L'intrigue du tableau de mona lisa leonardo da vinci. Le principal secret de Mona Lisa - son sourire - hante toujours les scientifiques. Mona Lisa enceinte
Le tableau Mona Lisa (La Joconde) du musée du Louvre est sans aucun doute une œuvre d'art vraiment belle et inestimable, mais les raisons de son incroyable popularité doivent être expliquées.
Il semble que la renommée mondiale de cette peinture ne soit pas due à son mérite artistique, mais aux disputes et aux secrets qui ont accompagné la peinture, ainsi qu'à l'impact particulier sur les hommes.
A un moment elle aimait tellement ça Napoléon Bonaparte qu'il l'a transporté du Louvre au palais des Tuileries et l'a accroché dans sa chambre.
Mona Lisa est une orthographe simplifiée du nom "Mona Lisa", qui à son tour est une abréviation du mot madonna ("ma dame") - c'est ainsi que le célèbre historien du XVIe siècle Giorgio Vasari a parlé avec respect de la Lisa Gerardini représenté dans le portrait de son livre La vie des architectes, sculpteurs et peintres italiens exceptionnels ”.
Cette femme était mariée à un certain Francesco del Gioconda, c'est grâce à ce facteur que les Italiens, et après eux les Français, ont commencé à appeler le tableau "Gioconda". Cependant, il n'y a pas de certitude totale que c'est Mona Lisa Gioconda qui est représentée sur la toile. Dans le portrait que décrit Vasari (bien qu'il ne l'ait jamais vu lui-même), les sourcils de la femme sont "plus épais à certains endroits" (Mona Lisa n'en a pas du tout) et "sa bouche est légèrement ouverte" (Mona Lisa sourit, mais sa bouche est fermée) ...
D'autres preuves ont survécu du secrétaire du cardinal Luis d'Aragon, la dernière personne à rencontrer Léonard de Vinci en France, où l'artiste a passé son dernières années vie à la cour du monarque François Ier à Amboise.
Il semble que Léonard ait montré au cardinal plusieurs tableaux qu'il a apportés d'Italie, dont « un portrait d'une femme florentine peint d'après nature ». Ce sont toutes les informations qui peuvent être utilisées pour identifier le tableau Mona Lisa (La Gioconda).
Il représente un assez large éventail de possibilités pour divers types de versions alternatives, de spéculations d'amateurs et de contestation de la paternité d'éventuelles copies du tableau et d'autres œuvres de Léonard de Vinci.
On ne peut qu'affirmer avec certitude que la "Mona Lisa" a été retrouvée dans la salle de bain Palais de Fontainebleau, que le roi Henri IV prévoyait de restaurer dans les années 1590. Pendant longtemps, personne n'a prêté attention au tableau : ni le public ni les amateurs d'art, jusqu'à ce que finalement, après un séjour de 70 ans au Louvre parisien, le célèbre écrivain et poète Théophile Gaultier, qui rédigeait alors un guide au Louvre, je l'ai vu.
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Gaultier a beaucoup apprécié la photo et l'a surnommée « la délicieuse Joconde » : « Un sourire sensuel joue toujours sur les lèvres de cette femme, elle semble se moquer de ses nombreux admirateurs. Son visage serein exprime la confiance qu'elle sera toujours incroyable et belle."
Quelques années plus tard, l'impression indélébile que la peinture de La Joconde fit sur Gaultier devint encore plus profonde, et il put enfin formuler la particularité de ce chef-d'œuvre : « sa bouche sinueuse et serpentine, dont les coins sont relevés de lilas. pénombre, se moque de vous avec tant de grâce, de tendresse et de supériorité qu'en la regardant, nous sommes timides, comme des écoliers en présence d'une noble dame."
En Grande-Bretagne, le tableau se fait connaître en 1869 grâce au prosateur Walter Pate. Il a écrit : Cette sensation, qui surgit d'une manière si étrange près de l'eau, exprime ce pour quoi les hommes luttent depuis des millénaires...
Cette femme est plus vieille que les rochers à côté desquels elle se trouve ; comme un vampire, elle était déjà morte de nombreuses fois et avait appris les secrets de l'au-delà, elle s'est plongée dans les profondeurs de la mer et en a gardé le souvenir. Avec les marchands de l'Est, elle a opté pour les tissus les plus étonnants, elle était Léda, la mère d'Elena la Belle, et Sainte Anne, la mère de Marie, et tout cela lui est arrivé, mais cela n'a été conservé que comme le son de une lyre ou une flûte et se reflétait dans l'ovale exquis du visage, dans les contours des paupières et la position des mains.
Lorsque le 21 août 1911, le tableau de la Joconde fut volé par un garde italien, et bientôt retrouvé en décembre 1913, la "prima donna" Renaissance une place distincte a été attribuée au musée du Louvre.
