Les plats décoratifs en bois sont entrés en service plus tard que ceux en argile. Les tasses, bols, cuillères aux poignées étrangement incurvées imitant le cou des oiseaux, les cuillères peintes, les récipients pour stocker les baies, les coffres, les boîtes et autres articles ménagers en bois de la cabane russe portaient des ornements, des dessins ou des sculptures. Pour chaque comté ou province, les dessins présentent des caractéristiques qui les distinguent de nombreux autres. La peinture sur bois peut être schématiquement divisée en deux catégories principales : les ornements floraux et les gravures populaires (paysages et scènes de la vie populaire).

La peinture sur bois peut être schématiquement divisée en deux catégories principales : les motifs floraux et les imprimés populaires.

Sans plus tarder, les maîtres ont donné au tableau le nom de la ville près de laquelle ce style est né. Les principales couleurs de la peinture dans les villages russes étaient le noir, le rouge et le jaune. Ils sont caractéristiques de techniques ornementales apparues plus tôt que celles qui utilisent davantage les couleurs primaires et leurs nuances.

Caractéristiques de la peinture Mezen

La peinture Mezen est caractérisée par des images de cerfs et de chevaux. Ils sont dessinés avec soin et l'image d'une personne est dessinée de manière purement schématique. Chaque signe du motif a sa propre interprétation dans ce tableau. Pour dessiner correctement un dessin de produit, vous devez savoir ce que signifie telle ou telle image. Tous ne peuvent pas être combinés de manière organique en une seule image.

La peinture Mezen est caractérisée par des images de cerfs et de chevaux

1. Le mouvement du soleil dans le ciel est représenté par des chevaux rouges.
2. Les mères célestes donnant naissance à tout sur terre étaient représentées comme des cerfs.
3. Les cygnes, les canards et les oies symbolisent les âmes des proches décédés, protégeant et avertissant les membres de la famille du mal, les aidant dans les moments difficiles.
4. Les arbres de Noël sont un symbole du pouvoir masculin.
5. L’arbre de vie était représenté avec des racines et des spirales menant aux enfers. En comptant les diamants sur le coffre, vous pouvez juger combien de clans une famille réunit. Le sommet de l'arbre généalogique est couronné d'un signe de paix céleste.

Cette peinture est née avant le baptême de Rus', ce qui est clairement imputable au symbolisme païen. Des rouets et des croquis avec la peinture multicouche Mezen peuvent être vus dans les musées d'histoire locale.

Galerie : peinture sur bois (25 photos)

Peinture de Severodvinsk: ses caractéristiques

La peinture de Severodvinsk peut être qualifiée d'internationale. Au fil du temps, ses racines nordiques se sont mêlées à des motifs introduits par les vieux croyants, les Polonais, les marchands et les paysans en quête d'une vie meilleure venus d'autres régions et ayant émigré vers le nord.

La peinture de Severodvinsk peut être qualifiée d'internationale

La peinture de Severodvinsk se reconnaît, malgré l'utilisation de couleurs rouge, jaune et noire dans la conception, aux traits caractéristiques suivants :

• L'arbre de vie, qui rappelle une étrange fleur, où deux colombes sont assises sur l'hémisphère qui le couronne. Un cadeau en bois avec ce motif était offert aux jeunes mariés le jour de leur mariage. Cet arbre avait une feuille de plus que les parents du nouveau conjoint.
• Les dessins peuvent contenir des créatures mythiques - l'oiseau Sirin, des sirènes, des griffons.
• Parmi les animaux, les habitants de Severodvinsk représentaient un lion et un ours.
• Le dessin est divisé en trois parties. Conformément aux idées sur la structure du monde, il était divisé en images des sphères souterraines, terrestres et célestes.

À bien des égards, la peinture de Severodvinsk est similaire à la peinture de Permogorsk, Rakul et Boretsk.

Une peinture sans connotation religieuse

Les poupées Matriochka et les ustensiles en bois sont souvent décorés dans le style de la peinture Polkhova-Maidan. Il s’agit d’appliquer un motif floral simple sur du bois. Dans ce tableau, il n’y a pas de règles spécifiques dans la combinaison des couleurs. La seule chose nécessaire est d'obtenir un jouet lumineux et joyeux.

Convient pour décorer des blocs 3D en bois et des surfaces planes.

La peinture de Petrichov se compose de feuilles, de pétales et de baies. Ce type d'artisanat populaire plaît par l'éclat de ses couleurs.

Les éléments de la peinture de Polkhov sont similaires dans leur technique d'application à ceux de la peinture de Khokhloma. Mais il n’y a pas de règles strictes dans le choix des couleurs et des éléments de design dans ce métier artistique.

La peinture de Khokhloma suit les règles généralement acceptées de l'artisanat populaire russe : les couleurs jaune, noire et rouge sont utilisées. L’une d’elles est le fond du motif, appliqué par étapes avec les deux autres couleurs.

La peinture de Khokhloma est un classique. Il n’utilise que trois couleurs, dont l’une est l’arrière-plan de l’image. Il peut s'agir de n'importe quelle couleur utilisée dans la peinture traditionnelle russe. Ils contrastent tous les uns avec les autres, ce qui vous permet de peindre et de créer un effet 3D avec le moins d'effort. Il n’y a pas de demi-teintes dans cette peinture, seulement des couleurs vives et saturées.

En utilisant la même technique de coup de pinceau, avec différents degrés de pression du pinceau sur la surface à peindre, vous pouvez recréer la peinture de Gjel. Ce type de peinture diffère de Khokhloma et Petrikovskaya en ce sens que le motif bleu est appliqué sur une surface blanche. Peut-être que pour un débutant, choisir l’une de ces trois peintures pour commencer son parcours créatif est le plus simple.

Comment faire de la peinture par points sur une boîte (vidéo)

Peintures pour peinture classique sur bois

Les planches, boîtes et articles ménagers peints classiques, lorsqu'ils sont correctement sélectionnés et traités, ne changent pas de couleur lorsqu'ils sont exposés au soleil ou à l'eau. Depuis l’Antiquité, les artisans utilisent la peinture à la détrempe dans leur travail. La recette la plus ancienne pour fabriquer de la peinture est également utilisée par les peintres sur bois professionnels modernes. La particularité de la composition est que le colorant est broyé sur du jaune d'œuf. Ce composant est la base.

Depuis l’Antiquité, les artisans utilisent la peinture à la détrempe dans leur travail.

Pendant un certain temps, ils ont essayé de remplacer la détrempe par des peintures à l'huile plus faciles à utiliser et moins chères. Cette expérience a été rapidement abandonnée en raison de caractéristiques telles que le changement de couleur lorsqu'il est exposé au soleil. La couleur noire radicale, qui devrait être une teinte anthracite, a changé sous l'influence de la lumière ultraviolette. Il acquiert une teinte verte et parfois jaune. Les couleurs claires, au contraire, s'assombrissent. Le deuxième inconvénient des colorants à l’huile est leur capacité à se fissurer et à se décoller. La détrempe est de nouveau revenue à l'art populaire.

Types de peinture à la détrempe

Caractéristiques d'une détrempe de haute qualité :

• Lorsqu'il est travaillé, il se dissout facilement dans l'eau ;
• C’est homogène ;
• Donne une couverture à 100 % (le motif n'est pas transparent) ;
• Après séchage, il n'est pas possible de le laver à l'eau ;
• La couche gelée ne craque pas, contrairement aux peintures à l'huile et à l'aquarelle ;
• Lorsqu'elle est stockée dans un récipient fermé, la moisissure n'apparaîtra pas dessus, elle ne s'épaissira pas et ne se séparera pas.

La composition de la détrempe est très simple, il n'y a que deux ingrédients : une émulsion (base) et un colorant. Le processus de fabrication de la peinture demande beaucoup de travail. La détrempe est réalisée à la main ; la base est posée sur une surface en granit ou en marbre, où elle est combinée avec du pigment. La couleur sèche est frottée sur la colle ou la base d'œuf avec un carillon - un pilon en cristal. Le processus se poursuit jusqu'à ce que le colorant devienne uniforme en couleur et en texture.

Attention! Au lieu d'un carillon en cristal, vous pouvez utiliser un objet similaire en bois dur ou en pierre. Il est contre-indiqué que les ingrédients de la peinture interagissent avec les métaux.

Peintures à la détrempe prêtes à l'emploi

Le nom de la détrempe moderne est en accord avec la base sur laquelle elle est réalisée :

• À base d’œufs – la peinture produite industriellement utilise une émulsion artificielle. Il se compose d'un œuf, d'une huile végétale, d'un vernis à base d'huile ou de térébenthine.
• La peinture à la caséine est fabriquée à partir d'une protéine complexe extraite principalement du lait animal. L'émulsion de caséine contient de l'huile et des résines. La qualité de cette tempera est supérieure à celle de la tempera à l’œuf.
• La gomme arabique doit son nom à un type de base adhésive utilisée dans la fabrication de peintures riches en couleurs. Cet ingrédient peut être remplacé par de la colle à base de résines d'autres arbres fruitiers. Sous nos latitudes, la colle de cerise est plus souvent utilisée.

Référence : La dextrine, un polysaccharide issu de la fécule de pomme de terre, est une étape intermédiaire entre l'amidon et le glucose. La gomme arabique signifie gomme arabique, qui est une résine durcie à l'air provenant d'acacias. Extrait de plantes des latitudes méridionales.

Le nom de la détrempe moderne est en accord avec la base sur laquelle elle est fabriquée

Les émulsions de peinture artificielle pour les artistes débutants sont divisées en trois catégories principales : PVA, cire-huile et acrylique.

Quelles peintures acryliques choisir pour peindre sur bois ?

Il est préférable d'appliquer de la peinture acrylique sur du bois humide en utilisant la technique « Empâtement » si vous devez peindre un élément important du motif. Mais avec de l'acrylique non dilué, il est difficile de réaliser des boucles et des feuilles allongées d'un seul coup, comme l'exige l'artisanat populaire. L'effet de légèreté et de légèreté du motif floral dépend du degré de contact du pinceau sur différentes parties de la surface à peindre.

