei saanud need kaks autorit omavahel kuigi hästi läbi ja lõpuks, pärast ägedaid tülisid, lõpetasid nad suhtlemise sootuks. Need tülid olid aga tühjad.

Näiteks üks neist tegeles uue vaibaga Londoni Savoy teatris, kus tavaliselt lavastati nende operette.

Sullivan unistas kuulsaks saada tõsise heliloojana, kuid praeguseks on tema teosed, mis operetižanri ei kuulu, unustusse vajunud.

Siiski kirjutas ta ooperi Ivanhoe,üsna huvitav Sümfoonia e-moll ja hümn "Edasi, Kristuse peremees!"- võib-olla tema kõige sagedamini esitatav teos.

d Inglise riikliku muusikakooli esindajate hulka kuuluvad ka Arnold Bucks, Hubert Perry, Samuel Coleridge – Taylor, Charles Villier Stanford ja George Butterworth.

prantsuse kool

Teosteks võib nimetada Gilberti ja Sullivani operettide prantsusekeelset analoogi Jacques Offenbach, mees, kellel oli kindlasti huumorimeel. Ta sündis Kölnis ja kirjutas seetõttu end mõnikord alla "O. Kölnist "(" O. de Cologne "kõlab nagu" Köln ").

1858. aastal hämmastas Offenbach pariislasi saab saab operetist Orpheus põrgus; kogenud publikule tundusid sellised lihtrahva tantsud metsikud ja rõvedad ning operetti ennast peeti skandaalseks.

Muide, kui see nimi tundub teile tuttav, tasub meeles pidada, et varasematel sajanditel on Orpheuse müüdile muusika kirjutanud Peri, Monteverdi ja Gluck. Offenbachi versioon oli satiiriline, mõeldud meelelahutuseks ja sisaldas seetõttu väga kergemeelseid stseene. Sellegipoolest, vaatamata esmamuljele, armus avalikkus lõpuks operetti, nii et Offenbachil endal polnud peaaegu üldse põhjust kirjutatut kahetseda.

Tema muude teoste hulgas on tuntud tõsine ooper Hoffmanni lood, mis kõlab Barcarole.

Leo Delibes ei olnud vähem mõjukas helilooja kui Offenbach, kuigi praegu mäletatakse peamiselt vaid üht tema ooperit - Lakme, milles kuulus Lillede duo, kasutatakse paljudes televisiooni ekraanisäästjates ja reklaamides.

Delibesi tuttavate hulgas olid sellised suurepärased muusikud nagu Berlioz ja Bizet, kellega ta töötas Pariisis Lyric Theatre koori juhina.

d Prantsuse Riikliku Muusikakooli esindajate hulka kuuluvad ka Alexis - Emmanuelle Chabrier, Charles Marie Widor, Joseph Kante - loub ja Jules Massenet, ooper Tailased mis sealhulgas intermezzo Peegeldused (meditatsioon), populaarne paljude kaasaegsete viiuldajate seas.

Viini valsikool

Meie kaks viimast rahvuslikku heliloojat – romantika – on isa ja poeg, kuigi nende vanusevahe (kakskümmend üks aastat) pole ajaloo jaoks kuigi suur. Johann Strauss Sr. peetakse "valsi isaks". Ta oli suurepärane viiuldaja ja juhatas orkestrit, mis esines kogu Euroopas ja sai selle eest märkimisväärset raha.

Sellegipoolest kuulub "valsikuninga" tiitel õigusega tema pojale, keda kutsuti ka Johann Straussiks. Tema isa ei tahtnud, et temast saaks viiuldaja, kuid noorem Johann pühendas siiski oma elu muusikale ja organiseeris oma orkestri, konkureerides oma isaga. Nooremal Straussil oli hea ärivaistu, tänu millele suutis ta oma rahalist seisu kindlustada.

Kokku Johann Strauss – poeg kirjutas sada kuuskümmend kaheksa valsi, sealhulgas kõige populaarsem neist - Ilusal sinisel Doonaul. Lõpuks nimetati Straussi järgi koguni kuus orkestrit, millest ühte juhatas Johanni vend, noorem Joseph, ja teist tema teine ​​vend Eduard (igaüks neist lõi umbes kolmsada heliloomingut).

Johanni valsid ja polkad olid Viini kohvimajade hitid ning kergest ja ülemeelikust stiilist sai tantsumuusika etalon kogu Euroopas.

Mõned klassikalise muusika austajad peavad Straussi teoseid endiselt liiga labaseks ja kergemeelseks. Ärge uskuge neid ja ärge langege nende provokatsioonide alla! See perekond on vilunud kirjutama tõeliselt suurepäraseid teoseid, mis kohe pärast esimest kuulamist on meeliülendavad ja kauaks meeldejäävad.

Hilisromantikud

Paljud selle perioodi heliloojad jätkasid muusika kirjutamist 20. sajandini. Nendest räägime aga siin, mitte järgmises peatükis põhjusel, et just romantismi vaim oli nende muusikas tugev.

Peab märkima, et osal neist säilisid lähedased sidemed ja isegi sõprus alajaotistes "Vararomantikud" ja "Natsionalistid" mainitud heliloojatega.

Lisaks tuleb meeles pidada, et sel perioodil oli erinevates Euroopa riikides nii palju suurepäraseid heliloojaid, et nende jagamine mis tahes põhimõtte järgi oleks täiesti tinglik. Kui erinevas klassika- ja barokiperioodi käsitlevas kirjanduses on mainitud ligikaudu samu ajaraame, siis romantikaperioodi defineeritakse igal pool erinevalt. Tundub, et piir romantismiperioodi lõpu ja 20. sajandi alguse vahel on muusikas väga hägune.

19. sajandi Itaalia juhtiv helilooja oli kahtlemata Giuseppe Verdi. See mees, kes vaatas meile säravate silmadega paksude vuntside ja kulmudega, oli terve pea võrra pikem kui kõik teised ooperiheliloojad.

Kõik Verdi kompositsioonid on sõna otseses mõttes tulvil eredate, kaasakiskuvate meloodiatega. Kokku kirjutas ta kakskümmend kuus ooperit, millest enamikku mängitakse tänapäeval regulaarselt. Nende hulgas on kõigi aegade kuulsaimad ja silmapaistvamad ooperikunsti teosed.

Verdi muusikat hinnati helilooja eluajal kõrgelt. Esilinastusel Hades Publik aplodeeris nii kaua, et artistid pidid kolmkümmend kaks korda kummardama minema.

Verdi oli jõukas mees, kuid raha ei suutnud varajasest surmast päästa nii helilooja naisi kui kahte last, mistõttu oli tema elus ka traagilisi hetki. Ta pärandas oma varanduse Milanos tema juhtimisel ehitatud vanade muusikute lastekodule. Verdi ise pidas oma suurimaks saavutuseks varjupaiga loomist, mitte muusikat.

Vaatamata sellele, et Verdi nimi seostub eelkõige ooperiga, ei saa temast rääkides mainimata jätta Reekviem, mida peetakse koorimuusika üheks parimaks näiteks. See on täis draamat ja mõned ooperi jooned libisevad sellest läbi.

Meie järgmine helilooja pole sugugi kõige võluvam inimene. Tegelikult on see kõige skandaalsem ja vastuolulisem tegelane kõigist, keda meie raamatus mainitakse. Kui peaksime koostama nimekirja ainult isikuomaduste põhjal, siis Richard Wagner poleks seda kunagi tabanud. Meie juhindume aga eranditult muusikalistest kriteeriumidest ja klassikalise muusika ajalugu pole mõeldav ilma selle meheta.

Wagneri talent on vaieldamatu. Tema sule alt tulid välja mõned kõige olulisemad ja muljetavaldavamad muusikateosed kogu romantismiperioodi jooksul – eriti ooper. Samas räägitakse temast kui antisemiidist, rassistist, bürokraatiast, viimasest petist ja isegi vargast, kes ei kõhkle kõike vajalikku võtmast ning on kahetsuseta ebaviisakas. Wagneril oli hüpertrofeerunud enesehinnang ja ta uskus, et tema geenius tõstis ta kõigist teistest inimestest kõrgemale.

Wagnerit mäletatakse tema ooperite poolest. See helilooja viis saksa ooperi täiesti uuele tasemele ja kuigi ta sündis Verdiga samal ajal, erines tema muusika tolle perioodi itaalia teostest oluliselt.

Üks Wagneri uuendusi oli see, et igal peategelasel oli oma muusikaline teema, mis kordus iga kord, niipea kui ta hakkas laval olulist rolli mängima.

Tänapäeval tundub see iseenesestmõistetav, kuid toona tegi see idee tõelise revolutsiooni.

Wagneri suurim saavutus oli tsükkel Nibelungi sõrmus, koosneb neljast ooperist: Reini kuld, Valküüria, Siegfried ja Jumalate surm. Tavaliselt mängitakse neid neljal õhtul järjest ja kokku kestavad need umbes viisteist tundi. Ainuüksi neist ooperitest oleks piisanud oma helilooja ülistamiseks. Vaatamata Wagneri kui isiksuse ebamäärasusele, tuleb tunnistada, et tegemist oli silmapaistva heliloojaga.

Wagneri ooperite eripäraks võib nimetada nende kestust. Tema viimane ooper Parsifal kestab üle nelja tunni.

Dirigent David Randolph ütles kord tema kohta:

"See on ooper nende kategooriast, mis algavad kell kuus ja kui kolm tundi hiljem käekella vaadata, selgub, et see näitab 6:20."

Elu Anton Bruckner heliloojana on õppetund, kuidas mitte alla anda ja omaette nõuda. Ta harjutas kaksteist tundi päevas, pühendas kogu oma aja tööle (oli organist) ja õppis iseseisvalt palju muusikat, lõpetades kirjavahetuse teel kirjutamisoskuse omandamise üsna küpses eas - kolmekümne seitsme aastaselt.

Tänapäeval meenutatakse kõige sagedamini Bruckneri sümfooniaid, millest ta kirjutas kokku üheksa pala. Aeg-ajalt haarasid teda kahtlused oma muusiku maksevõimes, kuid tunnustuse saavutas ta siiski, kuigi elu lõpus. Pärast selle teostamist Sümfooniad nr 1 kriitikud kiitsid lõpuks heliloojat, kes oli selleks ajaks juba nelikümmend neli aastat vana.

Johannes Brahms mitte üks neist heliloojatest, kes on sündinud nii-öelda hõbepulk käes. Tema sünnihetkeks oli perekond kaotanud oma endise varanduse ja suutis vaevu ots otsaga kokku tulla. Teismelisena teenis ta elatist oma kodulinna Hamburgi bordellides mängides. Selleks ajaks, kui Brahms täiskasvanuks sai, tutvus ta kahtlemata elu kaugeltki mitte kõige atraktiivsemate aspektidega.