Critiques et lacunes de la peinture Mona Lisa (La Gioconda)
Un peu plus tard, en 1919, le dadaïste Marcel Duchamp acheta une carte postale bon marché avec une reproduction de la toile, y dessina une barbe et signa les lettres "LHOOQ" en bas, qui en français se lisaient presque comme elle a chaud au cul, ce qui signifie quelque chose comme "elle est une fille chaude". Depuis lors, la renommée de la peinture de Léonard de Vinci a vécu sa propre vie, malgré les nombreuses protestations de critiques d'art indignés.
Par exemple, Bernard Berenson a un jour exprimé l'opinion suivante : « ... (elle) est désagréablement différente de toutes les femmes que j'ai connues ou rêvées, une étrangère difficile à comprendre, rusée, méfiante, sûre d'elle, remplie d'un sentiment de supériorité hostile, avec un sourire qui exprime l'anticipation du plaisir."
Roberto Longhi a déclaré qu'il préférait les femmes des tableaux de Renoir à cette "femme nerveuse indéfinissable". Pourtant, malgré tout cela, beaucoup plus de photographes se rassemblent chaque jour près du portrait de Mona Lisa que près des stars de cinéma les plus célèbres, lors des Oscars annuels. En outre, l'attention portée à La Gioconda a considérablement augmenté après son apparition en tant que personnage de camée dans le livre sensationnel de Dan Brown, The Da Vinci Code.
Cependant, il convient de noter que le nom "Mona Lisa" n'est pas une version codée de "Amon L" Isa, une combinaison des noms des anciens dieux égyptiens de la fertilité Amon et Isis. En d'autres termes, Mona Lisa (Gioconda) ne peut pas être interprété comme l'expression d'une « divinité féminine » bisexuelle. nom anglais tableaux de Léonard de Vinci, un nom qui n'existait pas au moment de la création de la toile.
Peut-être y a-t-il une part de vérité dans le fait que Mona Lisa n'est qu'un autoportrait de Léonard en robe de femme. Les experts savent que le peintre aimait vraiment peindre des figures bisexuelles, c'est pourquoi certains critiques d'art ont vu la similitude entre les proportions du visage dans l'image et l'esquisse d'un autoportrait de Léonard de Vinci.
Aujourd'hui, la peinture de Léonard de Vinci n'impressionne pas du tout beaucoup de visiteurs. le musée du Louvre ainsi que sur Roberto Longhi ou sur l'héroïne du livre de Dan Brown Sophie Neve, qui croyait généralement que cette image était « trop petite » et « sombre ».
La toile de Léonard a vraiment une très petite taille, à savoir 53 par 76 centimètres, et en général elle a l'air assez sombre. A vrai dire, c'est juste sale, car si sur la majorité des reproductions les couleurs d'origine du tableau sont "corrigées", pas un seul restaurateur n'a osé proposer de "corriger" l'original.
Cependant, tôt ou tard, le musée du Louvre parisien devra encore restaurer le tableau La Joconde (La Joconde), car, selon les restaurateurs, la fine base de bois de peuplier sur laquelle il a été peint se déformera avec le temps et ne durera pas longtemps. .
En attendant, le cadre en verre du tableau, créé selon le projet d'une entreprise milanaise, aide à préserver la toile. Si vous parvenez à vous frayer un chemin à travers les foules de visiteurs, ainsi qu'à travers le vernis de la renommée, la saleté des siècles et vos propres attentes erronées de la peinture, vous finirez par voir une belle et unique pièce de peinture.
Détails Catégorie: Beaux-arts et architecture de la Renaissance (Renaissance) Publié le 02.11.2016 16:14 Affichages: 4071La Joconde (La Joconde) de Léonard de Vinci est toujours l'une des peintures les plus célèbres de l'art d'Europe occidentale.
Sa renommée de haut niveau est associée à la fois à un grand mérite artistique et à l'atmosphère de mystère qui entoure cette œuvre. Ce mystère a commencé à être attribué à la peinture non pas pendant la vie de l'artiste, mais au cours des siècles suivants, suscitant l'intérêt pour elle avec des messages sensationnels et les résultats de la recherche en peinture.
Nous pensons qu'il est correct - une analyse calme et équilibrée des mérites de cette peinture et de l'histoire de sa création.
Tout d'abord, à propos de l'image elle-même.
Description de l'image
Léonard de Vinci « Portrait de Mme Lisa Giocondo. Mona Lisa "(1503-1519). Planche (peuplier), huile. 76x53 cm Louvre (Paris)
Le tableau représente une femme (portrait en buste). Elle est assise sur une chaise, les bras croisés, reposant une main sur son accoudoir et l'autre sur le dessus. Elle se tourna sur sa chaise presque pour faire face au spectateur.