L'émulsion mate sert de base à la peinture, les pigments lui donnent de la couleur. Pour peindre des dessins dans un style folklorique, vous aurez besoin d'acrylique avec une densité de revêtement élevée. Une fois sec, il ne doit pas devenir transparent. Il s'ensuit que la peinture spécialisée ne convient pas à l'application de motifs sur du verre. Ainsi que de la peinture pour pâte feuilletée et de la peinture sur support tissu. Le seul bon choix est d'acheter de la peinture pour peindre sur bois.

Combien de temps faut-il pour qu'un tableau sèche ?

La peinture utilisée pour créer le fond principal a le temps de séchage le plus long. Cela s'explique par le fait qu'il doit créer un ton parfaitement uniforme, c'est-à-dire qu'il est appliqué en couche plus épaisse que le dessin lui-même. Il ne faudra pas plus d'une heure pour que la base acrylique appliquée sur une surface humidifiée avec de l'eau sèche. Environ le même temps est nécessaire pour appliquer la détrempe.

Les petits éléments appliqués en couche mince sècheront presque instantanément, des mouvements plus approfondis en 15 à 20 minutes. Mais cela ne s'applique pas à la peinture qui devait être diluée avec de l'eau. La particularité de l'acrylique est que l'eau fait sécher la peinture beaucoup plus rapidement.

Il faut travailler très rapidement avec de l'acrylique entré en contact avec de l'eau. Plus on utilise d’eau pour diluer la peinture, plus elle sèche vite.

Comment peindre un flan de bois pour une planche à découper : une master class pour débutants

La préparation de la planche consiste à la tremper dans de la fécule de pomme de terre. Il masquera tous les petits défauts de la planche et fournira une fine couche d'apprêt. Ce processus peut être simplifié en recouvrant la planche d'huile siccative. Lorsque vous choisissez des motifs nordiques comme ornement, dans lesquels le ton n'est pas utilisé, vous pouvez utiliser une teinture de couleur claire comme apprêt.

Vous pouvez peindre un bloc de bois avec de la gouache. Cette technique est également disponible pour les enfants.

1. En prenant une feuille de papier à dessin et en sélectionnant une zone dont la taille correspond à celle qui doit être recouverte d'un motif sur le bois, vous devez délimiter les zones des plus grands éléments décoratifs. Décrire leur emplacement, comme indiqué sur la figure.
2. Lors de la deuxième étape, l'image est détaillée - en dessinant les contours.
3. À l’aide de papier transfert, l’image est transférée sur un carton préparé et faible en gras, imbibé de fécule de pomme de terre.
4. Pour éviter que différentes couleurs ne se mélangent, vous pouvez prendre un appareil de gravure et faire de petites empreintes le long des contours. Ce contour empêchera la peinture de se mélanger. Lorsque vous travaillez avec des peintures acryliques décoratives, vous pouvez remplacer le processus de gravure en appliquant le contour et les éléments fins directement à travers le distributeur à tube fin.
5. Une fois que le contour qui s'élève au-dessus de la surface est séché, il doit être rempli de couleur.
6. La dernière étape des travaux consistera à recouvrir le panneau peint de vernis. Il est appliqué en 2-3 étapes. Chaque couche suivante repose sur la précédente soigneusement séchée.

Attention! La deuxième couche de vernis mettra deux fois plus de temps à sécher que la première, car elle dissoudra le revêtement précédemment appliqué. Le résultat est une couche de vernis monolithique et très durable.

Modèles simples pour débutants

La peinture sur bois ne tolère pas les petits détails et les lignes sinueuses. Les bords irréguliers des éléments sont reproduits par des coups de pinceau semi-sec sur une surface humidifiée.

Les dessins les plus simples, mais assez impressionnants, sont des grappes de sorbier, des fleurs aux formes simples de feuilles.

La peinture sur bois ne tolère pas les petits détails et les lignes sinueuses

Les pétales les plus simples à dessiner gagneront en volume lorsqu’ils seront assombris au milieu. Pour ce faire, effectuez simplement quelques coups de rayons. Les baies sont généralement faciles à dessiner. La tridimensionnalité des grappes de sorbier est donnée par les points noirs de l'ovaire, situés aléatoirement sur l'image des baies. Lors de la création du centre d’une fleur, cette technique rend le motif « convexe ».

Les petites fleurs sont aussi simplement dessinées, elles sont schématiquement composées de points à peu près égaux. Les petits éléments sont placés au-dessus des grands, cela donne du volume à l'image. La symétrie de leur emplacement n'a pas d'importance. Une plus grande attention doit être accordée à la distance entre les longues feuilles parallèles.

Peinture Mézen

La peinture sur bois Mezen ou peinture palaschel est un type de peinture d'ustensiles ménagers - rouets, louches, boîtes, bratins, qui s'est développée au début du XIXe siècle dans le cours inférieur de la rivière Mezen. Le plus ancien rouet daté représentant une peinture de Mezen remonte à 1815, bien que des motifs graphiques de cette peinture se retrouvent dans des livres manuscrits du XVIIIe siècle réalisés dans la région de Mezen. En termes de style, la peinture Mezen peut être classée comme l’un des types de peinture les plus archaïques ayant survécu jusqu’au XXe siècle. Les objets sont densément parsemés d'un motif fractionné - étoiles, croix, tirets, réalisés en deux couleurs : noir - suie et rouge - « peinture de terre », ocre. Les principaux motifs de l'ornement géométrique - disques solaires, losanges, croix - ressemblent à des éléments similaires de sculpture à encoches triangulaires.

Peinture de Polkhov-Maïdan

La peinture Polkhov-Maidan est l'un des métiers artistiques les plus jeunes de Russie. Il tire son nom du grand village de Polkhovsky Maidan, au sud de la région de Nijni Novgorod. Ici, presque toutes les familles fabriquent et vendent des jouets en bois peints. Le jouet Polkhov-Maidan, ou comme les maîtres eux-mêmes l'appellent « tararushka », est apparu à la fin des années 1920. Depuis les années 1960, les habitants du village de Krutets, situé près du village de Polkhovsky Maidan, ont commencé à fabriquer un jouet similaire. Les principaux motifs des motifs de cette peinture sont des fleurs : rose, coquelicot, camomille, tulipe, églantier. Il y a aussi une peinture d'intrigue. Le plus souvent, il s'agit d'un paysage rural avec une rivière, des maisons, une église et un moulin au bord, ainsi que l'aube rouge obligatoire dans le ciel.

Peinture Pijemskaïa

La peinture Pizhem est connue depuis le XVIIe siècle. L'une des peintures les plus anciennes du nord de la Russie. Le nord de la rivière Pechora et ses affluents Tsilma, Pizhma et d'autres sont des endroits où l'on vivait au 19e et au début du 20e siècle. il y avait un petit centre de peinture graphique. La formation du style de la peinture de Pizhem a été fortement influencée par la tradition manuscrite des Vieux-croyants depuis l'époque d'Avvakum. Il y avait des dynasties entières de copistes de livres pré-Nikon, connues dans toute la Petchora ; Ils marquèrent le début d’une sorte de peinture Pizhem. La peinture de Pizhem a été réalisée à l'aquarelle - rouge, vert, jaune, noir. La peinture principale de Pizhem est un motif géométrique réalisé avec de la peinture noire (suie utilisant de la résine de mélèze) en forme de losanges, de croix, de points, etc., avec un léger ajout de peinture rouge et verte.

Peinture de Guslitskaïa

La peinture de Guslitsky remonte au XVIIe siècle. Cette peinture a existé jusqu'au XXe siècle, lorsque le livre manuscrit a été supplanté par le livre imprimé. Guslitsa - c'est ainsi que la zone proche de Moscou a longtemps été appelée dans la partie sud-est le long de la rivière Guslitsa, qui se jette dans la rivière Moscou (le territoire d'une partie des districts modernes d'Orekhovo-Zuevsky et Yegoryevsky de la région de Moscou). À Guslitsy, la peinture d'icônes, le plastique culte en cuivre moulé et la couture se sont développés. Dans les années 60-70. XIXème siècle Dans la colonie d'Abramovka, fonctionnait l'imprimerie souterraine Vieux Croyant du paysan E.P. Piskunov. L'art de copier et de décorer des livres était très répandu dans la région de Guslitz. Les manuscrits de chant Guslitsky étaient particulièrement célèbres. Le style de conception de livres « Guslitsky » s'est développé dans le dernier quart du XVIIIe siècle. La spécificité du tableau réside dans les couleurs brillantes : bleu, bleu clair, rose, turquoise, associées à une dorure abondante.

Peinture Rakul

La peinture Rakul apparaît dans la première moitié du XIXe siècle dans le village d'Ulianovskaya, situé au confluent de la rivière Rakulka avec la Dvina du Nord (aujourd'hui district de Krasnoborsky de la région d'Arkhangelsk). L'ornement de la peinture Rakulka est très proche des graphismes des miniatures des célèbres manuscrits de Vygov - livres liturgiques et pédagogiques produits par les vieux croyants. Les peintures Rakulka sont généralement dominées par les couleurs noir et ocre doré, qui sont accompagnées de riches vert et rouge brunâtre. La palette de couleurs est très stricte et harmonieuse, la plasticité des éléments est laconique. Les éléments de l'ornement Rakul sont grands, leur forme est limitée par un contour noir clair. Petits éléments décoratifs - les vignettes et les nervures sont réalisées en noir ou en blanc : le blanc est principalement utilisé pour dessiner les nervures des feuilles qui s'étendent sur un fond riche en couleurs.