Brahmsi muusikat edendas tema sõber Robert Schumann. Pärast Schumanni surma sai Brahms Clara Schumanniga lähedaseks ja lõpuks isegi armus temasse. Pole täpselt teada, millist suhet nad ühendasid, kuigi tema suhetes teiste naistega mängis ilmselt teatud rolli tunne tema vastu – ta ei andnud oma südant ühelegi neist.

Inimesena oli Brahms üsna ohjeldamatu ja ärrituv, kuid sõbrad väitsid, et temas on õrnust, kuigi ta ei näidanud seda alati ümbritsevatele. Ühel päeval peolt koju naastes ütles ta:

"Kui ma pole seal kedagi solvanud, siis palun neilt andestust."

Brahms poleks võitnud moekaima ja elegantseima riietusega helilooja konkurssi. Talle ei meeldinud kohutavalt uute riiete ostmine ja ta kandis sageli samu kottis ja plaastritega pükse, mis olid peaaegu alati tema jaoks liiga lühikesed. Ühe esinemise ajal kukkusid tal püksid peaaegu jalast. Teisel korral pidi ta lipsu ära võtma ja vöö asemel sellega vöötama.

Brahmsi muusikastiili mõjutasid suuresti Haydn, Mozart ja Beethoven ning mõned muusikaajaloolased väidavad isegi, et ta kirjutas klassitsismi vaimus, selleks ajaks juba moest väljas. Samas on tal ka mitmeid uusi ideid. Eelkõige suutis ta arendada väikeseid muusikapalasid ja korrata neid kogu teose jooksul – seda, mida heliloojad nimetavad "korduvaks motiiviks".

Opera Brahms ei kirjutanud, kuid proovis end peaaegu kõigis teistes klassikalise muusika žanrites. Seetõttu võib teda nimetada üheks meie raamatus mainitud suurimaks heliloojaks, tõeliseks klassikalise muusika hiiglaseks. Ta ise rääkis oma tööst nii:

"Kirjutada pole raske, aga lisamärkmeid laua alla loopida on üllatavalt raske."

Max Bruch sündis vaid viis aastat pärast Brahmsi ja viimane oleks teda kindlasti varjutanud, kui mitte üks teos, Viiulikontsert nr 1.

Bruch ise tunnistas seda tõsiasja, vaieldes paljude heliloojate jaoks ebatavalise tagasihoidlikkusega:

"Viiekümne aasta pärast nimetatakse Brahmsi üheks kõigi aegade suurimaks heliloojaks ja mind mäletatakse g-moll viiulikontserdi kirjutamisega."

Ja tal oli õigus. Tõsi, Brujahil endal on, mida meenutada! Ta komponeeris palju muid teoseid – kokku umbes kakssada – eelkõige koorile ja ooperitele, mida tänapäeval harva lavale tuuakse. Tema muusika on meloodiline, kuid midagi eriti uut ta selle arengusse ei toonud. Tema taustal tunduvad paljud teised tolleaegsed heliloojad tõeliste uuendajatena.

1880. aastal määrati Bruch Liverpooli Kuningliku Filharmooniaühingu dirigendiks, kuid kolme aasta pärast naasis ta Berliini. Orkestri muusikud polnud temaga rahul.

Oma raamatu lehekülgedel oleme juba kohanud palju muusikalisi imelapsi ja Camille Saint - Saens ei ole nende seas viimasel kohal. Kaheaastaselt valis Saint - Saens juba klaveril meloodiaid ning õppis korraga muusikat lugema ja kirjutama. Kolmeaastaselt mängis ta omaloomingulisi näidendeid. Kümneaastaselt laulis ta kaunilt Mozartit ja Beethovenit. Samal ajal hakkas teda tõsiselt huvitama entomoloogia (liblikad ja putukad) ning seejärel teised teadused, sealhulgas geoloogia, astronoomia ja filosoofia. Tundus, et nii andekas laps lihtsalt ei saa piirduda ühe asjaga.

Pärast õpingute lõpetamist Pariisi konservatooriumis töötas Saint - Saens aastaid organistina. Vanusega hakkas ta mõjutama Prantsusmaa muusikaelu ja just tänu temale hakati sagedamini esitama selliste heliloojate nagu J.S.Bach, Mozarti, Händeli ja Glucki muusikat.

Saint - Saensi kuulsaim kompositsioon - Loomade karneval, mille esitamise helilooja oma eluajal keelas. Ta oli mures, et muusikakriitikud peavad teost kuuldes seda liiga kergemeelseks. Lõppude lõpuks on naljakas, kui orkester laval kujutab lõvi, kana kukega, kilpkonni, elevanti, känguru, akvaariumi kalade, lindude, eesli ja luikega.

Mõned tema teised kompositsioonid Saint - Saens kirjutas mitte nii levinud pillide kombinatsioonidele, sealhulgas kuulsatele "Oreli" sümfoonia nr 3, kõlas filmis "Beebi".

Saint Saensi muusika mõjutas teiste prantsuse heliloojate loomingut, sealhulgas Gabriel Fauré. See noormees päris organisti ametikoha Pariisi Püha Magdaleena kirikus, kus varem asus Saint - Saens.

Ja kuigi Foreti annet ei saa võrrelda tema õpetaja annetega, oli ta suurepärane pianist.

Faure oli vaene mees ja töötas seetõttu kõvasti, mängis orelit, juhatas koori ja andis tunde. Ta tegeles kirjutamisega vaba aeg, mida jäi väga väheks, kuid sellest hoolimata suutis ta avaldada rohkem kui kakssada viiskümmend oma teost. Mõned neist olid komponeeritud väga pikka aega: näiteks töötage edasi Reekviem kestis üle kahekümne aasta.

1905. aastal sai Faurést Pariisi konservatooriumi direktor ehk mees, kellest sõltus suuresti tollase prantsuse muusika areng. Fauré läks viisteist aastat hiljem pensionile. Elu lõpus kannatas ta kuulmislanguse all.

Tänapäeval austatakse Foret väljaspool Prantsusmaad, kuigi seal hinnatakse teda kõige rohkem.

Inglise muusika austajatele on sellise kuju ilmumine nagu Edward Elgar, pidi tunduma tõelise imena. Paljud muusikaajaloolased nimetavad teda esimeseks märkimisväärseks inglise heliloojaks pärast barokiajal kirjutanud Henry Purcelli, kuigi me mainisime ka Arthur Sullivani veidi varem.

Elgarile meeldis väga Inglismaa, eriti oma kodumaa Worcestershire, kus ta veetis suurema osa oma elust Molvern Hillsi põldudelt inspiratsiooni otsides.

Lapsena ümbritses teda kõikjal muusika: isa omas kohalikku muusikapoodi ja õpetas väikest Elgarit mängima erinevaid Muusikariistad... Kaheteistkümneaastaselt asendas poiss juba jumalateenistustel organisti.

Pärast advokaadibüroos töötamist otsustas Elgar pühenduda rahaliselt palju vähem usaldusväärsele ametile. Mõnda aega töötas ta osalise tööajaga, andes viiuli- ja klaveritunde, mängides kohalikes orkestrites ja isegi dirigeerides.

Tasapisi kasvas Elgari kuulsus heliloojana, kuigi ta pidi vaeva nägema, et pääseda väljapoole oma sünnimaakonda. Need tõid talle kuulsuse Variatsioonid algsele teemale, mis on nüüd paremini tuntud kui Enigma variatsioonid.

Nüüd tajutakse Elgari muusikat väga ingliskeelsena ja kõlab üleriigilisematel suurimatel üritustel. Esimeste helide peale Kontsert tšellole Kohe ilmub inglise keel maal. Nimrod alates Variatsioonid mängitakse sageli ametlikel tseremooniatel ja Pidulik ja tseremoniaalne marss number 1, tuntud kui Lootuse ja hiilguse maa esines balliõhtutel üle Ühendkuningriigi.

Elgar oli pereinimene ja armastas rahulikku, korralikku elu. Sellest hoolimata jättis ta ajalukku oma jälje. See paksude põõsaste vuntsidega helilooja on kahekümnenaesel noodil kohe näha. Ilmselgelt arvasid pangatähtede disainerid, et näokarvu on väga raske võltsida.

Itaalias oli Giuseppe Verdi järglane ooperikunstis Giacomo Puccini, peetakse selle kunstiliigi üheks tunnustatud maailmameistriks.

Puccini perekond on pikka aega olnud seotud kirikumuusikaga, kuid kui Giacomo esimest korda ooperit kuulis Aida Verdi, ta mõistis, et see on tema kutsumus.

Pärast Milanos õppimist komponeerib Puccini ooperi Manon Lescaut, mis tõi talle esimese suure edu 1893. aastal. Pärast seda järgnes üks edukas lavastus teisele: Böömimaa aastal 1896, Igatsus aastal 1900 ja Madame Butterfly aastal 1904.

Kokku lõi Puccini kaksteist ooperit, millest viimane oli Turandot. Ta suri seda teost lõpetamata ja teose lõpetas teine ​​helilooja. Ooperi esietendusel peatas dirigent Arturo Toscanini orkestri täpselt seal, kus Puccini oli peatunud. Ta pöördus publiku poole ja ütles:

"Siin on surm võitnud kunsti üle."

Puccini surmaga lõppes Itaalia ooperikunsti õitseaeg. Itaalia ooperiheliloojaid meie raamatus enam ei mainita. Aga kes teab, mida tulevik meile toob?

Elus Gustav Mahler oli rohkem tuntud dirigendina kui heliloojana. Ta juhatas talvel ja suvel eelistas reeglina tegeleda kirjutamisega.

Väidetavalt leidis Mahler lapsena oma vanaema maja pööningult klaveri. Neli aastat hiljem, kümneaastaselt, oli ta juba andnud oma esimese esinemise.

Mahler õppis Viini konservatooriumis, kus ta alustas muusika loomisega. 1897. aastal sai temast Viini Riigiooperi direktor ja saavutas järgmise kümne aasta jooksul sellel alal märkimisväärse kuulsuse.

Ta ise hakkas kirjutama kolme ooperit, kuid ei lõpetanud neid kunagi. Meie ajal on ta tuntud eelkõige sümfooniate heliloojana. Selles žanris kuulub talle üks tõelisi "hitte" - Sümfoonia nr 8, mille esitamise käigus on kaasatud üle tuhande muusiku ja laulja.

Pärast Mahleri ​​surma läks tema muusika viiekümneks aastaks moest välja, kuid 20. sajandi teisel poolel saavutas see taas populaarsuse, eriti Suurbritannias ja USA-s.

