lacuri rusesti. Lacuri artistice Schiță de lacuri artistice

Lacurile artistice rusești sunt unul dintre fenomenele remarcabile ale artei meșteșugurilor artistice din Rusia.

Pe teritoriul RSFSR, cele mai faimoase sunt șase centre pentru producția de lacuri artistice: Fedoskino, Palekh, Mstera, Kholuy - produse cu picturi în miniatură și Zhostovo, Nizhny Tagil - tăvi lăcuite cu pictură.

În Europa, lacurile artistice orientale au devenit cunoscute în secolul al XVI-lea. În secolele XVII-XVIII. Italia, Franța, Anglia și Germania își dezvoltă propria producție de produse de lac. În Rusia, arta picturii cu lac își are originea în secolul al XVIII-lea. Astfel, toată lucrarea de decorare a „dulapului de lac” din palatul de țară al lui Petru I a fost efectuată de maeștri „muncitori lac” ruși. Din secolul al XVIII-lea Au ajuns la noi cutii și vitrine lăcuite pictate. În a doua jumătate a secolului al XVIII-lea. pictura cu lac pe metal apare în Rusia (Nijni Tagil).

La sfârşitul secolului al XVIII-lea. În sat ia naștere un meșteșug al lacurilor artistice. Danilkovo lângă Moscova, care ulterior a fuzionat cu satul vecin Fedoskino. Fondatorul meșteșugului Fedoskino a fost negustorul P.I.Korobov, care, conform legendei, a adus în 1796 din Germania, din orașul Brunswick, câțiva meșteri care cunoșteau tehnologia confecționării cutiilor de priză din hârtie machéă și metodele de pictare a acestora și fondat în Danemarca mică fabrică Lkova pentru producția de produse din hârtie machéă. Experiența străinilor a fost în curând stăpânită și dezvoltată de meșterii locali. În 1818-1819 Fabrica a trecut la ginerele lui Korobov, P.V. Lukutin. Sub el și fiul său A.P. Lukutin, în anii 30-60 ai secolului al XIX-lea, când producția de produse cu lac a încetat peste tot în Europa de Vest, lacurile rusești au câștigat faimă în întreaga lume și au primit în mod repetat diplome și medalii de onoare la expoziții și târguri internaționale.

Pentru a face papier-mâché, se folosește carton obișnuit, din care benzi înguste sunt acoperite cu făină sau pastă de amidon, înfășurate în mai multe straturi (8 sau mai multe) pe semifabricate speciale în forma viitoarei cutii, presate și uscate timp de 2-3 zile. Apoi semifabricatele sunt impregnate cu ulei de in si intarite timp de 12 zile in dulapuri speciale de uscare. Papier-macheul finisat capătă culoarea caracteristică maro închis și rezistența lemnului. Produsele realizate din acesta sunt amorsate în 3 straturi (cu grunduri cu o compoziție specială), fiecare strat este uscat și șlefuit separat și acoperit cu două straturi de lac negru. Suprafața interioară a produsului este de obicei vopsită cu vopsea roșie (cinabru), deasupra căreia se aplică două straturi de lac ușor ulei. Perfecțiunea formei și calitatea tehnică a finisării produselor Lukutin au fost atât de ridicate încât lucrurile au fost frumoase și elegante chiar înainte ca mâna pictorului să le atingă. Artistul decorează produsul cu cea mai fină pictură în miniatură colorată (pe o suprafață ușor curățată). Pictura este acoperită cu mai multe straturi de lac incolor și lustruită până la strălucirea oglinzii. Alături de pictura în miniatură, se folosesc alte metode de decorare, mai simple: „tartan” (imitația unui model de țesătură scoțian), „broasca testoasă” (model de os de coajă de țestoasă), filigran (un model de elemente metalice pe lac umed). O altă tehnică de decorare a produselor Fedoskino se numește „circulație”; constă în faptul că un model în formă de rază este gravat pe lac negru uscat pe o căptușeală dintr-o foaie subțire de metal (argint, cupronickel sau cositor).

Miniaturiștii lui Fedoskina pictează cu vopsele de ulei. Ei și-au dezvoltat propriile tehnici speciale: „scris bine” și „scris prin”. Ei pictează dens în ulei pe un grund albit în trei sau patru straturi, iar fiecare strat de pictură („pictură”, „revopsire”, „glazură”, „evidențiere”) este uscat și acoperit cu lac transparent: astfel de multi- scrierea stratificată conferă profunzime picturii Fedoskino și saturația culorilor. Portretele în miniatură sunt create în principal folosind o scriere densă.

Scrierea de la capăt la capăt se face folosind vopsele glazurate transparente pe foiță de aur, sidef sau pudră de aluminiu. În același timp, culorile par să se aprindă din interior cu lumini multicolore. Efectele de culoare deosebit de nobile sunt produse de o căptușeală din sidef, pictură pe care creează nuanțe de culoare delicate care pot transmite strălucirea unei raze de soare și nuanțele de verde marin.

Gama de produse din fabrica Lukuta a fost neobișnuit de largă - farfurii pentru albume, blocuri de scris, cutii pentru dulciuri, „tobe pentru ceai și tutun”, „butoaie”, butoni din sidef și din hârtie mache, cutii pentru ace, pușculițe. , inele pentru șervețele, cutii pentru ochelari, suporturi pentru țigări, tăvi, compacte pentru pudră, cutii de creioane, cutii de țigări, cutii de priza etc.

Maeștrii Fedoskino aveau propriile lor subiecte preferate, în principal scene din viața populară. Folosind desene și gravuri litografiate, precum și lucrări ulterioare de pictură modernă de șevalet, ca mostre, fedoskiniții au reelaborat semnificativ originalele, subordonând compoziția și culoarea imaginii picturale designului artistic al întregului lucru, ținând cont de forma și designul acestuia.

Un exemplu de abordare creativă a originalelor este celebra „Troika” Fedoskino (vezi culoarea incl. 18). Ele se bazează pe desene litografiate ale artistului A. O. Orlovsky („Curierul țarului”, „Post Troika”) și alți artiști. Miniaturiștii, părăsind compoziția generală a litografiilor sau picturilor, au făcut de fiecare dată modificări imaginilor personajelor și interpretării peisajului.

La mijlocul secolului al XIX-lea. Principalele trăsături caracteristice ale limbajului vizual al artei Fedoskino apar. Pictura cu Fedoskino este realistă. Imaginile cu oameni, animale, plante păstrează proporții reale de forme, culori și au volum. Plauzibilitatea în reprezentarea naturii a fost combinată cu subordonarea picturii la sarcinile decorative ale soluției artistice generale a subiectului, care necesita o anumită convenție.

În 1904, după moartea ultimului Lukutin, fabrica s-a închis, dar pe baza ei în 1910 un grup de foști maeștri Lukutin a organizat artela Fedoskino a pictorilor. Astfel, tradiția artistică a miniaturii rusești de lac nu a fost întreruptă. După victoria Revoluției din octombrie, Fedoskino în miniatură

a primit o dezvoltare ulterioară. Mulți miniaturiști Fedoskino încetează să se bazeze pe originalele altora și își creează propriile lucrări. Primele încercări de o astfel de creativitate independentă au fost realizate în anii 30 de către A. A. Kruglikov, I. S. Semenov și alți meșteri.

După încheierea Marelui Război Patriotic, când tinerii artiști s-au întors din armată, au fost reluate căutările creative.

În anii 50-70, meșteri talentați lucrau în pescuit. Unul dintre miniaturiștii de frunte ai lui Fedoskin este Artistul Onorat al RSFSR, laureat al Premiului de Stat al RSFSR. I. E. Repin M. S. Chizhov, creând opere originale de artă în miniatură pe teme ale vieții fermelor colective: „Sărbătoarea de iarnă rusească în Fedoskino” (6.1), „Colectivizare”. Artist onorat al RSFSR M. G. Pashinin este un maestru al portretelor în miniatură, al vieții de zi cu zi și al genurilor de basm: „A. S. Pușkin pe Neva”, „Dans”, „Floare de piatră”, „Crăiasa zăpezii” (6.2).

O mare contribuție la arta modernă Fedoskino au fost miniaturi de peisaj ale Artistului Onorat al RSFSR, laureat al Premiului de Stat al RSFSR. I. E. Repina I. I. Strahova. Lucrările sale sunt dedicate naturii înconjurătoare - râuri cu maluri moi ierboase, poduri de lemn, cu figuri de copii din mediul rural. Stăpânind cu măiestrie tehnica scrisului din totdeauna, artistul combină cu pricepere culoarea vopselelor cu culoarea argintului și aurului. Lucrările lui Strahov sunt profund lirice. Conțin farmecul toamnei aurii, prospețimea pădurii de dimineață, luminată de razele aurii ale soarelui, tristețea blândă a unei zile cu ceață. Artistul și-a amintit lucrul în ansamblu, asigurându-se că compozițiile sale, în ceea ce privește generalitatea și silueta elementelor lor principale, sunt în armonie cu forma obiectului și fundalul principal - lac negru. Lucrările sale cele mai cunoscute sunt „Parcul în Boldino”, „Fedoskino” (vezi culoarea incl. 19), „Peisaj cu pod”.

Printre artiștii de frunte ai meșteșugului, un loc de onoare aparține artistului onorat al RSFSR B. D. Lipitsky. Multe dintre lucrările sale au devenit exemple clasice ale artei miniaturii Fedoskino. A creat portrete ale lui V.I. Lenin și ale asociaților săi. În același timp, realizările creative ale lui V. D. Lipitsky sunt următoarele lucrări: „Dans”, „Mesteacăn”, „Floare stacojie” (6.3).

În miniatura „Floarea stacojie”, executată pe cutie, artista a reușit să creeze imaginea unei rusoaice, plină de farmec și lirism. Privirea ei este îndreptată către tufa aurie, cu frunze late, din care a fost smulsă floarea fabuloasă. Peisajul de basm asupra căruia se desfășoară acțiunea este conceput cu succes. Lăsând canale negre între copaci, creând astfel o siluetă frumoasă a desenului, Lipitsky rezolvă simultan problema conectării miniaturii cu o cutie acoperită cu lac negru. În fața noastră se află o operă de artă decorativă populară care combină pictura în miniatură cu forma obiectului și scopul său cotidian.

Tradițiile lui Fedoskin sunt dezvoltate de artiști onorați ai RSFSR G. I. Larishev, Yu. V. Karapaev, artiștii P. N. Puchkov, A. A. Tolstov, V. D. Antonov și alții. Ei își dedică miniaturile construcțiilor moderne, pictează portrete ale personalităților politice sovietice și ale reprezentanților de seamă. a culturii ruse, creați miniaturi bazate pe subiecte istorice și de basm. Peisajul liric al regiunii Moscovei ocupă un loc mare în munca lor.

La fabrica de pictură în miniatură Ordinul Fedoskino al Insigna de Onoare, aproximativ două sute de pictori lucrează în ateliere strălucitoare, există o școală de artă profesională și un muzeu de pictură în miniatură.

În anii puterii sovietice, au apărut și s-au dezvoltat trei noi centre de pictură în miniatură pe hârtie pe hârtie în satele Palekh, regiunea Ivanovo și Mstera, regiunea Vladimir. şi Kholui, regiunea Ivanovo. Înainte de revoluție, pictura cu icoane exista în aceste sate. După victoria din octombrie, foști pictori de icoane au început să caute noi modalități de a-și folosi potențialul creativ. A fost necesar, bazându-se pe tradițiile artistice originale ale picturii antice rusești, purtate de pictorii locali de-a lungul secolelor, să ținem pasul cu vremurile, să creăm o artă fundamental nouă, care să răspundă intereselor oamenilor care construiesc o nouă societate. A fost o sarcină foarte dificilă -

să unească foști pictori de icoane în munca comună de creare a unei noi culturi socialiste. Istoricii de artă A.V. Bakushinsky, G.V. Zhidkov, V.M. Vasilenko au avut un rol important în soarta lui Palekh, Mstera, Kholui la începutul apariției meșteșugurilor. G.V. Yalovenko, M.A. Nekrasova și alții au lucrat mult cu aceste pescării.

Primul centru al artei noi a fost Palekh. Tradițiile picturii icoanelor din acest sat datează din secolele XVI-XVII. Cele mai bune lucrări iconografice ale paleșanilor au fost caracterizate de natura narativă; în cele mai multe cazuri, personajele lucrărilor lor au fost reprezentate în acțiune. Artiștii au pictat cu atenție detalii individuale specifice ale mediului care înconjoară sfinții, manifestând astfel interes pentru viața de zi cu zi, în viața reală. Pe icoanele lor vedem imagini cu palate fanteziste de basm, turnuri, colibe de sat sculptate, imagini cu îmbrăcăminte bogată și elegantă, tot felul de ustensile de sat, mereu frumoase și de bună calitate - tot ceea ce exprimă idealul țărănesc al unei vieți prospere și fericite. . Lucrările paleșanilor s-au distins prin plasticitatea deosebită a imaginilor lor și frumusețea ornamentelor lor, care exprimau dorința maestrului de a face lucrul vesel și de afirmare a vieții în starea sa interioară.