Peinture dorée Sheksninskaya

« La femme dorée de Sheksninskaya » est l'une des peintures traditionnelles du nord de la Russie. Il décorait les articles ménagers des paysans et était distribué sur une petite zone - dans la partie sud du district de Sheksninsky de la région de Vologda. Les résidents locaux ont qualifié le tableau de « doré ». Ce nom est entré dans la circulation scientifique du centre de peintures folkloriques récemment ouvert. La peinture est graphique, sa palette de couleurs est basée sur une combinaison de rouge, d'or et de noir, traditionnelle pour la peinture d'icônes russe ancienne. Des plantes bizarres avec d'étranges feuilles, fleurs et fruits, sur les branches desquelles sont assis de fiers oiseaux au regard d'aigle et une queue, se transformant parfois en motif floral - Voici les principaux motifs de ce tableau. Les origines de la dorure Sheksninskaya ont leurs racines dans la culture russe ancienne, rappelant les ornements d’icônes et de livres manuscrits.

Peinture de Khokhloma

Khokhloma est une peinture décorative d'ustensiles et de meubles en bois, réalisée dans des tons rouge, vert et noir sur fond doré. Lors de la peinture, ce n'est pas de l'or, mais de la poudre d'argent et d'étain qui est appliquée sur l'arbre. Après cela, le produit est recouvert d'une composition spéciale et traité trois ou quatre fois au four, ce qui lui permet d'obtenir une couleur miel dorée, donnant aux ustensiles en bois clair un effet massif. Le tableau semble lumineux malgré le fond sombre. Pour créer une image, des couleurs telles que le rouge, le jaune, l'orange, un peu de vert et de bleu sont utilisées. De plus, la couleur de l’or est toujours présente dans le tableau. Les éléments traditionnels de Khokhloma sont le sorbier des oiseleurs rouge juteux et les fraises, les fleurs et les branches. On y trouve souvent des oiseaux, des poissons et des animaux.

Peinture de Boretsk

La peinture de Boretsk est un artisanat d'art populaire russe, la peinture sur bois. Il existe depuis le XVIIIe siècle. Initialement, il y avait un centre de peinture - le village de Borok (district de Shenkursky) au milieu de la rivière Dvina septentrionale (il est apparu sur les rives de la Dvina lorsque la région de la Dvina a été colonisée par les Novgorodiens aux XIe-XIIe siècles) . Les couleurs les plus utilisées en peinture : rouge, vert, marron, orange, jaune. L'ornement se compose de losanges, de cercles, de gouttelettes et de triangles. Tous les éléments sont entourés de noir. Le symbole de la peinture de Boretsk est l'Arbre de Vie. Une immense fleur avec une tige droite, autour de laquelle sont représentés des fleurs, des oiseaux, des baies et des feuilles gracieuses. La composition pourrait s'appuyer sur des scènes de genre : boire du thé, festivités.

Peinture de Saint-Pétersbourg

La peinture de Saint-Pétersbourg est née de l'étude de plateaux créés au XIXe siècle à Saint-Pétersbourg. Caractérisé par une sophistication particulière. Fleurs blanches aux feuilles dorées sur fond noir. Les feuilles et les fleurs sont peintes avec des traits translucides spéciaux. Une atmosphère particulière est créée à Saint-Pétersbourg - la ville des nuits blanches. Les principaux motifs du dessin sont des fleurs : jonquilles, pivoines, marguerites ; la composition se caractérise par la grâce et le dynamisme. Une technique spéciale peut être considérée comme l'utilisation active de l'arrière-plan comme élément visuel supplémentaire. Des traits translucides blancs et dorés sont placés de manière à ce que le fond émergent crée une atmosphère de mystère unique. De nos jours, il s’agit d’une forme d’art domestique peu connue. Et à la fin du XIXe - début du XXe siècle, des fleurs blanches et translucides aux feuilles dorées ont commencé à fleurir sur le fond noir des plateaux.

Peinture de Gorodets

La peinture de Gorodets est un artisanat d’art populaire russe. Il existe depuis le milieu du XIXe siècle dans le quartier de la ville de Gorodets. Tableau Gorodets lumineux et laconique (scènes de genre, figurines de chevaux, coqs, motifs floraux), réalisé d'un trait libre avec un contour graphique blanc et noir, décoré de rouets, de meubles, de volets et de portes. Dans les peintures de Nijni Novgorod, on peut distinguer deux types : les peintures de Pavlovsk et de Gorodets. La peinture de Gorodets provient des rouets sculptés de Gorodets : les personnages étaient découpés dans un type de bois différent et insérés dans un évidement de forme appropriée. Les inserts en chêne des tourbières foncé ressortent en relief sur la surface claire du fond. N'ayant que deux nuances de bois et un outil simple, les artisans ont transformé la surface de la planche inférieure en une véritable image.

Peinture de Zhostovo

La peinture de Zhostovo est un artisanat populaire de peinture artistique de plateaux métalliques qui existe dans le village de Zhostovo, district de Mytishchi, région de Moscou. On pense que la peinture de Zhostovo a adopté la tradition de la famille Demidov consistant à peindre des plateaux en étain, qui était répandue dans l'Oural, notamment dans les villages industriels de Tagil et de Vyisky. Les éleveurs Demidov y ont introduit ce commerce. L'apparence du plateau peint de Zhostovo est associée au nom de famille des frères Vishnyakov. L'histoire de Zhostovo et de l'artisanat de Zhostovo remonte au début du XIXe siècle, lorsque dans un certain nombre de villages et hameaux de la région de Moscou de l'ancien volost de Troitskaya (aujourd'hui district de Mytishchi de la région de Moscou) - Zhostovo, Ostashkovo, Khlebnikov, Troitsky et d'autres - des ateliers sont nés pour la production de produits laqués peints à partir de papier mâché . Le motif principal de la peinture de Zhostovo, comme de la peinture de Tagil, est un bouquet de fleurs.

Peinture de Gjel

Gjel est l'un des centres russes traditionnels de production de céramique. La signification plus large du nom « Gjel », qui est correcte d'un point de vue historique et culturel, est une vaste zone composée de 27 villages réunis dans le « Buisson de Gjel ». « Gjel Bush » est situé à environ soixante kilomètres de Moscou, le long de la ligne ferroviaire Moscou-Mourom-Kazan. Aujourd'hui, « Gjel Bush » fait partie du district Ramensky de la région de Moscou. Avant la révolution, cette zone appartenait aux districts de Bogorodsky et Bronnitsky. Le nom « Gjel » lui-même a des racines baltes et fait davantage référence aux caractéristiques naturelles de la région qu'au processus de cuisson des produits dans la production de poterie. Le mot « Gjel » est le plus proche de l’ancienne sonorité prussienne du mot « arbuste », qui, avec quelques différences, a pris racine dans toutes les langues baltes.

rapport de pratique

Chapitre 1. Peinture sur bois : histoire, types de peinture, pertinence

La peinture artistique est l'art de décorer n'importe quelle surface avec de la peinture ou un pinceau. C'est l'un des types d'artisanat populaire les plus anciens qui fait partie depuis de nombreux siècles de la vie quotidienne et de la culture des gens. En outre, la peinture est également le type d’art décoratif et appliqué le plus populaire.

L'histoire de la peinture sur bois remonte à un passé lointain : lorsque les gens ont appris à fabriquer des objets et des ustensiles en bois, ils voulaient d'une manière ou d'une autre décorer leur vie et l'enrichir. On croyait que les objets peints éloignaient les mauvais esprits. Les peintures initialement utilisées étaient des matières premières courantes dans leur région (argile, charbon, craie), de sorte que la peinture de chaque région est encore unique et reconnaissable.

La peinture sur bois peut être divisée en traditionnelle et originale. La peinture traditionnelle s'est développée dans les villages. Il se caractérise par la simplicité et la concision. La peinture originale a été réalisée par des maîtres des villes. Ces travaux se distinguaient par leur grâce et leur professionnalisme. La technique des peintures d'intrigues se résumait au fait que le maître appliquait un contour clair du dessin sur la surface du produit, puis le peignait de différentes couleurs. Les peintures ont été appliquées de manière très libre et large. Le sujet du tableau était la désignation de divers symboles qui identifiaient le Soleil comme symbole de joie, l'Oiseau comme symbole de bonheur et de réussite et le Canard comme signe du coucher du soleil.

La peinture sur bois se caractérise par deux directions principales : le graphique et le pinceau. Il y a d’abord eu la peinture graphique. Ce tableau est basé sur une conception graphique linéaire. Le maître dessinait un motif végétal ou floral avec une fine ligne à l'aide d'un stylo ou d'un bâton. Ensuite, il a rempli les personnages de peintures multicolores. Ce type de peinture était habilement maîtrisé par les maîtres qui vivaient dans la Dvina du Nord. Ils peignaient leurs compositions sur un fond clair avec des peintures vertes, jaunes et rouges. Mais l'essentiel ici était le contour noir, qui dessinait tout le motif floral - des buissons et des fleurs avec de grandes feuilles sculptées.

Une autre direction est la peinture au pinceau gratuite. Cette peinture est basée sur l'expressivité du trait pictural et de la tache de couleur. Les maîtres de ce style travaillent directement avec un pinceau, modelant avec de la couleur des formes végétales, des figures animales et humaines.

L'un de ces centres de peinture est le célèbre Khokhloma. Cet ancien artisanat populaire russe est né au XVIIe siècle dans la région de Nijni Novgorod. Khokhloma est une peinture décorative d'ustensiles et de meubles en bois, réalisée dans des tons rouge, vert et noir sur fond doré. Le processus technologique de création des produits Khokhloma conserve encore les principes de base des XVIIe et XVIIIe siècles. La première étape consiste à tourner des ustensiles en bois blanc - « linge » - sur un tour. Ceci est suivi d'un apprêt - revêtement avec une solution d'argile liquide, suivi d'un étamage avec de l'argent, de l'étain et actuellement de l'aluminium. Le produit devient lisse, brillant, prêt à être peint. La peinture appliquée est fixée au four. Après quoi le produit est verni et soumis à un séchage à chaud, en fonction de la composition du vernis. Les produits finis brillent d'un éclat ensoleillé, deviennent très durables et légers.