Richard Strauss sündis Saksamaal ega kuulunud Viini Straussi dünastiasse. Vaatamata sellele, et see helilooja elas peaaegu kogu 20. sajandi esimese poole, peetakse teda endiselt saksa muusikalise romantismi esindajaks.

Richard Straussi ülemaailmset populaarsust kannatas mõnevõrra see, et ta otsustas pärast 1939. aastat Saksamaale jääda ning pärast II maailmasõda süüdistati teda isegi koostöös natsidega.

Strauss oli suurepärane dirigent, tänu millele sai ta suurepäraselt aru, kuidas konkreetne instrument orkestris kõlama peab. Ta rakendas neid teadmisi sageli praktikas. Ta andis ka erinevaid nõuandeid teistele heliloojatele, näiteks:

"Ära kunagi vaata tromboone, sa ainult julgustad neid."

“Ära higista esinemise ajal; ainult kuulajatel peaks palav olema."

Tänapäeval mäletatakse Straussi eelkõige seoses tema kompositsiooniga Nõnda rääkis Zarathustra, sissejuhatus, mida Stanley Kubrick kasutas oma 2001. aasta kosmoseodüsseias. Kuid ta kirjutas ka mõned parimad Saksa ooperid, nende hulgas - Roosi rüütel, Salome ja Ariadne Naxosel. Aasta enne surma komponeeris ta ka väga ilusat Neli viimast laulu häälele ja orkestrile. Üldiselt polnud need Straussi päris viimased laulud, kuid neist sai omamoodi tema loomingulise tegevuse finaal.

Siiani oli selles raamatus mainitud heliloojate seas vaid üks Skandinaavia esindaja – Edvard Grieg. Nüüd aga transporditakse meid jälle sellele karmile ja külmale maale - seekord Soome, kus me sündisime Jan Sibelius, suur muusikaline geenius.

Sibeliuse muusika neelas tema kodumaa müüte ja legende. Tema suurim töö Soome, peetakse soomlaste rahvusliku vaimu kehastuseks, nii nagu Elgari teoseid tunnustatakse Suurbritannias rahvusliku aardena. Pealegi oli Sibelius, nagu ka Mahler, tõeline sümfooniameister.

Mis puudutab helilooja muid sõltuvusi, siis igapäevaelus oli ta liigselt joomise ja suitsetamise sõltuvuses, nii et neljakümneaastaselt haigestus ta kurguvähki. Samuti ei jätkunud tal sageli raha ning riik määras talle pensioni, et ta saaks jätkata muusika kirjutamist, muretsemata oma rahalise heaolu pärast. Ent rohkem kui kakskümmend aastat enne oma surma lõpetas Sibelius üldse millegi komponeerimise. Ta elas ülejäänud elu suhteliselt üksinduses. Eriti karmilt rääkis ta nendest, kes tema muusika arvustuste eest raha said:

"Ära pööra tähelepanu sellele, mida kriitikud ütlevad. Siiani pole ühelegi kriitikule ausammast kingitud.

Ka viimane meie romantismiajastu heliloojate nimekirjas püsis peaaegu 20. sajandi keskpaigani, kuigi kirjutas enamiku oma kuulsamatest teostest 1900. aastatel. Ja ometi on ta romantikute hulgas ja meile tundub, et see on kogu grupi kõige romantilisem helilooja.

Sergei Vassiljevitš Rahmaninov sündis aadliperekonda, kes oli selleks ajaks kulutanud palju raha. Huvi muusika vastu avaldus juba varases lapsepõlves ning vanemad saatsid ta õppima, algul Peterburi, seejärel Moskvasse.

Rahmaninov oli üllatavalt andekas pianist ja temast sai ka suurepärane helilooja.

Minu oma Klaverikontsert nr 1 ta kirjutas üheksateistkümneselt. Ta leidis aega ka oma esimese ooperi jaoks, Aleko.

Kuid see suurepärane muusik ei olnud reeglina eluga eriti rahul. Paljudel fotodel näeme vihast, kulmu kortsutavat meest. Teine vene helilooja Igor Stravinski märkis kord:

"Rahmaninovi surematu olemus oli tema kulmukortsus. Ta oli kuue ja poole jala pikkune kulmu kortsus... see oli hirmus mees.

Kui noor Rahmaninnov Tšaikovski eest mängis, oli ta nii rõõmus, et pani oma punktide lehele A koos nelja plussiga – see on Moskva konservatooriumi ajaloo kõrgeim hinne. Peagi hakkas kogu linn noorest talendist rääkima.

Sellegipoolest jäi saatus muusikule pikka aega ebasoodsaks.

Kriitikud olid tema suhtes väga karmid Sümfooniad nr 1, mille esilinastus lõppes ebaõnnestumisega. See tekitas Rahmaninovile tugevat emotsionaalset stressi, ta kaotas usu oma tugevusse ega suutnud üldiselt midagi komponeerida.

Lõpuks aitas tal kriisist välja tulla vaid kogenud psühhiaatri Nikolai Dahli abi. 1901. aastaks valmis Rahmaninov klaverikontserdi, mille kallal ta kõvasti töötas pikki aastaid ja mis on pühendatud dr Dahlile. Seekord tervitas publik helilooja loomingut vaimustusega. Alates Kontsert klaverile ja orkestrile nr 2 sai lemmikklassikaliseks teoseks erinevate muusikakollektiivide esituses üle maailma.

Rahmaninov alustas ringreisi Euroopas ja USA-s. Venemaale naastes dirigeeris ja komponeeris.

Pärast 1917. aasta revolutsiooni käis Rahmaninov koos perega Skandinaavias kontsertidel. Ta ei naasnud kunagi koju. Selle asemel kolis ta Šveitsi, kus ostis Luzerni järve kaldalt maja. Ta armastas alati veehoidlaid ja nüüd, kui temast sai üsna rikas mees, võis ta endale lubada kaldal lõõgastuda ja avanevat maastikku imetleda.

Rahmaninov oli suurepärane dirigent ja andis neile, kes soovisid sellel alal silma paista, alati järgmisi nõuandeid:

“Hea dirigent peab olema hea autojuht. Mõlemad vajavad samu omadusi: keskendumist, pidevat intensiivset tähelepanu ja meele kohalolekut. Dirigent peab ainult natuke muusikat tundma ... "

1935. aastal otsustas Rahmaninov asuda elama USA-sse. Esmalt elas ta New Yorgis ja kolis seejärel Los Angelesse. Seal hakkas ta endale uut maja ehitama, täiesti identset Moskvasse jäetud majaga.

Vananedes juhatas Rahmaninov üha vähem dirigente ja lõpetas muusika loomise peaaegu täielikult. Oma kuulsuse haripunkti jõudis ta suurepärase pianistina.

Hoolimata koduigatsusest meeldis Rahmaninovile USA-s. Ta oli uhke oma tohutu Cadillaci üle ja kutsus sageli külalisi autoga sõitma, et oma autot näidata.

Vahetult enne oma surma sai Rahmaninov USA kodakondsuse. Sellesse riiki ta maeti.

Romantilise perioodi lõpp

Oleme oma raamatus pööranud palju rohkem tähelepanu romantilisele perioodile kui kõigile teistele klassikalise muusika perioodidele.

Sellel ajastul juhtus erinevates riikides nii palju huvitavat, et kõigest on lihtsalt võimatu lühikese artikliga rääkida. Klassikaline muusika on palju muutunud, nagu ka selle kõla, mis on tänu suurtele sümfooniaorkestritele muutunud üha rikkalikumaks. Paljuski on Rahmaninovi teosed selle kõla ideaalseks näiteks. Kui võrrelda teda Beethoveniga, saab selgeks, kui suurejoonelised muutused olid.

Kuid kui olulised ka need umbes kaheksakümne romantilise perioodi jooksul muusikamaailmas aset leidnud muutused ka ei tunduks, ei saa neid võrrelda sellega, mis juhtus tulevikus. Ja tulevikus muutus muusika veelgi mitmekesisemaks ja ebatavalisemaks - mis meie arvates polnud talle alati hea.

Muusika on romantismi esteetikas võtnud erilise koha. See kuulutati kõigi kunstivaldkondade mudeliks ja normiks, kuna oma eripära tõttu suudab see kõige täielikumalt väljendada hinge liikumist.“Muusika algab siis, kui sõnad lõpevad” (G. Heine).

Muusikaline romantism kui suund kujunes alguses väljaXIXsajandil ja arenes tihedas seoses erinevate kirjanduse, maalikunsti ja teatri suundumustega. Muusikalise romantismi algfaasi esindavad F. Schuberti, E. T. A. Hoffmanni, K. M. Weberi, N. Paganini, G. Rossini teosed; järgmine etapp (1830-50ndad) - F. Chopini, R. Schumanni, F. Mendelssohni, G. Berliozi, F. Liszti, R. Wagneri, G. Verdi looming. Romantismi hiline etapp ulatub lõpuniXIXsajandil. Seega, kui kirjanduses ja maalikunstis lõpetab romantiline suund oma arengu peamiselt keskpaigaksXIXsajandite jooksul on muusikalise romantismi eluiga Euroopas palju pikem.

Muusikalises romantismis, aga ka teistes kunsti- ja kirjandusliikides tekitas kaunite, kättesaamatute ideaalide maailma ja argielu vastandus, mis oli läbi imbunud filisterlikkuse ja filisterlikkuse vaimust, ühelt poolt dramaatilisi konflikte, üksinduse, lootusetuse, ekslemise jne traagiliste motiivide domineerimine, teisalt - kauge mineviku, rahvaelu, looduse idealiseerimine ja poetiseerimine. Kajades kokku inimese hingeseisundiga, värvib romantikute loomingus loodust tavaliselt disharmooniatunne.

Nagu teisedki romantikud, olid muusikud veendunud, et tunded moodustavad sügavama hingekihi kui mõistus:"Mõistus on petlik, tunded - mitte kunagi" (R. Schumann).

Romantilisele muusikale omane eriline huvi inimese isiksuse vastu väljendus domineerimises sellesisiklik toon ... Isikliku draama avalikustamine omandas romantikute seas sageli varjundi.autobiograafiline, kes tõi muusikasse erilise siiruse. Näiteks on paljud Schumanni klaveriteosed seotud looga armastusest Clara Wiecki vastu. Berlioz kirjutas autobiograafilise fantastilise sümfoonia. Tema ooperite autobiograafilist iseloomu rõhutas Wagner igal võimalikul viisil.

"Lüürilise pihtimuse" teema on väga sageli läbi põimunudlooduse teema .

