Ρομαντική περίοδος

Γιατί «ρομαντικό»;

Η ρομαντική περίοδος στη μουσική διήρκεσε περίπου από τη δεκαετία του 1830 έως τη δεκαετία του 1910. Σε κάποιο βαθμό, η λέξη «ρομαντικός» είναι απλώς μια ταμπέλα, μια έννοια που δεν μπορεί να οριστεί αυστηρά, όπως, μάλιστα, πολλές άλλες. Πολλά από τα έργα που αναφέρονται σε όλα τα κεφάλαια του βιβλίου μας, ανεξαιρέτως, μπορούν δικαίως να ονομαστούν «ρομαντικά».

Η κύρια διαφορά αυτής της περιόδου από άλλες είναι ότι οι συνθέτες εκείνης της εποχής έδιναν μεγαλύτερη προσοχή στα συναισθήματα και την αντίληψη της μουσικής, προσπαθώντας να εκφράσουν συναισθηματικές εμπειρίες με τη βοήθειά της. Σε αυτό διαφέρουν από τους συνθέτες της κλασικής περιόδου, για τους οποίους το πιο σημαντικό πράγμα στη μουσική ήταν η φόρμα και που προσπάθησαν να ακολουθήσουν ορισμένους κανόνες για την κατασκευή σύνθεσης.

Ταυτόχρονα, στοιχεία ρομαντισμού διακρίνονται σε ορισμένους συνθέτες της κλασικής περιόδου στις συνθέσεις τους και στοιχεία κλασικισμού σε συνθέτες της ρομαντικής περιόδου. Επομένως, όλα όσα μιλήσαμε παραπάνω δεν είναι καθόλου σκληρός κανόνας, αλλά απλώς ένα γενικό χαρακτηριστικό.

Τι άλλο συνέβαινε στον κόσμο;

Η ιστορία δεν έμεινε ακίνητη και όλοι οι άνθρωποι ξαφνικά δεν έγιναν ρομαντικοί, που ενδιαφέρονται μόνο για τις συναισθηματικές τους εμπειρίες. Αυτή είναι η εποχή της γέννησης του σοσιαλισμού, της ταχυδρομικής μεταρρύθμισης και της ίδρυσης του Στρατού της Σωτηρίας. Ταυτόχρονα, ανακαλύφθηκαν βιταμίνες και ράδιο, χτίστηκε η Διώρυγα του Σουέζ. Η Daimler σχεδίασε το πρώτο αυτοκίνητο και οι αδελφοί Ράιτ έκαναν την πρώτη πτήση. Ο Μαρκόνι εφηύρε το ραδιόφωνο στέλνοντας με επιτυχία ένα ασύρματο μήνυμα ενάμιση μίλι μακριά. Η βασίλισσα Βικτώρια κάθισε στον θρόνο της Μεγάλης Βρετανίας περισσότερο από κάθε άλλο Άγγλο μονάρχη. Χρυσός πυρετόςενέπνευσε χιλιάδες ανθρώπους να πάνε στην Αμερική.

Τρεις υποενότητες του Ρομαντικού

Ξεφυλλίζοντας το βιβλίο μας, θα παρατηρήσετε ότι αυτό είναι το μεγαλύτερο από όλα τα κεφάλαιά του, στο οποίο αναφέρονται τουλάχιστον τριάντα επτά συνθέτες. Πολλοί από αυτούς έζησαν και εργάστηκαν ταυτόχρονα σε διαφορετικές χώρες. Ως εκ τούτου, χωρίσαμε αυτό το κεφάλαιο σε τρεις ενότητες: «Πρώτοι ρομαντικοί», «Εθνικοί συνθέτες» και «Ύστεροι ρομαντικοί».

Όπως πιθανώς ήδη μαντέψατε, αυτή η διαίρεση δεν ισχυρίζεται επίσης ότι είναι απολύτως ακριβής. Ωστόσο, ελπίζουμε ότι θα βοηθήσει να διατηρήσουμε την αφήγηση συνεπή, αν και όχι πάντα με χρονολογική σειρά.

Πρώιμοι ρομαντικοί

Πρόκειται για συνθέτες που έχουν γίνει ένα είδος γέφυρας μεταξύ της κλασικής περιόδου και της περιόδου του ύστερου ρομαντισμού. Πολλοί από αυτούς εργάστηκαν ταυτόχρονα με τους «κλασικούς», και ο Μότσαρτ και ο Μπετόβεν είχαν μεγάλη επιρροή στη δουλειά τους. Παράλληλα, πολλοί από αυτούς συνέβαλαν προσωπικά στην ανάπτυξη της κλασικής μουσικής.

Ο πρώτος μας συνθέτης της ρομαντικής περιόδου ήταν πραγματικός σταρ της εποχής του. Κατά τις εμφανίσεις του, έδειξε τα θαύματα της δεξιοτεχνίας του βιολιού και έκανε απίστευτα κόλπα. Όπως ο βιρτουόζος κιθαρίστας της ροκ Τζίμι Χέντριξ, που γεννήθηκε εκατόν εξήντα χρόνια αργότερα, Νικολό Παγκανίνιεντυπωσίαζε πάντα το κοινό με την παθιασμένη ερμηνεία του.

Ο Paganini μπορούσε να παίξει ολόκληρο το κομμάτι σε δύο χορδές βιολιού αντί για τέσσερις. Ωρες ωρες

έκανε ακόμη και επίτηδες να σπάσουν οι χορδές στη μέση της παράστασης, μετά την οποία ολοκλήρωσε έξοχα το κομμάτι υπό το θορυβώδες χειροκρότημα του κοινού.

Ως παιδί, ο Paganini ασχολήθηκε αποκλειστικά με τη μουσική. Ωστόσο, ο πατέρας του τον τιμώρησε ακόμη και επειδή δεν ασκήθηκε αρκετά, μην του έδινε φαγητό ή νερό.

Ως ενήλικας, ο Paganini έπαιζε βιολί τόσο βιρτουόζο που φημολογήθηκε ότι έκανε συμφωνία με τον διάβολο ο ίδιος, αφού κανένας θνητός δεν μπορεί να παίξει τόσο υπέροχα. Μετά το θάνατο του μουσικού, η εκκλησία στην αρχή αρνήθηκε ακόμη και να τον θάψει στη δική της γη.

Ο Παγκανίνι, αναμφίβολα, κατανοούσε όλα τα οφέλη των δημόσιων ομιλιών του, δηλώνοντας:

«Είμαι άσχημη, αλλά όταν οι γυναίκες με ακούν να παίζω, σέρνονται στα πόδια μου».

Το ύφος και η δομή των μουσικών συνθέσεων συνέχισαν να εξελίσσονται τόσο στις οργανικές συνθέσεις όσο και στην όπερα. Στη Γερμανία, η πρωτοπορία της όπερας πρωτοστάτησε Καρλ Μαρία φον Βέμπερ,αν και έζησε σε χρόνια που πολλοί δεν αποδίδουν στη ρομαντική περίοδο.

Μπορεί να ειπωθεί ότι για τους Βέμπερς, η όπερα ήταν οικογενειακή υπόθεση και ο Καρλ ταξίδευε πολύ με την εταιρεία όπερας του πατέρα του ως παιδί. Η όπερα του Δωρεάν Shooter (Magic Shooter)μπήκε στην ιστορία της μουσικής λόγω του γεγονότος ότι σε αυτήν χρησιμοποιήθηκαν λαϊκά μοτίβα.

Λίγο αργότερα θα μάθετε ότι μια τέτοια τεχνική θεωρείται χαρακτηριστικό γνώρισμα της ρομαντικής περιόδου.

Ο Βέμπερ έγραψε επίσης πολλά κοντσέρτα για κλαρίνο, για τα οποία είναι ευρέως γνωστός σήμερα.

Η Ιταλία είναι η γενέτειρα της όπερας και στο πρόσωπο Τζιοακίνο Αντόνιο ΡοσίνιΟι Ιταλοί είχαν την τύχη να βρουν έναν νέο ήρωα αυτού του είδους. Έγραψε όπερες κωμικού και τραγικού περιεχομένου με την ίδια επιτυχία.

Ο Ροσίνι ήταν ένας από εκείνους τους συνθέτες που συνθέτουν γρήγορα και συνήθως του έπαιρνε μόνο μερικές εβδομάδες για να γράψει μια όπερα. Στο απόγειο της φήμης του, είπε κάποτε:

«Δώσε μου τον λογαριασμό του πλυντηρίου και θα τον μελοποιήσω».

Λένε ότι Κουρέας της ΣεβίλληςΟ Rossini συνέθεσε σε μόλις δεκατρείς ημέρες. Ένας τόσο γρήγορος ρυθμός δουλειάς οδήγησε στο γεγονός ότι οι νέες του όπερες ανέβαιναν συνεχώς σε όλα τα θέατρα της Ιταλίας. Αλλά δεν αντιμετώπιζε πάντα ευνοϊκά τους ερμηνευτές των συνθέσεων του και κάποτε μίλησε ακόμη και απαξιωτικά για αυτούς:

«Τι υπέροχη όπερα θα ήταν αν δεν υπήρχαν τραγουδιστές σε αυτήν!»

Αλλά σε ηλικία τριάντα επτά ετών, ο Rossini σταμάτησε ξαφνικά να γράφει όπερες και τις τελευταίες σχεδόν τέσσερις δεκαετίες της ζωής του, από μεγάλα έργα, δημιούργησε μόνο Stabat mater.

Μέχρι στιγμής, δεν είναι απολύτως σαφές από τι καθοδηγούνταν όταν έπαιρνε μια τέτοια απόφαση, ωστόσο, μέχρι τότε είχε συσσωρευτεί ένα σημαντικό ποσό στον τραπεζικό του λογαριασμό - δικαιώματα από παραγωγές.

Εκτός από τη μουσική, ο Rossini είχε πάθος για τις μαγειρικές τέχνες και πολλά περισσότερα πιάτα φέρουν το όνομά του από άλλους συνθέτες. Μπορείτε ακόμη να κανονίσετε ένα ολόκληρο δείπνο, το οποίο θα περιλαμβάνει Rossini Salad, Rossini Omelet και Rossini Tournedo. (Τα τουρνέδο είναι λωρίδες κρέατος τηγανισμένες σε τριμμένη φρυγανιά, που σερβίρονται με πατέ και τρούφα.)