Les arts populaires et décoratifs font désormais partie intégrante de la culture artistique. Aujourd’hui, la peinture fait partie des tendances actuelles. La valeur des œuvres d'art décoratif et appliqué reflète les traditions artistiques, la vision du monde, l'expérience artistique du peuple et préserve la mémoire historique. Les plateaux et boîtes laquées Zhostovo apportent de la beauté dans nos vies. Les céramiques de Gjel, les soucoupes Gorodets, les plats peints au Khokhloma entrent de plus en plus dans notre vie quotidienne en tant qu'œuvres d'art, préservant le lien historique des époques.

Chapitre 2. Histoire de la peinture de Gorodets

Au cours de la pratique technologique, la peinture sur bois de Gorodets a été maîtrisée.

Ce tableau provient des rouets sculptés de Gorodets, qui avaient leur particularité : un peigne et un fond. Dictionnaire explicatif de la langue russe V.I. Dalia explique que le mot « fond » signifie « une planche sur laquelle une fileuse s'est assise et y a enfoncé un peigne ». Après avoir terminé le travail, elle sortit le peigne et en accrocha le bas au mur, et il décora la cabane. Par conséquent, les artisans populaires ont accordé une attention particulière à la décoration des planches avec des sculptures et des peintures. Le rouet fut un fidèle compagnon tout au long de la vie de la paysanne. Il servait souvent de cadeau : le marié l'offrait à la mariée, le père à la fille, le mari à la femme. Le bas a donc été choisi pour être élégant et coloré, pour la joie et la surprise de tous. Le rouet se transmettait de génération en génération, il était entretenu et stocké.

Pour décorer les Donets Gorodets, les artisans ont utilisé une technique unique : la marqueterie : des figures étaient découpées dans une essence de bois différente et insérées dans un évidement de forme appropriée. Plus tard, les artisans ont commencé à utiliser la teinture pour la richesse visuelle, une combinaison lumineuse de jaune avec du chêne foncé, l'ajout de couleurs bleues, vertes et rouges ont rendu le fond encore plus élégant et coloré.

La nécessité d'augmenter la production de fonds de filature a incité les artisans à simplifier la technique décorative. À partir de la seconde moitié du XIXe siècle, la technique complexe et laborieuse de la marqueterie a commencé à être remplacée par une simple sculpture avec teinte, et depuis les années 1870, le style pittoresque de décoration a prévalu sur le Gorodetsky Donets.

Une technique de peinture plus libre permettait de créer de nouveaux sujets et enseignait la beauté du coup de pinceau libre, permettant de peindre sans dessiner au préalable un contour.

Chaque maître avait ses propres nuances de couleurs préférées et leur combinaison. Dans le même temps, ils ont utilisé des techniques générales pour créer une palette de couleurs compétente. Les maîtres de Gorodets savaient créer un équilibre de taches colorées sur la surface d'un objet, obtenant ainsi l'unité de couleur et l'exhaustivité de la peinture.

Tout au long de l'histoire de l'artisanat, les artistes populaires ont créé un système de peinture original, trouvé des images uniques et développé un riche arsenal de techniques pour peindre les détails de l'intrigue et les éléments ornementaux. Les artisans ont également peint des fauteuils roulants et des chaises pour enfants. Le style Gorodets se distingue avant tout par son contenu. Dans les peintures, l'impression principale est donnée par les scènes de genre. Toutes ces images sont de nature conventionnelle, de forme très libre et décorative.

Principalovnye complots et techniques pour leur exécutionnia.

Tout d'abord, les maîtres ont représenté la vie des paysans, des marchands et un magnifique défilé de costumes. Une place importante était occupée par les motifs floraux - des « roses » luxuriantes, peintes de manière large et décorative. Outre les motifs réalistes de genre, les peintures de Gorodets contiennent également des images décoratives d'oiseaux et d'animaux. Le caractère décoratif des motifs est souligné à l’aide de couleurs et de diverses techniques. La principale spécificité de la peinture de Gorodets est que les maîtres représentent généralement des sujets sur un fond transparent, laissant ainsi apparaître la texture du bois.

La peinture se fait au pinceau, sans dessin préalable, d'un trait libre et riche. Il est très diversifié - du trait large au trait le plus fin et au trait virtuose. Immédiatement avant de peindre, la pièce passait par une étape préparatoire complexe, qui consistait à l'apprêter avec de la craie et à l'enduire de colle. Et seulement après ce travail préliminaire, le maître commença à peindre. La méthode de peinture du produit était intéressante : disposition des couleurs primaires suivie d'un développement linéaire. La peinture a été complétée par un « renouveau » - une fine découpe de formes ornementales à la chaux. Dans les œuvres des maîtres de Gorodets, les « reprises » étaient toujours appliquées aux silhouettes monochromes, ce qui leur donnait du volume.

Variété de fleurs représentées:

Kupavka est la fleur la plus courante dans l'ornement de Gorodets. Sa sous-couche est plus grande que le bourgeon. Sous-couche, c'est-à-dire effectuez des mouvements circulaires avec le pinceau en appliquant une tache de couleur. Ils commencent généralement à le peindre avec un petit cercle le long de son bord, puis font un support à l'intérieur du cercle. Des supports sont dessinés le long du bord de la sous-couche, de la même forme que le support à l'intérieur de la sous-couche, mais de plus petite taille. Les supports le long de son bord sont dessinés, en partant du centre, en réduisant progressivement leur taille jusqu'au noyau. La dernière étape de la peinture - la revitalisation est généralement réalisée avec du blanc.

Rosean - a des pétales et un centre prononcé. Silhouette en forme de cercle. La taille peut être plus grande que la kupavka. Le centre de la fleur est dessiné au milieu. La rose dans le tableau de la ville est entourée de parenthèses - des pétales de même taille, dont la couleur correspond à celle du milieu. La technique de peinture des supports est la même que pour la kupavka.

Les options de développement pour la revitalisation sont si diverses qu'il est difficile de nommer même les plus courantes. Les artistes de Gorodets utilisent des points, des crochets, des gouttes et des spirales.

Une autre fleur commune est la camomille. Technique : effleurer légèrement la surface du papier avec la pointe du pinceau en laissant une fine trace dessus. Ensuite, sans lever les yeux du papier, le pinceau est rapidement appliqué et soulevé. En conséquence, le maître obtient un trait en forme de goutte - fin au début et large à la fin. Comme une rose, elle a un noyau, seuls des pétales en forme de goutte sont dessinés autour d'elle.

Les feuilles de Gorodets sont assez variées en forme, taille et couleur. Ils sont presque toujours disposés en groupes de cinq, trois ou deux feuilles.

L'oiseau Gorodets est un symbole du bonheur familial. Les oiseaux sont représentés sous différentes versions : un paon fier, un coq arrogant et un oiseau de conte de fées. Ils commencent à les écrire avec une ligne lisse représentant la courbure du cou et de la poitrine, puis une ligne est tracée qui définit la forme de la tête et du dos, puis la ligne de l'aile, du bec filiforme et des pattes est déterminée. Le plus souvent, le corps est peint en noir, l'aile est recouverte de peinture verte. La queue est écrite de différentes manières, par exemple elle est limitée des deux côtés par des lignes définissant sa silhouette et repeinte. Il est préférable de le faire en écarlate. Dans un autre cas, chaque plume de la queue est peinte en deux couleurs. Le développement des oiseaux commence par la tête et se termine par la queue. Les relances se font au badigeon, en appliquant des touches fines.

Le cheval Gorodets est un symbole de richesse. Il est principalement de couleur noire, avec une petite tête sur un cou très arqué et une crinière bien peignée. Les maîtres le décrivent de plusieurs manières. Certains utilisent des traits lâches pour écrire le contour de la figure entière et ensuite seulement peindre dessus. D'autres construisent la figure d'un cheval avec des taches de couleur, en commençant par le plus grand élément vertical - la poitrine et le cou. S'y ajoutent les contours du harnais et de la selle, le dos et les parties abdominales du corps. Le plan limité par les lignes du harnais et de la selle reste léger dans cette version. Le plus souvent, la selle et le harnais sont en écarlate, et les détails de la tête et des pattes de la queue sont en blanc.

Composition dans la peinture de Gorodets.

Toutes les œuvres d'art sont créées selon les lois de la composition, dont le non-respect ou la méconnaissance peut conduire à une violation de l'harmonie.

Pour la composition d'œuvres d'art décoratif et appliqué, l'essentiel est l'unité de contenu et de forme. Une autre caractéristique, déjà spécifique, est la correspondance de la forme d'une œuvre d'art décoratif avec sa destination spécifique.

Dans une large mesure, la nature de la composition est déterminée par l'alternance uniforme des éléments de conception, ce qui contribue à l'obtention de la clarté et de l'expressivité de la composition.

Un motif organisé rythmiquement se transforme facilement en ornement - la base de la composition. Mais l’ornement n’est pas seulement la répétition répétée d’éléments similaires d’un dessin. Un dessin beau et clair des détails de la silhouette globale est très important.

Sur des fonds sculptés conservés dans les musées, est le plus souvent présentée une composition représentant deux cavaliers sur des chevaux cabrés. Les cavaliers sont positionnés de part et d’autre d’un arbre fleuri, du sommet duquel s’envole un cygne. Dans les moitiés inférieures, les maîtres de Donetsk représentaient généralement des scènes de genre de messieurs marchant avec des dames, des scènes de chasse, etc. Vers la fin du 19ème siècle. Une forme caractéristique d'ornement floral avec certains éléments s'est développée : ce sont des boutons, des roses et une fleur, qui sont répétés à l'infini dans diverses versions. Au centre du plan de composition, les artistes placent l'image principale : un oiseau, un cheval, une personne, un groupe de personnes ou un motif végétal.