Romantiliste heliloojate tõeline avastus oliulme teema. Esimest korda õppis muusika muinasjutulisi ja fantastilisi kujundeid kehastama puhtalt muusikaliste vahenditega. OoperitesXvii - Xviiisajandeid rääkisid "ebamaised" tegelased (näiteks Öökuninganna Mozarti "Võluflöödist") "üldtunnustatud" muusikakeeles, paistdes taustal vähe silma. tõelised inimesed... Romantilised heliloojad on õppinud fantastilist maailma edasi andma kui midagi täiesti spetsiifilist (kasutades ebatavalisi orkestri- ja harmoonilisi värve). Ilmekas näide on stseen Hundikuristikust Weberi filmis "Võlunool".

Kui Xviiisajand oli universaalset tüüpi virtuoossete improvisaatorite ajastu, kes ühtviisi valdasid laulmist, komponeerimist, erinevate instrumentide mängimist.XIXsajand oli virtuoossete pianistide (K.M. Weber, F. Mendelssohn, F. Chopin, F. Liszt, I. Brahms) enneolematu kunstikire aeg.

Romantismi ajastu muutis täielikult "maailma muusikalist geograafiat". Euroopa rahvaste rahvusliku eneseteadvuse aktiivse ärkamise mõjul jõudsid rahvusvahelisele muusikaareenile noored heliloojakoolid Venemaalt, Poolast, Ungarist, Tšehhist, Norrast. Nende maade heliloojad, kes kehastavad rahvusliku kirjanduse, ajaloo, kodulooduse kujundeid, toetusid oma põlise folkloori intonatsioonidele ja rütmidele.

Muusikalisele romantismile on ülimalt iseloomulik huvirahvakunst ... Sarnaselt romantiliste luuletajatega, kes rahvaluule arvel rikastasid ja uuendasid kirjakeelt, pöördusid muusikud laialdaselt rahvusliku folkloori – rahvalaulude, ballaadide, eeposte – poole (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin, I. Brahms, B. Smetana, E. Grieg jt). Kehastades rahvusliku kirjanduse, ajaloo, omaloomingu kujundeid, toetusid nad rahvusliku folkloori intonatsioonidele ja rütmidele, taaselustasid vanu diatoonilised režiimid.Folkloori mõjul on Euroopa muusika sisu kardinaalselt muutunud.

Uued teemad ja kujundid nõudsid romantikutelt arengutuued muusikakeele vahendid ning muusika kujundamise, meloodia individualiseerimise ja kõne intonatsioonide juurutamise, tämbri ja harmoonilise paleti laiendamise põhimõtteid (loomulikud nöörid, duuri ja molli värvikad kõrvutused jne).

Kuna romantikute tähelepanu keskmes pole enam inimkond tervikuna, vaid konkreetne inimene oma kordumatu tundega, siis vastavaltja väljendusvahendites annab üldine üha enam teed ainsuse, individuaalselt eristavale. Väheneb üldistatud intonatsioonide osakaal meloodias, ühised akordikäigud harmoonias, tüüpilised mustrid faktuuris – kõik need vahendid on individualiseeritud. Orkestritöös on ansamblirühmade põhimõte andnud teed peaaegu kõigi orkestrihäälte soleerimisele.

Kõige olulisem punktesteetika muusikaline romantism olikunstide sünteesi idee , mis leidis kõige elavama väljenduse Wagneri ooperiloomingus ja inprogrammi muusika Berlioz, Schumann, Liszt.

Muusikažanrid romantiliste heliloojate loomingus

Romantilises muusikas on selgelt näha kolm žanrirühma:

• žanrid, mis hõivasid klassitsismi kunstis alluva koha (kõigepealt - laulu- ja klaveriminiatuur);
• eelmise ajastu romantikute poolt tajutud žanrid (ooper, oratoorium, sonaadi-sümfooniline tsükkel, avamäng);
• vabad, poeetilised žanrid (ballaadid, fantaasiad, rapsoodiad, sümfoonilised poeemid). Huvi nende vastu on seletatav romantiliste heliloojate sooviga vaba eneseväljenduse, kujundite järkjärgulise ümberkujundamise järele.

Muusikalises kultuuris tuleb esiplaanile romantismlaul kui žanr, mis sobib kõige paremini kunstniku sisemiste mõtete väljendamiseks (samas heliloojate professionaalses töösXviiiLüürilisele laulule omistati sajandeid tagasihoidlik roll - see teenis peamiselt vaba aja veetmist). Lauluväljakul töötasid Schubert, Schumann, Liszt, Brahms, Grieg jt.

Tüüpiline romantiline helilooja loob väga vahetult, spontaanselt, südame korraldusel. Romantiline maailma mõistmine ei ole reaalsuse järjekindel filosoofiline katmine, vaid kõige hetkeline fikseerimine, mis kunstniku hinge puudutas. Sellega seoses õitses see žanr romantismi ajastulminiatuurid (iseseisev või kombineeritud teiste tsükli miniatuuridega). See pole mitte ainult laul ja romantika, vaid ka instrumentaalkompositsioonid -muusikalised hetked, eksprompt, prelüüdid, sketšid, nokturnid, valsid, mazurkad (seoses rahvakunstile toetumisega).

Paljud romantilised žanrid võlgnevad oma päritolu luulele, selle poeetilistele vormidele. Need on sonetid, sõnadeta laulud, novellid, ballaadid.

Romantilise esteetika üks juhtivaid ideid - kunstide sünteesi idee - tõi loomulikult ooperiprobleemi tähelepanu keskpunkti. Peaaegu kõik romantilised heliloojad pöördusid harvade eranditega (Brahms) ooperižanri poole.

Romantismile omane isiklik, konfidentsiaalne väljendustoon muudab täielikult klassikalised sümfoonia, sonaadi, kvarteti žanrid. Nad saavadpsühholoogiline ja lüürilis-dramaatiline tõlgendus. Paljude romantiliste teoste sisu seostatakseprogrammiline (Schumanni klaveritsüklid, Liszti rännuaastad, Berliozi sümfooniad, Mendelssohni avamängud).

19. sajandi Euroopa muusikalise romantismi kolm peamist etappi – varane, küps ja hiline – vastavad Austria ja Saksa romantilise muusika arenguetappidele. Kuid seda periodiseeringut tuleb konkretiseerida ja mõnevõrra täpsustada iga riigi muusikakunsti olulisemate sündmustega seoses.
Saksa-Austria muusikalise romantismi algusjärk ulatub 19. sajandi 10.-20. aastatesse, mis langeb kokku Napoleoni võimuvastase võitluse kulminatsiooni ja sellele järgnenud sünge poliitilise reaktsiooni algusega. Selle etapi algust tähistasid sellised muusikalised nähtused nagu Hoffmanni ooperid "Undine" (1913), "Sylvanas" (1810), Abu Hasan (1811) ja programmeeritud klaveripala "Kutse tantsule" (1815). Weber, esimesed tõeliselt omanäolised Schuberti laulud - "Margarita ketrusrattas" (1814) ja "Metsatsaar" (1815). Varajane romantism õitses 1920. aastatel, kui varakult väljasurnud Schuberti geenius rullus täies jõus välja, kui tema surmaaastal (1820) ilmusid "Võlupüss", Euryatus ja Oberon – kolm viimast kõige täiuslikumat ooperit Beberilt. ) süttib muusikalisel silmapiiril uus "valgus" - Mendelssohn - Bartholdi, kes esinesid imelise kontsert-avamänguga - Suveöö unenägu.
Keskmine etapp langeb peamiselt 1930.-1940. aastatesse, selle piirid määrasid Austria ja eriti Saksamaa arenenud ringkondadele märkimisväärset mõju avaldanud juulirevolutsioon Prantsusmaal ning revolutsioon 1848–1949, mis pühkis võimsalt üle riigi. Saksa-Austria maad. Sel perioodil õitses Saksamaal Mendelssohni (suri 1147) ja Schumanni looming, kelle helilooja tegevus ületas märgitud piiri vaid mõne aasta jooksul; Marschner hajutab Weberi traditsioone oma ooperites (tema parim ooper Thaps Geilsch: r on kirjutatud 1833. aastal); sel perioodil sai Wagner ambitsioonikast heliloojast selliste silmapaistvate teoste loojaks nagu Tannhäuser (1815) ja Lohengrin (1848); Wagneri peamised loomingulised saavutused on aga alles ees. Austrias valitseb praegu tõsiste žanrite vallas teatav tuulevaikus, kuid tuntust koguvad igapäevase tantsumuusika loojad Joseph Liner ja isa Johann Strauss.
Romantismi hiline, revolutsioonijärgne periood, mis kestis mitu aastakümmet (50ndate algusest umbes 90ndate keskpaigani), oli seotud pingelise sotsiaalpoliitilise olukorraga (Austria ja Preisimaa rivaalitsemine Saksa maade ühendamisel, ühtse Saksamaa tekkimine militaristliku Preisimaa võimu all ja Austria lõplik poliitiline eraldamine). Sel ajal on terav ühtse, üldise saksa muusikakunsti probleem, selgemalt tulevad esile vastuolud erinevate loominguliste rühmade ja üksikute heliloojate vahel, tekib suunavõitlus, mis vahel kajastub tulises poleemikas ajakirjanduse lehekülgedel. . Saksamaale kolinud Liszt püüab ühendada riigi progressiivseid muusikajõude, kuid tema loomingulisi põhimõtteid, mis on seotud programmilisusel põhineva radikaalse innovatsiooni ideedega, ei jaga kõik saksa muusikud. Erilise positsiooni võtab Wagner, kes absolutiseeris muusikadraama rolli kui "tulevikukunsti". Samal ajal sai Brahmsist, kes suutis oma loomingus tõestada paljude klassikaliste muusikatraditsioonide kestvat tähtsust nende kombinatsioonis uudse, romantilise ilmavaatega, Viinis Listi- ja Wagneri-vastaste suundade juhiks. 1876. aasta on selles osas märkimisväärne: Wagneri „Nibelungi sõrmuse“ esiettekanne toimub Bayreuthis ning Viin tutvub Brahmsi esimese sümfooniaga, mis avas tema loomingu kõrgeima õitsengu perioodi.