Ses cheveux lisses, séparés au milieu, sont visibles à travers le voile transparent qui les recouvre. Sur les épaules, ils tombent en deux brins minces légèrement ondulés. Robe jaune, cape vert foncé...
Certains chercheurs (notamment Boris Vipper - historien de l'art russe, letton, soviétique, enseignant et employé de musée, l'un des fondateurs de l'école nationale des historiens de l'art d'Europe occidentale) soulignent que Mona Lisa a des traces de la mode Quattrocento : elle a sourcils et cheveux rasés en haut du front.
Mona Lisa est assise sur une chaise sur le balcon ou la loggia. On pense qu'auparavant, l'image pouvait être plus large et contenir deux colonnes latérales de la loggia. Peut-être l'auteur lui-même l'a-t-il réduit.
Derrière la Joconde se trouve une zone désertique avec des ruisseaux sinueux et un lac entouré de montagnes enneigées ; le terrain s'étend vers la ligne d'horizon des gratte-ciel. Ce paysage donne l'image même d'une femme majestueuse et spirituelle.
V.N.Graschenkov, critique d'art russe spécialisé dans l'art de la Renaissance italienne, croyait que Léonard, grâce en partie au paysage, était capable de créer pas le portrait d'une personne en particulier, mais une image universelle: « Dans cette peinture mystérieuse, il a créé quelque chose de plus qu'un portrait de l'inconnue Florentine Mona Lisa, la troisième épouse de Francesco del Giocondo. L'apparence extérieure et la structure mentale d'une personne en particulier sont véhiculées par lui avec des synthèses sans précédent ... "La Gioconda" n'est pas un portrait. C'est un symbole visible de la vie même de l'homme et de la nature, unis en un tout et présenté de manière abstraite à partir de leur forme individuelle spécifique. Mais derrière le mouvement à peine perceptible, qui, comme une légère ondulation, parcourt la surface immobile de ce monde harmonieux, on devine toute la richesse des possibilités d'existence physique et spirituelle. »
Le célèbre sourire de Mona Lisa
Le sourire de Mona Lisa est considéré comme l'un des mystères les plus importants du tableau. Mais est-ce vraiment le cas ?
Sourire de la Joconde (détail de la photo) Léonard de Vinci
Ce léger sourire vagabond se retrouve dans de nombreuses œuvres du maître lui-même et chez les Léonardesques (artistes dont le style était fortement influencé par la manière de Léonard de l'époque milanaise, qui étaient parmi ses élèves ou adoptaient simplement son style). Bien sûr, dans "Mona Lisa", elle a atteint sa perfection.
Jetons un coup d'oeil à quelques images.
F. Melzi (élève de Léonard de Vinci) "Flore"
Le même léger sourire errant.
Tableau "Sainte Famille". Auparavant, il était attribué à Léonard, mais maintenant même l'Ermitage a admis qu'il s'agissait de l'œuvre de son élève Cesare da Sesto
Le même léger sourire errant sur le visage de la Vierge Marie.
Léonard de Vinci "Jean-Baptiste" (1513-1516). Louvre (Paris)
Le sourire de Jean-Baptiste est également considéré comme mystérieux : pourquoi ce sévère Forerunner sourit-il et pointe-t-il du doigt ?
Qui était le prototype de la "La Gioconda" ?
Il y a des informations de l'auteur anonyme de la première biographie de Léonard de Vinci, à laquelle Vasari fait référence. C'est cet auteur anonyme qui parle du marchand de soie Francesco Giocondo, qui commanda à l'artiste un portrait de sa troisième épouse.
Mais quelles opinions n'existaient pas sur l'identification du modèle ! Il y avait beaucoup d'hypothèses: il s'agit d'un autoportrait de Léonard lui-même, d'un portrait de la mère de l'artiste Katerina, divers noms des contemporains de l'artiste et des contemporains ont été nommés ...
Mais en 2005, des scientifiques de l'université d'Heidelberg, étudiant des notes dans les marges d'un tome d'un fonctionnaire florentin, ont trouvé l'entrée : "... maintenant da Vinci travaille sur trois tableaux, dont l'un est un portrait de Lisa Gherardini ." L'épouse du marchand florentin Francesco del Giocondo était Lisa Gherardini. Le tableau a été commandé par Leonardo pour la nouvelle maison de la jeune famille et pour commémorer la naissance de leur deuxième fils. Cette énigme est pratiquement résolue.
L'histoire de la peinture et ses aventures
Le nom complet du tableau " Ritratto di Monna Lisa del Giocondo"(Italien) -" Portrait de Mme Lisa Giocondo. " En italien ma donna veux dire " ma dame", Dans une version abrégée, cette expression a été transformée en monna ou alors mona.