Les artistes populaires ont peint les visages d'une manière - sous la forme d'un cercle blanc, sur lequel leurs traits sont indiqués par de fines lignes noires. Les coiffures pour hommes et femmes se distinguent par une grande sophistication, mais seul le noir est utilisé pour la coloration. Dans la représentation des personnages eux-mêmes, une palette de couleurs plates est utilisée, dans laquelle les principales grandes taches (jupes, vestes, vestes, pantalons) sont peintes sans contour, sous la forme d'une silhouette colorée monochrome. Les fleurs aux couleurs vives et les feuilles vertes décoratives restent un motif décoratif préféré dans l'art des maîtres de Gorodets, qui confèrent au tableau un charme particulier.

Peinture de Veliki Oustioug

Dans la peinture d'Oustioug, il existe trois types de peinture : la peinture de coffre, la peinture de boîte et la peinture ornementale complexe, également appelée peinture « royale ». La peinture des coffres a été réalisée sur les coffres par des artistes professionnels. C'était décrit ci-dessus...

Vigne - motif floral décoratif d'ornement folklorique

La sculpture est un type d’art décoratif ; une méthode de traitement artistique du bois, de la pierre, de l'os, de la terre cuite, du vernis et d'autres matériaux par sculpture. La sculpture est utilisée pour décorer des objets ménagers, la décoration de bâtiments...

Cinéma holographique (état actuel de la question, bilan)

L'holographie est l'un des nouveaux domaines de la science et de la technologie. Elle a été découverte en 1947 par un scientifique anglais - le professeur D. Gabor - qui proposa une méthode interférentielle pour enregistrer les ondes lumineuses...

Vase décoratif

Lors de la peinture sur des surfaces volumétriques, sphériques et cylindriques, la position correcte de la main est considérée comme une fixation claire du coude, c'est-à-dire qu'il ne doit pratiquement pas bouger pendant le travail et que la main doit se déplacer dans la direction souhaitée.

Foulards paréo décoratifs "Été" utilisant la technique de la peinture artistique sur tissu

Le bois dans l'artisanat populaire russe

La sculpture artistique sur bois est l'un des types de travail du bois artistique les plus anciens et les plus répandus, dans lequel un motif est appliqué sur un produit à l'aide d'une hache, d'un couteau, de couteaux, de ciseaux, de burins et d'autres outils similaires...

L'histoire de la formation du ballet russe

L'École chorégraphique académique de Moscou, l'une des plus anciennes institutions d'enseignement théâtral, dont les activités sont associées à la formation et au développement de l'École nationale de ballet de Russie...

Tissage d'osier et sculpture sur bois ajouré

1.1 Secrets de l'art du tissage de l'osier L'art du tissage de l'osier trouve ses racines au plus profond des siècles. Déjà à l'âge de pierre, il existait une méthode de cuisson des produits en argile : d'abord, on fabriquait un récipient en osier à partir de brindilles...

Organisation d'un cercle de peinture sur tissus

a) Technique du batik noué En utilisant le batik noué ou en peignant selon la technique Shibori, vous pouvez créer des motifs tout à fait uniques sur du tissu. Le mot « shibori » est d'origine japonaise et signifie « tordre », « tourner », « appuyer »...

Peinture de Petrikovskaya

La peinture de Petrikov est née bien avant l'avènement du christianisme et a joué le rôle d'un talisman. Les gens croyaient que la beauté avait une sorte de pouvoir magique, spirituel, et c'est pourquoi les fenêtres et les portes des maisons et même les vêtements étaient encadrés d'ornements magiques...

Développement et réalisation d'une série d'œuvres dans la matière utilisant la technique du batik chaud sous la devise « Belgorod est la capitale verte »

Les arts décoratifs et appliqués ainsi que les arts et métiers populaires occupent une place particulière dans l’espace socioculturel et économique moderne. C'est le seul domaine de créativité...

Peintures de la Dvina du Nord. Tradition et modernité

Dont l'histoire remonte au IIe siècle avant JC. e., lorsque les gens ont appris à fabriquer du fer et à en tirer divers couteaux, grattoirs, scies et autres outils de coupe.

Cependant, il ne suffisait pas de simplement sculpter un produit en bois : l'homme voulait que le résultat de son travail soit beau. C'est ainsi qu'apparaissent d'anciennes peintures sur bois, primitives et loin d'être artistiques, mais la naissance de l'art a eu lieu. En ces temps lointains, les peintures existaient déjà, il ne restait plus qu’à les appliquer correctement.

Peinture artistique sur bois

L'artisanat populaire qui existe aujourd'hui pour fabriquer des articles ménagers repose sur une variété de techniques. Les produits en bois sont présentés en plusieurs catégories : tout d'abord la vaisselle et les ustensiles de cuisine. La deuxième liste comprend des éléments qui représentent les beaux-arts. Il s'agit de panneaux peints, de décorations intérieures et de divers articles ménagers. Et enfin, la troisième catégorie concerne les meubles en bois de style vintage, peints d'une manière antique particulière. La peinture artistique sur bois en tant que telle est utilisée dans les trois cas. La valeur des produits est incontestable, puisque des professionnels y travaillent.

Variétés

Les peintures sur bois se déclinent en plusieurs types et diffèrent par leur appartenance à une région particulière, ainsi que par leur style. Le dessin peut être complot ou ornemental.

Types de peinture sur bois :

• Mezenskaïa ;
• Polkhovskaïa ;
• Khokhloma ;
• Gorodets ;
• Palekh ;
• Severodvinskaïa ;
• Petrikovskaïa

Les principaux types de peinture sur bois sont répertoriés. Chaque variété contient des caractéristiques « de marque » qui confèrent au produit une attractivité supplémentaire.

Peinture Mézen

La peinture Mezen (ou comme on l'appelle aussi - palaschelskaya) est la peinture d'articles ménagers : louches, boîtes, rouets, bancs et tables de cuisine. Ces traditions artistiques sont apparues dans le cours inférieur du Mézen vers 1815.

La peinture Mezen se compose principalement d'images ornementées d'habitants de la forêt : cerfs et élans, carcajous, renards et oursons. Toutes les images sont impersonnelles et portent le sceau de la staticité. Les frises composées de figures répétées et peintes de couleurs vives donnent une impression de fête et de luxe provocant, car les rayures colorées des ornements ne correspondent pas au mobilier sordide d'une maison russe. Un rouet primitif, peint dans le style de Mezen et scintillant de couleurs dans un coin sombre, ne faisait que souligner la désolation de la chambre haute.

Palekh

La peinture Palekh est un artisanat d’art populaire apparu à l’époque pré-Pétrine. A cette époque, le village de Palekh, dans la province d'Ivanovo, était célèbre pour ses peintres d'icônes. Cet art atteint son apogée à la fin du XVIIIe siècle. Les Paleshans, en plus de peindre des icônes, ont participé à la restauration des cathédrales et des églises et ont participé à la conception des chapelles de la Laure de la Trinité-Serge et du couvent de Novodievitchi.

Jusqu'au début du XXe siècle, le commerce de la peinture de Palekh était florissant ; les tempêtes révolutionnaires de 1905 et 1917 ont presque détruit l'art populaire raffiné. Depuis la 17e année, toutes les églises ont été abolies par des représentants ignorants des autorités communistes, il n'y avait plus rien à peindre et les artistes polonais ont créé un artel produisant des produits artistiques en bois.

Bientôt, la première œuvre du style palekh fut créée dans un atelier de Moscou. Sur une boîte en bois recouverte de vernis noir, Ivan Tsarévitch, sorti des chambres royales vers la liberté, rencontre l'Oiseau de feu. L'ensemble du tableau était peint en or et en cinabre - il était impossible de quitter le dessin des yeux.

Actuellement, la peinture sur bois Palekh est un art profondément traditionnel, à la seule différence que le bois naturel a été remplacé par du papier mâché. Désormais, les produits peints Palekh sont non seulement beaux, mais aussi légers.

Khokhloma

Un ancien artisanat populaire qui s'est développé dans les villages de la province de Nijni Novgorod au XVIIe siècle. Le centre est devenu le village de Khokhloma, où se rassemblaient les vieux croyants, persécutés pour leur foi. Parmi les colons, il y avait de nombreux peintres d'icônes qui apportaient avec eux des compétences exquises en peinture, en écriture calligraphique et de nombreux exemples de motifs floraux.

Les résidents locaux vivant à Khokhloma et dans les villages voisins connaissaient les techniques de tournage du bois, mais ne savaient pas dessiner. Il s’est donc avéré que les plats en bois, transformés sur place, étaient peints par des artistes invités. C'est ainsi qu'est apparu l'art de la peinture de Khokhloma, qui est devenu l'un des métiers d'art les plus célèbres de Russie.

Les sculpteurs sur bois ne se contentaient pas de transformer des plats et des assiettes, ils apprirent bientôt à sculpter des cuillères et des louches, les « frères » classiques. Habituellement, la louche avait la forme d'un cygne et une douzaine de cuillères étaient accrochées sur les côtés. Le matériau était du bois de tilleul, qui, de par sa nature, ne contient pas de fibres et se coupe facilement dans toutes les directions.

La peinture Khokhloma se compose de quatre couleurs primaires : noir, or, rouge et vert. Le noir et l'or sont utilisés comme arrière-plan, tandis que le rouge et le vert, ainsi que leurs nuances, constituent le design lui-même. Le thème d'un dessin dans le style Khokhloma est le plus souvent les baies de sorbier, les fraises, diverses fleurs et plantes médicinales. Parfois, l'artiste utilise des images d'oiseaux, de poissons et de petits animaux.

Sculpture et dessin

L'artisanat populaire russe (comme les gorodets ou le khokhloma) est des produits en bois recouverts d'un motif. Tout d’abord, les ébénistes fabriquent des ébauches à partir de bois sélectionnés, appelés « lin », puis les artistes les recouvrent d’un motif. La sculpture sur bois et la peinture sont ici indissociables : elles se complètent. Le type d’ébauche peinte le plus courant est la poupée gigogne russe. Pour sa production, la méthode de sculpture par tournage est utilisée, lorsque le produit est tourné, poli puis peint. Ce souvenir est connu dans le monde entier et est très demandé depuis de nombreuses années.