Nende aastate muusikalis-ajaloolise olukorra keerukus ei piirdu erinevate suundade olemasoluga koos nende motiividega - Leipzig, Weimar, Bayreuth. Viin. Näiteks Viinis endas loovad oma teoseid sellised erinevad artistid nagu Bruckner ja Wolf, keda ühendab ühine entusiastlik suhtumine Wagnerisse, kuid samas ei aktsepteerinud tema muusikalise dramaturgi põhimõtet.
Viinis loob sajandi musikaalseim pealik Johann Strauss Poeg ”(Wagner). Tema imelised valsid ja hilisemad operetid teevad Viinist suurima meelelahutusmuusika keskuse.
Revolutsioonijärgseid aastakümneid iseloomustavad endiselt mõned silmapaistvad muusikaromantismi nähtused, juba annavad tunda selle suuna sisemise kriisi märgid. Nii sünteesitakse Brahmsi romantik klassitsismi põhimõtetega ning Hugo Wolff realiseerib end järk-järgult antiromantilise heliloojana. Lühidalt öeldes on romantilised põhimõtted kaotamas oma eksklusiivset tähendust, mõnikord kombineerituna mõne uue või taaselustatud klassikalise tendentsiga.
Sellegipoolest, isegi pärast 1980. aastate keskpaika, mil romantism hakkas selgelt üle elama, ilmuvad Austrias ja Saksamaal endiselt üksikud eredad romantilise loovuse sähvatused: Brahmsi viimased klaveriteosed ja Bruckneri hilisemad sümfooniad on romantismiga õhutatud; XIX ja XX sajandi vahetuse suuremad heliloojad - austerlane Mahler ja sakslane Richard Strauss - esinevad 80. ja 90. aastate loomingus kohati tüüpiliste romantikutena. Üldiselt muutuvad need heliloojad omamoodi ühendavaks lüliks "romantilise" XIX sajandi ja "antiromantiliste" kahekümnendate vahel.)
"Austria ja Saksamaa muusikakultuuri lähedus kultuuriliste ja ajalooliste traditsioonide tõttu ei välista muidugi teatud rahvuslikke erinevusi. Muusikaline loovus ja muusikute ees seisvad ülesanded olid kohati erinevad. Nii et mahajäänud Saksamaal kodanlikust stagnatsioonist, kitsast provintslikkusest üle saamine oli eriti pakiline ülesanne, mis omakorda nõudis kunsti edasijõudnud esindajatelt eri vormis haridustegevust. tingimused, silmapaistev saksa helilooja ei saanud piirduda ainult muusika loomisega, vaid ta pidi saama muusika- ja ühiskonnategelane.Ja tõepoolest, saksa romantilised heliloojad täitsid jõuliselt kultuuri- ja haridusülesandeid, andsid oma panuse riik: Weber - ooperidirigent ja muusikakriitik, Mendelssohn - kontsertdirigent ja silmapaistev õppejõud, Saksamaa esimese konservatooriumi rajaja; Schumann on uuendusmeelne muusikakriitik ja uut tüüpi muusikaajakirjade looja. Hiljem muusikal ühiskondlik tegevus Wagner teatri- ja sümfooniajuhina, kriitikuna, esteetikana, ooperireformaatorina, Bayreuthi uue teatri rajajana.
Austrias, kus oli poliitiline ja kultuuriline tsentraliseeritus (Viini hegemoonia rügement poliitilise ja kultuurilise keskusena), patriarhaadi, kujuteldava õitsengu illusioonidega ja kõige jõhkrama reaktsiooni tegeliku domineerimisega, oli laiaulatuslik ühiskondlik tegevus võimatu1. Sellega seoses ei saa vastuolu Beethoveni loomingu kodanliku paatose ja suure helilooja pealesunnitud sotsiaalse passiivsuse vahel tähelepanuta jätta. Mida öelda Schuberti kohta, kes tõusis kunstnikuna esile perioodil pärast Viini kongressi aastatel 1814-1815! Kuulus Schuberti ring oli ainuvõimalik vorm kunstiintelligentsi arenenud esindajate ühendamiseks, kuid sellisel ringil Metternichi Viinis ei saanud tõelist avalikku vastukaja olla. Teisisõnu, Austrias olid suurimad heliloojad peaaegu eranditult muusikateoste loojad: nad ei suutnud end muusikalise ja ühiskondliku tegevuse vallas tõestada. See kehtib Schuberti ja Bruckneri, poja Johann Straussi ja mõne teise kohta.
Kuid Austria kultuuris tuleb märkida ka selliseid iseloomulikke tegureid, mis muusikakunsti positiivselt mõjutasid, andes sellele samal ajal spetsiifiliselt austerliku, "viini" maitse. Viini koondunud omapärases kirjus koosluses lõid saksa, ungari, itaalia ja slaavi kultuuri elemendid selle rikkaliku muusikalise pinnase, millel kasvas Schuberti, Johann Straussi ja paljude teiste heliloojate demokraatliku suunitlusega loometöö. Saksa rahvuslike joonte kombineerimine ungari ja slaavi omadega sai hiljem Viini elama asunud Brahmsile omaseks.

Austria muusikakultuurile oli omane mitmesuguste meelelahutusmuusika vormide – serenaadid, kassatsioonid, divertismentid – äärmiselt lai levik, mis võtsid Viini klassikute Haydni ja Mozarti loomingus silmapaistva koha. Romantismi ajastul ei jäänud igapäevase meelelahutusliku muusika tähtsus mitte ainult püsima, vaid veelgi tugevamaks. Raske on ette kujutada näiteks Schuberti loomingulist välimust ilma selle folk-argipäevavooluta, mis tema muusikat läbistab ja mis ulatub tagasi Viini pidude, piknikute, pargipuhkusteni ja rahuliku tänavamuusikani. Kuid juba Schuberti päevil hakati Viini professionaalses muusikas täheldama kihistumist. Ja kui Schubert ise ühendas oma loomingus veel sümfooniaid ja sonaate sõna otseses mõttes sadades esinenud valside ja landleritega1, samuti marsse, ökosise, poloneese, siis tema kaasaegsed Liner ja isa Strauss võtsid oma tegevuse aluseks tantsumuusika. Hiljem väljendub see "polariseerumine" kahe kaasaegse – tantsu- ja operetimuusika klassiku Johann Straussi poja (1825-1899) ja sümfonist Bruckneri (1824-1896) – loomingulisuse suhetes.
Kui võrrelda 19. sajandi Austria ja Saksa muusikat, kerkib paratamatult küsimus muusikateatrist. Saksamaal oli romantismi ajastul ooper, alustades Hoffmannist, ülimalt tähtsal kohal žanrina, mis suudab kõige täielikumalt väljendada rahvuskultuuri aktuaalseid probleeme. Ja pole juhus, et muusikadraama Wagnerad oli Saksa teatri grandioosne vallutus.Austrias ei krooninud Schuberti korduvaid katseid teatriväljal edu saavutada.stiimulid tõsiseks ooperiloominguks, ei aidanud loomingule kaasa "suurepärase stiili" teatriteostest. Kuid õitsesid komöödiategelase rahvalavastused - Ferdinand Raimundi laulud Wenzel Mülleri ja Joseph Drexleri muusikaga ning hiljem - I. N. Nestroy (1801-) kodumaised laulud. 1862) Selle tulemusena ei määranud Austria muusikateatri saavutused Euroopa mastaabis mitte muusikaline draama, vaid 70ndatel tekkinud Viini operett.
Hoolimata kõigist nendest ja muudest erinevustest Austria ja Saksa muusika arengus on mõlema maa romantilises kunstis palju enam märgata ühisosa jooni. Millised on eripärad, mis eristasid Schuberti, Weberi ja nende lähimate järglaste – Mendelssohni ja Schumanni – loomingut teiste Euroopa maade romantilise muusika hulgast?
Intiimsed, hingestatud laulusõnad, mis on kaetud unelmusega, on eriti omased Schubertile, Weberile, Mendelssohnile, Schumannile. Nende muusikas domineerib see meloodiline, oma päritolult puhtalt vokaalne meloodia, mida tavaliselt seostatakse saksa "Lied" mõistega. See stiil on ühtviisi iseloomulik nii lauludele kui ka paljudele Schuberti meloodilistele instrumentaalteemadele, Weberi lüürilistele ooperiaariatele, Mendelssohni sõnadeta lauludele, Schumanni “Ebzebievi” kujunditele. Sellele stiilile omane meloodia erineb aga Bellini spetsiifiliselt itaaliakeelsest ooperikantileenist, aga ka prantsuse romantikutele iseloomulikest mõjutatud-deklamatiivsetest fraasidest (Berlioz, Menerbeer).
Võrreldes progressiivse prantsuse romantismiga, mida iseloomustab optimistlik ja tõhus ning täis kodanlikku, kangelaslik-revolutsioonilist paatost, on Austria ja Saksa romantism üldiselt mõtisklevam, enesesse süvenenud, subjektiivselt lüürilisem. Kuid selle peamine tugevus seisneb inimese sisemaailma avalikustamises, selles sügavas psühhologismis, mis ilmnes eriti täielikult Austria ja Saksa muusikas, põhjustades paljude muusikateoste vastupandamatu kunstilise mõju. See. siiski ei välista see mõningaid eredaid kangelaslikkuse ja patriotismi ilminguid Austria ja Saksamaa romantikute loomingus. Sellised on Schuberti võimas kangelas-eepiline sümfoonia C-duur ja mõned tema laulud (Autojuht Kronosele, Rühm põrgust jt), Weberi kooritsükkel Lüüra ja mõõk (isamaapoeedi T värssidele). Kerner "Sümfoonilised etüüdid "Schumann, tema laul" Kaks grenaderi ", lõpuks üksikud kangelaslikud leheküljed sellistes teostes nagu Mendelssohni Šoti sümfoonia (finaalis apoteoos), Schumanni karneval (finaal, tema kolmas sümfoonia (esimene). Kuid Beethoveni kangelaslik plaan, võitluse titaanlus sünnib uuesti na uus alus hiljem - Wagneri kangelas-eepilistes muusikalistes draamades. Saksa-Austria romantismi esimestel etappidel väljendub aktiivne, aktiivne põhimõte palju sagedamini piltides pateetilisest, ärevast, mässumeelsest, kuid mitte peegeldavast, nagu Beethovenil, sihikindlast ja võidukast võitlusprotsessist. Sellised on Schuberti laulud "Shelter" ja "Atlant", Florestani kujundid Schumannist, tema avamäng "Manfred", Mendelssohni avamäng "Rune Blaz".