Φραντς Σούμπερτ,που έζησε μόνο τριάντα ένα χρόνια, ήδη από τα δεκαεπτά του είχε καθιερωθεί ως ταλαντούχος συνθέτης. Στη σύντομη ζωή του έγραψε συνολικά περισσότερα από εξακόσια τραγούδια, εννέα συμφωνίες, έντεκα όπερες και περίπου τετρακόσια άλλα έργα. Μόνο το 1815 συνέθεσε εκατόν σαράντα τέσσερα τραγούδια, δύο μάζες, μια συμφωνία και μια σειρά από άλλα έργα.

Το 1823 προσβλήθηκε από σύφιλη και πέντε χρόνια αργότερα, το 1828, πέθανε από τυφοειδή πυρετό. Ένα χρόνο νωρίτερα, παρευρέθηκε στην κηδεία του ειδώλου του Λούντβιχ βαν Μπετόβεν.

Είναι αξιοσημείωτο ότι ο Σούμπερτ ήταν ένας από τους πρώτους μεγάλους συνθέτες που έγινε διάσημος χάρη στην απόδοση έργων άλλων ανθρώπων. Ο ίδιος έδωσε μόνο μία μεγάλη συναυλία τη χρονιά του θανάτου του και ακόμη και τότε τον επισκίασε η παράσταση του Paganini, ο οποίος ήρθε στη Βιέννη περίπου την ίδια εποχή. Έτσι ο φτωχός Σούμπερτ δεν πήρε ποτέ τον σεβασμό που του άξιζε κατά τη διάρκεια της ζωής του.

Ένα από τα μεγαλύτερα μυστήρια του Σούμπερτ είναι Συμφωνία Νο. 8,γνωστό με το όνομα Ημιτελής.Έγραψε μόνο δύο μέρη του και μετά σταμάτησε να δουλεύει. Κανείς δεν ξέρει γιατί το έκανε αυτό, αλλά αυτή η συμφωνία εξακολουθεί να είναι ένα από τα πιο δημοφιλή έργα του.

Έκτορας Μπερλιόζγεννήθηκε στην οικογένεια ενός γιατρού, έτσι ώστε, σε αντίθεση με πολλούς άλλους συνθέτες που αναφέρονται στο βιβλίο μας, δεν έλαβε πλήρη μουσική εκπαίδευση.

Στην αρχή, αποφάσισε να ακολουθήσει τα βήματα του πατέρα του και να γίνει γιατρός, για το οποίο πήγε στο Παρίσι, αλλά εκεί άρχισε να περνά όλο και περισσότερο χρόνο στην όπερα. Τελικά αποφάσισε να ασχοληθεί με τη μουσική, προς μεγάλη απογοήτευση των γονιών του.

Η εικόνα του Μπερλιόζ μπορεί να φαίνεται καρικατούρα στους ανθρώπους που δεν γράφουν

παρουσιάζονται όλοι οι συνθέτες: πολύ νευρικοί και ευερέθιστοι, παρορμητικοί, με έντονες εναλλαγές της διάθεσης και, φυσικά, ασυνήθιστα ρομαντικοί στις σχέσεις με το αντίθετο φύλο. Κάποτε επιτέθηκε στην πρώην ερωμένη του με ένα όπλο στο χέρι και απείλησε να τη δηλητηριάσει. άλλον καταδίωξε, ντυμένος με γυναικεία ρούχα.

Αλλά το κύριο θέμα των ρομαντικών φιλοδοξιών του Berlioz ήταν η ηθοποιός Harriet Smithson, η οποία αργότερα υπέστη σοβαρό νευρικό κλονισμό - προφανώς, τις οφείλει σε μεγάλο βαθμό στον ίδιο τον Berlioz. Την είδε για πρώτη φορά το 1827, αλλά κατάφερε να τη γνωρίσει προσωπικά μόλις το 1832. Στην αρχή, ο Smithson απέρριψε τον Berlioz και αυτός, θέλοντας να επιτύχει την αμοιβαιότητα, έγραψε φανταστική συμφωνία.Το 1833, ωστόσο, παντρεύτηκαν, αλλά, όπως ήταν αναμενόμενο, λίγα χρόνια αργότερα ο Μπερλιόζ ερωτεύτηκε μια άλλη γυναίκα.

Όσο για τη μουσική, ο Μπερλιόζ λάτρευε την εμβέλεια. Πάρτε για παράδειγμα το δικό του Μνημόσυνο,γραμμένο για μια τεράστια ορχήστρα και χορωδία, καθώς και τέσσερις μπάντες πνευστών τοποθετημένες σε κάθε γωνιά της σκηνής. Μια τέτοια προτίμηση για μεγάλες φόρμες δεν συνέβαλε πολύ στη μεταθανάτια φήμη του. Η εκτέλεση των έργων του με τη μορφή που τα συνέλαβε μπορεί να είναι πολύ ακριβή, και μερικές φορές ακόμη και αδύνατη. Αλλά τέτοια εμπόδια δεν τον ενοχλούσαν καθόλου και συνέχισε να συνθέτει μουσική με όλο το πάθος που μπορούσε. Κάποτε είπε:

«Κάθε συνθέτης είναι εξοικειωμένος με τον πόνο και την απελπισία που προέρχεται από το ότι δεν έχει αρκετό χρόνο για να γράψει ό,τι έχει καταλήξει».

Κάθε μαθητής που διαβάζει αυτό το βιβλίο θα πρέπει να ζηλεύει ανθρώπους όπως Φέλιξ Μέντελσον,σε ανθρώπους που έγιναν διάσημοι στην παιδική ηλικία.

Όπως βλέπουμε από πολλά παραδείγματα, αυτό δεν είναι καθόλου ασυνήθιστο στον κόσμο της κλασικής μουσικής.

Ωστόσο, ο Μέντελσον πέτυχε όχι μόνο στη μουσική. ήταν από τους λίγους ανθρώπους που κατάφεραν να πετύχουν καλό αποτέλεσμασε ό,τι κάνουν - στη ζωγραφική, την ποίηση, τον αθλητισμό, τις γλώσσες.

Δεν ήταν δύσκολο για τον Μέντελσον να τα καταφέρει όλα αυτά.

Ο Μέντελσον ήταν τυχερός - γεννήθηκε σε μια πλούσια οικογένεια και μεγάλωσε στη δημιουργική ατμόσφαιρα των καλλιτεχνικών κύκλων του Βερολίνου. Ως παιδί γνώρισε πολλούς ταλαντούχους καλλιτέχνες και μουσικούς που ήρθαν να επισκεφτούν τους γονείς του.

Ο Μέντελσον έκανε την πρώτη του δημόσια εμφάνιση σε ηλικία εννέα ετών και μέχρι τα δεκαέξι του είχε ήδη συνθέσει Οκτάδα χορδών.Ένα χρόνο αργότερα έγραψε μια οβερτούρα στο έργο του Σαίξπηρ Ένα όνειρο σε μια καλοκαιρινή νύχτα.Αλλά δημιούργησε την υπόλοιπη μουσική για αυτήν την κωμωδία μόνο μετά από δεκαεπτά χρόνια (συμπεριλαμβανομένης της διάσημης Μάρτιος γάμου,που τελείται ακόμα συχνά σε γάμους).

Η προσωπική ζωή του Μέντελσον αναπτύχθηκε επίσης με επιτυχία: με τα χρόνια ενός μακροχρόνιου και διαρκούς γάμου, αυτός και η σύζυγός του απέκτησαν πέντε παιδιά.

Εργάστηκε και ταξίδεψε πολύ, συμπεριλαμβανομένης της Σκωτίας, για τους κατοίκους των οποίων μίλησε όχι και πολύ επιδοκιμαστικά:

«... [δεν παράγουν] παρά μόνο ουίσκι, ομίχλη και κακοκαιρία».

Αυτό όμως δεν τον εμπόδισε να γράψει δύο υπέροχα έργα αφιερωμένα στη Σκωτία. Δεκατρία χρόνια μετά το τέλος του πρώτου ταξιδιού Σκωτσέζικη Συμφωνία;η βάση Overtures of the HebridesΣκωτσέζικες μελωδίες ξάπλωσαν. Ο Μέντελσον συνδέθηκε επίσης με τη Μεγάλη Βρετανία από το ορατόριο του Elijah, το οποίο ανέβηκε για πρώτη φορά στο Μπέρμιγχαμ το 1846. Γνώρισε μάλιστα τη βασίλισσα Βικτώρια και έκανε μαθήματα μουσικής στον πρίγκιπα Αλβέρτο.

Ο Μέντελσον πέθανε από εγκεφαλικό σε σχετικά νεαρή ηλικία - στα τριάντα οκτώ. Φυσικά, μπορεί να ειπωθεί ότι δεν γλίτωνε τον εαυτό του και καταπονούσε τον εαυτό του από την υπερβολική δουλειά, αλλά σε μεγάλο βαθμό τον θάνατό του επιτάχυνε ο θάνατος της αγαπημένης του αδερφής Fanny, η οποία ήταν επίσης ταλαντούχα μουσικός.

Μπροστά μας είναι άλλο ένα ρομαντικό μέχρι το μεδούλι των οστών. Εν Φρεντερίκ Σοπένδιακρίθηκε επίσης από μια παθιασμένη αφοσίωση σε ένα όργανο, και αυτό είναι πολύ σπάνιο για τους συνθέτες που αναφέρονται στο βιβλίο μας.

Το να πούμε ότι ο Σοπέν λάτρευε το πιάνο είναι υποτιμητικό. Το θαύμασε, αφιέρωσε όλη του τη ζωή στη σύνθεση συνθέσεων για πιάνο και στη βελτίωση των τεχνικών παιξίματός του. Ήταν σαν να μην υπήρχαν άλλα όργανα γι' αυτόν, εκτός ίσως ως συνοδεία σε ορχηστρικές συνθέσεις.

Ο Σοπέν γεννήθηκε το 1810 στη Βαρσοβία. Ο πατέρας του ήταν Γάλλος εκ γενετής και η μητέρα του Πολωνή. Ο Φρειδερίκος άρχισε να παίζει σε ηλικία επτά ετών και οι πρώτες του συνθέσεις χρονολογούνται την ίδια εποχή. Πρέπει να ειπωθεί ότι του εγγύησηείχε πάντα επίκεντρο το μέλλον.

Στη συνέχεια, ο Σοπέν έγινε διάσημος στο Παρίσι, όπου άρχισε να δίνει μαθήματα μουσικής σε πλούσιους ανθρώπους, χάρη στα οποία ο ίδιος έγινε πλούσιος. Παρακολουθούσε πάντα προσεκτικά την εμφάνισή του και φρόντιζε ότι η γκαρνταρόμπα του ήταν σύμφωνη με την τελευταία λέξη της μόδας.