Est-il possible d'apprendre la peinture sur bois ?

Les arts et métiers populaires appartiennent aux beaux-arts et nécessitent une certaine préparation, mais quiconque fait preuve de patience et de persévérance peut maîtriser les principes de base des produits colorants. Il existe des techniques spéciales appelées « Peinture sur bois pour débutants », qui incluent une familiarisation avec le processus et des travaux pratiques. Dans un premier temps, les cours sont de nature générale, et après avoir acquis des compétences, vous pouvez passer à un style artistique spécifique, par exemple Gorodets. Dans tous les cas, peindre sur bois est un processus créatif passionnant pour les débutants.

Méthodes de coloration

Le bois naturel est un matériau qui nécessite un prétraitement minutieux. La surface à peindre doit être lisse, sans écaillage ni fissures. La pièce est d'abord poncée avec de la toile émeri puis recouverte d'un apprêt spécial, qui comble toutes les fissures microscopiques et égalise les petites irrégularités. Les défauts plus importants peuvent être éliminés à l'aide de mastic. Après le prétraitement, la pièce doit être soigneusement séchée.

Les produits d'art populaire en bois se distinguent par des couleurs vives et intenses. Les dessins contrastent généralement avec le fond, noir ou rouge vif. Pour les produits de peinture, on utilise des peintures à la détrempe ou à la gouache artistique, qui ont un bon pouvoir couvrant. Les résultats les plus durables sont obtenus par la peinture acrylique sur bois, surtout si le motif est recouvert d'un vernis nitro transparent sur le dessus. Les produits après ce traitement deviennent résistants à l'abrasion et ne changent pas de couleur.

La peinture sur bois (des photos des produits finis sont présentées sur la page) est un type d'art qui a ses racines dans un passé lointain, mais qui vit et s'épanouit dans le présent.

Depuis l'Antiquité, les plats et autres articles ménagers en céramique sont largement connus en Russie. L'une des colonies les plus célèbres de Rus', dont les habitants étaient engagés dans la fabrication de vaisselle en céramique et en porcelaine, est Gjel (aujourd'hui la ville est située dans le district Ramensky de la région de Moscou). Depuis le XVIIe siècle et même avant, Gjel est un centre réputé pour la production de porcelaine et de céramique. Les produits des artisans locaux sont distribués dans toute la Russie. Il convient de noter qu'autrefois cette ville était l'un des centres des vieux croyants-prêtres. L'apogée de Gjel s'est produite pendant les activités du Partenariat pour la production de produits en porcelaine et en faïence M.S. Kuznetsov" à la fin du XIXe - début du XXe siècle.

La formation de la palette de couleurs de Gjel qui nous est familière remonte au début du 19ème siècle. Les chercheurs soulignent que depuis les années 1820, un nombre croissant de produits de Gjel étaient peints en blanc et exclusivement avec de la peinture bleue. De nos jours, la peinture bleue est une caractéristique des produits de Gjel. La popularité de ces plats s'est avérée si grande que des produits similaires ont commencé à être créés dans d'autres domaines, mais ils avaient un ornement bleu et blanc similaire. De nombreux contrefaçons sont également apparues.

Les experts disent que seules les œuvres originales qui ont façonné le style familier de Gjel dans les années 80 du 20e siècle peuvent être qualifiées de produits authentiques de Gjel. Il s'agit d'œuvres d'artistes tels qu'Azarova, Denisov, Neplyuev, Fedorovskaya, Oleynikov, Tsaregorodtsev, Podgornaya, Garanin, Simonov et d'autres. Chacun de ces artisans appose une signature personnelle ou le cachet de l'entreprise où il travaille sur le produit. Si le maître est un employé de l'entreprise, ses produits sont alors transférés à l'atelier de production à des fins de réplication.

Peinture de Zhostovo

Au milieu du XVIIIe siècle, un nouveau type de pêche est apparu dans l'Oural, où se trouvaient les usines métallurgiques de Demidov. Les artisans locaux ont commencé à peindre des plateaux métalliques. Il est intéressant de noter que de tels ateliers sont apparus dans des villes où une partie considérable de la population était composée de vieux croyants, qui y ont encore des maisons de prière et des églises. Il s'agit de Nizhny Tagil, Nevyansk et Vyysk, fondées en 1722. C'est ainsi qu'apparaissent les plateaux dits Tagil. Les industriels Demidov, qui supervisaient cet artisanat, étaient très soucieux de la qualité et de la valeur artistique des produits. Afin d'éduquer et de former du personnel professionnel, ils fondèrent une école en 1806. Le style historique des plateaux Tagil a été créé grâce à cette école et à son professeur le plus influent - diplômé de l'Académie impériale des arts V.I. Albychev.

Des plateaux Tagil peints étaient vendus dans tout le pays. Ils ont commencé à essayer de fabriquer des produits similaires ailleurs. La tentative la plus réussie a été l'organisation de la production de plateaux peints dans le village de Zhostovo, dans la province de Moscou. Les plateaux qui y sont fabriqués sont devenus célèbres dans la première moitié du XIXe siècle. Depuis lors, ce type d'artisanat a reçu le nom de « peinture de Zhostovo ». À ce jour, l'artisanat de la peinture sur plateau n'a survécu qu'à Nijni Tagil et Zhostovo. La peinture se fait principalement sur fond noir (parfois sur rouge, bleu, vert).

Les principaux motifs de peinture sont : les bouquets de fleurs, à la fois un jardin luxuriant et de petites fleurs sauvages ; Paysages de l'Oural ou villes anciennes. Sur certains plateaux anciens, vous pouvez voir des personnages et des oiseaux fabuleux. Les plateaux peints sont utilisés soit pour l'usage auquel ils sont destinés (pour un samovar, pour servir le déjeuner), soit pour la décoration. Selon leur forme, les plateaux sont divisés en ronds, octogonaux, rectangulaires et ovales.

Miniature Palekh

Après la Révolution d'Octobre et le début des persécutions religieuses, les peintres d'icônes de Palekh ont dû chercher une nouvelle façon de gagner de l'argent. Ainsi, beaucoup se sont reconvertis en maîtres des miniatures en laque. Ce type de miniature est réalisé à la détrempe sur papier mâché. En règle générale, les boîtes, coffrets, capsules, broches, panneaux, cendriers, étuis à aiguilles, etc. sont peints. La peinture est réalisée en or sur fond noir. La technologie originale du siècle dernier, utilisée par les premiers artisans de Palekh dans les années 1920 et 1930 du 20e siècle, a été partiellement préservée.

Les sujets caractéristiques des miniatures de Palekh sont empruntés à la vie quotidienne, aux œuvres littéraires classiques, aux contes de fées, aux épopées et aux chansons. De nombreuses histoires sont consacrées à des événements historiques, notamment la révolution et la guerre civile. Il existe une série de miniatures dédiées à l'exploration spatiale. Depuis le début du XXIe siècle, chez certains maîtres travaillant à la manière Palekh, on constate une tendance à revenir aux sujets iconographiques.

La miniature Fedoskino est un autre type de peinture miniature traditionnelle en laque russe. Réalisé avec des peintures à l'huile sur papier mâché. Contrairement aux miniatures de Palekh, dont les techniques provenaient de la peinture d'icônes, la miniature de Fedoskino a d'abord été conçue comme un type d'art appliqué, d'où le style de peinture plus « terre-à-terre ».

Les miniatures Fedoskino sont nées à la fin du XVIIIe siècle dans le village de Fedoskino, dans la province de Moscou. Les principaux motifs de la miniature : « troïkas », « tea parties », scènes de la vie des paysans. Les plus prisés étaient les cercueils et les cercueils décorés de compositions complexes à plusieurs figures - des copies de peintures d'artistes russes et d'Europe occidentale.

Au XIXe siècle, les miniatures de Fedoskino servaient principalement à des fins décoratives. Au milieu du 20e siècle, la direction de l'auteur a commencé à se développer. Les intrigues des miniatures ont commencé à devenir plus complexes.

Khokhloma

La peinture décorative Khokhloma de Nijni Novgorod est connue dans toute la Russie. La pêche est née au XVIIe siècle dans le village de Khokhloma. Il est situé sur le territoire de l'ancien district de Semenovsky de la province de Nijni Novgorod, célèbre dans l'Antiquité pour ses grands monastères de Vieux-croyants, tels que les monastères Sharpansky et Olenevsky. Ce n'est pas un hasard si dans le célèbre roman d'Andrei Melnikov (Pechersky), les vieux croyants du district de Semenovsky se consacrent à la fabrication d'ustensiles en bois. Nous l'avons également fait à Khokhloma. Les maîtres de Khokhloma se sont néanmoins fait connaître dans toute la Russie pour leurs peintures inhabituelles et lumineuses. Ils peignaient des plats et des meubles en bois. Les couleurs principalement utilisées étaient le noir, le rouge, l’or et parfois le vert.

Pour obtenir la couleur dorée caractéristique de Khokhloma, les artisans locaux appliquent de la poudre d'étain argenté sur la surface du produit lors de la peinture. Ensuite, ils sont vernis et traités trois ou quatre fois au four, ce qui donne une couleur dorée miel unique, qui donne aux ustensiles en bois clair un effet massif.

Grâce à cette technologie qui crée une couleur inhabituelle, Khokhloma est devenue populaire dans le monde entier. Les assiettes et cuillères fabriquées dans ce style ont commencé à être perçues au XXe siècle comme un symbole de la vaisselle nationale russe.