Pictorii de icoane din Palekh au rămas țărani și fermieri. Ei își exersau meșteșugul mai ales iarna, eliberați de munca câmpului. Această legătură cu pământul, cu țărănimea, a lăsat o amprentă deosebită asupra muncii lor și i-a ajutat să găsească o nouă cale în dezvoltarea artei lor.

La începutul anilor 20, palezienii au întreprins o serie de experimente în utilizarea tradiției antice a picturii rusești în pictarea obiectelor din lemn. Remarcabilul artist Palekh I. I. Golikov a fost primul care a folosit tempo-ul pentru pictura în miniatură.

cutii din papier maché acoperite cu lac negru, realizate după modelul produselor Fedoskino. Astfel s-a născut un nou meșteșug Palekh de pictură în miniatură cu lac. În 1924, a fost creat Palekh Artel of Ancient Painting, care a fost ulterior transformat în Atelierele de artă și producție ale filialei Palekh a Fondului de Artă al RSFSR.

Spre deosebire de Fedoskino, care își pictează miniaturile cu vopsele în ulei, Paleshanii lucrează cu tempera, pictează măcinat pe gălbenușul de ou. Această vopsea este diluată cu apă, așa că vopsirea cu ea, de regulă, este construită pe straturi foarte subțiri, aplicate succesiv unele pe altele. În același timp, cu consistența groasă a compoziției vopselei, tempera vă permite să lucrați folosind metoda loviturilor și a loviturilor de impasto (ca în pasteluri sau pictura în ulei).

În loc de grund, pictorii folosesc tempera albă groasă, pe care o aplică pe suprafața produselor de lac numai în acele locuri în care este destinată vopsirea. În alte locuri, lacul negru este o suprafață lipsită de vopsire. Astfel, deja în timpul amorsării are loc elaborarea inițială a volumelor de figuri, peisaj și forme arhitecturale. Fundalul în pictura Palekh rămâne întotdeauna suprafața lacului negru, lipsit de pictură. Prima etapă a scrierii este „deschiderea”. Artistul conturează literalmente formele de bază ale imaginii turnând vopsea din pensulă. Vopselele, flocate, formează tranziții și nuanțe de culoare moi, care se păstrează adesea până la sfârșitul picturii.

Urmează „înregistrarea”. În această etapă, tonurile de culoare principale sunt clarificate și sunt specificate formele imaginii. Folosind o perie subțire și vopsea închisă la culoare, artistul conturează forme, pliuri de îmbrăcăminte și detalii ale peisajului și arhitecturii. Volumele figurilor și obiectelor sunt stabilite folosind culori deschise și închise.

Apoi vin „plutirile” sau „stropii”, adică linii largi cu vopsele lichide, pure, care ridică structura de culoare a miniaturii și îi conferă o anumită integritate coloristică.

Pictura se termină cu o „strălucire”, care este produsă de aurul creat: liniile aurii, liniile și punctele aici transmit jocul fabulos al luminii soarelui asupra obiectelor.

Picturile în miniatură sunt de obicei încadrate cu ornamente de aur. Laturile cutiilor sunt, de asemenea, decorate cu modele ornamentale.

Pictura finită este acoperită cu șase straturi de lac ușor ulei, după care suprafața produsului este șlefuită și lustruită folosind metode deja cunoscute nouă.

Puritatea sonoră a culorilor strălucitoare care ies din adâncurile unui fundal negru, contururile aurii ale strălucirii și ornamentelor, virtuozitatea scrisului în miniatură - toate acestea fac ca lucrările maeștrilor Palekh să fie aproape de operele de artă de bijuterii. „Academia satului” Palekh este situată printre câmpuri și păduri, departe de zgomotul orașului, dar viața creativă aici curge într-un ritm intens. Aici, pentru prima dată în arta plastică sovietică, a apărut imaginea „Plugarului Roșu” (6.4), simbolizând o nouă viață în sat. Arta Palekh este caracterizată de un romantism entuziasmat în reprezentarea bătăliilor revoluționare, în interpretarea temelor și a intrigilor din realitatea modernă. În același timp, basmele, epopeele și istoria poporului rus ocupă un loc important în lucrările paleșanilor. În miniaturile lor, realul și fantasticul coexistă în mod capricios: oameni adevărați, case, copaci, iarbă coexistă aici cu „toboganele”, „camerele”, „copacii” și arborii cu flori fabuloase.

Fondatorii miniaturii Palekh au fost artiști onorati ai RSFSR I. I. Golikov, I. M. Bakanov, artiștii populari ai RSFSR I. V. Markichev, A. V. Kotukhin, I. P. Vakurov, artistul popular al URSS N. M. Zinoviev, precum și artiștii A. A. I. Zubkov și alții I. Zubkov Lucrarea fiecăruia dintre ei este o pagină strălucitoare în arta Palekh a picturii în miniatură. I. I. Golikov a dezvoltat o linie romantică în lucrările sale „Bătălie”, „Vânătoare”, „Troica”. „Artistul trebuie să arate în pictura sa un vârtej care mătură vechiul”, a spus el. Caracteristică în acest sens este una dintre primele sale lucrări - „Bătălia” în miniatură (vezi insertul de culoare 20). Se pare că totul s-a amestecat în această bătălie înflăcărată, dar totuși compoziția miniaturii este extrem de clară, precisă și logică. Este construit în cerc: războinici în haine strălucitoare și armuri strălucitoare pe cai multicolori în creștere, situati la marginile capacului lac al cutiei, se reped spre centru într-un singur impuls. Ritmul mișcării lor este subliniat de sulițe aurite încrucișate, indicând două forțe opuse. Fondul tradițional de lac negru Palekh, care contrastează puternic cu „revolta” strălucitoare a culorilor, contribuie semnificativ la intensitatea emoțională a lucrării.

De asemenea, remarcabile sunt lucrările sale dedicate lui Stepan Razin, ilustrațiile pentru „Povestea campaniei lui Igor” etc. Romantismului lui I. I. Golikov i se opune epicismul monumental al lui A. V. Kotukhin, care a creat în principal lucrări pe teme de basm și de zi cu zi. Lucrările sale „Povestea țarului Saltan” (6.5), „Pasarea de foc”, „Repararea tractoarelor” și altele se caracterizează printr-un stil narativ deosebit; artistul pare să spună o poveste distractivă. Pentru „Povestea țarului Saltan”, Kotukhin folosește nu numai capacul superior al cutiei, ci și părțile laterale ale acesteia. Miniatura centrală de pe capac este formată din trei părți. În centru se află sfârșitul basmului: întâlnirea țarului Saltan cu prințul Guidon. Dar apoi, în imagini reduse, se arată ceea ce a precedat aceasta: Prințul Guidon a văzut prin telescop corăbiile tatălui său care se apropiau, sunetul clopotelor anunță sosirea țarului Saltan pe insulă. Artistul încadrează cu pricepere un număr mare de personaje și evenimente din timpuri diferite descrise în miniatură în suprafața cutiei. Imaginea spațială din prim-plan se transformă ușor într-o imagine plană spre margini.

Structura epică a picturii în miniatură este inerentă și lui I. M. Bakanov („Povestea cocoșului de aur”, 6.6).

I. I. Zubkov este un maestru al peisajului rural, desenează poetic natura locală cu plantațiile de mesteacăn și câmpurile verzi. Lucrările lui I.P. Vakurov sunt pline de simbolism. „Petrelul” său (6.7) simbolizează Marea Revoluție Socialistă din Octombrie. Artistul a descris valuri furioase, fulgere auriu strălucitor, „lovindu-se” nava vechii Rusii, care este în contrast cu un muncitor roșu care rupe lanțurile sclaviei. „Vreau să pictez așa”, a spus artistul, „pentru ca marea să fiarbă împreună cu cerul, astfel încât munții să fie aruncați de furtună”. Un mare eveniment artistic al anilor 30 a fost crearea de către artistul remarcabil al lui Palekh N. M. Zinoviev a pictării unui instrument de scris format din 11 obiecte pe tema „Istoria Pământului”. În prezent, peste 400 de artiști lucrează în Palekh. Mulți dintre ei sunt membri ai Uniunii Artiștilor din URSS. N. I. Golikov, B. M. Ermolaev, A. A. Kotukhina, G. M. Melnikov au primit titlul de Artist al Poporului al RSFSR; R. L. Belousov, A. V. Borunov, A. V. Kovalev, A. D. Kochupalov, B. N. Kukuliev, K. V. Kukulieva, P. F. Chalunin sunt artiști onorati ai RSFSR. N. M. Zinoviev, T. I. Zubkova, N. I. Golikov, A. A. Kotukhina - laureați ai Premiului de Stat al RSFSR numit după. I. E. Repin. Există un muzeu de artă în Palekh.

În 1932, la Mstera, centrul antic al picturii rusești, a fost organizată o nouă artelă de pictură în miniatură, „Arta Roletariană”. Mstera în trecut (din secolul al XVIII-lea) a fost renumită pentru „literele sale antice”, adică imitarea icoanelor antice și pentru restauratorii săi. Au existat, de asemenea, icoane „Sebyakin” în Mstera, care au fost realizate fără respectarea strictă a canoanelor. În aceste icoane, sfinții erau de obicei înfățișați pe fundalul unui peisaj cu turme, călători și animale. „Scrisorile lui Sebyakin” au fost cele care au facilitat foarte mult căutarea creativă a maeștrilor Mstera după Marea Revoluție Socialistă din Octombrie. Asemenea artiștilor din Palekh, pictorii Mstera folosesc vopsele cu tempera pentru a picta obiecte de lac din papier-mâché: cutii, cutii, sicrie, cutii de ace, cutii de mărgele etc. Dar, spre deosebire de miniaturiștii din Palekh, artiștii Mstera își plasează personajele pe fundalul unui peisaj pitoresc, întotdeauna atent proiectat și realizat într-o gamă tonală delicată. Miniaturile Mstera se caracterizează prin modelarea formelor și volumelor cu culoare. Acțiunea, de regulă, are loc pe fundalul unui peisaj central rusesc (cel mai adesea local), sau pe fundalul munților fabuloși sau al unui ansamblu arhitectural convențional. Miniaturale sunt de obicei mărginite de o fâșie de ornament ajurat din aur creat.

Temele picturilor Mstera sunt variate: subiecte ale basmelor rusești, precum și literatura clasică rusă, epopee și cântece, trecutul eroic și revoluționar al Patriei Mamei, noul mod de viață al poporului sovietic, compoziții ornamentale: fie basm călăreți care urmăresc căprioare printre un peisaj fantastic muntos, sau războinici ruși în armură de aur se luptă cu hoarde străine la zidurile orașelor antice rusești, apoi contemporanii noștri lucrează pe câmpuri și fabrici.

O sursă inepuizabilă de inspirație pentru locuitorii din Mstera este natura înconjurătoare. Curburile nisipoase ale Klyazma navigabile, pajiștile inundabile cu nenumărate pâraie și lacuri oxbow, ulmi de o sută de ani de-a lungul râului Msterka, spălând dealul pe care se află Mstera, sate îndepărtate - toate acestea se reflectă în miniatura Mstera, dar se reflectă într-o formă generalizată: planurile se apropie unul de celălalt, copaci rari puternici formează scene în jurul poieniilor în care acționează eroii în miniatură. Fondatorul miniaturii Mstera a fost vechiul maestru N.P. Klykov. Conform amintirilor criticului de artă V. M. Vasilenko, Klykov i-a arătat odată lui A. V. Bakushinsky icoana „Sebyakin”, care descrie un peisaj cu o turmă într-un mod neobișnuit de viu. Era un tipar popular, executat într-o manieră iconografică. Peisajul a devenit principalul lucru în miniaturile Klykov. Stejari, pini, mesteacăni, râuri, mici lacuri din văile dintre dealuri formează o lume aparte, atractivă. Cerul lui Klykov este întotdeauna foarte înalt și senin; coroanele copacilor cu model ies în evidență clar pe el, care stau puțin, fără a se bloca reciproc. În ceea ce privește compoziția lor, miniaturile lui Klykov sunt compuse din mai multe scene care se completează reciproc. Pare să poarte o conversație directă și intimă cu privitorul („Culegând fructe”, „După bip”, „Furtună” (6.8), „Înregistrare”, etc.). Generația mai veche de maeștri include: A. F. Kotyagin („Pilda a doi bărbați”, „Finn și Ruslan”), A. Y. Bryagin („Vânătoarea de căprioare”, „Fântâna Bakhchisarai”), Artistul poporului al RSFSR I. A. Fomichev („Oameni liberi cazaci”) ”, „Mikula Selyaninovich”), artist onorat al RSFSR I. N. Morozov („Bătălia”, „Poveștile lui A. S. Pușkin”). Colorarea operelor acestor autori este ușoară, curată și transparentă. Soluția de vopsire este dominată de mai multe tonuri conducătoare: calde sau reci. Cu grijă și virtuozitate deosebită lucrează detaliile - frunziș, modele de îmbrăcăminte etc. Un loc special printre miniaturiștii Mstera din vechea generație îl ocupă Artistul Poporului din RSFSR E. V. Yurin - un maestru de neîntrecut al compozițiilor ornamentale, autorul cărții. multe buchete și naturi moarte, împodobite cu linii aurii și încadrate cu un ornament subțire de aur (vezi culoarea incl. 21).