Ως συνθέτης, ο Σοπέν ήταν μεθοδικός και σχολαστικός. Ποτέ δεν επέτρεψε στον εαυτό του να είναι απρόσεκτος, κάθε έργο τελειοποιήθηκε από τον ίδιο στην εντέλεια. Δεν αποτελεί έκπληξη το γεγονός ότι η σύνθεση μουσικής ήταν μια επίπονη διαδικασία για αυτόν.

Συνολικά, συνέθεσε εκατόν εξήντα εννέα σόλο έργα για πιάνο.

Στο Παρίσι, ο Σοπέν ερωτεύτηκε την Amandine Aurora Lucile Dupin, μια γνωστή Γαλλίδα συγγραφέα με φανταχτερό όνομα, περισσότερο γνωστή με το ψευδώνυμο George Sand. Ήταν ένας αρκετά αξιόλογος άνθρωπος: τη βρίσκαμε συχνά στους δρόμους του Παρισιού να κυκλοφορεί με ανδρικά ρούχα και να καπνίζει πούρα, κάτι που συγκλόνισε το καλοσυνάτο κοινό. Το ειδύλλιο μεταξύ του Σοπέν και του Τζορτζ Σαντ προχώρησε καταιγιστικά και κατέληξε σε ένα οδυνηρό διάλειμμα.

Όπως μερικοί άλλοι συνθέτες της ρομαντικής περιόδου, ο Σοπέν δεν έζησε πολύ - πέθανε από φυματίωση σε ηλικία τριάντα εννέα ετών, λίγο μετά τη ρήξη του με τον Τζορτζ Σαντ.

Ρόμπερτ Σούμαν- ένας άλλος συνθέτης που έζησε μια σύντομη και συναρπαστική ζωή, αν και στην περίπτωσή του όλα ήταν καρυκευμένα με αρκετή τρέλα. Σήμερα είναι γνωστά έργα για πιάνο, τραγούδια και μουσική δωματίου του Schumann.

Ο Schumann ήταν ένας λαμπρός συνθέτης, αλλά κατά τη διάρκεια της ζωής του ήταν στη σκιά της συζύγου του Κλάρα Σούμαν,λαμπρός πιανίστας της εποχής. Ως συνθέτης είναι λιγότερο γνωστή, αν και έγραψε και αρκετά ενδιαφέρουσα μουσική.

Ο ίδιος ο Robert Schumann δεν μπορούσε να παίξει ως πιανίστας λόγω τραυματισμού στο χέρι και του ήταν δύσκολο να ζήσει δίπλα σε μια γυναίκα που έγινε διάσημη σε αυτόν τον τομέα.

Ο συνθέτης έπασχε από σύφιλη και νευρικό κλονισμό. μια φορά μάλιστα προσπάθησε να αυτοκτονήσει πετώντας τον εαυτό του στον Ρήνο. Διασώθηκε και μεταφέρθηκε σε ψυχιατρείο, όπου πέθανε δύο χρόνια αργότερα.

Ο Schumann αντιμετώπισε την τέχνη πραγματιστικά. Είναι γνωστή η ακόλουθη δήλωση:

«Για να συνθέσετε, χρειάζεται απλώς να δημιουργήσετε μια μελωδία που κανείς άλλος δεν έχει σκεφτεί».

Εάν ο Paganini μπορεί να ονομαστεί ο βασιλιάς των βιολονιστών-ερμηνευτών, τότε στους ρομαντικούς πιανίστες αυτός ο τίτλος ανήκει δικαιωματικά Φραντς Λιστ.Ασχολήθηκε επίσης με διδακτικές δραστηριότητες και ακούραστα ερμήνευσε έργα άλλων συνθετών, ιδιαίτερα του Βάγκνερ, για τα οποία θα συζητηθούν αργότερα.

Οι συνθέσεις του Λιστ για πιάνο είναι εξαιρετικά δύσκολο να ερμηνευτούν, αλλά έγραφε σύμφωνα με την τεχνική του, γνωρίζοντας καλά ότι κανείς δεν θα τις έπαιζε καλύτερα από αυτόν.

Επιπλέον, ο Λιστ μετέγραψε στο πιάνο τα έργα άλλων συνθετών: Μπετόβεν, Μπερλιόζ, Ροσίνι και Σούμπερτ. Κάτω από τα δάχτυλά του, απέκτησαν μια παράξενη πρωτοτυπία και άρχισαν να ακούγονται με έναν νέο τρόπο. Λαμβάνοντας υπόψη ότι αρχικά γράφτηκαν για την ορχήστρα, μένει να θαυμάσουμε την ικανότητα του μουσικού, που τα αναπαράγει με εκπληκτική ακρίβεια σε ένα μόνο όργανο.

Ο Λιστ ήταν ένα πραγματικό αστέρι της εποχής του. εκατό χρόνια πριν από την εφεύρεση του ροκ εν ρολ, έζησε μια ζωή αντάξια οποιουδήποτε ροκ μουσικού, συμπεριλαμβανομένων διαφόρων ερωτικών υποθέσεων. Ακόμη και η απόφαση να λάβει ιερές εντολές δεν τον εμπόδισε να ξεκινήσει μια σχέση.

Ο Λιστ έκανε επίσης δημοφιλή παραστάσεις με το πιάνο και την ορχήστρα, ένα είδος που συνεχίζεται μέχρι σήμερα. Του άρεσε να πιάνει τα θαυμαστικά βλέμματα των θαυμαστών και να ακούει τις ενθουσιώδεις κραυγές του κοινού βλέποντας τα δάχτυλά του να πετούν πάνω από τα πλήκτρα. Έτσι γύρισε το πιάνο για να παρακολουθήσει το κοινό το παίξιμο του πιανίστα. Πριν από αυτό, κάθισαν με την πλάτη τους στο κοινό.

Το ευρύ κοινό γνωρίζει Ζορζ Μπιζέως δημιουργός της όπερας Κάρμεναλλά ο κατάλογος που δημοσιεύτηκε στο τέλος του βιβλίου μας περιελάμβανε ένα άλλο έργο του, Au Fond du Temple Saint(γνωστός και ως Ντουέτο Nadir και Zurgi)από την όπερα Αναζητητές μαργαριταριών.Βρίσκεται σταθερά στην κορυφή των charts από τότε που ξεκινήσαμε να συντάσσουμε τη λίστα με τα πιο δημοφιλή τραγούδια μεταξύ των ακροατών Classic FM το 1996.

Ο Bizet είναι άλλο ένα παιδί θαύμα που έδειξε τις εξαιρετικές μουσικές του ικανότητες ως παιδί. Έγραψε την πρώτη του συμφωνία σε ηλικία δεκαεπτά ετών. Είναι αλήθεια ότι πέθανε επίσης νωρίς, σε ηλικία τριάντα έξι ετών, προσθέτοντας στη λίστα με τις ιδιοφυΐες που έφυγαν πρόωρα.

Παρά το ταλέντο του, ο Bizet δεν πέτυχε ποτέ πραγματική αναγνώριση κατά τη διάρκεια της ζωής του. ΛΥΡΙΚΗ ΣΚΗΝΗ αναζητητές μαργαριταριώνανέβηκε με μικτή επιτυχία, και η πρεμιέρα Κάρμενκαι κατέληξε εντελώς σε αποτυχία - το μοντέρνο κοινό εκείνης της εποχής δεν το δέχτηκε. Ευνοείται από κριτικούς και αληθινούς γνώστες της μουσικής Κάρμενκατακτήθηκε μόνο μετά το θάνατο του συνθέτη. Έκτοτε ανέβηκε σε όλα τα κορυφαία θέατρα όπερας του κόσμου.

Εθνικιστές

Εδώ είναι ένας άλλος εξαιρετικά ασαφής ορισμός. Όχι μόνο όλοι οι ρομαντικοί συνθέτες, αλλά και σε κάποιο βαθμό πολλοί εκπρόσωποι της μπαρόκ και της κλασικής περιόδου μπορούν δικαίως να αποκαλούνται «εθνικιστές».

Ωστόσο, σε αυτή την ενότητα θα απαριθμήσουμε δεκατέσσερις κορυφαίους συνθέτες της ρομαντικής περιόδου, τα έργα των οποίων είναι γραμμένα με τέτοιο ύφος που ακόμη και οι ακροατές που δεν είναι πολύ εξοικειωμένοι με την κλασική μουσική μπορούν να πουν από πού προέρχεται αυτός ή εκείνος ο δάσκαλος.

Μερικές φορές αυτοί οι συνθέτες ταξινομούνται ότι ανήκουν σε ένα ή άλλο εθνικό μουσικό σχολείο, αν και αυτή η προσέγγιση δεν είναι απολύτως σωστή.

Συνήθως, όταν χρησιμοποιείται η λέξη «σχολείο», παρουσιάζεται μια τάξη στην οποία τα παιδιά, υπό την καθοδήγηση ενός δασκάλου, εκτελούν την ίδια εργασία.

Αν μιλάμε για συνθέτες, τους ένωνε μια κοινή κατεύθυνση και ο καθένας ακολούθησε το δικό του μονοπάτι, προσπαθώντας να βρει τα δικά του, μοναδικά μέσα μουσικής έκφρασης.

Ρωσικό σχολείο

Εάν η ρωσική κλασική μουσική έχει έναν ιδρυτή, τότε είναι, χωρίς αμφιβολία, Μιχαήλ Ιβάνοβιτς Γκλίνκα.Οι εθνικιστές μουσικοί διακρίνονται ακριβώς από το γεγονός ότι χρησιμοποιούν λαϊκές μελωδίες στα έργα τους. Ο Γκλίνκα μυήθηκε στα ρωσικά τραγούδια από τη γιαγιά του.

Σε αντίθεση με πολλούς άλλους ταλαντούχους συνθέτες που αναφέρονται τόσο συχνά στις σελίδες του βιβλίου μας, ο Γκλίνκα άρχισε να μελετά σοβαρά τη μουσική σε σχετικά αργή ηλικία - στα πρώτα είκοσί του. Αρχικά υπηρέτησε ως υπάλληλος στο Υπουργείο Σιδηροδρόμων.

Όταν ο Γκλίνκα αποφάσισε να αλλάξει καριέρα, πήγε στην Ιταλία, όπου έπαιξε ως πιανίστας. Εκεί ανέπτυξε μια βαθιά αγάπη για την όπερα. Επιστρέφοντας στο σπίτι, συνέθεσε την πρώτη του όπερα Ζωή για τον βασιλιά.Το κοινό τον αναγνώρισε αμέσως ως τον καλύτερο σύγχρονο Ρώσο συνθέτη. Η δεύτερη όπερα του Ruslan και Ludmila,δεν ήταν τόσο επιτυχημένη, αν και άντεξε καλύτερα στη δοκιμασία του χρόνου.