Austria ja Saksa romantiliste heliloojate loomingus on looduspiltidel äärmiselt oluline koht. Eriti suur on looduspiltide "empaatiline" roll Schuberti vokaaltsüklites ja Schumanni tsüklis "Poeedi armastus". Muusikaline maastik on Mendelssohni sümfoonilistes teostes laialdaselt arenenud; seda seostatakse peamiselt mereelementidega ("Šoti sümfoonia", avamängud "Hebriidid", "Mere rahulik ja õnnelik purjetamine"). Kuid maastikukujundite saksapäraseks tunnuseks oli see “metsaromantika”, mis on nii poeetiliselt kehastunud Weberi „Võluvibu ja Oberoni“ avamängude sissejuhatustesse, Nokturnis Mendelssohni muusikast Shakespeare’i komöödiani „Suveöö unenägu“. Siit ulatuvad niidid selliste Bruckneri sümfooniateni nagu neljas ("Romantiline") ja seitsmes, sümfoonilise maastikuni "Metsa kohin" Wagneri tetraloogias ja metsapildini Mahleri ​​esimeses sümfoonias.
Romantiline ideaaliigatsus Saksa-Austria muusikas leiab konkreetse väljenduse eelkõige eksirännakute, õnneotsingute teemas teisel, tundmatul maal. Kõige selgemini oli see näha Schuberti teostes (Rändaja, Ilus veskinaine, Talvine tee) ja hiljem Wagneri piltidel Lendavast Hollandlasest, Rändurist Wotanist, rändavast Siegfriedist. See 80. aastate traditsioon viib Mahleri ​​tsüklini "Rändava praktikandi laulud".
Fantastilistele kujunditele pandud suur rõhk on ka Saksa-Austria romantismi tüüpiline rahvuslik joon (see avaldas otsest mõju prantsuse romantikule Berliozile). See on esiteks kurjuse fantaasia, deemonism, mis leidis oma ilmekama kehastuse Weberi ooperist "Võlutulistaja" "Sienas Hundiorus", Marschneri "Vampiiris", Mendelssohni kantaadis "Walpurgi öö" ja mitmes numbris. teistest teostest. Teiseks on ilukirjandus kerge, peen ja poeetiline, sulanduv kaunite looduspiltidega, täis entusiasmi: stseenid Weberi ooperis Oberon, Mendelssohni avamäng „Suveöö unenägu“ ja seejärel Wagneri „Lohengrini, Graali käskjala“ kujund. Vahekoht kuulub siin paljudele Schumanni kujunditele, kus ilukirjandus kehastab imelist, veidrat algust, kurjuse ja hea probleemile erilist rõhku panemata.
Muusikakeeles moodustas Austria ja Saksa romantism terve ajastu, mis oli kunsti väljendusvahendite üldise arengu seisukohalt äärmiselt oluline. Peatumata iga suurema helilooja stiili omanäolisusel eraldi, pangem tähele levinumaid jooni ja tendentse.

Laialt rakendatud "laulu" põhimõte – tüüpiline üldine tendents romantiliste heliloojate loomingus – laieneb ka nende instrumentaalmuusikale. Sellega saavutatakse meloodia suurepärane individualiseerimine õigete laulu- ja deklamatsioonipöörete iseloomulike kombinatsioonide, aluste laulmise, kromatiseerimise jne abil. Harmooniline keel on rikastatud: klassikale omased harmoonilised valemid asenduvad paindlikuma ja mitmekesisema harmooniaga. , plugaalsuse roll, harmoonia sekundaarsed astmed suureneb. Suur tähtsus on harmoonia värvilisel poolel. Iseloomulik on ka duuri ja molli järk-järgult suurenev läbisaamine. Nii et sisuliselt pärineb Schubertilt samanimelise duur-molli võrdlemise traditsioon (sagedamini duur molli järel), kuna sellest on saanud tema loomingus lemmiktehnika. Harmoonilise duuri kasutusala laieneb (eriti iseloomulikud on minoorsed subdominandid suurteoste kadentsides). Seoses indiviidi rõhutamisega, pildi lörtsiste detailide väljaselgitamisega on plusse ka orkestratsiooni vallas (konkreetse tämbrivärvi tähendus, soolopillide osatähtsuse suurenemine, tähelepanu uutele esitatavatele keelpillitõmmetele , jne.). Aga orkester ise oma klassikalist koosseisu põhimõtteliselt veel ei muuda.
Saksa ja Austria romantikud olid suuremal määral romantilise programmi rajajad (Berlioz võis nende saavutustele toetuda oma fantastilises sümfoonias). Ja kuigi näib, et programmilisus kui selline pole Austria romantiku Schubertile omane, määras tema laulude klaveripartii küllastus pildiliste hetkedega, varjatud programmeeritavuse elementide olemasolu tema suurte instrumentaalteoste dramaatilisuses. helilooja märkimisväärne panus programmiliste põhimõtete arendamisse muusikas. Saksa romantikutel on juba ilmne programmilisuse soov nii klaverimuusikas (Weberi kutse tantsule, Concertstuck, Schumanni süittsüklid, Mendelssohni laulud sõnadeta) kui ka sümfoonilises muusikas (Weberi ooperi avamängud, kontserdi avamängud, Mendelssohni avamäng "Mandelssohni avamäng" " autor Schumann).
Austria ja saksa romantikute roll uute kompositsiooniprintsiipide loomisel on suur. Klassika sonaat-sümfoonilised tsüklid asenduvad instrumentaalsete miniatuuridega; Schuberti poolt vokaalsõnade vallas elavalt arendatud miniatuuride tsüklistamine kandub üle instrumentaalmuusikasse (Schumann). Ilmusid ka suured ühehäälsed kompositsioonid, mis ühendasid sonaadi ja tsüklilisuse põhimõtet (Schuberti klaverifantaasia C-duur, Weberi "Concertstuck", Schumanni esimene C-duur fantaasia osa). Sonaat-sümfoonilised tsüklid teevad omakorda olulisi muutusi romantikutes, neid on Erinevat tüüpi"Romantiline sonaat", "romantiline sümfoonia". Kuid sellegipoolest oli peamine vallutus muusikalise mõtlemise uus kvaliteet, mis viis täissisu ja väljendusjõuga miniatuuride loomiseni - see eriline muusikalise väljenduse kontsentratsioon, mis muutis üksiku laulu või üheosalise klaveripala sügava muusika keskmesse. ideid ja kogemusi.

Kiiresti areneva Austria ja Saksa romantismi eesotsas 19. sajandi esimesel poolel ei olnud mitte ainult hiilgavalt andekad, vaid ka oma vaadetes ja püüdlustes arenenud isiksused. See määras nende muusikalise loovuse kestva tähtsuse, olulisuse "uue klassikuna", mis sai selgeks juba sajandi lõpuks, mil saksa keele maade muusikaklassikat esindasid sisuliselt mitte ainult sajandi suured heliloojad ja Beethoven, aga ka suured romantikud - Schubert , Schumann, Weber, Mendelssohn. Need tähelepanuväärsed muusikaromantismi esindajad, austades sügavalt oma eelkäijaid ja arendades paljusid oma saavutusi, suutsid samal ajal avada täiesti uue muusikalise kujundimaailma ja neile vastavaid kompositsioonivorme. Nende loomingus valitsev isikupärane toon oli kooskõlas demokraatlike masside meeleolu ja mõtetega. Nad kinnitasid muusikas seda ekspressiivsuse iseloomu, mida BV Asafjev iseloomustas tabavalt kui „elavat kommunikatiivset kõnet, südamest südamesse” ja mis teeb Schuberti ja Schumanni suguluseks Chopini, Griegi, Tšaikovski ja Verdiga. Asafjev kirjutas romantilise muusikasuuna humanistlikust väärtusest: „Isiklik teadvus ei avaldu mitte selle eraldatuses, uhkes eraldatuses, vaid omamoodi kunstilises peegelduses kõigest, millega inimesed elavad ja mis neile alati ja paratamatult muret teeb. Sellises lihtsuses kõlavad alati ilusad mõtted ja mõtted elust - inimeses leiduva parima koondumine.

Romantism muusikas

Peamine artikkel: Romantismi perioodi muusika

Muusikas arenes romantismi suund välja aastal 1820 aastatel võttis selle areng kogu XIX sajandil. Romantilised heliloojad püüdsid muusikaliste vahendite abil väljendada inimese sisemaailma sügavust ja rikkust. Muusika muutub elavamaks, individuaalsemaks. Arenevad laulužanrid, sh ballaad.

Romantismi esindajad muusikas on: Austria - Franz Schubert; v Saksamaa - Ernest Theodor Hoffmann, Karl Maria Weber,Richard Wagner, Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Ludwig Spohr; v Itaaliast - Niccolo Paganini, Vincenzo Bellini, vara Giuseppe Verdi; sisse Prantsusmaa - G. Berlioz, D.F. Aubert, J. Meyerbeer; v Poola - Frederic Chopin; v Ungari - Franz Liszt.

Venemaal, romantismi peavoolus, töötasid nad A. A. Aljabjev, M. I. Glinka, Dargomõžski, Balakirev, N. A. Rimski-Korsakov, Mussorgski,Borodin, Cui, P. I. Tšaikovski.

Kunstide sünteesi idee leidis väljenduse romantismi ideoloogias ja praktikas. Romantism muusikas kujunes välja 19. sajandi 20ndatel romantismi kirjanduse mõjul ja arenes tihedas seoses sellega, kirjandusega üldiselt (pöördumine sünteetilistele žanritele, eeskätt ooperile, laulule, instrumentaalminiatuurile ja muusikalisele programmilisusele) . Romantismile omane pöördumine inimese sisemaailma poole väljendus subjektiivse, emotsionaalselt intensiivse iha kultuses, mis määras romantismi muusika ja laulusõnade ülimuslikkuse.

19. sajandi 1. poole muusika arenes kiiresti. Ilmunud on uus muusikaline keel; instrumentaal- ja kammer-vokaalmuusikas on miniatuuridel eriline koht; orkester kõlas mitmekesise värvispektriga; klaveri ja viiuli võimalused avanesid uuel viisil; romantikute muusika oli väga virtuoosne.

Muusikaline romantism avaldus paljudes erinevates harudes, mis olid seotud erinevate rahvuskultuuride ja erinevate ühiskondlike liikumistega. Nii erinevad näiteks saksa romantikute intiimne, lüüriline stiil ja prantsuse heliloojate loomingule omane "oratoorse" kodanlik paatos oluliselt. Omakorda laiaulatusliku rahvusliku vabanemisliikumise alusel tekkinud uute rahvuslike koolkondade esindajad (Chopin, Moniuszko, Dvorak, Smetana, Grieg), aga ka Risorgimento liikumisega tihedalt seotud Itaalia ooperikoolkonna esindajad (Verdi, Bellini), erineb paljuski Saksamaa, Austria või Prantsusmaa kaasaegsetest, eriti kalduvus säilitada klassikalisi traditsioone.

Ja sellegipoolest iseloomustavad neid kõiki ühiseid kunstiprintsiipe, mis võimaldavad rääkida ühest romantilisest mõttestruktuurist.

Tänu muusika erilisele võimele avada sügavalt ja läbitungivalt inimkonna rikkalikku kogemustemaailma, asetab romantiline esteetika selle teiste kunstide seas esikohale. Paljud romantikud rõhutasid muusika intuitiivset algust, omistades sellele võimet väljendada "tundmatut". Silmapaistvate romantiliste heliloojate teostel oli kindel realistlik alus. Elurõõmu tavalised inimesed, elutäius ja tundetõde, igapäevaelu muusikale toetumine määras muusikaromantismi parimate esindajate loovuse realismi. Reaktsioonikalduvused (müstika, reaalsusest põgenemine) on omased vaid suhteliselt väikesele hulgale romantikute teostele. Need avaldusid osaliselt Weberi ooperis "Euryant" (1823), mõnes Wagneri muusikadraamas, Liszti oratooriumis "Kristus" (1862) jm.