În anii 60, în Mstera a crescut o nouă generație de maeștri, bazându-se pe cele mai bune tradiții ale picturii antice rusești, miniaturi vechi și imprimeuri populare. Ei creează zeci de lucrări noi, care se caracterizează prin decorativitate sporită, originalitatea schemei de culori și silueta expresivă. Maeștrii de frunte ai acestei generații sunt artistul popular al RSFSR N. I. Shishakov și artistul onorat al RSFSR L. A. Fomichev. Shishakov înțelege suprafața unui capac destinat pictării ca un plan pe care o imagine este compusă din elemente individuale, precum semnele pe o icoană. În același timp, el evită granițele clare între multe părți ale imaginii, realizând unitatea de impresie din pictură. Astfel, în miniatura „Mama”, scena cu pliante este mutată în afara clădirii gării, ceea ce i-a oferit artistului posibilitatea de a arăta simultan atât greva, cât și patrula călare a jandarmilor.

L. A. Fomichev a început să aplice în lucrările sale câteva principii ale miniaturii cărților antice rusești. Acest lucru se reflectă în laconismul accentuat al mijloacelor artistice: obiectele descrise sunt prezentate în prim-plan, figurile oamenilor dobândesc un complot pronunțat, povestea este completată cu detalii și detalii simbolice. De exemplu, în miniatura „Evadarea lui Igor” (vezi culoarea inclusă 22) soarele este simbolic, luminând calea lui Igor cu fața și cu spatele trimițând întunericul nopții în tabăra Polovtsian. Cinnabru fierbinte al cortului lui Konchak subliniază furia nestăpânită a khanului, iar tonul deschis al peisajului din spatele pâraielor albastre ale râului este perceput ca un salut către țara natală.

În opera maeștrilor de astăzi ai picturii Mstera, inovația îndrăzneață în transmiterea celui mai divers conținut este împletită cu tradițiile culturii artistice din trecut. În prezent, aproximativ 200 de miniaturiști lucrează la fabrica de artă Mstera „Arta Proletariană”. Mulți dintre ei sunt membri ai Uniunii Artiștilor din URSS. N. I. Shishakov, L. A. Fomichev - laureați ai Premiului de Stat al RSFSR numit după. I. E, Re

pina. Tinerii membri ai Uniunii Artiștilor din URSS sunt maeștri talentați P.I. Sosnin, V.F. Nekosov, V.K. Moshkovich, V.N. Molodkin și alții. Există un muzeu de artă și o școală de artă profesională în Mstera.

Kholui este cea mai tânără dintre industriile lacului. În trecut, arta Kholuy era diferită de Palekh și Mstera prin icoanele populare predominant populare, aproape ieftine, care erau distribuite în rândul țărănimii. Artiștii Kholuy în lucrările lor acordă o mare atenție peisajului decorativ și interpretat și, spre deosebire de Msterets, toate detaliile compozițiilor sunt rezolvate într-un mod mai cuprinzător. Imaginile lucrărilor lui Kholuy sunt mai materiale și specific picturale. Fondatorii miniaturii Kholuy au fost trei maeștri: S. A. Mokin, V. D. Puzanov-Molev și K. V. Kosterin. Mokin se caracterizează printr-o patozitate accentuată în interpretarea temelor și intrigilor selectate („Prințul Igor”, „Chemarea lui Stepan Razin”, etc.), care a fost exprimată în structura dinamică a compozițiilor cu mai multe figuri, în acțiunea activă. a personajelor descrise, în maniera temperamentală de a scrie. Puzanov-Molev a atras atenția prin caracterul epic deosebit al imaginilor sale („Oleg profetic”, „Boris Godunov și Sfântul Prost”, 6.9) și spontaneitatea folclorică („Sadko”, etc.); Kosterin - într-o manieră semi-grafică ascuțită în afișarea temelor moderne („Puterea de apărare a URSS”, „Vacanța la ferma colectivă”, etc.). Acești artiști au pregătit o galaxie de studenți talentați - artiști onorati ai RSFSR V. A. Belov, N. I. Baburin, B. I. Kiselev, N. N. Denisov, artiștii B. V. Tikhonravov, V. I. Fomin și alții.

Peste 100 de pictori lucrează în prezent la Fabrica Kholuy de Miniaturi artistice de lac. V. A. Belov și N. N. Denisov au primit Ordinul Lenin, N. I. Baburin - Ordinul Insigna de Onoare, N. I. Baburin și B. I. Kiselev - laureați ai Premiului de Stat al RSFSR. I. E. Repin.

A doua linie de artă lac - pictura pe tăvi de fier lăcuit - a apărut pentru prima dată în Rusia la mijlocul secolului al XVIII-lea. în Nijni Tagil la fabricile din Ural ale familiei Demidov. Printre meseriile asociate mineritului (metalurgie, bronz, tinichigerie, tinichigerie, nituire, lafat), au apărut și meșteșugurile de lăcuire și pictură, care au cooperat cu fierărie și nituire la fabricarea unei varietăți de produse de lac, în principal tăvi.

Strămoșul afacerii cu lac din Urali este numit iobagul A. S. Khudoyarov, care a inventat lacul „de cristal”, care „nu crapă deloc pe fier, cupru și lemn”.

Arta lacului pe tăvile Ural s-a dezvoltat în două direcții: pictura picturală, apropiată de pictura de șevalet din acea perioadă (sfârșitul secolului al XVIII-lea - primul sfert al secolului al XIX-lea) și pictura cu flori, asemănătoare picturii siberiane și urale pe cufere, bare de scoarță de mesteacăn, arce. , roți care se învârtesc și alte obiecte . Acest al doilea tip de pictură din Ural a atins o dezvoltare deosebită la mijlocul secolului al XIX-lea.

În pictarea tablourilor cu tavă, artiștii Tagil au folosit tehnica picturii în ulei în trei straturi pe un grund maro-roșcat aplicat pe un tampon gri dens (compozițiile grundului și ale tamponului sunt necunoscute). Temele imaginilor au fost subiecte istorice, alegorii și peisaje romantice. Picturile au fost încadrate de dungi de ornamente din aur fin executate (folosind șabloane). Laturile înalte ale tăvilor au fost, de asemenea, decorate cu ornamente (adesea un model geometric a fost tăiat în laterale).

Pictura a fost acoperită cu un lac „cristal” transparent, asemănător sticlei, a cărui bază se crede că este uleiul de cânepă. Tavile-tablouri au fost cumpărate în principal de nobili la scară mică. Tăvile „comune” de flori fabricate în regiunea Uralului erau la mare căutare în rândul comercianților și filistenilor urbani.

Tehnologia de realizare a unor astfel de tăvi a fost următoarea. Meșterul falsificator (fierarul) a tăiat formele viitoarelor tăvi dintr-o foaie de fier, apoi le-a selectat câte șase, a fixat teancul cu suporturi și, folosind un ciocan de cinci kilograme, a doborât („a scos”) zona de lucru a tăvilor pe o matriță din fontă. După aceea, a pliat „marginea” (marginea) tăvii și a tăiat găuri pentru mânere în laterale.

Lăcuitorul a acoperit tava cu ulei uscat și a pus-o într-un cuptor încins la „albastru”. Acest proces a fost repetat de mai multe ori. Culoarea neagră a tăvilor este culoarea uleiului de uscare copt.

Pentru cele mai bune tipuri de tăvi s-a folosit lac negru (de compoziție necunoscută).

Apoi s-a aplicat pământ colorat pe zona de lucru a tăvilor: roșu (plumb roșu, mai rar cinabru), verde (malahit ras) sau albastru (rola de varză rasă).

Pe un fundal pictat, meșteșugarii-pictori din Ural au „pictat” buchete de flori într-un singur pas. Esența sa a fost că, cu o perie mare de veveriță moale, saturată cu un fel de vopsea (amestecat cu alb), a fost făcută o lovitură rotunjită „tremurândă”, creând impresia unei flori finalizate, dar într-o formă foarte generalizată. Frunzele au fost, de asemenea, descrise în același mod. Apoi florile și frunzele au fost rafinate cu traze de albire („strecurile”) și linii-strecuri negre. „Ancora” aici a fost asemănarea elastică zvârcolită a firelor de struguri sau de loach, pictate cu vopsea neagră cu pricepere caligrafică. Pictura a fost asigurată cu un strat de „lac de cristal”.

Structura figurativă a culorilor pe produsele Ural a fost oarecum convențională și fabuloasă. Decorativitatea crescută a picturii din Ural a fost determinată în mare măsură de fundaluri colorate strălucitoare. Tehnicile vizuale ale picturii din Ural se caracterizează printr-o anumită planeitate și graficitate în interpretarea florilor, frunzelor și ierburilor și combinațiilor de culori contrastante: roșu, albastru, verde, negru. Așa-numita „scriere pe jumătate de pensulă” aduce pictura în tavă Ural mai aproape de scrierea pe porțelan. Structura compozițională a picturii Ural este caracterizată prin subordonarea buchetului față de subiect în raportul de scară a picturii față de zona de lucru a tăvii (maeștrii Urali au lăsat suprafețe mari ale fundalului lac liber de pictură), specialul ajurat al buchetului și încărcătura redusă de elemente. Pictura cu flori Ural este „cursivă” în sensul deplin; se realizează în două sau trei etape.

În anii 30, pictura tradițională a Uralului a fost înlocuită cu buchete „Moscova”, adică o imitație a artei lui Zhostov.

În prezent, mai mult de 50 de pictori sunt angajate în magazinul de lacuri de la fabrica Nizhny Tagil „Em al posuda”.

În ultimii ani, s-a lucrat pentru a restabili tradițiile artistice ale picturii cu pensula Ural - o condiție necesară pentru dezvoltarea în continuare cu succes a meșteșugului (vezi culoarea incl. 23).

Apariția meșteșugului cu tăvi Zhostovo este asociată cu activitatea antreprenorială a familiei Vishnyakov, nativi ai satului. Zhostovo, Troitsk volost, provincia Moscova (acum districtul Mytishchi, regiunea Moscova). Aici, în 1825, la inițiativa lui O. F. Vishnyakov, care a venit în patria sa de la Moscova, a fost organizat un atelier pentru a produce obiecte din hârtie lăcuită cu pictură în miniatură, asemănătoare întreprinderii vecine Lukutinsky. Alături de tabaturi, ceainice și alte lucruri care au replicat aproape exact sortimentul de articole din fabrica Lukutin, atelierul Vishnyakov, precum și alte ateliere din zonă, au început să producă tăvi de fier lăcuit cu subiect și picturi florale, care au determinat ulterior natura meșteșugului Zhostovo.

Motivul principal înfățișat pe tăvi au fost buchetele, în design artistic similar cu mărgele, pictura pe porțelan din fabricile din Moscova, chintz Ivanovo, șaluri Pavlovsk și covoare florale Kursk. Buchetul Zhostovo a fost, de asemenea, influențat de pictura populară cu flori din Ural Siberian pe cufere, roți care se învârtesc, marți și tăvi. „Florile aristocratice” rafinate ale tăvilor lăcuite din Sankt Petersburg de la mijlocul secolului al XIX-lea au avut și ele o influență. Toate acestea au fost refractate în mintea maeștrilor Zhostovo și transformate creativ în motive florale care au fost originale în structura lor figurativă, pline de simbolism și forță interioară.

Tehnologia de fabricație a tăvilor Zhostovo se reduce la următoarele: foile de fier sunt „tăiate” în semifabricate de dimensiunea necesară, apoi sunt tăiate diferite forme de tăvi din ele: „Siberian” - prin analogie cu tăvile dreptunghiulare Ural; oval, rotund, „aripat” (cu margini festonate, ondulate), „gotic” (cu margini ascuțite, în formă de săgeată), etc. În continuare, zona de lucru a tăvii a fost scoasă din foi (acum este stors folosind o presă). Tava pregătită este „tivitată”, adică marginile sale sunt îndoite într-o rolă și intră în mâinile grundului. Mai întâi „acoperă” tava pe ambele părți cu chit (cretă cu ulei de uscare) în două straturi (cu uscarea și șlefuirea fiecărui strat), apoi cu chit gros negru (un amestec de caolin, funingine olandeză și ulei). Urmează încă două straturi de chit din aceeași compoziție, dar într-o consistență mai lichidă. După uscare, fiecare strat este șlefuit cu piatră ponce. Tava amorsată este vopsită cu vopsea neagră și abia apoi acoperită cu două straturi de lac negru cu ulei.

Tava cade în mâinile pictorilor Zhostovo după amorsare și șlefuire ușoară cu o suprafață perfect netedă, ușor mată.