Alexander Porfiryevich Borodinανήκει στους συνθέτες που εκτός από τη μουσική ασχολήθηκαν ενεργά και με άλλες δραστηριότητες. Όσο για τον Borodin, ξεκίνησε την καριέρα του ως επιστήμονας - χημικός. Η πρώτη του σύνθεση ονομαζόταν «On the action of ethyl iodide on hydrobenzamide and amarin» και φυσικά δεν θα την ακούσετε ποτέ στο Classic FM, αφού είναι επιστημονική εργασίαπου δεν έχει καμία σχέση με τη μουσική.

Ο Μποροντίν ήταν νόθος γιος ενός Γεωργιανού πρίγκιπα. Την αγάπη του για τη μουσική και το ενδιαφέρον για την τέχνη γενικότερα την πήρε από τη μητέρα του, κρατώντας τα για μια ζωή.

Λόγω συνεχούς απασχόλησης, κατάφερε να εκδώσει μόνο είκοσι περίπου έργα, τα οποία περιλαμβάνουν συμφωνίες, τραγούδια και μουσική δωματίου.

Μαζί με Mily Balakirev, Nikolai Rimsky-Korsakov, Caesar Cuiκαι Σεμνός ΜουσόργκσκιΟ Borodin ήταν μέλος της μουσικής κοινότητας Mighty Handful. Η επιτυχία όλων αυτών των συνθετών είναι ακόμη πιο αξιοσημείωτη στο ότι όλοι είχαν και άλλες αναζητήσεις εκτός από τη μουσική.

Σε αυτό διαφέρουν σαφώς από τους περισσότερους άλλους συνθέτες που αναφέρονται σε αυτό το βιβλίο.

Το πιο δημοφιλές έργο του Borodin - Πολοβτσιανοί χοροίαπό την όπερά του Πρίγκιπας Ιγκόρ.Να αναφέρουμε ότι ο ίδιος δεν το ολοκλήρωσε ποτέ (αν και το δούλεψε δεκαεπτά χρόνια). Την όπερα ολοκλήρωσε ο φίλος του Rimsky - Korsakov, για τον οποίο θα μιλήσουμε αναλυτικότερα αργότερα.

Σύμφωνα με τη γνώμη μας, Σεμνός Πέτροβιτς Μουσόργκσκιήταν ο πιο εφευρετικός και επιδραστικός από τους συνθέτες του "Mighty Handful", αν και αυτός, ως ασυνήθιστο άτομο, δεν ξέφυγε από ένα ή δύο κακίες που ενυπάρχουν σε πολλούς εκπροσώπους δημιουργικών επαγγελμάτων.

Φεύγοντας από το στρατό, ο Mussorgsky έπιασε δουλειά στη δημόσια υπηρεσία. Στα νιάτα του λάτρευε, όπως λένε, να κάνει βόλτα, τον διέκρινε εντυπωσιασμός και προς το τέλος της ζωής του έπαθε αλκοολισμό. Για το λόγο αυτό, συχνά απεικονίζεται με ανακατωμένα μαλλιά και αφύσικα κόκκινη μύτη.

Ο Mussorgsky συχνά δεν ολοκλήρωσε τα έργα του και οι φίλοι του το έκαναν γι 'αυτόν - μερικές φορές όχι με τον τρόπο που ήθελε, έτσι τώρα δεν είμαστε σίγουροι ποια ήταν η αρχική πρόθεση του συγγραφέα. Ενορχήστρωση της όπερας Μπόρις Γκοντούνοφανακατασκευάστηκε ο Rimsky-Korsakov, καθώς και η περίφημη "μουσική εικόνα" Νύχτα στο Φαλακρό Βουνό(χρησιμοποιείται στην ταινία της Disney Φαντασία).Ενορχήστρωση σε Εικόνες από την έκθεσηέγραψε ο Maurice Ravel, και σε αυτή την έκδοση είναι γνωστοί στην εποχή μας.

Αν και ο Μουσόργκσκι καταγόταν από πλούσια οικογένειακαι διέθετε μεγάλο ταλέντο ως πιανίστας και συνθέτης, πέθανε σε ηλικία μόλις σαράντα δύο ετών από αλκοολισμό.

Γονείς Νικολάι Ρίμσκι-Κόρσακοφονειρευόντουσαν τον γιο τους να υπηρετεί στο ναυτικό και ανταποκρίθηκε στις προσδοκίες τους. Όμως, έχοντας υπηρετήσει για αρκετά χρόνια στο Πολεμικό Ναυτικό και έκανε πολλά θαλάσσια ταξίδια, έγινε συνθέτης και δάσκαλος μουσικής, κάτι που αναμφίβολα αποτέλεσε έκπληξη για την οικογένειά του. Για να πούμε την αλήθεια, ο Ρίμσκι-Κόρσακοφ πάντα ενδιαφερόταν για τη μουσική, και μάλιστα άρχισε να συνθέτει Συμφωνία Νο. 1,όταν το πλοίο του ήταν αγκυροβολημένο στη βιομηχανική περιοχή του Gravesend στις εκβολές του Τάμεση. Αυτό είναι ίσως ένα από τα λιγότερο ρομαντικά μέρη για να συνθέσετε τη μουσική που αναφέρεται σε αυτό το βιβλίο.

Εκτός από το γεγονός ότι ο Rimsky-Korsakov ολοκλήρωσε και αναθεώρησε μερικές από τις συνθέσεις του Mussorgsky, ο ίδιος δημιούργησε δεκαπέντε όπερες με θέματα από τη ρωσική ζωή, αν και η επιρροή των εξωτικών χωρών είναι επίσης αισθητή στα έργα του. Για παράδειγμα, Σεχεραζάντβασισμένο στην ιστορία από τις Χίλιες και μία νύχτες.

Ο Rimsky-Korsakov ήταν ιδιαίτερα καλός στο να δείχνει την ομορφιά του ήχου ολόκληρης της ορχήστρας. Έδωσε μεγάλη προσοχή σε αυτό στη διδασκαλία του και έτσι επηρέασε πολλούς Ρώσους συνθέτες που εργάστηκαν μετά από αυτόν, ιδιαίτερα τον Στραβίνσκι.

Πίτερ Ίλιτς Τσαϊκόφσκιχρησιμοποίησε επίσης ρωσικές λαϊκές μελωδίες στις συνθέσεις του, αλλά, σε αντίθεση με άλλους Ρώσους εθνικούς συνθέτες, τις επεξεργάστηκε με τον δικό του τρόπο, όπως, πράγματι, η μουσική κληρονομιά όλης της Ευρώπης.

Η προσωπική ζωή του Τσαϊκόφσκι, τυλιγμένη σε διάφορα μυστικά (υπήρχαν ευρέως διαδεδομένες φήμες για τις ομοφυλοφιλικές του τάσεις), δεν ήταν εύκολη. Ο ίδιος είπε κάποτε:

«Θα ήταν πραγματικά κάτι για να τρελαθώ αν δεν υπήρχε η μουσική!»

Ως παιδί, ήταν εντυπωσιακός, και ως ενήλικας, ήταν επιρρεπής σε κρίσεις μελαγχολίας, ακόμη και κατάθλιψης. Πάνω από μία φορά είχε σκέψεις αυτοκτονίας. Στα νιάτα του, σπούδασε νομικά και εργάστηκε για λίγο στο Υπουργείο Δικαιοσύνης, αλλά σύντομα εγκατέλειψε την υπηρεσία για να αφοσιωθεί ολοκληρωτικά στη μουσική. Σε ηλικία τριάντα επτά ετών, παντρεύτηκε απροσδόκητα, αλλά ο γάμος του έγινε πραγματικό μαρτύριο τόσο για τον ίδιο όσο και για τη γυναίκα του. Τελικά η σύζυγός του κατέληξε στο ψυχιατρείο, όπου και πέθανε. Ο ίδιος ο Τσαϊκόφσκι υπέφερε επίσης για μεγάλο χρονικό διάστημα από έναν χωρισμό που συνέβη μόλις δύο μήνες μετά τον γάμο.

Τα πρώτα έργα του Τσαϊκόφσκι δεν αναγνωρίστηκαν από το ευρύ κοινό και αυτό του προκάλεσε πολλά βάσανα. Περιέργως, πολλά από αυτά τα έργα, συμπεριλαμβανομένων Κοντσέρτο για βιολί και ορχήστρακαι Κοντσέρτο για πιάνο Νο. 1, σεείναι σήμερα πολύ δημοφιλή. Εγγραφή Κοντσέρτο για πιάνο Νο. 1γενικά έγινε η πρώτη ηχογράφηση κλασικής μουσικής που έλαβε το καθεστώς του "Χρυσού Δίσκου" για την πώληση ενός εκατομμυρίου αντιτύπων.

Ο Τσαϊκόφσκι έγραψε δέκα όπερες, μεταξύ των οποίων Ευγένιος Ονέγκιν,και μουσική για μπαλέτα όπως Καρυοθραύστης, Ωραία Κοιμωμένηκαι Λίμνη των κύκνων.Ακούγοντας αυτή τη μουσική, αντιλαμβάνεσαι αμέσως όλο το μεγαλείο του ταλέντου του Τσαϊκόφσκι, ο οποίος μπόρεσε να δημιουργήσει μια εξαιρετικά αρμονική και συναρπαστική μελωδία. Τα μπαλέτα του ανεβαίνουν ακόμα συχνά σε παγκόσμιες σκηνές και προκαλούν διαρκή θαυμασμό στο κοινό. Για τον ίδιο λόγο, μουσικές φράσεις από τις συμφωνίες και τα κοντσέρτα του είναι γνωστές ακόμα και σε όσους δεν γνωρίζουν την κλασική μουσική.

Για χρόνια, ο Τσαϊκόφσκι απολάμβανε την εύνοια μιας πλούσιας χήρας ονόματι Nadezhda von Meck, η οποία του έστελνε μεγάλα χρηματικά ποσά με την προϋπόθεση ότι δεν θα συναντηθούν ποτέ από κοντά. Είναι πιθανό σε μια προσωπική συνάντηση να μην αναγνώριζαν ο ένας τον άλλον.