19. sajandi alguseks ilmusid fundamentaalsed uurimused folkloorist, ajaloost, antiikkirjandusest, taaselustati keskaegseid legende, gooti kunsti ja renessansi kultuuri. Just sel ajal kujunes Euroopa komponeerimisloomingus välja palju eritüüpi rahvuskoolkondi, mille eesmärk oli oluliselt laiendada Euroopa ühiskultuuri piire. vene keel, mis saavutas maailma kultuuriloovuses peagi kui mitte esimese, siis ühe esikoha (Glinka, Dargomõžski, "Kutškistid", Tšaikovski), poola (Chopin, Moniuszko), tšehhi (Smetana, Dvorak), ungari (Liszt). ), seejärel norra (Grieg), hispaania (Pedrell), soome (Sibelius), inglise (Elgar) - kõik need, sulandudes Euroopa helilooja loomingu üldisesse kanalisse, ei vastandanud end kuidagi väljakujunenud iidsetele traditsioonidele. Tekkis uus kujundite ring, mis väljendas rahvuskultuuri, millesse helilooja kuulus, ainulaadseid rahvuslikke jooni. Teose intonatsiooniline struktuur võimaldab koheselt kõrva järgi ära tunda kuuluvuse konkreetsesse rahvuskooli.

Heliloojad kaasavad oma maade vana, valdavalt talupoegliku folkloori intonatsioonipöördeid Euroopa ühisesse muusikakeelde. Nad justkui puhastasid vene rahvalaulu lakitud ooperist, viisid rahvažanrite laulupöörded 18. sajandi kosmopoliitsesse intonatsioonisüsteemi. Klassitsismi kujundliku sfääriga võrreldes eriti selgelt tajutav nähtus romantismi muusikas on lüürilise ja psühholoogilise printsiibi domineerimine. Muidugi on muusikakunsti üldiseks eripäraks mistahes nähtuse murdumine tunnete sfääri kaudu. Sellele mustrile allub kõigi ajastute muusika. Kuid romantikud ületasid kõiki oma eelkäijaid lüürilise printsiibi tähenduses oma muusikas, jõu ja täiuslikkuse poolest inimese sisemaailma sügavuste, peenemate meeleoluvarjundite edasiandmisel.

Armastuse teemal on selles domineeriv koht, sest just see meeleseisund peegeldab kõige põhjalikumalt ja täielikumalt kõiki inimpsüühika sügavusi ja nüansse. Kuid on väga iseloomulik, et see teema ei piirdu armastuse motiividega selle sõna otseses tähenduses, vaid on samastatud kõige laiema nähtuste ringiga. Kangelaste puhtlüürilised kogemused avanevad laia ajaloolise panoraami taustal. Inimese armastus oma kodu, isamaa, oma rahva vastu – läbib pidev niit kõigi heliloojate – romantikute loomingut.

Väike- ja suurvormide muusikateostes on tohutu koht looduspildile, mis on tihedalt ja lahutamatult põimunud lüürilise pihtimuse teemaga. Sarnaselt armastuse piltidega isikustab looduspilt kangelase meeleseisundit, mida sageli värvib reaalsusega ebakõla tunne.

Fantaasiateema konkureerib sageli looduspiltidega, mille genereerib ilmselt soov põgeneda päriselu vangistusest. Romantikutele on omased imelise maailma otsingud, mis sädelevad värviküllusest, vastandudes hallile argipäevale. Just neil aastatel rikastus kirjandus muinasjuttude, vene kirjanike ballaadidega. Romantilise koolkonna heliloojate jaoks omandavad vapustavad, fantastilised kujundid ainulaadse rahvusliku värvingu. Ballaadid on inspireeritud vene kirjanikest ja tänu sellele sünnivad fantastilise groteskse plaaniga teosed, mis sümboliseerivad justkui usu nigelat poolt, püüdes murda ideid hirmust kurjuse jõudude ees.

Paljud romantilised heliloojad esinesid ka muusika kirjutajate ja kriitikutena (Weber, Berlioz, Wagner, Liszt jt). Progressiivse romantismi esindajate teoreetiline töö andis väga olulise panuse muusikakunsti olulisemate küsimuste arendamisse. Romantism leidis väljenduse etenduskunstides (viiuldaja Paganini, laulja A. Nurri jt).

Romantismi progressiivne tähendus sel perioodil peitub peamiselt tegevuses Franz Liszt... Liszti looming oli vastuolulisest maailmavaatest hoolimata põhimõtteliselt progressiivne, realistlik. Ungari muusika üks rajajaid ja klassik, silmapaistev rahvuskunstnik.

Paljudes Liszti teostes on Ungari rahvusteemad laialdaselt kajastatud. Liszti romantilised, virtuoossed kompositsioonid avardasid klaverimängu tehnilisi ja väljenduslikke võimalusi (kontserdid, sonaadid). Olulised olid Liszti sidemed vene muusika esindajatega, mille loomingut ta aktiivselt propageeris.

Samal ajal mängis Liszt olulist rolli maailma muusikakunsti arengus. Pärast Lisztit sai klaveri jaoks kõik võimalikuks. Konkreetsed tunnused tema muusika on improvisatsiooniline, romantiline tunnete ülendamine, ilmekas meloodia. Lisztit hinnatakse helilooja, interpreedi, muusikalise tegelasena. Helilooja olulisemad teosed: ooper “ Don Sancho ehk armastuse loss"(1825), 13 sümfoonilist poeemi" Tasso”, ” Prometheus”, “Hamlet"Ja teised, teosed orkestrile, 2 kontserti klaverile ja orkestrile, 75 romanssi, koorid ja muud mitte vähem kuulsad teosed.

Üks esimesi romantismi ilminguid muusikas oli loovus Franz Schubert(1797-1828). Schubert läks muusikaajalukku kui muusikaromantismi suurim rajaja ja mitmete uute žanrite looja: romantiline sümfoonia, klaveriminiatuur, lüürilis-romantiline laul (romantika). Tema töös on suurim tähtsus laul, milles ta näitas eriti palju uuenduslikke kalduvusi. Schuberti lauludes avaldub kõige sügavamalt inimese sisemaailm, tema jaoks on kõige märgatavam seos rahva-argimuusikaga, kõige selgemini avaldub tema ande üks olulisemaid jooni - hämmastav mitmekesisus, ilu. , meloodiate võlu. Varajase perioodi parimate laulude hulka kuuluvad " Margarita ketrusratta juures”(1814) , “Metsakuningas”. Mõlemad laulud on Goethe sõnadega kirjutatud. Esimeses neist meenutab hüljatud tüdruk oma kallimat. Ta on üksildane ja valutab sügavalt, tema laul on kurb. Lihtsat ja hingestatud meloodiat kajab vastu vaid üksluine tuulesumin. “Metsakuningas” on keeruline tükk. See ei ole laul, vaid pigem dramaatiline stseen, kus meie ette astuvad kolm tegelast: läbi metsa hobusega kappav isa, haige laps, keda ta endaga kaasas kannab, ja hirmuäratav metsakuningas, kes ilmub poisile palavikuline deliirium. Igaüks neist on varustatud oma meloodiakeelega. Mitte vähem kuulsad ja armastatud pole Schuberti laulud "Forell", "Barcarolla", "Hommikuserenaad". Hilisematel aastatel kirjutatud laule eristab üllatavalt lihtne ja ilmekas meloodia, värsked värvid.

Schubert kirjutas ka kaks laulutsüklit - " Armas mölder"(1823) ja" Talvine rada”(1872) - saksa poeedi Wilhelm Mülleri sõnadele. Igas neist ühendab laule üks süžee. Tsükli "Ilus mölder" laulud räägivad ühest noorest poisist. Järgides oja voolu, asub ta teele oma õnne otsima. Enamik selle tsükli lugusid on kerge iseloomuga. Tsükli "Talverada" meeleolu on hoopis teine. Rikas pruut lükkab vaese noormehe tagasi. Meeleheitel lahkub ta kodulinnast ja lahkub maailma rändama. Tema kaaslasteks on tuul, tuisk, kurjakuulutavalt krooksuvad varesed.

Siin toodud vähesed näited lubavad rääkida Schuberti laululoomingu iseärasustest.

Schubertile meeldis väga kirjutada muusika klaverile... Selle instrumendi jaoks kirjutas ta tohutul hulgal teoseid. Nagu laulud, olid ka tema klaveriteosed lähedased igapäevamuusikale ning sama lihtsad ja arusaadavad. Tema kompositsioonide lemmikžanrid olid tantsud, marsid ja tema elu viimastel aastatel eksprompt.

Valsid ja muud tantsud esinesid tavaliselt koos Schubertiga ballidel, maal jalutuskäikudel. Seal ta improviseeris neid ja salvestas need kodus.

Kui võrrelda Schuberti klaveripalasid tema lauludega, võib leida palju sarnasusi. Esiteks on see suurepärane meloodiline väljendusrikkus, graatsia, duuri ja molli värvikas kõrvutamine.

Üks suurimaid prantsuse keel 19. sajandi teise poole heliloojad olid Georges Bizet, muusikateatri surematu loomingu looja - ooper “Carmen"Ja imeline muusika Alphonse Daudeti draamale" arleeslane”.

Bizet’ loomingut iseloomustab mõtte täpsus ja selgus, väljendusvahendite uudsus ja värskus, vormi terviklikkus ja graatsilisus. Bizet’le on omane psühholoogilise analüüsi teravus inimtunnete ja tegude mõistmisel, mis on omane helilooja suurte kaasmaalaste – kirjanike Balzaci, Flaubert’i, Maupassanti – loomingule. Žanriliselt mitmekesise Bizet’ loomingu keskne koht kuulub ooperile. Helilooja ooperikunst tekkis rahvuslikul pinnasel ja sai toitu Prantsuse ooperimaja traditsioonidest. Bizet uskus, et tema loomingu esimene ülesanne on ületada prantsuse ooperis eksisteerivad žanripiirangud, mis takistavad selle arengut. “Bolshoi” ooper tundub talle surnud žanrina, lüürika - ärritab oma pisaruse ja filisterliku kitsarinnalisusega, koomiline väärib teistest rohkem tähelepanu. Esimest korda Bizet’ ooperis ilmuvad ooperis mahlane ja särtsakas argielu ja rahvastseenid, mis aimavad elu ja erksaid stseene.