În Zhostovo pictează cu vopsele de ulei, diluate generos cu ulei de in și terebentină. Astfel de vopsele „curg” cu ușurință dintr-o perie de veveriță, permițându-vă să faceți o mișcare lungă și elastică.

Prima etapă a picturii se numește „pictură”, a doua - „îndreptare”.

În pictură, folosiți o pensulă largă pentru a schița silueta buchetului pe zona de lucru a tăvii. Pictura se realizează de obicei fără desen preliminar cu vopsele dense, oarecum albite în paralel, pe mai multe tăvi (artista Zhostovo pictează de obicei de la cinci la zece tăvi pe zi, fără a se repeta exact în nici una dintre ele). Când lucrează, artistul rotește constant tava pe genunchi, așând sub perie secțiunea dorită a suprafeței de lucru a tăvii.

În același timp, monitorizează frumusețea și expresivitatea siluetelor emergente de flori (trandafiri, maci dubli, lalele, margarete etc.) și le atribuie plastic și elastic tulpini suculente, ramuri flexibile cu muguri la capete. Pe fiecare tavă, artistul pare să rezolve problemele compoziționale și plastice în înfățișarea buchetelor, iar în această improvizație fascinantă, inspirată se află gândirea creativă a maeștrilor Zhostovo, făcând arta lor vie și unică.

Pictura uscată, realizată în umbrire, este acoperită („împrospătată”) cu ulei, după care artistul efectuează rapid și cu încredere „îndreptarea”, care se descompune într-o serie de tehnici independente: „umbrire”, „așezare”, „evidențiere”. ”, „desen.” tezhku”, „plantarea semințelor” și „legarea”.

Mișcări puternice și suculente ale umbrei sunt realizate cu o pensulă largă, plată, folosind vopsele glazurate pure: albastru (albastru prusac sau ultramarin), verde (verde smarald) și roșu (kraplak). Nuanta sporeste coloratul zonelor deschise ale florilor si frunzelor si in acelasi timp nuanteaza (in strat gros de culori) unele forme ale buchetului, contopindu-le aproape cu fundalul lac negru.

La efectuarea „așezării”, se folosește întreaga paletă de vopsele dense pentru corp - aici se determină volumele de flori și frunze; strălucirea completează interfața cu reflexii - semne de lumină pe buchet; Desenul completează împărțirea formelor principale de flori cu linii subțiri, desenând contururile petalelor pe flori și nervurile din frunze. Artiștii descriu stamine și pistili în cupe de flori - aceasta este plantarea semințelor. Și în sfârșit, cravata, adică iarba creată cu vopsea verde neutră sau maro în golurile dintre flori și frunze, completează pictura.

Alături de fundalul tradițional negru, Zhostovo folosește alte culori - roșu, albastru, verde. În acest caz, zona tăvii destinată vopsirii este acoperită cu un strat subțire de lac ușor, pe care se stropește pulbere de aluminiu sau bronz. După uscarea fondului metalizat, tava este vopsită cu vopsele glazurate de culoarea dorită (cu cât vopseaua este mai densă, cu atât se percepe culoarea fundalului mai profundă și mai nobilă, ușor strălucitoare cu o strălucire internă).

Schema de culori, în mod natural, dictează atât alegerea motivelor florale în buchete, cât și structura coloristică a tabloului. De asemenea, afectează natura unor tehnici de scriere: umbrirea în acest caz ar trebui să fie mai atentă - pensula nu poate fi la fel de activă ca în pictura pe fond negru, deoarece fundalul colorat înmoaie contrastele picturii; strălucirea devine mai puțin ascuțită, pe măsură ce importanța tonurilor locale în pictură crește și rolul siluetei formelor florale pe fond colorat crește.

Pe lângă scrierea pe mai multe straturi, Zhostovo folosește și așa-numita „scrisoare pe foiță de aur”. În acest caz, vopsirea se face cu lac Gulfarba (un amestec de vopsea albă și lac). Apoi se aplică frunze de foiță de aur pe vopseaua de lac ușor uscată sau se stropește pulbere de aluminiu sau bronz. Silueta strălucitoare a buchetului este evidențiată cu o nuanță sonoră și decorată în detaliu (trăsuri sau linii) cu vopsele negre și maro. Pictura pe foiță de aur este mai convențională, de natură grafică, decât pictura cu mai multe straturi, picturală.

Laturile tăvii sunt de obicei decorate cu ornamente ajurate - „iarbă”, „eringbone”, „herringbone cu o mătură”, etc. Ornamentul este pictat cu perii de veveriță cu lac Gulfarba și stropit cu pulbere de bronz.

Pictura finalizată este acoperită cu trei straturi de lac de ulei ușor, uscând și curățând fiecare strat (cu piatră ponce folosind o cârpă grosieră de lână). Tăvile sunt lustruite cu o pastă de lustruit aplicată pe o cârpă moale, iar lacului i se dă o „strălucire de oglindă” manual cu cretă măcinată fin.

Tradițiile picturii florilor Zhostovo pe tăvi în perioada sovietică au fost dezvoltate de I. S. Leontiev, A. I. Leznov (culoare inclusiv 24), D. S. și N. S. Kledov, M. R. Mitrofanov, artist onorat al RSFSR A.P. Gogin (6.10) și alți maeștri. În prezent, în Zhostovo lucrează peste 150 de pictori. Printre ei se numără P. I. Plakhov (un artist cu experiență, care transmite experiența și cunoștințele tinerilor la departamentul Zhostovo al școlii profesionale de artă Fedoskino), artiștii onorati ai RSFSR N. P. Antipov, Z. A. Kledova (Leontyeva), B. V. Grafov , N. N. Mazhaev, M. P. Savelyev, artiștii E. P. Lapshin

Buchetul clasic Zhostovo este întotdeauna perfect asamblat, formele sale sunt coordonate armonios între ele în scară și culoare. Compoziția este închisă și plină de mișcare interioară - florile, tulpinile, frunzele par să se leagăne de la un vânt ușor. Pictura este perfect legată de suprafața obiectului. În munca lor, artiștii Zhostovo descriu cu atenție fiecare formă de floare, fiecare petală, fiecare boboc, dar nu le aduc până la iluzorie. Buchetul Zhostovo este în relief, dar formele sale ies doar puțin deasupra fundalului de lac și sunt la fel de ușor îngropate în el.

De mare interes este pictura pe incrustație de sidef, parcă topită în solul dens al tăvilor - motivele florale în acest caz dobândesc cele mai delicate și strălucitoare nuanțe de vopsea.

Fiecare. O descoperire creativă individuală la fabrica de pictură decorativă Zhostovo este elaborată în procesul de improvizație de către întreaga echipă a întreprinderii, iar aceasta este deja cheia dezvoltării cu succes a artei Zhostovo în viitor.

Majoritatea artiștilor habar nu au când, de ce sau cum să lacească un tablou. Să încercăm să răspundem la aceste întrebări.
Dacă este acuarelă, este firesc să acoperiți desenul cu sticlă pentru protecție. La urma urmei, vopselele de acuarelă nu sunt altceva decât pigment pur cu foarte puțin liant adăugat și, prin urmare, stratul de vopsea trebuie protejat.
Vopselele în ulei și acrilice conțin ulei de in sau emulsie acrilică polimerică, care oferă pigmentului o protecție suplimentară. Dar asta nu înseamnă că nu este nevoie de protecție suplimentară. Luați în considerare că un strat de lac aplicat pe o lucrare în ulei sau acrilic este același cu sticla la o acuarelă. Un tablou petic, la fel ca sticla, poate fi șters și curățat fără a provoca vreun rău lucrării.
În timp, orice pictură se poate întuneca: pe suprafața sa se acumulează praf, grăsimi și diverși poluanți care plutesc în atmosferă. Dacă o astfel de murdărie s-a lipit de un strat neprotejat de vopsea, atunci încercarea de a o îndepărta poate provoca deteriorarea imaginii în sine, în special straturi subțiri de glazură. Stratul de lac poate fi curățat periodic și chiar îndepărtat dacă în lucrare este implicat un restaurator profesionist. Va îndepărta toată murdăria acumulată și, în același timp, imaginea va arăta ca și cum ar fi fost pictată literalmente astăzi. Este în general acceptat că lucrările pictate cu acril nu necesită lăcuire. De fapt, rășina acrilică este mai sensibilă la solvenți decât un strat uscat de vopsea în ulei. Stratul acrilic este electrostatic, iar la temperaturi medii devine mai moale, ceea ce îl face o suprafață ideală pentru orice contaminanți care plutesc în aer.
Concluzia sugerează de la sine: orice operă de artă expusă atmosferei de ceva timp va colecta cu siguranță murdărie pe suprafața sa și va trebui curățată. Și este mai bine să curățați sau să înlocuiți stratul de lac decât să puneți în pericol munca în sine.
Un alt punct important care merită menționat este că uneori artiștilor le place să folosească vopsele acrilice și ulei foarte diluate.
În același timp, diluând liantul - ulei de in sau rășină acrilică, în așa măsură încât pigmentul rămâne practic neprotejat. Când încadrați o astfel de imagine, nu vă puteți lipsi de sticlă.

Două tipuri de lac

Inițial, pentru lucrările pictate în ulei și tempera s-au folosit lacuri cu rășini naturale naturale, de exemplu, dammara și picurare. Ele sunt încă folosite atunci când se lucrează cu uleiuri, dar nu sunt potrivite pentru acrilice, deoarece solvenții potriviți pentru acestea, cum ar fi terebentina, sunt dăunătoare vopselelor acrilice.
În schimb, lacurile sintetice pe bază de soluții acrilice pot fi folosite pentru picturile vopsite atât în ​​acril, cât și în ulei. Sunt realizate din rășină acrilică dizolvată în băuturi spirtoase minerale. Aceste lacuri ar trebui să nu se îngălbenească în timp, în timp ce lacurile din rășină naturală tind să capete o nuanță de chihlimbar de-a lungul anilor.
Cum să aplicați lac pe o pictură: pulverizați sau aplicați ca vopsea?
Principalul argument în favoarea pulverizării: capacitatea de a aplica straturi foarte subțiri, uniforme, astfel încât lacul să poată fi îndepărtat destul de ușor mai târziu. Argument împotriva: toxicitate. Lacul trebuie pulverizat într-o zonă bine ventilată și folosind întotdeauna un respirator.
Pentru aplicarea cu pensula foloseste o pensula speciala, foarte lata, de buna calitate. Lacul se aplică într-un strat subțire, uniform, apoi „excesul” este îndepărtat cu grijă cu o perie, iar stratul este nivelat.
Lac lucios sau mat. Alegerea depinde în primul rând de efectul vizual dorit. Lacul mat nu este altceva decât un lac strălucitor cu adaos de particule minuscule opace care refractează lumina. Adăugarea acestor particule nu afectează în niciun fel celelalte proprietăți. Lacul realizat dintr-o soluție acrilică de bună calitate poate fi fie mat, fie lucios.
Ele pot fi amestecate între ele în orice proporție. În cele mai multe cazuri, amestecul optim este de 4 până la 6 părți lac strălucitor și o parte mat.

Alegerea unui lac pentru pictură se poate transforma într-o adevărată bătaie de cap pentru un artist începător, în timp ce un artist cu experiență știe deja exact ce produs are nevoie.

Ajuns la magazin, un pictor începător riscă să cumpere ceva care nu este ceea ce și-a dorit, așa că mai întâi trebuie să definiți clar scopul lacului.

Pentru ce sunt lacurile?

Scopul principal al vopsirii lacului este de a acoperi lucrările deja finalizate. Se numesc lacuri destinate acestui scop acoperire . Dacă scopul artistului este de a întări stratul de acoperire sau de a dilua masa de vopsea, precum și de a conferi transparență acoperirii, atunci el are nevoie liant sau lichefiante lac

Anterior, lacurile erau realizate în principal din rășini naturale, dar în timp acest material a fost înlocuit cu materiale sintetice, ceea ce a făcut posibilă realizarea multor lacuri. universal în uz.

Întrebarea dacă să folosiți lac sintetic sau natural depinde de preferințele personale ale artistului, dar trebuie amintit că persoanele cu alergii nu ar trebui să inhaleze vapori din materiale sintetice (de exemplu, acril).

Interesant: unii profesioniști nu au încredere în producători și fac ei înșiși lacuri, dar pentru aceasta trebuie să aveți toate materialele necesare și un anumit nivel de îndemânare, astfel încât lacul să nu dăuneze picturii.

Un strat subțire de lac creează o peliculă protectoare care nu numai că va preveni efectele adverse ale factorilor externi, dar va face culorile mai profunde, mai strălucitoare, iar detaliile mici mai clare și mai texturate.

De exemplu, fiecare dintre noi a văzut vopsele decolorate sub influența razelor solare (mai precis, radiațiile ultraviolete) pe diverse medii (banne stradale, hârtie, carton, țesătură). La fel se poate întâmpla și cu un desen. Umiditatea joacă, de asemenea, un rol important: dacă este ridicată, vopseaua poate cădea pur și simplu de pe pânză, iar dacă este scăzută, se poate crăpa și se poate prăbuși. Acest lucru este valabil mai ales pentru vopselele în ulei aplicate într-un strat gros și gros.