Οι συνθήκες του θανάτου του συνθέτη δεν είναι ακόμη απολύτως σαφείς. Σύμφωνα με το επίσημο συμπέρασμα, ο Τσαϊκόφσκι πέθανε από χολέρα: ήπιε νερό μολυσμένο από τον ιό. Υπάρχει όμως μια εκδοχή σύμφωνα με την οποία ο ίδιος αυτοκτόνησε, φοβούμενος ότι θα δημοσιοποιηθούν οι ομοφυλοφιλικές του σχέσεις.

Τσεχικό σχολείο

Αν ο Γκλίνκα θεωρείται ο πατέρας της ρωσικής κλασικής μουσικής, τότε τον ίδιο ρόλο παίζει και στην τσέχικη κλασική μουσική Bedrich Smetana.

Η Smetana εμπνεόταν πάντα από την τσέχικη λαϊκή κουλτούρα και τη φύση της πατρίδας της. Αυτό γίνεται ιδιαίτερα αισθητό στον κύκλο συμφωνικών ποιημάτων του. Πατρίδα μου,που ο Σμέτανα χρειάστηκε οκτώ χρόνια για να γράψει.

Επί του παρόντος, το πιο δημοφιλές έργο αυτού του κύκλου είναι Μολδάβα,αφιερωμένο σε έναν από τους μεγαλύτερους ποταμούς της Τσεχίας που διαρρέουν την Πράγα.

Προς το τέλος της ζωής του, ο Bedřich Smetana αρρώστησε βαριά (πιθανώς με σύφιλη), κωφεύτηκε και έχασε το μυαλό του. Πέθανε σε ηλικία εξήντα ετών.

Η μουσική του επηρέασε τον επόμενο συνθέτη στη λίστα μας, τον Antonín Dvořák, του οποίου οι συνθέσεις αναγνωρίζονται πολύ πέρα ​​από την Τσεχική Δημοκρατία.

Antonin Dvorakήταν ένας πραγματικός εθνικός ήρωας της Τσεχίας που αγαπούσε με πάθος την πατρίδα του. Οι συμπατριώτες του του ανταπέδωσαν και τον λάτρεψαν.

Τα έργα του Ντβόρζακ προωθήθηκαν ευρέως από τον Μπραμς (που θα συζητηθεί λίγο αργότερα). Σταδιακά, το όνομα του Ντβόρζακ αναγνωρίστηκε σε όλο τον κόσμο. Έτσι, για παράδειγμα, απέκτησε θαυμαστές στην Αγγλία, όπου εμφανίστηκε μετά από πρόσκληση της Βασιλικής Φιλαρμονικής Εταιρείας, καθώς και σε φεστιβάλ στο Μπέρμιγχαμ και στο Λιντς.

Μετά από αυτό, ο Ντβόρζακ αποφάσισε να πάει στις Ηνωμένες Πολιτείες, όπου τη δεκαετία του 1890 του προσφέρθηκε η θέση του μαέστρου του Εθνικού Ωδείου της Νέας Υόρκης, την οποία κράτησε για τρία χρόνια. Ο Ντβόρζακ νοσταλγούσε πολύ την πατρίδα του, αλλά δεν έπαψε να ενδιαφέρεται για την τοπική μουσική. Οι εντυπώσεις της αποτυπώνονται στα δικά του Συμφωνίες Νο. 9,ονομάστηκε Από τον Νέο Κόσμο.

Τελικά, ο Dvorak αποφάσισε να επιστρέψει στο σπίτι και πέρασε τα τελευταία χρόνια της ζωής του στην Πράγα, διδάσκοντας.

Εκτός από τη μουσική, ο Ντβόρζακ ενδιαφερόταν για τα τρένα και τα πλοία και αυτό ήταν το πάθος του που, προφανώς, συνέβαλε στη συμφωνία του να επισκεφθεί τις Ηνωμένες Πολιτείες, αν και η μεγάλη αμοιβή που του προσφέρθηκε θα μπορούσε επίσης να παίξει καθοριστικό ρόλο.

δ Σε εκπροσώπους της εθνικής Τσεχίας Μουσική Σχολήισχύουν επίσης Josef Suk, Leos Janacekκαι Μπόγκουσλαβ Μάρτιν.

Σκανδιναβικό σχολείο

Νορβηγός Έντουαρντ Γκριγκανήκει στον κύκλο των συνθετών που αγάπησαν με πάθος την πατρίδα τους. Και η μητέρα πατρίδα του ανταποκρίθηκε. Στη Νορβηγία, οι συνθέσεις του εξακολουθούν να είναι εξαιρετικά δημοφιλείς. Αλλά όλα θα μπορούσαν να είχαν εξελιχθεί διαφορετικά, καθώς η οικογένεια Grieg ήταν στην πραγματικότητα σκωτσέζικης καταγωγής - ο προ-προπάππους του μετανάστευσε στη Σκανδιναβία μετά την ήττα στη μάχη με τους Βρετανούς στο Culloden.

Το καλύτερο από όλα, ο Grieg έβγαλε έργα μικρών ειδών, όπως π.χ Λυρικά παίζειγια πιάνο. Η πιο διάσημη συναυλία του όμως είναι Συναυλία πιάνου,με μια εντυπωσιακή εισαγωγή, στην οποία οι ήχοι του πιάνου μοιάζουν να πέφτουν βροχή κάτω από το τρεμόλο του timpani.

δ Εκπρόσωποι της Σκανδιναβικής εθνικής μουσικής σχολής περιλαμβάνουν επίσης Καρλ Νίλσενκαι Γιόχαν Σβέντσεν.

Παρά το γεγονός ότι η κλασική μουσική γράφτηκε και στην Ισπανία τον 19ο αιώνα, δεν ζούσαν πολλοί συνθέτες εκεί που απέκτησαν παγκόσμια φήμη. Μία από τις εξαιρέσεις είναι Isaac Albeniz,στα νιάτα του δεν διακρινόταν από συγκαταβατική διάθεση.

Λένε ότι ο Albeniz έμαθε να παίζει πιάνο σε ηλικία ενός έτους. Τρία χρόνια αργότερα, εμφανίστηκε δημόσια και σε ηλικία οκτώ ετών άρχισε να κάνει περιοδείες. Σε ηλικία δεκαπέντε ετών κατάφερε να επισκεφτεί την Αργεντινή, την Κούβα, τις ΗΠΑ και την Αγγλία.

Ο Albeniz ήταν ιδιαίτερα επιτυχημένος στον αυτοσχεδιασμό: μπορούσε να βρει κάποιο είδος μελωδίας εν κινήσει και να το χτυπήσει αμέσως σε πολλές εκδοχές. Επέδειξε επίσης τα θαύματα της κυριαρχίας του οργάνου - έπαιζε, στεκόμενος με την πλάτη του προς το μέρος του. Κλείνοντας, ντυνόταν κάθε φορά σωματοφύλακας, προσθέτοντας το θέαμα των εμφανίσεών του.

Στην ενηλικίωση, ησύχασε λίγο και κατέπληξε το κοινό όχι πια με την εξωφρενική συμπεριφορά του, αλλά με τις συνθέσεις του. Είναι ιδιαίτερα διάσημος για τον κύκλο των κομματιών του για πιάνο. Ιβηρία.Χάρη στην επιτυχία του, αυτός ο συνθέτης έβγαλε την Ισπανία από τη σκιά και τράβηξε την προσοχή της παγκόσμιας μουσικής κοινότητας σε αυτήν.

Ο d Albéniz είχε μεγάλη επιρροή σε πολλούς άλλους συνθέτες της εθνικής σχολής της Ισπανίας, μεταξύ των οποίων Pablo de Sarasate, Enrique Granados, Manuel de Fallaκαι Heitora Villa - Lobosa(που ήταν Βραζιλιάνος).

Αγγλική Σχολή

Άρθουρ Σάλιβανπολύ γνωστό σήμερα. Όμως η ιστορία δεν τον αντιμετώπισε δίκαια, γιατί σήμερα δεν θυμούνται τα καλύτερα έργα του. Στη δεκαετία του 1870 άρχισε να συνεργάζεται με τον ποιητή και λιμπρετίστα W. S. Gilbert. Μαζί έγραψαν πολλές κωμικές οπερέτες: Δίκη από την κριτική επιτροπή, οι πειρατές του Penzance, η φρεγάτα της μεγαλειότητας Pinafore, η πριγκίπισσα Ida, ο Mikado, ο Yeoman the Guardάλλα.

Παρά την τεράστια επιτυχία της κοινής τους δουλειάς, οι δύο συγγραφείς δεν τα πήγαιναν πολύ καλά μεταξύ τους και στο τέλος μετά από βίαιους καυγάδες σταμάτησαν τελείως να επικοινωνούν. Αυτοί οι καβγάδες όμως ήταν άδειοι.

Έτσι, για παράδειγμα, ένα από αυτά αφορούσε ένα νέο χαλί στο Savoy Theatre του Λονδίνου, όπου συνήθως ανέβαιναν οι οπερέτες τους.

Ο Sullivan ονειρευόταν να γίνει διάσημος ως σοβαρός συνθέτης, αλλά μέχρι τώρα τα έργα του, που δεν ανήκουν στο είδος της οπερέτας, έχουν ξεχαστεί.

Ωστόσο, έγραψε μια όπερα Ivanhoeαρκετά ενδιαφέρον Συμφωνία σε μι ελάσσονακαι ύμνος «Εμπρός στρατός του Χριστού!- ίσως το πιο συχνά εκτελούμενο έργο του.

δ Εκπρόσωποι της Αγγλικής Εθνικής Μουσικής Σχολής περιλαμβάνουν επίσης Arnold Bucks, Hubert Parry, Samuel Coleridge-Taylor, Charles Villiers Stanfordκαι Τζορτζ Μπάτεργουορθ.

γαλλικό σχολείο

Το γαλλικό ανάλογο των οπερετών Gilbert και Sullivan μπορεί να ονομαστεί έργα Ζακ Όφενμπαχ,ένας άνθρωπος που είχε σίγουρα αίσθηση του χιούμορ. Γεννήθηκε στην Κολωνία και ως εκ τούτου μερικές φορές υπέγραφε ως «Ο. από την Κολωνία» (το «O. de Cologne» ακούγεται σαν «κολόνια»).

Το 1858, ο Όφενμπαχ κατέπληξε τους Παριζιάνους κανκάναπό μια οπερέτα Ο Ορφέας στην κόλαση; σε ένα εκλεπτυσμένο κοινό, τέτοιοι χοροί του απλού λαού φαίνονταν άγριοι και άσεμνοι, ωστόσο, η ίδια η οπερέτα θεωρήθηκε σκανδαλώδης.