Ce tableau tenait une place particulière dans l'œuvre de Léonard de Vinci. Après y avoir passé 4 ans et quitté l'Italie à un âge mûr, l'artiste l'emmène avec lui en France. Peut-être n'a-t-il pas terminé le tableau à Florence, mais l'a-t-il emporté avec lui lors de son départ en 1516. Dans ce cas, il l'a terminé peu de temps avant sa mort en 1519.
Le tableau était alors la propriété de son élève et assistant Salai.
Salai dans le dessin de Léonard
Salai (mort en 1525) a laissé le tableau à ses sœurs qui vivaient à Milan. On ne sait pas comment le portrait est revenu de Milan en France. Le roi François Ier acheta le tableau aux héritiers de Salai et le conserva dans son château de Fontainebleau, où il resta jusqu'à l'époque de Louis XIV. Il l'a transportée à château de Versailles, après la Révolution française en 1793, le tableau finit au Louvre. Napoléon admira La Joconde dans sa chambre au palais des Tuileries, puis elle retourna au musée.
Pendant la Seconde Guerre mondiale, le tableau est transporté du Louvre au château d'Amboise (où Léonard est mort et inhumé), puis à l'abbaye de Loc Dieu, puis au musée Ingres de Montauban. Après la fin de la guerre, "La Gioconda" est revenue à sa place.
Au vingtième siècle. le tableau est resté au Louvre. Ce n'est qu'en 1963 qu'elle a visité les États-Unis et en 1974 - au Japon. Sur le chemin du Japon vers la France, "La Gioconda" a été exposée au Musée. A.S. Pouchkine à Moscou. Ces voyages ont renforcé son succès et sa renommée.
Depuis 2005, au Louvre, il est situé dans une salle séparée.
"Mona Lisa" derrière une vitre pare-balles au Louvre
Le 21 août 1911, le tableau est volé par un employé du Louvre, l'Italien Vincenzo Perugia. Peut-être que Pérouse voulait rendre "La Gioconda" à sa patrie historique. La photo n'a été retrouvée que deux ans plus tard en Italie. Elle a été exposée dans plusieurs villes italiennes, puis est revenue à Paris.
Elle a connu "La Gioconda" et des actes de vandalisme : elle a été aspergée d'acide (1956), jetée sur elle avec une pierre, après quoi elle a été cachée derrière une vitre pare-balles (1956), ainsi qu'une tasse d'argile (2009), ils a essayé de pulvériser de la peinture rouge à partir d'un bidon sur le tableau (1974).
Les élèves et les disciples de Léonard ont créé de nombreuses répliques de "Mona Lisa" et des artistes d'avant-garde du XXe siècle. a commencé à exploiter sans pitié l'image de Mona Lisa. Mais c'est une toute autre histoire.
La Gioconda est l'un des plus beaux exemples du genre du portrait italien de la Haute Renaissance.
Nous admirons les peintures des maîtres anciens, mais pensons rarement à leur apparence exacte au moment de la création. Pour une raison quelconque, on pense que les couleurs sombres sont vue d'origine toiles. En fait, TOUTES les peintures de plus de 50 ans étaient complètement différentes. Le temps détruit le pigment de couleur de nombreuses peintures. Certains disparaissent, d'autres changent.
Par conséquent, ce que nous voyons et ce que l'artiste a écrit, comme on dit à Odessa : "Ce sont deux grandes différences."
Mona Lisa. Léonard de Vinci aujourd'hui.
Après un an de recherche scientifique, la célèbre artiste américaine Jenness Cortez a annoncé l'achèvement de son travail de restauration de la Joconde de Léonard de Vinci telle qu'elle était au début du XVIe siècle.
La restauration a été commandée par un collectionneur privé américain. Dans son travail, Janes Cortez a utilisé une copie de Mona Lisa appartenant au musée du Prado et des données du Centre de recherche français pour la restauration, publiées en 2004. De plus, l'artiste a analysé de manière indépendante un grand nombre de des données historiques sur le tableau et ses copies réalisées par des contemporains de Léonard de Vinci.
D'après Giorgio Vasari (1511 - 1574 ), auteur de biographies d'artistes italiens qui ont écrit sur Léonard en 1550, 31 ans après sa mort, Mona Lisa (abr. madone lisa) était l'épouse d'un Florentin nommé Francesco del Giocondo ( ital. Francesco del Giocondo), sur le portrait duquel Leonardo a passé 4 ans, le laissant toujours inachevé.
Genes Cortez - Mona Lisa (copie du tableau de Léonard de Vinci)
Après avoir terminé le travail, Jenes Cortez a noté qu'elle ne prétend pas être complètement similaire à l'original du 16ème siècle : « Je ne prétends pas être égal en compétence avec Leonardo. Mais je mets toute mon expérience, mon intuition, mon imagination et ma passion dans mon travail. J'aimerais penser que la même muse m'a aidé que le grand Leonardo. J'espère que ma Joconde sera acceptée par les fans de la peinture originale. »
Selon des chercheurs et restaurateurs de renom, les nombreux changements visibles de la Joconde qui ont eu lieu au cours des cinq siècles sont dus aux facteurs suivants :
Assombrissement et jaunissement du vernis.