La peinture de Gorodets est apparue au milieu du XIXe siècle dans la région de l'ancienne ville de Gorodets, dans la province de Nijni Novgorod. Grâce aux efforts des Vieux-croyants, Gorodets est devenu un centre de construction navale en bois et de commerce de céréales réputé dans toute la Russie. Les marchands vieux-croyants ont fait don de sommes importantes pour la construction d'églises, l'entretien d'hôpitaux, d'orphelinats, l'éducation publique et l'amélioration de la ville.

La peinture de Gorodets est lumineuse et laconique. Les thèmes principaux du tableau sont des scènes de contes de fées, des figures de chevaux, d'oiseaux, de fleurs, la vie paysanne et marchande. La peinture est réalisée d'un trait libre avec un trait graphique blanc et noir. La peinture de Gorodets décorait des rouets, des meubles, des volets, des portes, des coffres, des arches, des traîneaux et des jouets pour enfants.

C'est ce qu'il dit CONTRE. Voronovà propos de la peinture de Gorodets :

Le style de Nijni Novgorod nous présente la version la plus pure du véritable art pictural, qui a surmonté le cadre de la captivité graphique et s'appuie exclusivement sur les éléments de la peinture.

Peinture Mézen

La peinture Mezen sur bois (peinture palaschel) est un type particulier de peinture d'ustensiles ménagers, notamment rouets, louches, boîtes, bratins, qui s'est développée vers la fin du XIXe siècle dans le cours inférieur de la rivière Mezen. Depuis l'Antiquité, ces lieux, comme toute la région balnéaire, étaient habités par des Vieux-croyants. Et de décembre 1664 à février 1666, l'archiprêtre Avvakum fut en exil à Mezen même. Le plus ancien rouet avec peinture Mezen encore existant date de 1815.

Les motifs artistiques de la peinture de Mezen peuvent être trouvés dans des livres manuscrits du XVIIIe siècle réalisés en Poméranie. Les couleurs principales de la peinture Mezen sont le noir et le rouge. Les principaux motifs des motifs géométriques sont les disques, les losanges et les croix. L'objet peint était recouvert d'huile siccative, ce qui protégeait la peinture de l'effacement et donnait au produit une couleur dorée.

À la fin du XIXe siècle, la peinture de Mezen était concentrée dans le village de Palashchelye, où travaillaient des familles entières d'artisans : les Aksenov, les Novikov, les Fedotov, les Kuzmin, les Shishov. Au milieu des années 1960. La peinture Mezen a été relancée par les descendants des anciens maîtres Palashchel : F.M. Fedotov dans le village de Palashchelye et S.F. et I.S. Fatyanovs dans le village de Selishche. L'exposition des rouets Mezen en 2018 est devenue le premier événement dans le musée qui porte son nom récemment ouvert. Gilyarovsky, dans la ruelle Stoleshnikov à Moscou.

La dentelle de Vologda est un artisanat russe originaire de la région de Vologda au XVIe siècle. La dentelle est tissée à l'aide de fuseaux (bâtons de bois). En tant qu'artisanat distinct avec ses propres caractéristiques, la dentelle de Vologda était déjà connue aux XVIIe et XVIIIe siècles. Cependant, jusqu’au XIXe siècle, la dentellerie était un métier artisanal, principalement pratiqué par des artisanes privées. Avec la popularité croissante de la dentelle de Vologda, la production de produits a été lancée. Au XIXe siècle, des usines de dentelle sont apparues à proximité de Vologda.

Toutes les images principales en dentelle entrelacée de Vologda sont réalisées avec une tresse dense et continue de la même largeur. Pour la production de dentelle de Vologda, on utilise un coussin, des bobines de genévrier ou de bouleau, des épingles et des éclats. Un matériau typique de la dentelle de Vologda est le lin.

Les sujets de la dentelle de Vologda sont très différents - des ornements floraux aux compositions figurées. Dans la dentelle de Vologda, vous pouvez trouver des symboles folkloriques chrétiens et anciens.

La dentelle Yelets n'est pas moins célèbre. Il est tressé à l'aide de bobines. Ce type de dentelle est né au début du XIXe siècle dans la ville d'Elets.

La dentelle se distingue par le doux contraste d'un petit motif (floral et géométrique) et d'un fin fond ajouré.

On pense que la dentelle Yelets est plus légère et plus élégante que la dentelle Vologda.

La dentelle Mtsensk est un type de dentelle russe tissée à l'aide de bobines.

La dentelle de Mtsensk est apparue dans la ville de Mtsensk, dans la région d'Orel, au XVIIIe siècle. Cela est devenu possible grâce à la propriétaire terrienne locale Protasova, qui a rassemblé des artisanes de différentes régions de Russie et a fondé une manufacture - la plus grande production de dentelle en Russie à cette époque.

Une particularité est l'utilisation de motifs géométriques. Comparé à la dentelle de Vologda, le motif est moins dense et riche, comme l'écrivent les experts - plus « aéré ».

Au début du XVIIIe siècle, des artisanes spécialisées dans la fabrication de la dentelle sont apparues dans la province de Viatka. Cependant, la production de dentelle n'a acquis une ampleur industrielle que dans la seconde moitié du XIXe siècle. Cet artisanat est réalisé par des artisanes paysannes. En 1893, dans la colonie de Kukarka, district de Yaransky, province de Viatka, une école zemstvo de dentellières a été organisée. Les formes des produits sont variées et parfois insolites : ce sont des gilets, des galons de foulards, des cols, des serviettes aux motifs en forme de papillons, de fleurs luxuriantes et de boucles fantaisistes.

Les produits les plus intéressants en dentelle de Viatka ont été créés à l'époque soviétique. Ces réalisations sont associées au nom de la célèbre dentellière, lauréate du Prix d'État de Russie du nom de Repin Anfisa Fedorovna Blinova. Ses œuvres se trouvent à la Galerie Tretiakov, au Musée russe, au Fonds d'art russe et à l'Institut de recherche sur l'industrie de l'art de Moscou.

Pendant la crise économique des années 90 du 20e siècle, l'usine de dentelle située dans la ville de Sovetsk (ancienne colonie de Kukarka) a été fermée. Tout récemment, en 2012, la coopérative-artel de production de dentelle Kukarskoe a été créée dans la ville, renouant peu à peu avec les traditions de l'artisanat ancien.

L'écharpe en duvet d'Orenbourg est une écharpe tricotée fabriquée à partir du duvet unique de chèvre d'Orenbourg, appliqué sur une base spéciale (coton, soie ou autre matériau).

Cette pêcherie est née dans la province d'Orenbourg au XVIIIe siècle. Les produits sont très fins, comme des toiles d'araignées, mais ils ont généralement un motif complexe et sont utilisés comme décoration. La finesse d'un produit est souvent déterminée par deux paramètres : si le produit passe à travers un anneau et s'il rentre dans un œuf d'oie.

Au milieu du XIXe siècle, les foulards en duvet étaient présentés lors d'expositions dans les pays européens, où ils recevaient une reconnaissance internationale. Des tentatives répétées ont été faites, y compris à l'étranger, pour ouvrir la production de ces peluches pour les besoins de l'industrie légère. Cependant, ils n’ont pas réussi. Il s'est avéré que pour obtenir des peluches de chèvre aussi fines et chaudes, des conditions climatiques plutôt rudes et un certain régime alimentaire sont nécessaires, dont la combinaison n'est possible que sur le territoire de la région d'Orenbourg.

Au milieu du XIXe siècle, dans la ville de Pavlovsky Posad, des foulards en laine avec un motif dit imprimé, appliqué sur le tissu à l'aide de formes avec un motif en relief, ont commencé à être produits. Les châles Pavloposad sont traditionnellement des produits noirs ou rouges avec un motif floral volumineux.

Dans les années 70 Au XIXe siècle, la palette de foulards qui nous est familière se forme et la gamme de foulards aux motifs floraux naturalistes s'élargit. Les artisanes préfèrent les images de fleurs du jardin, principalement des roses et des dahlias.

Jusque dans les années 1970, le dessin était appliqué au tissu à l'aide de formes sculptées en bois : le contour du dessin - avec des planches - des « manières », le dessin lui-même - avec des « fleurs ». La création du foulard a nécessité jusqu'à 400 superpositions. Depuis les années 1970, la teinture est appliquée sur les tissus à l’aide de gabarits en soie et en nylon. Cela permet d'augmenter le nombre de couleurs, l'élégance du design et améliore la qualité de production.

La couture Krestetsky (ou broderie Krestetsky) est un artisanat populaire qui s'est développé depuis les années 1860 dans le district de Krestetsky de la province de Novgorod, habité depuis l'Antiquité par les vieux croyants.

Le point Krestetskaya est la technique de broderie au point la plus laborieuse et la plus complexe.

La broderie était réalisée sur du tissu en lin, et les fils, les chaînes et la trame étaient coupés et retirés du tissu, formant des espaces comme un maillage. Ce tissu était utilisé pour créer une variété de motifs et de broderies. La broderie Krestetsk était utilisée pour décorer des vêtements, des rideaux et des serviettes.

Moulage de Kasli - produits artistiques (sculpture, treillis, éléments architecturaux, etc.) en fonte et en bronze, produits dans une fonderie de fer de la ville de Kasli.

Cette usine a été fondée en 1749 par le marchand vieux-croyant Yakov Korobkov, arrivé ici avec sa famille depuis Toula. Il a été guidé par le décret de Pierre Ier, qui disait :

Il convient à chacun, la liberté est donnée, quels que soient son rang et sa dignité, en tous lieux, tant sur son propre territoire qu'à l'étranger, de rechercher, fondre, cuire, nettoyer toutes sortes de métaux et minéraux.

Sculpture « Russie » N.A. Laveretsky, casting de Kasli, 1896

La majorité des ouvriers de l’usine étaient également des vieux croyants venus de différents endroits de l’Oural, où la persécution de l’ancienne foi n’était pas si visible.