Operele de artă picturală sunt, de asemenea, susceptibile la schimbările de temperatură, depunerea prafului și expunerea la lichide și gaze.

Atunci când sunt adăugate la vopsea, lacurile își măresc rezistența și elasticitatea, pot crește profunzimea și intensitatea culorii și pot da transparență acoperirii și efectul unui strat de sticlă.

Tipuri de lacuri pentru vopsire

Printre lacurile moderne se numără: dammar, acril-fistic, fistic și acril-stiren. Există și lac de retuș, lac fixativ și lac de brad.

Dammarny lacul este cel mai comun. Avantajele sale includ costul redus și capacitatea de a proteja pictura de lumina soarelui. Insa, in timp, acest lac se ingalbeneste, asa ca nu este indicat sa il folosesti pentru picturile realizate in culori reci.

Ideal pentru ei acrilic-fistic lac Se caracterizează prin transparența și elasticitatea acoperirii, nu devine tulbure în timp, dar este mult mai scumpă și nu este atât de răspândită.

Fistic Lacul și-a primit numele datorită ingredientului principal - rășina de fistic. Practic nu este diferit de tipul anterior de lac, dar este și mai puțin comun la vânzare.

Acrilic-stiren lacul este recunoscut ca fiind cel mai eficient. Pe lângă faptul că creează un strat subțire, transparent, care nu își schimbă culoarea sau galbenul, are bune proprietăți rezistente la apă.

Toate aceste lacuri dau strălucire, așa că dacă pictura este sub lumină puternică, există motive să acordați preferință lacurilor mate. Proprietățile lor nu diferă de cele lucioase, cu excepția faptului că nu sunt capabile să mărească profunzimea și saturația culorii.

Atunci când alegeți un lac, acordați atenție datei de producție și datei de expirare. Pentru majoritatea produselor nu este mai mult de șase luni, iar pentru unele lacuri nu este mai mult de trei.

Dacă lacul este expirat, acesta se va lipi chiar și după uscare, atrăgând praful și murdăria și se poate înmuia atunci când este expus la umiditate ridicată.

Retușați lacuri nu trebuie confundate cu acoperirile, deoarece principiul lor de funcționare este opus: ele sunt folosite pentru a dizolva stratul de vopsea pentru a continua lucrul la vopseaua uscată. Se aplică pe zona dorită înainte de a începe lucrul. După uscare, lacul se aplică din nou pe zona de lucru. Retușarea lacului, dizolvând ușor stratul superior uscat de vopsea, întărește aderența noului strat. Aceasta oferă „protecție” împotriva contracției.

Sfat: o metodă simplă și eficientă de la vechii maeștri - tăierea unui cap de usturoi - înlocuiește perfect lacul de retuș.

Fixator lac folosit pentru fixarea desenelor cu creion, cărbune, pastel etc. După uscare, formează o peliculă care vă permite să îndepărtați praful din imagine. Pe lângă „protecția fizică”, acest lac vă permite să păstrați bogăția culorii.

Lac de brad asemănător cu dammarul, adică este făcut și din rășini. Mai puțin obișnuit, ca lac de dammar sau „tee” (un amestec de diluant, lac și ulei de in) este de obicei folosit.

Producători de lacuri

Dintre producătorii de lacuri, cea mai cunoscută este compania SONET. Lacurile de la acest producator nu sunt scumpe, dar in acelasi timp au o functionalitate buna, dar sunt greu de aplicat, deci sunt ideale pentru artistii experimentati.

Lacul este mai potrivit pentru începători REVEES . Este identic ca pret SONET , dar se aplică mult mai ușor și creează un strat uniform.

O opțiune mai scumpă și mai durabilă este un produs de la un producător francez Lefranc burghez . Va păstra cu adevărat frumusețea muncii tale pentru mulți ani de acum înainte.

Pictura cu lac rusesc este un fenomen unic al culturii artistice mondiale. După ce a absorbit realizările artei lacului din Vest și Est, acumulate de-a lungul secolelor, ea a îmbogățit-o cu o experiență și originalitate națională unică și a extins domeniul de aplicare al lumii sale imaginative.

Pictura cu lac rusesc este un fenomen unic al culturii artistice mondiale. După ce a absorbit realizările artei lacului din Vest și Est, acumulate de-a lungul secolelor, ea a îmbogățit-o cu o experiență și originalitate națională unică și a extins domeniul de aplicare al lumii sale imaginative. Produsele cu picturi în miniatură lac au încetat să mai aibă un scop pur utilitar, datorită înaltei priceperi a meșterilor ruși; au devenit opere de artă, cu o varietate de teme, subiecte și imagini. Miniaturale lacuite nu sunt doar o bucurie concentrată și o încântare pentru ochi, ci și hrană pentru minte și mângâiere pentru suflet. Sunt convenabile de a avea cu tine, nu împovărează proprietarul cu dimensiunea lor și sunt delicate în interior; nu distrug stilul formelor mari, maselor și culorilor.

Arta picturii cu lac a apărut în urmă cu câteva mii de ani în China. În timpul săpăturilor mormintelor antice, s-au descoperit obiecte de lac care datează din epoca Shan Yin (1766-1122 î.Hr.). Lacul era folosit pentru a acoperi ustensilele de uz casnic, vasele și vasele de ceremonie, hamurile pentru cai, arcuri și săgeți și pentru a decora trăsurile. Scriau cu lacuri precum cerneala și le foloseau pentru a proteja suprafața produselor și în scopuri decorative.

Din China, arta lacului s-a răspândit în Coreea, Japonia, țările Indochinei, India și Persia. Metodele de realizare a lacurilor au fost determinate în mare măsură de existența arborilor de lac în aceste regiuni (în China „qi-shu”, în Japonia „urushi-no-ki”, în Vietnam „kei-shon”). Fiecare țară a dezvoltat tehnologia lacurilor în felul său, împrumutând ceva de la vecinii săi, îmbunătățindu-le experiența și introducând-o pe a sa. Japonezii, făcând cunoștință cu lacurile chinezești, le-au depășit, mai ales în pictura folosind pulberi de aur și argint folosind tehnicile „makie” și „nashiji”.

În Iran, au folosit un lac special, a cărui componentă era sandarak - o rășină parfumată dintr-un copac de conifere nord-african, de calitate inferioară lacurilor din China și Japonia. În India, unde arta lacului este cunoscută încă din secolele XV-XVI, lacul era făcut din semințe de in și gumă.

Lacurile orientale se disting prin cel mai înalt nivel și cultură a tehnologiei. Stratul de lac rămâne dur și flexibil după uscare, nu reacționează la apa fierbinte, este inodor și rezistă la distrugerea biologică. Lacul este ieftin, igienic și poate fi vopsit, modelat, sculptat și tăiat. Lacul poate fi aplicat pe orice suprafață, plană sau modelată, lemn, hârtie, țesătură, piele, metal, piatră.

Captivați de frumusețea produselor neobișnuite, meșterii europeni au creat ateliere în secolul al XVII-lea pentru producerea de produse cu picturi „ca China”. Dar tehnologia de realizare a lacurilor europene diferă semnificativ de cele estice, reflectând nu numai diferențele în materialele sursă, ci și în condițiile climatice, tradiții și stilul de viață.

Belgian Spa este considerat locul de naștere al lacurilor europene. Producția de lac aici a devenit rapid cea mai importantă industrie de mercerie. Cutii cu truse de cusut, bomboane, cutii de priza, cutii pentru ochelari, cutii pentru tigari, cutii pentru ceai si condimente, cutii cu praf, cutii pentru bijuterii, seturi de toaleta - toate acestea au fost realizate din lemn de fag. Produsele au fost foarte populare în rândul turiștilor din celebra stațiune europeană - apele Ardenului. Arta lacului Spassky a atins apogeul în secolul al XVIII-lea, când artiștii locali s-au unit într-o breaslă specială.

În 1726, contele de Condé de Bourbon a înființat o fabrică în Chantilly. A existat până la revoluția din 1789. Frații Martin au adus o faimă deosebită lacurilor franceze. Au inventat o rețetă care a îmbunătățit lacul de copal din Zanzibar tratându-l cu ulei de terebentină. Aveau și alte secrete. Toți acești meșteri au servit celei mai bogate elite a aristocrației, creând piese scumpe de mobilier, tăvi de ceai, rame, pahare, căni, cutii de ceasuri și alte obiecte de lux. În termeni stilistici, aceste lucruri erau în principal o imitație a lacurilor orientale.

Înflorirea lacurilor germane este asociată cu numele de Johann Heinrich Stobwasser (1740-1829). Fabrica sa din Braunschweig era destinată clienților din păturile largi burgheze. A fost precedat de atelierul de lac al lui Johann Christoph Lezier (d. 1730), cunoscut din 1717. Pe lângă mobilier, Lezier a făcut tăvi, sicrie, instrumente de scris, perii și ustensile mici. Produsele sale au fost puternic influențate de designul englezesc. Fabrica Stobwasser producea mobilier (mese, comode, birouri), tăvi, farfurii decorative, cutii, sicrie pentru diverse scopuri, tabaturi, bețe cu butoane. Articole deosebit de mari au fost, de asemenea, făcute la comandă - trăsuri pentru călătorii ceremoniale ale curții prusace. Obiectele mici au fost pictate în principal cu picturi de peisaj ale maeștrilor olandezi, scene maritime, portrete în stil romantic, motive ornamentale și scene erotice.

În Rusia, interesul constant pentru lacuri a început să se manifeste din timpul lui Petru cel Mare. Dar chiar și sub Alexei Mihailovici (1629-1676), camerele individuale ale Palatului Kolomna de lângă Moscova au fost decorate în stil chinezesc. Datorită contactelor comerciale cu China, au apărut tăvi din lemn lăcuit, ecrane și evantai. În 1721, unul dintre birourile lui Petru I din Palatul Peterhof Monplaisir a fost decorat cu 94 de panouri lacuite, executate de maeștrii ruși Ivan Tikhonov și Perfily Fedorov și camarazii lor în stil oriental „sub China”, sub conducerea artistului olandez Hendrik. van Brumkorst, care a lucrat în Rusia până în anul 1744 al anului. După ce a făcut cunoștință cu marile fabrici europene, Petru I a achiziționat un lot de mobilier cu pictură cu lac și a invitat maeștri străini ai „afacerii cu lac” să lucreze în Rusia. Asemenea maeștri celebri precum Noel Mireal, Carl Andreas Tremblen, Francis și Schwartz Conrad, Thorin și alții au lucrat în Rusia în momente diferite. Studenții au fost trimiși în străinătate pentru a studia lucrările de lac, iar după înființarea Academiei de Arte în 1757, lucrarea lacului a fost predată în clasele acesteia. Pe vremea lui Petru a existat un „Lakirny Dvor”, care era situat în așa-numita Casă italiană a Ecaterinei I, pe malul Fontanka. Acolo erau ateliere și depozite. În 1761, Fyodor Vlasov a pictat palatul lui Petru al III-lea din Oranienbaum, care este un monument de artă unic.

Mai târziu, multe producții de lac au apărut în Rusia: în Sankt Petersburg și împrejurimile sale - întreprinderile lui M. Bool (care a invitat maeștri francezi să stabilească producția), I. Keene, Friedrich și John Petz, D. Orlovskaya, A. Ek, Wolenschneider, J. Labutin, Tareva. Lângă Sankt Petersburg, la fabrica K. Thiepon, se produceau produse lacuite din tablă și hârtie. În Moscova și regiunea Moscovei, cele mai cunoscute au fost fabricile Lukutins și A.I. Austen, Vishnyakovs, N. Nazhevshchikov și frații Sorokin. Au existat multe ateliere provinciale mici: Shimer, Danilevich, în Berdichev - Gubarev (muncitorul său angajat Christian Flach a deschis mai târziu o fabrică la Moscova și a produs 1450 de cutii de priza pe an), O.E. Burbyshev și alții. Toate, de regulă, erau similare cu întreprinderile europene similare și s-au închis curând, cu excepția lui Lukutinsky și Vishnyakovsky.

O soartă specială s-a dezvoltat pentru fabrica Lukutinsky, fondată la sfârșitul secolului al XVIII-lea de către comerciantul P.I. Korobov (d. 1819) în satul Danilkovo de lângă Moscova (adiacent Fedoskino și ulterior fuzionat cu aceasta) și atelierele Vishnyakovsky. P.I. Korobov a produs viziere lăcuite pentru căptușelile armatei ruse. De asemenea, fabrica lui începe să producă cutii de prisos. Inițial, acestea nu au fost pictate; gravurile au fost lipite pe ele și lăcuite. În 1818, fabrica a trecut la fiica lui Korobov, iar în 1824 la ginerele său P.V. Lukutin (1784-1863). Pyotr Lukutin a schimbat formele și subiectele miniaturii lac, concentrându-se pe gustul consumatorului rus. Cu toate acestea, maeștrii Lukutin au continuat să învețe din exemplele occidentale despre subtilitatea scrisului în miniatură.