Disparition complète de certains pigments.
Réactions chimiques naturelles qui ont modifié les nuances d'origine.
Les conséquences des nettoyages et rénovations.
Changements panneau de bois, sur lequel le tableau est peint, sous l'influence de l'humidité.
Pour comprendre ces facteurs et d'autres, Janes Cortes s'est appuyée sur les résultats d'études en laboratoire menées par des scientifiques français de la restauration. La généralisation du matériel historique, scientifique et de la propre expérience de l'artiste a permis de tirer les conclusions suivantes :
1. De nombreuses zones de l'image étaient plus claires et plus détaillées, mais le changement de couleur du vernis a également modifié la couleur de la toile, masquant certains détails du dessin. Les plus touchés étaient les bleus, les bruns et les couleurs vertes, auquel l'attention principale a été accordée lors de la restauration.
2. D'autres pigments ont subi un léger changement de couleur. Pour comprendre leur évolution, une analyse particulière a été réalisée.
3. La surface de la peinture présente de nombreuses fissures, qui se sont formées principalement à la suite de un grand nombre mouvements, ainsi que sous l'influence de l'humidité sur une base en bois.
4. Certains détails ont été détruits en raison du nettoyage intensif de la surface du tableau lors de la reconstruction. Par exemple, dans la zone d'ombre entre l'arête du nez et l'œil droit, ainsi que sur le menton, des détails plus fins ont été perdus. Il y a des traces inexplicables de peinture blanche au-dessus du bord supérieur du corsage, ce qui a convaincu Cortez que l'original original avait une délicate garniture de corsage blanche, d'autant plus que ce détail est assez visible sur la copie italienne de la peinture. A noter que la version de "Mona Lisa" appartenant au musée du Prado a été réalisée par un artiste inconnu, contemporain de Léonard et, très probablement, traduit assez fidèlement l'original.
5. La copie du musée du Prado montre également des reflets dans les yeux, bien qu'ils ne soient pas visibles sur l'original. Cependant, Giorgio Vasari, qui a fait connaître la première description de la Joconde, dans son livre Biographies of the Most Eminent Painters, Sculptors and Architects, daté de 1550, a noté que le regard de la femme dans la peinture a un «éclat aqueux». Cortez a rendu l'éclat dans les yeux de la Joconde.
6. Aujourd'hui, le tableau est plutôt monotone. apparence probablement en raison de l'utilisation intensive par Léonard de pigments organiques volatils dans les glaçures fines. L'analyse a montré une modélisation plus vive du visage et des mains, et le même Vasari décrit à la fois des narines "arc-en-ciel et délicates", et des "lèvres rouges", et des tons de peau plus brillants qui traduisent avec précision la couleur de la chair. En effet, certains pigments rouges issus du corps et des sécrétions d'insectes ont été largement utilisés à la Renaissance, mais ont souvent perdu leur couleur avec le temps.
7. Les manches de la robe, qui sont maintenant de couleur bronze, peuvent avoir été rouges (comme on le voit dans une copie du musée du Prado).
8. L'expression énigmatique légendaire sur le visage de la Joconde est en grande partie due à l'absence de sourcils. Jenes Cortez a légèrement haussé les sourcils, car on sait qu'ils étaient, bien que très fins. Leur subtilité a également impressionné Vasari, qu'il a noté dans son livre. Cortez a traité cette partie de l'image très délicatement, sans spéculer sur l'arc, la taille et la couleur des sourcils, estimant que tout malentendu de sa part modifierait inconditionnellement l'expression du visage de la femme à laquelle nous sommes habitués, ce qui signifie que cela déformer l'intention de Léonard.
9. Les cheveux de Lisa, qui semblent aujourd'hui presque noirs, étaient probablement d'un brun chaud, mais ont noirci avec le temps sous le vernis qui a changé de couleur.
10. Sur toute la surface de l'image, de petits détails ont été dessinés, qui sont maintenant cachés sous l'ancien vernis, mais dont les traces sont perceptibles lorsque
Depuis des décennies, des historiens, des historiens de l'art, des journalistes et des personnes simplement intéressées discutent des énigmes de la Joconde. Quel est le secret de son sourire ? Qui est réellement représenté dans le portrait de Léonard ? Plus de 8 millions de visiteurs viennent chaque année au Louvre pour admirer sa création.
Alors comment cette femme modestement vêtue au sourire léger à peine perceptible a-t-elle pu se hisser sur le podium parmi les créations légendaires d'autres grands artistes ?