Bizet' muusika Alphonse Daudet' draamale "Arleeslane"On tuntud peamiselt kahe kontserdisüidi poolest, mis on koostatud tema parimatest numbritest. Bizet kasutas autentseid Provence'i meloodiaid : "Kolme kuninga marss" ja "Fresky hobuste tants".

Opera Bizet" Carmen"Kas muusikadraama, mis rullub vaataja ette veenva tõepärasuse ja hingematvalt kunstilise jõuga, lugu oma kangelaste: sõdur Jose ja mustlane Carmeni armastusest ja surmast. Opera Carmen loodi prantsuse muusikateatri traditsioonide põhjal, kuid samas tõi see palju uut. Rahvusooperi parimatele saavutustele toetudes ja selle olulisemaid elemente reformides lõi Bizet uue žanri – realistliku muusikadraama.

19. sajandi ooperiteatri ajaloos on ooper "Carmen" ühel esikohal. Alates 1876. aastast algab tema triumfirongkäik Viini, Brüsseli ja Londoni ooperiteatrite lavadel.

Isikliku keskkonnasuhte avaldumine väljendus poeetides ja muusikutes eelkõige väite spontaansuses, emotsionaalses "avatuses" ja kirglikkuses, soovis kuulajat veenda pihtimustooni lakkamatu intensiivsuse abil või ülestunnistus.

Need uued kunstisuunad avaldasid välimusele otsustavat mõju lüüriline ooper... See tekkis "suure" ja koomilise ooperi vastandina, kuid ei saanud ignoreerida nende vallutusi ja saavutusi ooperidraama ja muusikaliste väljendusvahendite vallas.

Uue ooperižanri eripäraks on mis tahes kirjandusliku süžee lüüriline tõlgendamine - ajaloolisel, filosoofilisel või kaasaegsel teemal. Lüürilise ooperi kangelased on varustatud tavainimeste joontega, ilma romantilisele ooperile omase eksklusiivsuse ja mõningase liialduseta. Oluliseim kunstnik lüürilise ooperi vallas oli Charles Gounod.

Gounod’ küllaltki arvuka ooperipärandi hulgas on ooper “ Faust" on erilisel ja, võib öelda, erakordsel kohal. Tema ülemaailmne kuulsus ja populaarsus on võrreldamatu ühegi teise Gounod’ ooperiga. Ooperi „Faust“ ajalooline tähendus on eriti suur, sest see ei olnud mitte ainult parim, vaid sisuliselt esimene uue suuna ooperite seas, mille kohta Tšaikovski kirjutas: „Võimatu eitada, et Faust on kirjutatud, kui mitte geniaalselt. siis erakordse oskusega ja ilma olulise identiteedita." Fausti kujund tasandab tema teadvuse teravat vastuolu ja “kahelisust”, igavest rahulolematust, mis on põhjustatud maailma tunnetamise soovist. Gounod ei suutnud edasi anda Goethe Mefistofelese kujundi kogu mitmekülgsust ja keerukust, kes kehastas selle ajastu sõjaka kriitika vaimu.

"Fausti" populaarsuse üks peamisi põhjusi oli see, et see koondas lüürilise ooperi nooržanri parimad ja põhimõtteliselt uued jooned: ooperikangelaste sisemaailma emotsionaalselt vahetu ja eredalt individuaalne edasiandmine. Goethe "Fausti" sügavat filosoofilist tähendust, mis püüdis peategelaste konflikti näitel paljastada kogu inimkonna ajaloolisi ja sotsiaalseid saatusi, kehastas Gounod Marguerite'i ja Fausti humaanse lüürilise draama vormis. .

Prantsuse helilooja, dirigent, muusikakriitik Hector Berlioz astus muusikaajalukku suure romantilise heliloojana, kavalise sümfoonia loojana, uuendajana muusikalise vormi, harmoonia ja eriti instrumentatsiooni vallas. Tema töös leidsid nad revolutsioonilise paatose ja kangelaslikkuse tunnuste elava kehastuse. Berlioz oli tuttav M. Glinkaga, kelle muusikat ta kõrgelt hindas. Ta oli sõbralikes suhetes "Vägeva peotäie" juhtidega, kes võtsid entusiastlikult vastu tema töid ja loomingulisi põhimõtteid.

Ta lõi 5 muusikalist lavateost, sealhulgas ooperi " Benvenuto Cillini”(1838), “ Troojalased”,”Beatrice ja Benedict”(Shakespeare'i komöödia „Palju kära ei millestki” põhjal, 1862); 23 vokaal- ja sümfoonilist teost, 31 romanssi, refrääni, kirjutas raamatud “Suur traktaat kaasaegsest instrumentatsioonist ja orkestratsioonist” (1844), “Õhtud orkestris” (1853), “Läbi laulude” (1862), “Muusikalised kurioosumid”. ” ( 1859), “Memuaarid” (1870), artiklid, ülevaated.

saksa keel helilooja, dirigent, dramaturg, publitsist Richard Wagner läks maailma muusikakultuuri ajalukku kui üks suurimaid muusikaloojaid ja ooperikunsti suuremaid reformijaid. Tema reformide eesmärk oli luua monumentaalne programmiline vokaal- ja sümfooniline teos dramaatilises vormis, mis on mõeldud asendama kõiki ooperi- ja sümfoonilise muusika liike. Selline teos oli muusikaline draama, milles muusika voolab pidevas voolus, sulatades kokku kõik dramaatilised lülid. Olles lõpetanud laulmise maha jätnud, asendas Wagner need omamoodi emotsionaalselt rikkaliku retsitatiiviga. Wagneri ooperites on olulisel kohal iseseisvad orkestriepisoodid, mis on väärtuslik panus maailma sümfoonilisse muusikasse.

Wagneri käele kuulub 13 ooperit: “ Lendav hollandlane "(1843), Tannhäuser (1845), Tristan ja Isolde (1865), Reini kuld" (1869) ja jne; koorid, klaveripalad, romansid.

Teine silmapaistev saksa helilooja, dirigent, pianist, õpetaja, muusikategelane oli Felix Mendelssohn-Bartholdy... 9-aastaselt hakkas ta esinema pianistina, 17-aastaselt lõi ta ühe meistriteostest - komöödia avamängu " Suveöö unenägu" Shakespeare. 1843. aastal asutas ta Leipzigis Saksamaa esimese konservatooriumi. Mendelssohni, "romantikute klassika" loomingus on romantilised jooned ühendatud klassikalise mõtlemise struktuuriga. Tema muusikat iseloomustavad helge meloodia, väljendusdemokraatlikkus, tunnete mõõdukus, mõtterahu, helgete emotsioonide ülekaal, lüürilised meeleolud, mis ei puudu ka kergelt sentimentaalsusest, vormide laitmatus ja hiilgav oskus. R. Schumann nimetas seda "19. sajandi Mozartiks", G. Heine - "muusikaliseks imeks".

Maastikuromantiliste sümfooniate ("Šoti", "Itaalia"), kavaliste kontserdi avamängude, populaarse viiulikontserdi, palade tsüklite klaverile "Sõnadeta laul" autor; ooper "Camacho pulm." Ta kirjutas muusika draamalavastusele "Antigone" (1841), Sophoklese "Oidipus Colonis" (1845), Racine'i "Athalia" (1845), Shakespeare'i "Suveöö unenägu" (1843). ) ja teised; oratooriumid "Paul" (1836), "Eelias" (1846); 2 kontserti klaverile ja 2 viiulile.

Vitaalia keel muusikakultuuri eriline koht kuulub GiuseppeleVerdi- silmapaistev helilooja, dirigent, organist. Verdi töö põhivaldkond on ooper. Tegutses peamiselt itaalia rahva kangelaslik-patriootiliste tunnete ja rahvuslike vabanemisideede väljendajana. Järgnevatel aastatel pööras ta tähelepanu dramaatilistele konfliktidele, mida tekitas sotsiaalne ebavõrdsus, vägivald, rõhumine, mõistis oma ooperites hukka kurjuse. Verdi loomingule iseloomulikud jooned: muusika rahvuslikkus, dramaatiline temperament, meloodiline helgus, lavaseaduste mõistmine.

Ta kirjutas 26 ooperit: " Nabucco "," Macbeth "," Trubaduur "," La Traviata "," Othello "," Aida" ja jne . , 20 romanssi, vokaalansamblit .

Noor norra keel helilooja Edvard Grieg (1843-1907) püüdis arendada rahvuslikku muusikat. See ei väljendunud mitte ainult tema loomingus, vaid ka Norra muusika propageerimises.

Kopenhaagenis veedetud aastate jooksul kirjutas Grieg palju muusikat: “ Poeetilised pildid" ja "Humoreskid" sonaat klaverile ja esimene viiulisonaat, laulud. Iga uue teosega saab selgemaks Griegi kuvand norra heliloojast. Õrnlüürilises "Poeetilistes piltides" (1863) murravad rahvuslikud jooned endiselt arglikult läbi. Rütmilist kujundit leidub sageli norra rahvamuusikas; see sai omaseks paljudele Griegi meloodiatele.

Griegi looming on ulatuslik ja mitmetahuline. Grieg kirjutas erinevas žanris teoseid. Klaverikontsert ja ballaadid, kolm sonaati viiulile ja klaverile ning sonaat tšellole ja klaverile – kvartett annab tunnistust Griegi pidevast ihast suurvormi järele. Samas jäi helilooja huvi instrumentaalminiatuuride vastu muutumatuks. Klaveriga samal määral köitis heliloojat kammervokaalminiatuur - romanss, laul. Ärge olge Griegi jaoks peamine, sümfoonilise loovuse ala tähistavad sellised meistriteosed nagu süidid " Per Gounod”, “Holbergi ajast”. Griegi loomingu üheks iseloomulikuks tüübiks on rahvalaulude ja -tantsude töötlus: lihtsate klaveripalade näol süittsükkel klaverile neljakäeline.

Griegi muusikaline keel on omanäoline. Helilooja stiili individuaalsuse määrab ennekõike sügav side norra rahvamuusikaga. Grieg kasutab laialdaselt žanritunnuseid, intonatsioonistruktuuri, rahvalaulu ja tantsumeloodiate rütmivormeleid.

Griegile omane tähelepanuväärne meloodia varieerimise ja variaarenduse valdamine on juurdunud rahvapärimustes meloodia korduvast kordamisest koos selle muutustega. "Olen salvestanud oma riigi rahvamuusikat." Nende sõnade taga peitub Griegi aupaklik suhtumine rahvakunsti ja selle määrava rolli tunnistamine tema enda loomingulisusele.

romantism ja lõpuks võimas realistlik ... järgnes. II. Romantism vene maalikunstis Romantism Venemaal oli teisiti...