Sub Peter Lukutin și fiul său Alexandru (1819-1888), lacurile Lukutin au câștigat o largă recunoaștere și faimă. Au apărut troikele rusești, care erau atât de îndrăgite de public, alături de scene de ceai, subiecte ucrainene și o temă istorică. Procesul de fabricare a lacului a fost îmbunătățit. Lacurile lui Lukutin erau de înaltă calitate, o transparență excepțională și erau perfect lustruite. Acest lucru a fost realizat prin faptul că lacurile au fost expuse la soare pentru o perioadă lungă de 7-8 ani. Semifabricatul a fost realizat din carton cârpă, ceea ce i-a conferit o rezistență și mai mare. Balamalele de pe produse erau de aur. Există două metode de scriere: „through-through” și „corpus”. „Through-through” este scrierea cu glazură în straturi transparente pe suporturi metalice și sidef. Scrierea „corpus” a fost executată cu lovituri dense, subtilitatea scrisului și a desenului a fost adusă la virtuozitate. De regulă, ambele tehnici au fost folosite în miniatură. O atenție deosebită a fost acordată designului artistic și decorativ. Meșterii pictează suprafața cutiilor, imitând materiale precum „broască țestoasă”, „fildeș”, „malahit”, „coarță de mesteacăn” și variază motivele tartanurilor. Ornamentele folosesc tehnica incrustației cu sidef și metal. O tehnică specială este creată pentru decorarea cutiilor cu „scanyu” - un model realizat din cele mai mici plăci de aur și argint. Gravura fină a fost folosită pe căptușeli metalice acoperite cu lac, așa-numita „tsirovka”.

La fabrică era o școală de desen; cei mai buni artiști Lukutin au fost trimiși la Școala de Artă Stroganov din Moscova. Lukutinii și-au tratat bine meșterii, oferindu-le apartamente gratuite, lemn de foc, kerosen și loturi de pământ pentru grădini de legume, care erau cultivate de muncitorii lukutin pe cai lukutini. În hambarele Lukutino a fost posibil să se împrumute cereale, ceai, zahăr și unt de o calitate mai bună decât de la comercianții locali pe credit. La cererea acestora, în pomana Hludov au fost plasați meșteri bătrâni, infirmi, iar elevii au folosit gratuit cantina pe toată perioada de studiu, li s-au asigurat haine și încălțăminte, vopsele și pensule.

Sub Alexander Lukutin nu exista un magazin care să vinde produse; el ținea bunurile acasă și vindea el însuși cu amănuntul. Sub ultimul Lukutin, Nikolai (1852-1902), a fost deschis un magazin. Nikolai Lukutin s-a căsătorit cu o mireasă foarte bogată, iar problema veniturilor fabricii nu l-a deranjat. Afacerea Lukutinsky a fost doar un hobby pentru el. La doi ani după moartea lui Nikolai Lukutin, în 1904, fabrica sa închis. Fiica ultimului Lukutin a vândut o colecție unică pe termen lung a celor mai buni maeștri Lukutin, din care au studiat mai mult de o generație de artiști, iar bunurile rămase au plecat în străinătate către oameni necunoscuți. După ce fabrica s-a închis, mulți meșteri și-au schimbat profesia, unii dintre ei au mers la Vishnyakovs.

Clanul Vishnyakov, iobagi ai contelui Sheremetev, țărani activi și întreprinzători, au creat mai multe ateliere în satele din apropierea Moscovei. În 1780, în satul Zhostovo, Philip Nikitich Vishnyakov a deschis un atelier pentru producția de produse de lac, apoi s-a mutat la Moscova. Fabrica sa a existat până în 1840. Atelierul său a fost condus ulterior cu succes de fiul său Osip (1825-1888), iar apoi de unchii săi Petru și Vasily. Fratele lui Filip, Taras, a rămas la Zhostovo. În satul Sorokino, Alexey Vishnyakov a deschis un atelier împreună cu Zakhar Petrov și E.F. Belyaev (1830-1885), iar Egor și Vasily Vishnyakov cu Kirila Pansky în satul Ostashkovo. Un atelier al lui Stepan Filishkov a fost organizat în satul Novoseltsevo. În 1830, în această zonă existau 8 ateliere, în 1876 - 20. În 1876-1888, țăranii din zece sate ale provinciei Moscova se ocupau cu fabricarea lacului.

Lacurile Lukutinsky și Vishnyakovsky s-au dezvoltat în strânsă legătură cu pictura realistă rusă. Maeștrii au folosit pe scară largă subiectele artiștilor ruși, precum și ai artiștilor din Europa de Vest, reluându-le cu îndrăzneală. S-au efectuat multe lucrări la comandă. Gama de produse a fost inepuizabilă: de la populare suporturi de chibrituri de diverse forme, sare, ceainice - până la blocuri de scris, cutii de depozitare de călătorie și articole de uz casnic individuale, precum mânere pentru umbrele și baston, mape pentru meniuri de restaurante, coperți pentru albume fotografice, cutii pentru depozitarea trabucurilor si cutii pentru documente si alte produse. Toate au fost decorate cu picturi - de la cele executate la cel mai înalt nivel de maeștri de frunte până la producția de masă destinată publicului larg.

În 1910, unii dintre meșterii Lukutin și Vishnyakov au decis să-și creeze propriul artel. Au apelat la fondul numit după Serghei Timofeevici Morozov, care a emis capital de lucru. Un profesor rural din Fedoskino, Lyubov Dmitrievna Derzhavina, a oferit o asistență enormă în completarea documentației. Șeful departamentului de instructor zemstvo provincial, Georgy Petrovici Petrov, a examinat cu atenție pregătirea și capacitățile artiștilor și, ca urmare, li s-au dat 500 de mii de ruble. A fost alocat și un teren pentru construirea unui atelier în satul Semenishchevo. La 11 octombrie 1910, meșterii au început lucrările în noua clădire. Artelul a primit numele „Fedoskino Labor Artel”, era format din 10 persoane: Serghei Nikolaevici Kuznetsov, Alexei Fedorovich Mișaninov, Vasily Petrovici Mitușov, Serghei Matveevici Borodkin, Vasily Sergeevich Borodkin, Semyon Matveevich Matveev, Alexei Alekseevici Kruglikovye, Alexei Alekseevici Kruglikov Spiridonovici Kainov și Ivan Petrovici Lavrov. S.N. Kuznețov a fost ales șef. Achiziționarea rămășițelor de semifabricate și echipamente Lukutinsky a deschis oportunitatea lucrătorilor artel de a produce chiar în primele luni produse care nu erau cu mult inferioare ca calitate celor de la Lukutinsky. Muzeul de artizanat a oferit companiilor comerciale recomandări excelente pentru produsele artelului. Au început să sosească comenzi. S.T.Morozov, văzând că lucrurile merg bine în artel, i-a dat 2 acțiuni de câte 500 de ruble la Banca Poporului, de la care puteau oricând să obțină un împrumut de 1000 de ruble, în plus, membrii artelului au creat un fond de ajutor reciproc. Și zemstvo a susținut-o, apreciind foarte mult rezultatele și calitatea muncii lucrătorilor artel. În 1912, clădirea artelului a ars, dar datorită asigurărilor a fost reconstruită rapid. Nenorocirea nu i-a zdrobit pe artiști, ei s-au apucat de lucru cu un entuziasm și mai mare. Au venit comenzi din toată Rusia, în special din Sankt Petersburg și din străinătate.

În timpul războiului civil din 1918-1920, artelul a continuat să funcționeze, deși acolo au rămas doar 5 persoane, restul erau pe front. În timpul războiului, nu se putea vinde produse nici în țară, nici în străinătate. Doar dragostea dezinteresată pentru arta lor a ajutat artelul să supraviețuiască. În 1923, la prima expoziție industrială agricolă și meșteșugărească din toată Rusia, artela Fedoskino a primit o diplomă de gradul întâi și o diplomă de recunoștință pentru menținerea producției sale în anii revoluției și războiului civil. Marele succes al acestei expoziții i-a inspirat pe artiști. Adevărat, au existat încă mari dificultăți cu vânzările. Lacurile Fedoskino nu erau inferioare celor japoneze, dar acestea din urmă erau de trei până la cinci ori mai ieftine. În 1925-1926, costul produsului era de 93% din costul forței de muncă și 7% din costul materialelor, 60% mergeau la salariul pictorului. Acest lucru arată clar cât de scump era prețuită munca. Pentru a-l ieftini, artela a început să accepte nu numai meșteri mediocri lukutin, ci și meșteri din alte ateliere de un nivel inferior. Noi mostre pentru miniaturi au fost create de artiștii Muzeului de Artizanat pe baza prelucrării lucrărilor artiștilor sovietici. Nestăpânind tehnica scrisului Fedoskino, artiștii Muzeului de Artizanat nu au putut folosi bogatele posibilități decorative ascunse în acesta. Realizate destul de primitiv, aceste miniaturi sunt proiectate simplu și seamănă cu pictogramele de imprimare populare lipite pe cutii. Dacă n-ar fi fost inscripțiile, ar fi fost imposibil de ghicit pe cine și ce au reprezentat acestea, atât de arhaică era forma artistică în care autorul și-a îmbrăcat lucrările. Alte exemple create de acești artiști fără cunoștințe și aderență la tehnicile tehnice ale picturii Fedoskino și-au îndeplinit și mai puțin scopul decorativ. Scrierea brută și aleatorietatea compozițiilor nu se potriveau cu forma camerei. Miniaturi banale cu marchize manierate, pieroți și negri mici, stilizări ale diferitelor tipuri de pictură artistică nu corespundeau tradiției miniaturii Fedoskino. Și cel mai trist lucru este că experiența veche de secole a miniaturii rusești a fost ignorată, impunând teme inventate în grabă și culese cumva din diverse surse. Dar au existat și experimente acceptabile, de exemplu, utilizarea motivelor din pictura pe porțelan, similare ca caracter cu pictura în miniatură, sau diferite variații ale celebrei imagini populare tipărite a unui filator.

În același timp, tehnicile orientale și vestice de utilizare a sidefului în incrustații au fost adoptate pe scară largă în lacurile Fedoskino. sidefa este tăiată în diverse locuri ale obiectului, respectând compoziția dorită, iar pictura, executată cu glazuri ușoare, îl face să sune după designul general: o strălucire de lumină pe zăpada topită, jocul luminii solare. in nori si la suprafata apei, pe acoperisurile caselor si cupolele bisericilor va pune in valoare bogatia tinutei - brocart, matase, catifea. Un obiect este modelat cu ajutorul sidefului, iar acesta, ca material cu calități decorative deosebite, este inclus în structura picturală de ansamblu a imaginii.

Pe lângă Fedoskino, în Rusia există în prezent trei centre pentru arta picturii cu lac în miniatură: Palekh, Mstera și Kholui. Au trecut printr-o altă cale de dezvoltare. Înainte de revoluția din 1917, acestea erau meșteșuguri mari de pictură de icoane, ai căror maeștri creau ateliere de pictură de icoane în toată țara: la Sankt Petersburg, Moscova, Nijni Novgorod, Saratov. Au pictat biserici din Rusia și biserici de ambasade în străinătate. Înainte de revoluție, Mstera, Palekh, Kholuy făceau parte din provincia Vladimir; în perioada sovietică, conform noii diviziuni administrative, Palekh și Kholuy au ajuns în regiunea Ivanovo, iar Mstera - în regiunea Vladimir. Toate aceste centre sunt cunoscute ca centre antice ale picturii icoanelor. Ei au fost angajați nu numai în arta formelor mici, ci și în pictura murală și restaurarea templelor vechi.

Practica picturii icoanelor a venit cel mai probabil de la mănăstiri. Cel mai vechi centru al meșteșugului a fost Kholuy, ca patrimoniu al Lavrei Trinity-Sergius și al Mănăstirii Spaso-Evthymius. Mențiunea lui Kholuy apare în 1543 în legătură cu o scrisoare către Mănăstirea Trinity-Sergius privind scutirea de taxe a salinelor Starodub și Kirzhach. Prima așezare a fost numită „Sărurile noi ale Kholuy”2. Salina Kholuy a aparținut Mănăstirii Trinity-Sergius. Această legătură cu cel mai mare centru cultural a avut un efect benefic asupra Kholuy. Aici au fost selectați cei mai deștepți copii și trimiși la mănăstire pentru a învăța pictura icoanelor. Așadar, în 1735, din ordinul arhimandritului Atanasie al Lavrei Trinity-Sergius, în așezarea Trinity-Kholuyskaya au fost recrutați 10 copii țărani cu vârsta cuprinsă între 12 și 15 ani, „... ascuțiți și de încredere în conceptul picturii icoanelor, instruiți în alfabetizare și, dă-le în Lavră pace, hrană și îmbrăcăminte, învață pictura pe Ieromonahul Pavel”3.