Gloire bien méritée
Oublions pour commencer que la Joconde de Léonard de Vinci est une brillante création d'un artiste. Que voit-on devant nous ? Avec un sourire à peine perceptible sur son visage, une femme d'âge moyen, modestement vêtue, nous regarde. Elle n'est pas une beauté, mais quelque chose en elle attire le regard. La gloire est un phénomène étonnant. Aucune publicité ne contribuera à promouvoir une image médiocre, et "La Gioconda" est une carte de visite du célèbre florentin, connu dans le monde entier.
La qualité de la peinture est impressionnante ; le plus haut niveau réunissait toutes les réalisations de la Renaissance. Ici le paysage se conjugue subtilement avec le portrait, le regard est dirigé vers le spectateur, la pose bien connue du "contre-poste", la composition pyramidale... La technique en elle-même est admirable : chacune des couches les plus fines s'est superposée à l'autre seule après le séchage du précédent. En utilisant la technique du "sfumato", Léonard réalise une image décolorée des objets, avec un pinceau il transmet les contours de l'air, ressuscite les jeux d'ombre et de lumière. C'est la valeur principale de la "Mona Lisa" de da Vinci.
Reconnaissance universelle
Ce sont les artistes qui ont été les premiers admirateurs de La Joconde de Léonard de Vinci. La peinture du XVIe siècle est littéralement remplie de traces de l'influence de "Mona Lisa". Prenez, par exemple, le grand Raphaël : il semblait être tombé malade avec un tableau de Léonard, les traits de la Joconde se retrouvent aussi dans le portrait de la Florentine, dans La Dame à la Licorne, et, plus surprenant, même dans le portrait masculin de Baldazar Castiglione. Léonard, sans le savoir, a créé matériel visuel pour ses adeptes, qui ont découvert beaucoup de nouveautés dans la peinture, à partir du portrait de "Mona Lisa".
Artiste et critique d'art, il a été le premier à traduire en mots la gloire de "La Joconde". Dans sa "Biographie des peintres célèbres ...", il a qualifié le portrait de plus divin qu'humain. De plus, il a donné une telle évaluation, n'ayant jamais vu le tableau en direct. L'auteur n'a exprimé que l'opinion générale, conférant ainsi à "Gioconda" une grande réputation dans les milieux professionnels.
Qui a posé pour le portrait ?
La seule confirmation de la façon dont la création du portrait s'est déroulée sont les mots de Giorgio Vasavi, qui prétend que le tableau représente l'épouse de Francesco Giocondo, le magnat florentin, Mona Lisa, 25 ans. Il dit que pendant que da Vinci peignait le portrait, les filles jouaient constamment de la lyre et chantaient autour de la fille, et les bouffons de la cour soutenaient bonne humeur, c'est pour cela que le sourire de Mona Lisa est si doux et agréable.
Mais il y a de nombreuses preuves que Giorgio avait tort. Tout d'abord, la tête de la fille est recouverte d'un voile de veuve en deuil, et Francesco Giocondo a vécu une longue vie. Deuxièmement, pourquoi Leonardo n'a-t-il pas donné le portrait au client ?
On sait que l'artiste ne s'est séparé du portrait qu'à sa mort, bien qu'on lui ait offert beaucoup d'argent à cette époque. En 1925, des critiques d'art suggérèrent que le portrait appartenait à la maîtresse de Giuliano Medici, la veuve de Constance d'Avalos. Plus tard, Carlo Pedretti a proposé une autre option : ce pourrait être Pacifika Bandano, l'autre maîtresse de Pedretti. Elle était la veuve d'un noble espagnol, était bien éduquée, avait un caractère joyeux et ornait toute compagnie de sa présence.
Qui est la vraie Joconde Léonard de Vinci ? Les avis divergent. Peut-être Lisa Gherardini, et peut-être Isabella Gualando, Filiberta de Savoie ou Pacifika Brandano... Qui sait ?
De roi à roi, de royaume à royaume
Les collectionneurs les plus sérieux du XVIe siècle étaient les rois, c'était leur attention que l'œuvre avait besoin de gagner afin de sortir du cercle étroit de respect entre les artistes. Le premier endroit où le portrait de Mona Lisa a été remarqué était le bain du roi.Le monarque a placé l'image là non pas par manque de respect ou par ignorance de quel genre de création brillante il a obtenu, au contraire, le bain à Fontainebleau était le plus place importante dans le royaume de France. Là, le roi se repose, s'amuse avec ses maîtresses, reçoit des ambassadeurs.
Après Fontainebleau, le tableau "La Joconde" de Léonard de Vinci a visité les murs du Louvre, de Versailles, des Tuileries, pendant deux siècles il a voyagé de palais en palais. La Gioconda s'est beaucoup assombrie; en raison de multiples restaurations pas entièrement réussies, ses sourcils et deux colonnes derrière son dos ont disparu. Si les mots pouvaient décrire tout ce que Mona Lisa a vu en dehors des murs des palais français, alors les œuvres d'Alexandre Dumas sembleraient des manuels arides et ennuyeux.