Les traditions du moulage Kasli - clarté graphique de la silhouette, combinaison de détails soignés et de plans généralisés avec un jeu énergique de reflets - se sont développées au XIXe siècle. Durant cette période, les propriétaires de l'usine recrutent de nouveaux sculpteurs, artistes, ciseleurs et mouleurs talentueux. Les produits de moulage Kasli ont reçu le Grand Prix à la prestigieuse Exposition Mondiale des Arts Appliqués de Paris en 1900.

L'écorce de bouleau fendue Shemogodskaya, originaire de la région de Vologda, est devenue particulièrement populaire. L'écorce de bouleau, malgré son apparente fragilité, est un matériau assez solide et durable. Les artisans de Vologda fabriquent une variété de paniers, de plats, d'accessoires, de bijoux et même de chaussures et de vêtements.

La particularité de ces produits est que les motifs naturels des plantes, des feuilles et des baies, des fleurs et des tiges, des animaux et des personnes sont étroitement liés au motif traditionnel. Les motifs traditionnels de l'écorce de bouleau fendue Shemogodskaya sont gravés sur des feuilles d'écorce de bouleau avec un poinçon émoussé et coupés avec un couteau bien aiguisé, enlevant le fond. Parfois, du papier de couleur ou une autre couche d'écorce de bouleau est placé sous les ajourés ; la sculpture est complétée par un gaufrage. Au XIXème siècle, ces produits étaient surnommés « dentelle d'écorce de bouleau».

À l'époque soviétique, les produits fabriqués à partir d'écorce de bouleau fendue Shemogodskaya étaient considérés comme un symbole de la forêt russe et étaient très demandés par les étrangers. Parallèlement, un atelier de sculpture sur écorce de bouleau a été organisé à l'usine de meubles Shemogodsky (région de Vologda). Et de nos jours, pas une seule foire russe n'est complète sans plats en écorce de bouleau.

Cet artisanat russe est né parmi les sculpteurs sur bois professionnels de Nijni Novgorod. Les artisans utilisent des os tubulaires de bovins comme matière première principale - " jarret" et une corne. En outre, des types d’os de mammouth et de morse plus rares et plus précieux sont utilisés pour fabriquer des types de produits coûteux.

La sculpture sur os de Varnavin est principalement utilisée dans la fabrication de bijoux pour femmes (épingles à cheveux, peignes, épingles à cheveux, peignes, broches, pendentifs, perles, colliers, pendentifs, bracelets, boucles d'oreilles, bagues, bagues), coffrets, coffrets, stylos-plumes, plats décoratifs et d'autres souvenirs.

La particularité de ces produits est leur unicité et leur individualité absolues. Chaque article est réalisé à la main, sans aucun motif ni tampon.

La sculpture d'Abramtsevo-Kudrinskaya est un métier artistique de sculpture sur bois qui s'est formé à la fin du XIXe siècle à proximité du domaine d'Abramtsevo, près de Moscou.

Cette technique était utilisée pour fabriquer des louches, des plats, des vases et des boîtes, ainsi que toute décoration intérieure et articles ménagers. La particularité de ces produits est la prédominance de boucles diverses, de rosaces, de brindilles, de teinture et de polissage du bois.

L'apogée de cette pêcherie s'est produite pendant la période soviétique - années 20-40. Les ouvriers de l'artel Koudrine « Vozrojdenie » ont même reçu des commandes de la galerie Tretiakov. Des produits historiques et modernes réalisés dans le style de la sculpture d'Abramtsevo-Koudrine ont été présentés à l'exposition internationale de Paris en 1937. Après l'effondrement de l'URSS, l'usine de sculpture de Koudrine a été fermée. Aujourd'hui la pêcherie est préservée grâce au travail d'artisans privés.

L'histoire du cristal Gusev a commencé en 1756, lorsque le marchand Orel Akim Maltsov fonda la première verrerie sur les rives de la rivière Gus, dans les forêts denses de Meshchera.

Les premières mentions du volost Gussky remontent au XVIIe siècle. Lorsqu'une interdiction a été imposée sur la construction d'usines de verre dans la région de Moscou en raison d'une déforestation excessive, la première cristallerie a été construite dans le village de Gus sur la rivière du même nom, dont les artisans ont été spécialement amenés de Mozhaisk. Ainsi commença l’histoire non seulement de la production, mais de tout un artisanat populaire qui continue de prospérer jusqu’à ce jour.

Aujourd'hui, l'usine est surtout célèbre pour son verre d'art. Les artistes de Gusev, prenant en compte les caractéristiques du matériau, lui confèrent une expressivité hautement artistique, utilisant habilement la couleur, la forme et la décoration.

Filigrane

Le filigrane (ou filigrane) est un artisanat de bijouterie qui utilise un motif ajouré ou soudé d'or fin, d'argent, etc. sur un fond métallique. fil. Les éléments d'un motif en filigrane peuvent être très divers : corde, dentelle, tissage, chevrons, piste, point bourdon. Les différents éléments en filigrane sont réunis en un seul tout par soudure. Le filigrane est souvent combiné avec des grains - de petites billes métalliques soudées dans des cellules pré-préparées (évidements). Le grain crée une texture et un jeu d'ombre et de lumière spectaculaires, grâce auxquels les produits acquièrent un aspect particulièrement élégant et sophistiqué. Les matériaux utilisés pour les produits en filigrane sont des alliages d'or, d'argent et de platine, ainsi que du cuivre, du laiton, du cupronickel et du maillechort. Les bijoux réalisés selon la technique du filigrane sont oxydés et argentés. Le filigrane est souvent associé à l'émail (y compris l'émail), à la gravure et au gaufrage.

Les objets en filigrane étaient fabriqués dans des ateliers royaux ou monastiques. Au XVIIIe siècle, de grands objets en filigrane étaient fabriqués ; outre les pierres, le cristal et la nacre étaient largement utilisés. Parallèlement, les petits objets en argent se généralisent : vases, salières et boîtes. Depuis le 19ème siècle, les produits en filigrane sont déjà fabriqués en grande quantité par les usines. Cela comprend des plats coûteux, des ustensiles d'église et bien plus encore.

Les centres de travail du scanner aujourd'hui sont :

• Le village de Kazakovo, district de Vachsky, région de Nijni Novgorod, où se trouve l'entreprise de produits artistiques, qui fabrique des bijoux uniques en utilisant l'ancienne technique de traitement artistique des métaux - le filigrane.
• Le village de Krasnoe-sur-Volga, dans la région de Kostroma, abrite l'école de travail artistique des métaux de Krasnoselskoye, dont la tâche principale est de préserver l'artisanat traditionnel de la joaillerie de Krasnoselskoye - filigrane, émail, gaufrage et bien plus encore.
• La ville de Pavlovo, région de Nijni Novgorod, où se trouve l'école technique des arts et métiers populaires russes.

Émail

L'émail est la production d'œuvres d'art à l'aide de poudre vitreuse et d'émail sur un support métallique. Le revêtement du verre est durable et ne se décolore pas avec le temps ; les produits en émail sont de couleur particulièrement brillante et pure. L'émail acquiert la couleur souhaitée après cuisson à l'aide d'additifs utilisant des sels métalliques. Par exemple, l'ajout d'or donne au verre une couleur rubis, le cobalt lui donne une couleur bleue et le cuivre lui donne une couleur verte.

Émail de Vologda (Usolskaya) - peinture traditionnelle sur émail blanc. La pêcherie est née au XVIIe siècle à Solvychegodsk. Plus tard, ils ont commencé à fabriquer des émails similaires à Vologda. Initialement, le motif principal était des compositions végétales peintes sur un support en cuivre : motifs floraux, oiseaux, animaux, y compris mythologiques. Cependant, au début du XVIIIe siècle, l'émail unicolore (blanc, bleu et vert) devient populaire. Ce n'est que dans les années 1970 du XXe siècle que la renaissance de l'émail multicolore « Usolskaya » par les artistes de Vologda a commencé. La production continue aujourd'hui.

Il existe également l'émail de Rostov - un artisanat d'art populaire russe qui existe depuis le XVIIIe siècle dans la ville de Rostov le Grand, dans la région de Yaroslavl. Les images miniatures sont réalisées sur émail avec des peintures transparentes ignifuges, inventées en 1632 par le joaillier français Jean Toutin.

Produits malachites

La malachite est un minéral vert aux teintes riches qui peut être facilement traité. La pierre peut être allant du vert clair au vert noir, et le premier artisanat remonte à plus de 10 000 ans. Les variétés denses de malachite avec une bonne couleur et de beaux motifs sont très appréciées ; depuis la fin du XVIIIe siècle, elles sont utilisées pour le revêtement de surfaces planes. Depuis le début du XIXe siècle, la malachite est utilisée pour créer des œuvres tridimensionnelles - vases, bols, plats.

La malachite est devenue largement connue hors de Russie grâce aux commandes de l'Exposition universelle de Londres en 1851, préparées par. Grâce aux Demidov, depuis les années 1830, la malachite a commencé à être utilisée comme matériau de décoration architecturale : la première salle en malachite a été créée sur ordre de P.N. Demidov par l'architecte O. Montferrand dans un hôtel particulier de Saint-Pétersbourg dans la rue. B. Morskaya, 43 ans. De luxueuses œuvres intérieures en malachite ont été réalisées dans la cathédrale Saint-Isaac. La malachite est également utilisée pour fabriquer des bijoux. La technique de gainage à la malachite est appelée « Mosaïque russe" Il repose sur le principe utilisé par les artisans européens pour réduire le coût des produits en lapis-lazuli au XVIIe siècle : des plaques de pierre finement sciées recouvrent la surface d'un objet en métal ou en pierre bon marché. Cela crée l'illusion d'une sculpture monolithique.

Les contes de l'écrivain russe Pavel Petrovich Bazhov, qui a commencé sa carrière en tant qu'enseignant dans une école du village isolé de Shaidurikha, habité par de vieux croyants, dans l'Oural, sont consacrés au commerce de la malachite. L'écrivain en a tiré de nombreuses histoires et légendes intéressantes liées à la vie dans l'Oural et aux coutumes folkloriques de la population locale.