În 1882, Frăția Alexandru Nevski, înființată la Vladimir, a deschis cursuri de desen în Kholuy, care au fost ulterior transformate într-o școală de pictură și desen cu icoane. Un absolvent al Academiei de Arte din Sankt Petersburg, N.N. Kharlamov (1863-1935), a fost trimis acolo pentru conducere și predare. Activitățile școlii s-au dovedit a fi fructuoase. Absolvenții săi erau angajați în pictura bisericească și pictura icoanelor. Din 1902, școala este condusă și predată de E. A. Zarin, absolvent al Academiei de Arte din Sankt Petersburg. Școala predă nu numai pictura cu icoane, ci și introduce pe scară largă pictura academică și extinde familiaritatea cu arta mondială.

Prima mențiune a lui Mstera în cărțile de scriitori ale bisericii Bobotează datează din 1628. Acesta este vechiul patrimoniu al principilor Romodanovsky, care mai târziu au fost apropiați de curtea țarului Petru I. Practica picturii icoanelor în secolul al XVII-lea în Mănăstirea Bobotează s-a răspândit la întreaga populație masculină a așezământului, devenind principala sa activitate.

Palekh este, de asemenea, un sat antic. Cronica bisericii locale menționează că Palekh a aparținut inițial prinților Paletsky din familia prinților Starodubsky. Prinții Paletsky au jucat un rol semnificativ în istoria statului rus. Fiica lui Dmitri Paletsky a fost căsătorită cu fratele lui Ivan cel Groaznic, Yuri, iar după moartea ei, Palekh a mers la fiul lui Ivan al IV-lea, apoi la trezorerie. În secolul al XVII-lea, Palekh a fost repartizat lui Ivan Buturlin, care provenea dintr-o familie veche, al cărei strămoș era în slujba lui Alexandru Nevski.

Toate centrele au urmat o singură tradiție ortodoxă în pictura icoanelor, dar fiecare avea propriile sale caracteristici: Msteryaks erau orientați în principal către straturile Vechilor Credincioși din diferite regiuni ale Rusiei, Kholuyans, înclinați către o mai mare libertate, erau aproape de tradiția rusă realistă - în măsura în care era acceptabil într-o icoană; Paleshanii sunt mai canonici.

Ivan Golikov (1886/87-1937) a jucat un rol decisiv în soarta viitoare a acestor trei centre. Dacă nu ar fi Golikov, nu ar exista artă nouă nu numai în Palekh, ci și în Kholuy și Mstyora. O percepție sensibilă a artei, nemulțumire față de rutina care domina icoana la sfârșitul secolului al XIX-lea - începutul secolului al XX-lea, o căutare persistentă a folosirii talentului său, studii în diverse ateliere și în celebra școală din Sankt Petersburg. A.L. Stieglitz - toate acestea l-au pregătit să rezolve problema cu care, după revoluție, s-au confruntat toți pictorii de icoane. În acel moment, Golikov a lucrat cu succes în diferite orașe ale Rusiei ca artist decorativ de teatru. Decorurile sale au avut un mare succes, iar după spectacol artistul a fost chemat să se plece. Cumnatul lui Golikov, fostul pictor de icoane din Moscova A.A. Glazunov, l-a invitat la Muzeul de Artizanat, unde au fost expuse cutii Lukutin, și l-a convins să-și încerce pictura în miniatură. Și în acest domeniu a fost dezvăluit talentul remarcabil al lui Golikov.

Deja primele miniaturi ale lui Golikov i-au uimit pe experți cu neobișnuința lor. Pentru mulți a devenit clar că se naște o nouă artă. Geniul maestrului a ajutat arta antică să renaască într-o formă nouă. Miniaturale magnifice ale lui Golikov i-au încurajat pe alți foști pictori de icoane să se încerce în pictura cu lac. Lor li s-au alăturat A.V.Kotukhin (1886-1961), I.P.Vakurov (1885-1968), I.V.Markichev (1883-1955). În 1923, au participat la Expoziția de artă și industrială a întregii ruse de la Moscova și au primit o diplomă de gradul I. Acest lucru le-a dat pictorilor din Palekh încredere în noi eforturi. Dar erau încă prea multe probleme. Una dintre ele a fost crearea propriei sale producții de papier-mâché.

În acest moment, lui I.I. Golikov i s-a oferit un post didactic la Școala Stieglitz, dar la cererea tovarășilor săi, s-a întors la Palekh, unde la 5 decembrie 1924 au organizat Artel de Pictură Antică. Fondatorii săi au fost: I.I. Golikov, I.M. Bakanov (1870-1936), I.I. Zubkov (1883-1938) și A.I. Zubkov (1885-1938), I.V. Markichev, A.V. și V.V.Kotukhin (1897-1957). A.V. Kotukhin a fost ales ca primul președinte al artelului, care a jucat un rol imens în crearea propriei lor papier-mâché pentru Paleshans. În 1925, A.I. Vatagin (1881-1947), G.M. Bakanov (1881-1928), D.N.Butorin (1891-1960), iar în 1926 - P.I. Vakurov s-au alăturat artelului. Toți au fost pictori de cea mai înaltă clasă, ceea ce a determinat succesul întregii afaceri.

Încă de la început, artel s-a ocupat de a preda artiștilor elementele de bază ale noii arte. Primul elev al artelului în 1926 a fost P.D.Bazhenov (1904-1941), înzestrat cu un talent strălucit. Oficial, ucenicia a fost introdusă în artele în 1928 cu marele sprijin al lui Ya.S. Ganetsky, cunoscut pentru aventurile sale financiare riscante. Ganetsky, membru al consiliului de administrație al Comisariatului Poporului pentru Comerț Exterior, a oferit asistență enormă în vânzarea lucrărilor Palekh, în construirea de noi ateliere și a ajutat artiștii să elibereze participarea la lucrările agricole. Mai mult, banii primiți din vânzarea produselor lor au fost folosiți pentru cumpărarea de utilaje agricole pentru ferma colectivă.

Sortimentul de obiecte pictate în Palekh era foarte larg: broșe, butoaie, borcane, cufăruri, cutii de mărgele, caiete, cutii de timbre, cuțite de hârtie, cutii de țigări, cutii de țigări, cutii pentru țigări, compacte cu pulbere, discuri, cutii pentru ochelari, ceainice, mănuși. cutii, instrumente de scris, ouă de Paște, cutii.

La inițiativa și sfatul lui A.M. Gorki, la Artel of Ancient Painting a fost creată o cameră pentru a păstra cele mai bune lucrări, care urmau să formeze baza viitorului muzeu. Muzeul a fost deschis vizitatorilor pe 13 martie 1935. Prima sa expoziție a ocupat patru săli. Cu ajutorul lui A.M. Gorki a fost creată și deschisă o bibliotecă minunată.

Participarea artiștilor Palekh la expozițiile internaționale de la Veneția în 1924 și Paris în 1925 a făcut furori. Aceștia primesc apeluri și premii mari și primesc oferte tentante pentru a deschide o școală de miniaturi cu lac în Italia. Principalul critic de artă A.V. Bakushinsky scria la acea vreme că Palekh este singurul loc din lume unde minunatul basm al acelei epoci a culturii ruse, când arta sa avea o semnificație globală, este încă viu. Palekh a primit un mare sprijin de la A.M. Gorky, care în adolescență a lucrat în atelierul artiștilor Palekh din Nijni Novgorod. Ajutorul unui scriitor important i-a salvat pe paleșani de multe necazuri și i-a ajutat să primească ordine. Poziția meșterilor era dificilă. Foștii colegi de meserie îi considerau apostați, trădători ai credinței. Noul guvern nu i-a putut ierta pentru ocupația lor trecută în pictura de icoane. Dar din moment ce vânzarea produselor lor a oferit tânărului stat o monedă atât de necesară, li s-a spus deschis, atâta timp cât trăiești. I.I. Golikov a spus că Paleshanii sunt certați cu cuvinte mai rele decât înjurături. Dar după moartea lui M. Gorki, a început persecuția împotriva paleșanilor. Președintele artelului, A.I.Zubkov, a fost arestat și a murit în lagăre, acuzat de spionaj. Succesele poporului Palekh la expozițiile internaționale au trezit un mare interes în rândul principalelor personalități culturale mondiale și au fost aduși la Palekh, care mai târziu s-au dovedit a fi contacte periculoase pentru care au fost pedepsiți.

În anii 20 ai secolului al XX-lea, formarea stilului Palekh de miniaturi cu lac sa bazat nu numai pe sistemul artistic vechi de secole al picturii rusești antice, ci și pe experiența artei mondiale.

În miniaturile lacuite, poporul Palesha folosea scrierea cu vopsele cu tempera, păstrate grație picturii icoanelor rusești, „aceasta este principala bogăție a Palekh și capitalul său artistic, care a fost protejat cu grijă ca tradiție vie din generație în generație, de la rădăcinile lui. Bizanţul şi cultura antică”4. În Europa de Vest au pictat cu tempera până în secolul al XVI-lea. Tehnica de scriere Palekh constă în aplicarea strict secvențială a vopselei pe o suprafață de lac. În primul rând, artiștii pictează cu văruire, folosindu-l pentru a completa întreaga compoziție. Deja în această etapă este pusă baza pentru schema de culori a miniaturii. In acele locuri in care vor fi culori deschise se aplica varul mai gros, in mai multe straturi. Apoi încep să dezvăluie culoarea. Această etapă se numește dehiscență. Următoarea etapă este pictura. Ei desenează toate contururile și detaliile într-un ton întunecat și apoi dezvăluie umbra și părțile luminoase ale compoziției; acest proces se numește fuziune între Paleshans. Ultima etapă este finisarea finală a volumelor de obiecte reprezentate cu vopsele. Pictura se termină în cursivă (spațiu alb) cu aur, concentrând lumina. Expresivitatea emoțională se realizează nu numai prin compoziție și culoare, ci și printr-o anumită metodă de aplicare a vopselei. Pictura cu glazuri (glazuri) constă în scriere multistratificată cu linii transparente, când straturile inferioare ale picturii strălucesc prin cele superioare, dând aerisire și luminozitate compoziției. Aceasta este o tehnică complexă care durează ani de zile pentru a fi stăpânită, uneori până la 10 ani, și nu toată lumea o poate stăpâni. Un rol deosebit în miniaturile Palekh îl joacă scrierea în aur a tuturor volumelor la ultima etapă. Aurul nu este doar un element cheie, ci și o parte a viziunii artistice asupra lumii în arta Palekh. Este indisolubil legat de simbolul luminii, care are mari tradiții istorice care provin din ideile medievale despre cele două principii ale vieții - lumina și întuneric. În simbolismul creștin, lumina capătă un sens estetic aparte, devenind un prototip al harului divin. Purtătorul material al acestei lumini este aurul, care îl simbolizează și este claritatea divină materializată.

Exemplul lui Palekh i-a ajutat pe foști pictori de icoane din Mstera și Kholuy să-și încerce mâna la o nouă artă. Chiar mai devreme decât paleshanii, msterienii căutau modalități de a-și folosi ambarcațiunile în condiții noi. Artizanii dezbinați din Mstyora s-au unit în sindicatul muncitorilor în domeniul artelor - RABIS. Primele mostre au fost vopsirea produselor din lemn și a tăvilor de tablă. La 23 iulie 1923, la Mstera a fost creată artela „Pictură veche rusă”. Era format din unsprezece oameni. Au lucrat la „lenja” de lemn adusă din orașul Semenov. Au pictat cutii, sicrie, sicrie, sare, păpuși matrioșca și multe altele. În 1924, au început să stăpânească pictarea covoarelor de perete pe pânză cu vopsele în ulei. În 1925, artelul avea deja treizeci de oameni, în 1928 - 60. Dar calitatea scăzută a produselor i-a complicat existența. Unii dintre foștii pictori de icoane au lucrat la fabrica locală de pânză uleioasă și la fabrica Metalloshtamp. Mi-a fost greu să-mi găsesc drumul. Critici de artă de frunte A.V. Bakushinsky și V.M. Vasilenko le-au oferit o mare asistență în dezvoltarea propriului stil. Ei au sugerat că trebuie să începem de la particularitățile picturii cu icoane Mstera, cu fundalurile sale neobișnuite de peisaj. Pictura vest-europeană, în special olandeză, cu distanțele ei de topire, miniaturile persane cu ornamentele lor de covoare, au influențat miniaturile lacului Mstera. Particularitatea stilului Mstera în pictura cu lac și conținutul său a fost influențată de lubok rusesc. Înainte de revoluție, în Mstera a existat un centru de producție de tipărituri populare, a cărui producție a fost întreprinsă de celebrul arheolog I.A.Golyshev (1838-1896) - un colecționar zelos de tot ce ține de viața populară, un cunoscător al antichității. A fost iobag al contelui Panin, care o deținea pe Mstera. N.A. Nekrasov a venit la el în special în Mstera în ceea ce privește lansarea lucrărilor sale din seria „Carți roșii” și răspândirea lor în rândul oamenilor de-a lungul timpului. Imaginile populare, publicate de Golishev, erau o carte detaliată cu ilustrații, însoțite de texte lungi de natură moralizatoare și umor. Imaginile au fost tipărite pe piatră de imprimare și pictate de femei și adolescenți din Mstera. Experiența strălucitoare a lui Palekh i-a încurajat pe locuitorii din Mstera să se îndrepte cu insistență către scopul propus. La 22 iunie 1931, la Mstera a fost creată artela „Arta Proletariană” pentru a stăpâni pictura cu lac în miniatură. Fondatorii săi au fost cinci maeștri: N.P. Klykov (1861-1944), A.I. Bryagin (1888-1948), E.V. Yurin (1898-1983), I.A. Serebryakov (1888-1967), V.I.Savin (1880-1957). Serebryakov și Iurin au fost trimiși la Moscova pentru cursuri de studiere a tehnicii picturii pe papier-mâché.