Avez-vous oublié "La Gioconda" ?
Au XVIIIe siècle, la chance se détourne de la peinture légendaire. "Mona Lisa" de Léonard de Vinci ne correspondait tout simplement pas aux paramètres des beautés du classicisme et des bergères rococo frivoles. Au début, elle est transférée dans les chambres des ministres, peu à peu elle s'abaisse de plus en plus dans la hiérarchie de la cour jusqu'à se retrouver dans l'un des coins les plus sombres de Versailles, où seules les femmes de ménage et les petits fonctionnaires pouvaient la voir. Le tableau ne figurait pas dans la collection des meilleurs tableaux du roi de France, présentée au public en 1750.
La Révolution française a changé la donne. Le tableau, avec d'autres, a été confisqué dans la collection du roi pour le premier musée du Louvre. Il s'est avéré que, contrairement aux rois, les artistes n'étaient jamais déçus de la création de Léonard. Fragonard, membre de la Commission de la Convention, a pu apprécier adéquatement le tableau et l'a inscrit dans la liste des œuvres les plus précieuses du musée. Après cela, le tableau a pu admirer non seulement les rois, mais aussi tout le monde dans le meilleur musée du monde.
Des interprétations si différentes du sourire de Mona Lisa
Comme vous le savez, vous pouvez sourire de différentes manières : séduisante, sarcastique, triste, gênée ou heureuse. Mais aucune de ces définitions ne convient. L'un des "experts" affirme que la personne représentée sur la photo est enceinte et sourit pour tenter de saisir le mouvement du fœtus. Une autre assure qu'elle sourit à Leonardo, son amant.
L'une des versions célèbres dit que "La Gioconda" ("Mona Lisa") est un autoportrait de Léonard. Récemment, à l'aide d'un ordinateur, les traits anatomiques des visages de la Joconde et de Léonard de Vinci ont été comparés à l'aide de l'autoportrait de l'artiste, dessiné.Il s'est avéré qu'ils correspondent parfaitement. Il s'avère que Mona Lisa est l'hypostase féminine du génie, et son sourire est le sourire de Leonardo lui-même.
Pourquoi le sourire de Mona Lisa s'efface-t-il et réapparaît-il ?
Quand on regarde le portrait de La Joconde, il nous semble que son sourire est inconstant : il s'efface, puis réapparaît. Pourquoi cela arrive-t-il? Le fait est qu'il y a une vision centrale, qui se concentre sur les détails, et une vision périphérique, qui n'est pas si claire. Ainsi, cela vaut la peine de concentrer votre regard sur les lèvres de la Joconde - le sourire disparaît, mais si vous regardez dans les yeux ou essayez de couvrir tout le visage - elle sourit.
Aujourd'hui "Mona Lisa" de Léonard de Vinci est au Louvre. Pour un système de sécurité presque parfait, environ 7 millions de dollars devaient être payés. Il comprend un verre pare-balles, le dernier système d'alarme et un programme spécialement développé qui maintient le microclimat nécessaire à l'intérieur. À l'heure actuelle, le coût d'assurance du tableau est de 3 milliards de dollars.
Art italien des XVe et XVIe siècles
Peinture de l'artiste Léonard de Vinci "Mona Lisa" (Mona Lisa) ou "La Gioconda". Le format du tableau est de 77 x 53 cm, bois, huile. Vers 1503, Leonardo a commencé à travailler sur un portrait de Mona Lisa, épouse du riche florentin Francesco Giocondo. Cette œuvre, connue du grand public sous le nom de "La Gioconda", a déjà reçu une appréciation enthousiaste de la part des contemporains. La renommée de la peinture était si grande que des légendes plus tard se sont formées autour d'elle. Une abondante littérature lui est consacrée, dont l'essentiel est loin d'être une évaluation objective de la création de Léonard. Il faut avouer que cette œuvre, en tant que l'un des rares monuments de l'art mondial, possède réellement un formidable pouvoir d'attraction. Mais cette caractéristique de l'image n'est pas associée à l'incarnation d'un principe mystérieux ou à d'autres inventions similaires, mais est née de son étonnante profondeur artistique.