Παρεμπιπτόντως, αν αυτό το όνομα σας φαίνεται γνωστό, αξίζει να θυμάστε ότι οι Peri, Monteverdi και Gluck έγραψαν μουσική για τον μύθο του Ορφέα σε προηγούμενους αιώνες. Η εκδοχή του Όφενμπαχ ήταν σατιρική, προοριζόταν για ψυχαγωγία και ως εκ τούτου περιλάμβανε πολύ επιπόλαιες σκηνές. Ωστόσο, παρά την πρώτη εντύπωση, το κοινό τελικά ερωτεύτηκε την οπερέτα, έτσι ώστε ο ίδιος ο Offenbach δεν είχε σχεδόν κανένα λόγο να μετανιώσει για όσα είχε γράψει.

Η σοβαρή όπερα είναι γνωστή μεταξύ άλλων έργων του. Ιστορίες του Χόφμανστο οποίο ακούγεται Βαρκαρόλα.

Λέο Ντελιμπέςδεν ήταν λιγότερο σημαντικός συνθέτης από τον Offenbach, αν και τώρα μόνο μία από τις όπερες του θυμόμαστε κυρίως - Λάκμε,στην οποία η περίφημη δίδυμο λουλουδιών,χρησιμοποιείται σε πολλές τηλεοπτικές προφυλάξεις και διαφημίσεις.

Μεταξύ των γνωστών του Ντελιμπές ήταν σπουδαίοι μουσικοί όπως ο Μπερλιόζ και ο Μπιζέ, με τους οποίους συνεργάστηκε ως διευθυντής της χορωδίας του Λυρικού Θεάτρου στο Παρίσι.

δ Εκπρόσωποι της γαλλικής εθνικής μουσικής σχολής περιλαμβάνουν επίσης Alexis - Emmanuel Chabrier, Charles Marie Widor, Joseph Kante - Lubκαι Jules Massenet,ΛΥΡΙΚΗ ΣΚΗΝΗ Ταϊλανδοίπου, συμπεριλαμβανομένου του ιντερμέτζο Αντανακλάσεις (Διαλογισμός),δημοφιλής σε πολλούς σύγχρονους βιολιστές.

Βιεννέζικη Σχολή Βαλς

Οι δύο τελευταίοι εθνικοί μας συνθέτες - ο ρομαντικός - είναι πατέρας και γιος, αν και η διαφορά ηλικίας μεταξύ τους (είκοσι ένα χρόνια) δεν είναι τόσο μεγάλη για την ιστορία. Johann Strauss Seniorθεωρείται ο «πατέρας του βαλς». Ήταν εξαιρετικός βιολονίστας και ηγήθηκε μιας ορχήστρας που έπαιζε σε όλη την Ευρώπη και έλαβε αρκετά χρήματα για αυτό.

Παρόλα αυτά, ο τίτλος του «βασιλιά του βαλς» ανήκει δικαιωματικά στον γιο του, ο οποίος ονομαζόταν και Γιόχαν Στράους. Ο πατέρας του δεν ήθελε να γίνει βιολιστής, αλλά ο νεότερος Johann αφιέρωσε τη ζωή του στη μουσική ούτως ή άλλως και οργάνωσε τη δική του ορχήστρα, η οποία συναγωνιζόταν την ορχήστρα του πατέρα του. Ο νεότερος Στράους είχε καλή επιχειρηματική οξυδέρκεια, χάρη στην οποία κατάφερε να ενισχύσει την οικονομική του θέση.

Σύνολο Johann Strauss - γιοςέγραψε εκατόν εξήντα οκτώ βαλς, συμπεριλαμβανομένων των πιο δημοφιλών από αυτά - Στον πανέμορφο γαλάζιο Δούναβη.Στο τέλος, έξι ορχήστρες πήραν το όνομά τους από τον Στράους, εκ των οποίων η μία είχε επικεφαλής τον αδερφό του Γιόχαν, τον νεότερο Τζόζεφ, και την άλλη από τον άλλο αδελφό του, Έντουαρντ (η καθεμία από αυτές συνέθεσε περίπου τριακόσιες συνθέσεις).

Τα βαλς και οι πόλκες του Johann ήταν πραγματικές επιτυχίες στα βιεννέζικα καφενεία και το ανάλαφρο και ζωηρό στυλ του έγινε το πρότυπο της χορευτικής μουσικής σε όλη την Ευρώπη.

Ορισμένοι λάτρεις της κλασικής μουσικής εξακολουθούν να θεωρούν τις συνθέσεις του Strauss πολύ χυδαίο και επιπόλαιο. Μην τους πιστέψετε και μην υποκύψετε στις προκλήσεις τους! Αυτή η οικογένεια μπόρεσε να γράψει πραγματικά σπουδαία έργα, ξεσηκωτικά και αξέχαστα για πολύ καιρό αμέσως μετά την πρώτη ακρόαση.

Ύστεροι Ρομαντικοί

Πολλοί από τους συνθέτες αυτής της περιόδου συνέχισαν να γράφουν μουσική μέχρι τον 20ο αιώνα. Ωστόσο, μιλάμε γι' αυτούς εδώ, και όχι στο επόμενο κεφάλαιο, για τον λόγο ότι ήταν ακριβώς το πνεύμα του ρομαντισμού που ήταν έντονο στη μουσική τους.

Ας σημειωθεί ότι κάποιοι από αυτούς διατηρούσαν στενούς δεσμούς και μάλιστα φιλίες με τους συνθέτες που αναφέρονται στις υποενότητες «Πρώτοι Ρομαντικοί» και «Εθνικιστές».

Επιπλέον, πρέπει να ληφθεί υπόψη ότι κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου σε διάφορες ευρωπαϊκές χώρες υπήρχαν τόσοι πολλοί εξαιρετικοί συνθέτες που οποιαδήποτε διαίρεση τους σύμφωνα με οποιαδήποτε αρχή θα ήταν εντελώς αυθαίρετη. Αν σε διάφορες λογοτεχνίες αφιερωμένες στην κλασική περίοδο και την περίοδο του μπαρόκ αναφέρονται περίπου τα ίδια χρονικά πλαίσια, τότε η ρομαντική περίοδος ορίζεται διαφορετικά παντού. Φαίνεται ότι τα όρια μεταξύ του τέλους της ρομαντικής περιόδου και των αρχών του 20ου αιώνα στη μουσική είναι πολύ ασαφή.

Ο κορυφαίος συνθέτης της Ιταλίας του 19ου αιώνα ήταν αναμφίβολα Τζουζέπε Βέρντι.Αυτός ο άντρας με το πυκνό μουστάκι και τα φρύδια, που μας κοιτούσε με μάτια που γυαλίζουν, στάθηκε με το κεφάλι και τους ώμους πάνω από όλους τους άλλους συνθέτες όπερας.

Όλες οι συνθέσεις του Βέρντι ξεχειλίζουν κυριολεκτικά από φωτεινές, αξέχαστες μελωδίες. Συνολικά έγραψε είκοσι έξι όπερες, οι περισσότερες από τις οποίες ανεβαίνουν τακτικά μέχρι σήμερα. Ανάμεσά τους είναι τα πιο διάσημα και πιο σημαντικά έργα της οπερατικής τέχνης όλων των εποχών.

Η μουσική του Βέρντι εκτιμήθηκε ιδιαίτερα ακόμη και κατά τη διάρκεια της ζωής του συνθέτη. στην πρεμιέρα άδηςΤο κοινό χειροκροτούσε τόσο πολύ που οι καλλιτέχνες έπρεπε να υποκλιθούν έως και τριάντα δύο φορές.

Ο Βέρντι ήταν πλούσιος, αλλά τα χρήματα δεν μπορούσαν να σώσουν και τις δύο συζύγους και τα δύο παιδιά του συνθέτη από τον πρόωρο θάνατο, οπότε υπήρξαν τραγικές στιγμές στη ζωή του. Κληροδότησε την περιουσία του σε ένα καταφύγιο για παλιούς μουσικούς που χτίστηκε υπό τη διεύθυνση του στο Μιλάνο. Ο ίδιος ο Βέρντι θεωρούσε το μεγαλύτερο επίτευγμά του τη δημιουργία καταφυγίου και όχι μουσικής.

Παρά το γεγονός ότι το όνομα του Βέρντι συνδέεται κυρίως με όπερες, μιλώντας γι 'αυτόν, είναι αδύνατο να μην αναφέρουμε Μνημόσυνο,που θεωρείται ένα από τα ωραιότερα δείγματα χορωδιακής μουσικής. Είναι γεμάτο δράμα και μερικά χαρακτηριστικά της όπερας ξεφεύγουν από μέσα του.

Ο επόμενος συνθέτης μας δεν είναι σε καμία περίπτωση ο πιο γοητευτικός άνθρωπος. Σε γενικές γραμμές, αυτή είναι η πιο σκανδαλώδης και αμφιλεγόμενη φιγούρα από όλα όσα αναφέρονται στο βιβλίο μας. Αν έπρεπε να φτιάξουμε μια λίστα με βάση μόνο τα χαρακτηριστικά της προσωπικότητας, τότε Ρίτσαρντ Βάγκνερδεν θα το χτυπούσε ποτέ. Ωστόσο, καθοδηγούμαστε αποκλειστικά από μουσικά κριτήρια και η ιστορία της κλασικής μουσικής είναι αδιανόητη χωρίς αυτόν τον άνθρωπο.

Το ταλέντο του Βάγκνερ είναι αναμφισβήτητο. Από - κάτω από την πένα του βγήκαν μερικές από τις πιο σημαντικές και εντυπωσιακές μουσικές συνθέσεις ολόκληρης της περιόδου του ρομαντισμού - ειδικά για την όπερα. Ταυτόχρονα, φέρεται ως αντισημίτης, ρατσιστής, γραφειοκρατικός, ο τελευταίος απατεώνας, ακόμη και ένας κλέφτης που δεν διστάζει να πάρει ό,τι χρειάζεται, και αγενείς ανθρώπους χωρίς τύψεις. Ο Βάγκνερ είχε υπερβολική αυτοεκτίμηση και πίστευε ότι η ιδιοφυΐα του τον εξύψωνε πάνω από όλους τους άλλους ανθρώπους.

Ο Βάγκνερ θυμάται για τις όπερες του. Αυτός ο συνθέτης ανέβασε τη γερμανική όπερα σε ένα εντελώς νέο επίπεδο, και παρόλο που γεννήθηκε την ίδια εποχή με τον Βέρντι, η μουσική του ήταν πολύ διαφορετική από τις ιταλικές συνθέσεις εκείνης της περιόδου.