După revoluție, lacheii au căutat dureros folosirea meșteșugului lor și, mai târziu de Palekh și Mstyora, au creat o artelă pentru pictura cu lac în miniatură. Aceasta a avut loc în 1934, iar fondatorii săi au fost S.A. Mokin (1891-1945), K.V. Kosterin (1899-1985), D.M. Dobrynin (?) și V.D. Puzanov-Molev (1892 -1961). Toți au absolvit școala de pictură și desen și au fost artiști talentați și educați, cu o vastă experiență. Și V.D. Puzanov-Molev a absolvit Școala de Artă Stroganov din Moscova în 1912. Calea către miniaturi lacuite a fost mai dificilă pentru lachei. Debutul strălucit al lui Palekh, și apoi succesele lui Mstera, i-au împins pe oameni să-i imite. În plus, critici de artă importanți precum A.V. Bakushinsky și V.M. Vasilenko au fost în curând reprimați, iar lacheii au fost privați de asistența profesională pe care o oferiseră odată colegilor lor din Palekh și Mstera. Stilul miniaturii Kholuy s-a dezvoltat treptat de-a lungul mai multor decenii. Peisajul naturii din Rusia Centrală servește drept fundal pe care se desfășoară evenimentele istorice, folclor și intrigile de gen ale miniaturii lor. La Kholuy s-a format o direcție interesantă a peisajului arhitectural, reprezentată de lucrările lui N.N. Denisov (născut în 1929), B.I. Kiselev (născut în 1928), V.N. Sedov (născut în 1952). ), V. Teplova (născut în 1955) , într-o varietate de interpretări creative.

Artiștii din Palekh, Mstyora și Kholuy au scris și pictează acum nu numai miniaturi, ci și panouri mari pentru decorarea clădirilor și instituțiilor seculare, au fost și sunt angajați în proiectarea de cărți și decorarea teatrului, pictura de mobilier și porțelan, decorarea metalului premiat. cupe, colaborând cu bijutieri, creând opere de artă originale.

Acum, în aceste trei foste centre de pictură cu icoane - Palekh, Kholuy și Mstera - artiștii apelează din ce în ce mai mult la pictura cu icoane.

În același timp, după schimbările din anii 90 ai secolului XX, când vechiul sistem politic și economic s-a prăbușit, numeroși artiști din patru meserii majore, cărora, în structura socialistă a societății, li se garanta un anumit venit stabil, un stabil stabil. piața internă, educația gratuită și creșterea profesională, s-au găsit într-o situație dramatică. După ce au primit libertatea deplină de a scrie ce și cum doriți, au pierdut complet oportunitatea de a-și vinde produsele pe piața internă. Nu numai că nu mai există ordine guvernamentale, care au fost folosite de muzee și fundații de artă din Rusia și URSS, dar astăzi este și dificil să vindeți lucrări ieftine care au fost vândute cu succes anterior prin magazine. Statul s-a retras de la orice participare la soarta centrelor unice ale artei ruse, iar sărăcirea totală a populației a făcut ca lucrările artiștilor în miniatură lac să le fie inaccesibile.

Situația, într-o oarecare măsură, este salvată doar de faptul că, de-a lungul anilor de existență, miniaturile rusești de lac au dobândit o mare piață internațională. Acest lucru a fost facilitat nu numai de calitatea înaltă a execuției, orientarea către diverse pături sociale, varietatea subiectelor, stăpânirea deliciilor ornamentale extrase din lacurile vest-europene și orientale, originalitatea, dar și dezvoltarea constantă a unor noi forme - atât produse, cât și mijloace artistice. de expresie, legătură sensibilă cu timpul, pregătire profesională serioasă a maeștrilor. Acest lucru ne permite să sperăm că miniaturile de lac de uz casnic vor putea rezista încercărilor dificile care le apar.

LACURI DE VOPSIA

Lacurile de pictură sunt soluții de 30 la sută de rășini în pinen, cu excepția lacului de copal, unde rășina de copal este dizolvată în ulei de in.

Se produc urmatoarele tipuri de lacuri, folosite ca aditivi la vopselele in ulei: mastic, dammar, fistic, acril-fistic si copal.

Lac mastic - O soluție de 30% de rășină mastic în pinen. Lacul de mastic poate servi nu numai ca aditiv pentru vopsele, ci și ca ștergător pentru straturile intermediare în timpul vopsirii strat cu strat, înlocuind lacul de retuș. Lacul mastic este, de asemenea, folosit ca strat de acoperire pentru vopsirea în ulei și tempera.

lac Dammar - O soluție 30% de rășină dammar în pinen cu adaos de alcool etilic. Lacul Dammar este folosit ca aditiv pentru vopsele și ca strat de acoperire. În timpul depozitării, uneori își pierde transparența, dar când se usucă, când pinenul se evaporă, pelicula de lac devine transparentă.Pinul este folosit pentru a dilua lacul.La îmbătrânire, lacul dammar devine galben mai puțin decât masticul.

Lac de copal - reprezintă un „aliaj” de rășină de copal și ulei de in rafinat, diluat cu pinen. Lac închis la culoare. Compoziția aproximativă a lacului (în ppm): copal - 20, ulei - 40, pinen - 40. Lacul este utilizat ca aditiv pentru vopsele. Filmul uscat de lac de copal este insolubil în solvenți organici.

Pe lângă lacurile de mai sus, sunt disponibile următoarele: balsam-ulei, cedru, balsam-penta-ulei și brad.

LACURI DE ACOPERIRE

Lacurile de acoperire sunt folosite pentru vopsire, vopsire în ulei și tempera.

Lac de fistic este o soluție de rășină de fistic (23%) în pinen cu un ușor adaos de alcool alb (diluanți nr. 2) și alcool butilic. Avantajul lacului de fistic este incoloritatea aproape completă a filmului de lac, care este foarte elastic. Viteza de uscare a lacului de fistic este semnificativ mai mică decât cea a altor lacuri de acoperire.

Lac acrilic fistic este o rășină polibutil metacrilică sintetică cu adăugarea unei cantități mici de rășină de fistic. Rășinile sunt dizolvate în pinen, la care s-a adăugat aproximativ două procente de alcool butilic. Pelicula de lac acrilic-fistic este aproape incoloră, are o mare elasticitate și este superioară ca rezistență peliculelor de lac de mastic și dammar. Uscarea are loc mai lent decât lacul mastic.

Retușați lac folosit pentru a preveni decolorarea în timpul picturii în ulei cu mai multe straturi, precum și pentru a îmbunătăți aderența straturilor de vopsea. Lacul poate fi aplicat cu o perie sau un tampon. Lacul este format din 1 parte lac mastic și 1 parte lac acrilic-fistic, dizolvate în 8-10 părți benzină de aviație.

ACOPERIRE DE POZE CU LAC

Lacuirea tablourilor pictate cu vopsele în ulei sau tempera este extrem de importantă. Tonurile vopselelor dintr-un tablou acoperit cu lac capătă intensitate, ceea ce este caracteristic mai ales vopselelor cu tempera, dar în același timp lacul întunecă oarecum vopselele cu tempera. Stratul de vopsea, acoperit cu lac, capata o stralucire placuta, in acelasi timp tabloul este perceput mai clar, mici detalii picturale, adesea invizibile in pictura mata, sunt evidentiate si subliniate.

Filmul de lac joacă nu numai un rol pur optic, ci și protejează stratul de vopsea de acțiunea reactanților agresivi din aer. Astfel de reactivi agresivi includ hidrogen sulfurat și gaze de dioxid de sulf, care provoacă o întunecare puternică a unor vopsele.

Pictura ar trebui să fie lăcuită nu mai devreme de un an de la data finalizării lucrării. În tot acest timp, vopsirea trebuie protejată de praf, murdărie, fum de tutun etc.

Pentru acoperirea picturii se foloseste unul dintre lacurile de topcoat: acrilic-fistic, mastic sau dammar.

Cel mai bun lac de acoperire este fisticul acrilic. Acest lac are o transparență deosebită, elasticitate ridicată și nu își pierde proprietățile în timp.

Lacul folosit trebuie să fie proaspăt; nu au trecut mai mult de trei luni de la lansare, care se verifică prin verificarea composterului de pe etichetă.

Înainte de aplicarea lacului, vopseaua trebuie curățată de praf și uscată.
Pentru aplicarea lacului se folosesc pensule cu peri largi, iar lățimea canelului este selectată în funcție de dimensiunea picturii. Pentru un tablou de dimensiuni medii, se folosește de obicei un flaut, a cărui lățime este de cel puțin 100 mm, iar pentru un tablou de dimensiuni mici - 45-50 mm lățime. Peria pentru flaut pe care o alegeți ar trebui să aibă peri scurti, netăiați. Cu cât lacul este mai gros, cu atât perii canelului ar trebui să fie mai scurti, astfel încât să „strângă” lacul, adică să facă posibilă aplicarea lui într-un strat destul de subțire.

În plus față de o perie flaut, lacul se aplică uneori cu un tampon de nailon sau chiar cu mâna.

Pentru o lustruire mai bună a lacului, acesta trebuie aplicat într-o formă încălzită, pentru care folosesc o baie de apă cu o temperatură a apei de cel mult 40 °.

Uneori, pictura este încălzită cu un reflector, de asemenea, la o temperatură care nu depășește 40°, dar această metodă nu asigură o distribuție uniformă a căldurii peste stratul de vopsire, iar căldura reflectorului este greu de reglat.

Pentru a reduce strălucirea stratului de lac, care provoacă strălucire, lacul este diluat cu pinen proaspăt (diluant - Nr. 4) într-un raport de 1: 1. Raportul dintre lac și diluant poate fi schimbat în funcție de perioada anului. ; pe vreme rece, se ia mai mult diluant.

Pentru ca lacul să se usuce mai lent în timpul procesului de lucru, i se adaugă alcool alb (diluant - Nr. 2), acest lucru face posibilă aplicarea lent a lacului pe imagine, dar spiritul alb are o permeabilitate mai mare decât pinenul și poate provoca așa-numitele defecțiuni de lac, care trece prin microfisuri în adâncurile stratului de vopsire, formând pete tulburi.

La aplicarea lacului, tabloul este așezat pe o masă, iar tablourile mari sunt lăcuite pe un șevalet.

După ce au instalat sursa de lumină în partea dreaptă, ei încep să acopere pictura cu lac. După ce ați colectat o cantitate mică de lac pe pensulă, fără probleme, cu mișcări largi, mișcați flautul într-o direcție, alungând lacul. Când fluierul se mișcă rapid, peria captează aer și se pot forma bule pe filmul de lac. Direcția flautului trebuie să fie paralelă cu partea de jos a picturii.

După aplicarea lacului, acesta se lustruiește cu o canelură uscată peste lacul semi-umed. Lustruirea se efectuează până când flautul începe să se lipească și să rămână pe lac.

Atat aplicarea cat si lustruirea se fac intr-o singura directie, fara a reveni la zonele deja uscate ale picturii.

După aplicarea lacului, luciul picturii ar trebui să fie moderat.

În cazul creșterii strălucirii peliculei de lac, care este asociată cu aplicarea excesivă a lacului, această deficiență este corectată prin îndepărtarea unei părți a peliculei de lac; Pentru a îndepărta excesul de lac, folosiți o perie flaut bine înmuiată în pinen. Filmul este estompat folosind aceleași mișcări ale pensulei ca la acoperire. Lacul se stoarce periodic din perie.

La lăcuirea tablourilor mari, așa cum este indicat, acestea sunt așezate pe un șevalet și se are grijă să se asigure că nu există picături în timpul lucrării. Picturile mari sunt adesea lăcuite, rupând treptat întreaga zonă în secțiuni separate.

După ce s-a terminat de aplicat lacul, după 10-15 minute tabloul se instalează oblic, cu un strat pitoresc pe perete, pentru a proteja pelicula umedă de lac de depunerea prafului din aer pe măsură ce lacul se usucă.

În acest caz, vopseaua acoperită cu lac trebuie protejată de umiditatea aerului și temperaturile scăzute.