Le portrait de Léonard de Vinci "Mona Lisa" est une étape décisive vers le développement de l'art du portrait de la Renaissance. Bien que les peintres du Quattrocento aient laissé un certain nombre d'œuvres importantes de ce genre, leurs réalisations en portrait étaient, pour ainsi dire, disproportionnées par rapport à celles des principaux genres de la peinture - dans des compositions sur des thèmes religieux et mythologiques. L'inégalité du genre du portrait était déjà évidente dans l'« iconographie » même des images de portrait. Les portraits du XVe siècle proprement dit, avec toute leur ressemblance physionomique indiscutable et le sentiment de force intérieure qu'ils dégageaient, se distinguaient aussi par la contrainte externe et interne. Toute cette richesse de sentiments et d'expériences humaines qui caractérise les images bibliques et mythologiques des peintres du XVe siècle n'était généralement pas la propriété de leurs portraits. Des échos de cela peuvent être vus dans des portraits antérieurs de Léonard de Vinci, créés par lui pendant ses premières années à Milan. Il s'agit du « Portrait d'une dame à l'hermine » (vers 1483 ; Cracovie, Musée national), représentant Cecilia Gallearani, la bien-aimée de Lodovico Moro, et un portrait d'un musicien (vers 1485 ; Milan, bibliothèque ambrosienne).
En comparaison, le portrait de Mona Lisa est perçu comme le résultat d'un changement qualitatif géant. Pour la première fois, l'image du portrait dans son importance est devenue comparable aux images les plus brillantes des autres genres de peinture. Mona Lisa est représentée assise dans un fauteuil sur fond de paysage, et la juxtaposition même de sa silhouette, très proche du spectateur, avec une silhouette vue de loin, comme d'un immense paysage de montagne, confère une grandeur extraordinaire à l'image . La même impression est facilitée par le contraste de la tactilité plastique accrue de la figure et de sa silhouette généralisée lisse avec un paysage qui ressemble à une vision, s'éloignant dans une distance brumeuse, avec des rochers bizarres et des canaux d'eau serpentant entre eux. Mais d'abord, l'apparition de Mona Lisa elle-même attire - son regard inhabituel, comme suivant inséparablement le spectateur, rayonnant d'esprit et de volonté, et un sourire à peine perceptible dont le sens semble nous échapper - cette insaisissance fait entrer dans le image une nuance d'inépuisabilité et de richesse sans fin.
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Il y a peu de portraits dans l'art du monde entier qui sont égaux à la peinture "Mona Lisa" en termes de pouvoir d'expression de la personnalité humaine, incarnée dans l'unité du caractère et de l'intellect. C'est l'extraordinaire charge intellectuelle du portrait de Léonard qui le distingue des portraits du Quattrocento. Ce trait est perçu d'autant plus avec acuité qu'il renvoie à un portrait féminin, dans lequel le personnage du modèle se révélait auparavant dans une tonalité complètement différente, essentiellement lyrique, figurative. Le sentiment de force émanant du tableau "Mona Lisa" est une combinaison organique de calme intérieur et d'un sentiment de liberté personnelle, l'harmonie spirituelle d'une personne, basée sur sa conscience de sa propre signification. Et son sourire n'exprime en aucun cas la supériorité ou le dédain ; elle est perçue comme le résultat d'une confiance en soi calme et d'une maîtrise de soi totale. Mais la peinture de Mona Lisa n'incarne pas seulement le principe rationnel - son image est pleine de haute poésie, que l'on ressent à la fois dans son sourire insaisissable et dans le mystère du paysage semi-fantastique qui se déroule derrière elle.
Les contemporains ont admiré la ressemblance frappante atteinte par l'artiste et l'extraordinaire vitalité du portrait. Mais son sens est beaucoup plus large : le grand peintre Léonard de Vinci a réussi à introduire dans l'image ce degré de généralisation qui permet de la considérer comme une image de l'homme de la Renaissance dans son ensemble. Le sentiment de généralisation se reflète dans tous les éléments du langage pictural de l'image, dans ses motifs individuels - dans la façon dont un léger voile transparent, couvrant la tête et les épaules de Mona Lisa, combine des mèches de cheveux soigneusement dessinées et de petits plis de la habillez-vous dans un contour lisse commun; cette sensation dans un modelage du visage incomparable avec tout en douceur douce (sur laquelle on s'épilait les sourcils à la mode de l'époque) et de belles mains élancées. Cette modélisation évoque une impression si forte de corporéité vivante que Vasari a écrit qu'un battement de pouls peut être vu dans l'approfondissement du cou de la Joconde. L'un des moyens d'une telle nuance plastique subtile était le "sfumato" caractéristique de Leonardo - une brume subtile enveloppant le visage et la silhouette, adoucissant les contours et les ombres. Léonard de Vinci recommande à cet effet de placer entre la source lumineuse et les corps, comme il le dit, « une sorte de brouillard ». La suprématie du modelage noir et blanc se ressent aussi dans la couleur de l'image qui lui est subordonnée. Comme beaucoup d'œuvres de Léonard de Vinci, ce tableau s'est assombri avec le temps, et son rapports de couleur quelque peu changé, mais même maintenant, les juxtapositions réfléchies dans les tons de l'œillet et des vêtements et leur contraste général avec le ton bleu-vert "sous-marin" du paysage sont clairement perçus.