Μια από τις καινοτομίες του Βάγκνερ ήταν ότι σε κάθε κύριο χαρακτήρα δόθηκε το δικό του μουσικό θέμα, το οποίο επαναλαμβανόταν κάθε φορά που άρχιζε να παίζει σημαντικό ρόλο στη σκηνή.

Σήμερα φαίνεται αυτονόητο, αλλά εκείνη την εποχή αυτή η ιδέα έκανε μια πραγματική επανάσταση.

Το μεγαλύτερο επίτευγμα του Βάγκνερ ήταν ο κύκλος Δαχτυλίδι του Νιμπελούνγκ,που αποτελείται από τέσσερις όπερες: Rhine Gold, Valkyrie, Siegfriedκαι Θάνατος θεών.Συνήθως τοποθετούνται τέσσερις νύχτες στη σειρά, και συνολικά διαρκούν περίπου δεκαπέντε ώρες. Αυτές οι όπερες και μόνο θα ήταν αρκετές για να δοξάσουν τον συνθέτη τους. Παρά την ασάφεια του Βάγκνερ ως ανθρώπου, πρέπει να αναγνωριστεί ότι ήταν ένας εξαιρετικός συνθέτης.

Ένα χαρακτηριστικό γνώρισμα των όπερων του Βάγκνερ είναι η διάρκειά τους. Η τελευταία του όπερα παρσιφάλδιαρκεί πάνω από τέσσερις ώρες.

Ο μαέστρος Ντέιβιντ Ράντολφ είπε κάποτε γι' αυτήν:

«Αυτό είναι το είδος της όπερας που ξεκινά στις έξι, και όταν κοιτάς το ρολόι χειρός σου μετά από τρεις ώρες, αποδεικνύεται ότι δείχνει 6:20».

Μια ζωή Άντον ΜπρούκνερΩς συνθέτης, αυτό είναι ένα μάθημα για το πώς να μην τα παρατάς και να επιμένεις μόνος σου. Έκανε δώδεκα ώρες την ημέρα, αφιέρωνε όλο τον χρόνο του στη δουλειά (ήταν οργανίστας) και έμαθε πολλά στη μουσική μόνος του, έχοντας τελειώσει τις δεξιότητες γραφής με αλληλογραφία σε αρκετά ώριμη ηλικία - στα τριάντα επτά.

Σήμερα θυμούνται συχνότερα τις συμφωνίες του Μπρούκνερ, από τις οποίες έγραψε συνολικά εννέα κομμάτια. Κατά καιρούς τον έπιασαν αμφιβολίες για τη βιωσιμότητά του ως μουσικός, αλλά και πάλι πέτυχε την αναγνώριση, αν και προς το τέλος της ζωής του. Μετά την εκτέλεση του Συμφωνίες Νο. 1Οι κριτικοί τελικά επαίνεσαν τον συνθέτη, ο οποίος τότε είχε ήδη γίνει σαράντα τεσσάρων ετών.

Γιοχάνες Μπραμςόχι ένας από εκείνους τους συνθέτες που γεννήθηκε, ας πούμε, με ένα ασημένιο ραβδί στο χέρι. Μέχρι τη στιγμή της γέννησής του, η οικογένεια είχε χάσει τον προηγούμενο πλούτο της και μετά βίας τα κατάφερε. Ως έφηβος, έβγαζε τα προς το ζην παίζοντας στους οίκους ανοχής της πόλης του Αμβούργου. Όταν ο Μπραμς ενηλικιώθηκε, αναμφίβολα γνώρισε τις πιο ελκυστικές πλευρές της ζωής.

Η μουσική του Μπραμς προωθήθηκε από τον φίλο του, Ρόμπερτ Σούμαν. Μετά τον θάνατο του Σούμαν, ο Μπραμς ήρθε κοντά στην Κλάρα Σούμαν και τελικά την ερωτεύτηκε. Δεν είναι γνωστό ακριβώς τι είδους σχέση είχαν, αν και το συναίσθημα για αυτήν πιθανότατα έπαιξε κάποιο ρόλο στις σχέσεις του με άλλες γυναίκες - δεν έδωσε την καρδιά του σε καμία από αυτές.

Ως άνθρωπος, ο Μπραμς ήταν μάλλον ασυγκράτητος και οξύθυμος, αλλά οι φίλοι του ισχυρίστηκαν ότι υπήρχε απαλότητα μέσα του, αν και δεν το έδειχνε πάντα στους γύρω του. Μια μέρα, επιστρέφοντας σπίτι από ένα πάρτι, είπε:

«Αν δεν έχω προσβάλει κανέναν, ζητώ τη συγχώρεση του».

Ο Μπραμς δεν θα κέρδιζε τον διαγωνισμό για τον πιο μοντέρνο και κομψά ντυμένο συνθέτη. Δεν του άρεσε τρομερά να αγοράζει καινούργια ρούχα και συχνά φορούσε το ίδιο φαρδύ, μπαλωμένο παντελόνι, σχεδόν πάντα πολύ κοντό για εκείνον. Κατά τη διάρκεια μιας παράστασης, το παντελόνι του κόντεψε να πέσει. Σε άλλη περίπτωση έπρεπε να βγάλει τη γραβάτα του και να τη χρησιμοποιήσει αντί για ζώνη.

Το μουσικό στυλ του Μπραμς επηρεάστηκε σε μεγάλο βαθμό από τον Χάυντν, τον Μότσαρτ και τον Μπετόβεν, και ορισμένοι ιστορικοί της μουσικής ισχυρίζονται μάλιστα ότι έγραψε στο πνεύμα του κλασικισμού, εκείνη την εποχή ήδη εκτός μόδας. Ταυτόχρονα, έχει και αρκετές νέες ιδέες. Είχε ιδιαίτερη επιτυχία στην ανάπτυξη μικρών μουσικών κομματιών και στην επανάληψη τους σε όλο το έργο - αυτό που οι συνθέτες αποκαλούν «επαναλαμβανόμενο μοτίβο».

Ο Όπερα Μπραμς δεν έγραφε, αλλά προσπάθησε σε όλα σχεδόν τα άλλα είδη κλασικής μουσικής. Ως εκ τούτου, μπορεί να χαρακτηριστεί ένας από τους μεγαλύτερους συνθέτες που αναφέρονται στο βιβλίο μας, ένας πραγματικός γίγαντας της κλασικής μουσικής. Ο ίδιος είπε για τη δουλειά του:

«Δεν είναι δύσκολο να συνθέσετε, αλλά είναι εκπληκτικά δύσκολο να ρίξετε επιπλέον νότες κάτω από το τραπέζι».

Μαξ Μπρουχγεννήθηκε μόλις πέντε χρόνια μετά τον Μπραμς, και ο τελευταίος σίγουρα θα τον είχε επισκιάσει, αν όχι για ένα έργο, Κοντσέρτο για βιολί Νο. 1.

Ο ίδιος ο Bruch αναγνώρισε αυτό το γεγονός, δηλώνοντας με σεμνότητα ασυνήθιστη για πολλούς συνθέτες:

«Πενήντα χρόνια από τώρα, ο Μπραμς θα αποκαλείται ένας από τους μεγαλύτερους συνθέτες όλων των εποχών και θα με θυμούνται επειδή έγραψα το Κοντσέρτο για βιολί σε Σολ ελάσσονα».

Και αποδείχθηκε ότι είχε δίκιο. Είναι αλήθεια ότι ο ίδιος ο Brujah έχει κάτι να θυμάται! Συνέθεσε πολλά άλλα έργα - περίπου διακόσια συνολικά - έχει ιδιαίτερα πολλά έργα για χορωδία και όπερες, που σπάνια ανεβαίνουν αυτές τις μέρες. Η μουσική του είναι μελωδική, αλλά δεν συνέβαλε κάτι ιδιαίτερα νέο στην ανάπτυξή της. Με το υπόβαθρό του, πολλοί άλλοι συνθέτες εκείνης της εποχής μοιάζουν να είναι πραγματικοί καινοτόμοι.

Το 1880, ο Μπρουχ διορίστηκε μαέστρος της Βασιλικής Φιλαρμονικής Εταιρείας του Λίβερπουλ, αλλά επέστρεψε στο Βερολίνο τρία χρόνια αργότερα. Οι μουσικοί της ορχήστρας δεν ήταν ευχαριστημένοι μαζί του.

Στις σελίδες του βιβλίου μας έχουμε ήδη γνωρίσει πολλά μουσικά θαύματα και Camille Saint-Sansδεν καταλαμβάνει την τελευταία θέση ανάμεσά τους. Σε ηλικία δύο ετών, ο Saint-Saens έπαιρνε ήδη μελωδίες στο πιάνο και έμαθε να διαβάζει και να γράφει μουσική ταυτόχρονα. Σε ηλικία τριών ετών έπαιξε έργα δικής του σύνθεσης. Σε ηλικία δέκα ετών ερμήνευσε τέλεια τον Μότσαρτ και τον Μπετόβεν. Ωστόσο, άρχισε να ενδιαφέρεται σοβαρά για την εντομολογία (πεταλούδες και έντομα), και αργότερα για άλλες επιστήμες, συμπεριλαμβανομένης της γεωλογίας, της αστρονομίας και της φιλοσοφίας. Φαινόταν ότι ένα τόσο ταλαντούχο παιδί απλά δεν μπορούσε να περιοριστεί σε ένα πράγμα.

Μετά την αποφοίτησή του από το Ωδείο του Παρισιού, ο Saint-Saens εργάστηκε ως οργανίστας για πολλά χρόνια. Με την ηλικία, άρχισε να επηρεάζει τη μουσική ζωή της Γαλλίας και ήταν χάρη σε αυτόν που η μουσική τέτοιων συνθετών όπως ο J. S. Bach, ο Mozart, ο Handel και ο Gluck άρχισε να εκτελείται πιο συχνά.

Η πιο διάσημη σύνθεση του Saint-Saens - καρναβάλι ζώων,που ο συνθέτης απαγόρευσε να ερμηνεύσει όσο ζούσε. Ανησυχούσε ότι οι μουσικοί κριτικοί, έχοντας ακούσει αυτό το έργο, δεν θα το θεωρούσαν πολύ επιπόλαιο. Άλλωστε, είναι αστείο όταν η ορχήστρα στη σκηνή απεικονίζει ένα λιοντάρι, κότες με έναν κόκορα, χελώνες, έναν ελέφαντα, ένα καγκουρό, ένα ενυδρείο με ψάρια, πουλιά, έναν γάιδαρο και έναν κύκνο.

Ο Saint-Saens έγραψε μερικές από τις άλλες συνθέσεις του για όχι και τόσο συχνούς συνδυασμούς οργάνων, συμπεριλαμβανομένου του διάσημου "Όργανο" Συμφωνία Νο. 3,ακουγόταν στην ταινία "Babe".

Η μουσική του Saint-Saens επηρέασε το έργο άλλων Γάλλων συνθετών, μεταξύ των οποίων Gabriel Faure.Αυτός ο νεαρός άνδρας κληρονόμησε τη θέση του οργανίστα στην παρισινή εκκλησία της Αγίας Μαγδαληνής, την οποία κατείχε παλαιότερα ο Saint-Saens.

Και παρόλο που το ταλέντο του Faure δεν συγκρίνεται με το ταλέντο του δασκάλου του, ήταν μεγάλος πιανίστας.

Ο Fauré ήταν ένας φτωχός άνθρωπος και γι' αυτό δούλευε σκληρά, παίζοντας όργανο, διευθύνοντας τη χορωδία και έδινε μαθήματα. Έγραφε μέσα ελεύθερος χρόνος, που παρέμειναν πολύ λίγα, αλλά παρόλα αυτά κατάφερε να εκδώσει περισσότερα από διακόσια πενήντα έργα του. Μερικά από αυτά συντέθηκαν για πολύ μεγάλο χρονικό διάστημα: για παράδειγμα, εργαστείτε Μνημόσυνοκράτησε πάνω από είκοσι χρόνια.

Το 1905, ο Fauré έγινε διευθυντής του Ωδείου του Παρισιού, δηλαδή ο άνθρωπος από τον οποίο εξαρτιόταν σε μεγάλο βαθμό η ανάπτυξη της γαλλικής μουσικής εκείνης της εποχής. Δεκαπέντε χρόνια αργότερα ο Faure συνταξιοδοτήθηκε. Στο τέλος της ζωής του υπέφερε από απώλεια ακοής.

Σήμερα ο Faure είναι σεβαστός εκτός Γαλλίας, αν και εκεί τον εκτιμούν περισσότερο.

Για τους λάτρεις της αγγλικής μουσικής, η εμφάνιση μιας τέτοιας φιγούρας όπως Έντουαρντ Έλγκαρ,πρέπει να φαινόταν σαν πραγματικό θαύμα. Πολλοί ιστορικοί της μουσικής τον αποκαλούν τον πρώτο σημαντικό Άγγλο συνθέτη μετά τον Henry Purcell, που εργάστηκε κατά την περίοδο του μπαρόκ, αν και λίγο νωρίτερα αναφέραμε και τον Arthur Sullivan.

Ο Έλγκαρ αγαπούσε πολύ την Αγγλία, ειδικά την πατρίδα του, το Γουόρσεστερσαϊρ, όπου πέρασε το μεγαλύτερο μέρος της ζωής του, βρίσκοντας έμπνευση στα χωράφια των λόφων Μάλβερν.

Ως παιδί, ήταν περιτριγυρισμένος από μουσική παντού: ο πατέρας του είχε ένα τοπικό κατάστημα μουσικής και έμαθε στον μικρό Έλγκαρ να παίζει διάφορα μουσικά όργανα. Σε ηλικία δώδεκα ετών, το αγόρι αντικαθιστούσε ήδη τον οργανοπαίκτη στις εκκλησιαστικές λειτουργίες.

Αφού εργάστηκε σε ένα δικηγορικό γραφείο, ο Έλγκαρ αποφάσισε να αφοσιωθεί σε μια πολύ λιγότερο ασφαλή οικονομικά επάγγελμα. Για κάποιο διάστημα εργάστηκε με μερική απασχόληση, δίνοντας μαθήματα βιολιού και πιάνου, παίζοντας σε τοπικές ορχήστρες και μάλιστα διευθύνοντας λίγο.

Σταδιακά, η φήμη του Έλγκαρ ως συνθέτης μεγάλωσε, αν και χρειάστηκε να παλέψει για να κάνει το δρόμο του έξω από την πατρίδα του. Η φήμη του έφερε Παραλλαγές σε ένα πρωτότυπο θέμα,που είναι πλέον πιο γνωστά ως Παραλλαγές Enigma.

Τώρα η μουσική του Έλγκαρ γίνεται αντιληπτή ως πολύ αγγλική και ακούγεται κατά τη διάρκεια των μεγαλύτερων εκδηλώσεων εθνικής κλίμακας. Στους πρώτους ήχους του Κοντσέρτο για βιολοντσέλοΤα αγγλικά εμφανίζονται εδώ εξοχή. Nimrodαπό Παραλλαγέςπαίζεται συχνά σε επίσημες τελετές, και Πανηγυρική και εθιμοτυπική πορεία Νο. 1,γνωστός ως Χώρα ελπίδας και δόξαςπαρουσιάστηκε σε χορό σε όλο το Ηνωμένο Βασίλειο.

Ο Έλγκαρ ήταν οικογενειάρχης και αγαπούσε μια ήσυχη, τακτική ζωή. Ωστόσο, άφησε το στίγμα του στην ιστορία. Αυτός ο συνθέτης με το χοντρό πλούσιο μουστάκι γίνεται αντιληπτός αμέσως στο τραπεζογραμμάτιο των είκοσι λιβρών. Προφανώς, οι σχεδιαστές τραπεζογραμματίων διαπίστωσαν ότι τέτοιες τρίχες στο πρόσωπο θα ήταν πολύ δύσκολο να πλαστογραφηθούν.

Στην Ιταλία, ο διάδοχος του Τζουζέπε Βέρντι στην όπερα ήταν Τζιάκομο Πουτσίνι,θεωρείται ένας από τους αναγνωρισμένους παγκόσμιους δεξιοτέχνες αυτής της μορφής τέχνης.

Η οικογένεια Πουτσίνι έχει συνδεθεί από καιρό με την εκκλησιαστική μουσική, αλλά όταν ο Τζάκομο άκουσε για πρώτη φορά όπερα ΆινταΒέρντι, συνειδητοποίησε ότι αυτή ήταν η κλήση του.

Μετά τις σπουδές του στο Μιλάνο, ο Πουτσίνι συνθέτει μια όπερα Μανόν Λέσκο,που του έφερε την πρώτη του μεγάλη επιτυχία το 1893. Μετά από αυτό, η μια επιτυχημένη παραγωγή διαδέχτηκε την άλλη: Βοημίατο 1896, Λαχτάρατο 1900 και Madama Butterflyτο 1904.

Συνολικά, ο Πουτσίνι συνέθεσε δώδεκα όπερες, η τελευταία από τις οποίες ήταν Turandot.Πέθανε χωρίς να ολοκληρώσει αυτή τη σύνθεση και ένας άλλος συνθέτης ολοκλήρωσε το έργο. Στην πρεμιέρα της όπερας, ο μαέστρος Arturo Toscanini σταμάτησε την ορχήστρα ακριβώς από εκεί που είχε σταματήσει ο Puccini. Γύρισε προς το κοινό και είπε:

«Εδώ ο θάνατος θριάμβευσε την τέχνη».

Με τον θάνατο του Πουτσίνι τελείωσε η ακμή της οπερατικής τέχνης της Ιταλίας. Το βιβλίο μας δεν θα αναφέρει πλέον Ιταλούς συνθέτες όπερας. Αλλά ποιος ξέρει τι μας επιφυλάσσει το μέλλον;

Στη ζωή Γκούσταβ ΜάλερΉταν περισσότερο γνωστός ως μαέστρος παρά ως συνθέτης. Διηύθυνε το χειμώνα και το καλοκαίρι, κατά κανόνα, προτιμούσε να γράφει.

Ως παιδί, ο Μάλερ λέγεται ότι βρήκε ένα πιάνο στη σοφίτα του σπιτιού της γιαγιάς του. Τέσσερα χρόνια αργότερα, σε ηλικία δέκα ετών, έδωσε ήδη την πρώτη του παράσταση.

Ο Μάλερ σπούδασε στο Ωδείο της Βιέννης, όπου άρχισε να συνθέτει μουσική. Το 1897 έγινε διευθυντής της Κρατικής Όπερας της Βιέννης και τα επόμενα δέκα χρόνια απέκτησε μεγάλη φήμη στον τομέα αυτό.

Ο ίδιος άρχισε να γράφει τρεις όπερες, αλλά δεν τις τελείωσε ποτέ. Στην εποχή μας είναι περισσότερο γνωστός ως συνθέτης συμφωνιών. Σε αυτό το είδος, του ανήκει μια από τις πραγματικές "επιτυχίες" - Συμφωνία Νο. 8,στην παράσταση της οποίας συμμετέχουν περισσότεροι από χίλιοι μουσικοί και τραγουδιστές.

Μετά τον θάνατο του Μάλερ, η μουσική του βγήκε από τη μόδα για πενήντα χρόνια, αλλά στο δεύτερο μισό του 20ού αιώνα κέρδισε ξανά δημοτικότητα, ειδικά στη Μεγάλη Βρετανία και τις ΗΠΑ.

Ρίτσαρντ Στράουςγεννήθηκε στη Γερμανία και δεν ανήκε στη βιεννέζικη δυναστεία Στράους. Παρά το γεγονός ότι αυτός ο συνθέτης έζησε σχεδόν ολόκληρο το πρώτο μισό του 20ου αιώνα, εξακολουθεί να θεωρείται εκπρόσωπος του γερμανικού μουσικού ρομαντισμού.

Η παγκόσμια δημοτικότητα του Richard Strauss υπέφερε κάπως από το γεγονός ότι αποφάσισε να μείνει στη Γερμανία μετά το 1939 και μετά τον Β' Παγκόσμιο Πόλεμο κατηγορήθηκε πλήρως για συνεργασία με τους Ναζί.

Ο Στράους ήταν εξαιρετικός μαέστρος, χάρη στον οποίο καταλάβαινε τέλεια πώς έπρεπε να ακούγεται αυτό ή εκείνο το όργανο στην ορχήστρα. Συχνά εφάρμοζε αυτή τη γνώση στην πράξη. Έδωσε επίσης διάφορες συμβουλές σε άλλους συνθέτες, όπως:

«Μην κοιτάς ποτέ τα τρομπόνια, μόνο τα ενθαρρύνεις».

«Μην ιδρώνετε κατά την εκτέλεση. μόνο οι ακροατές πρέπει να ζεσταθούν».

Σήμερα, ο Στράους μνημονεύεται κυρίως σε σχέση με τη σύνθεσή του Έτσι μίλησε ο Ζαρατούστρα,την εισαγωγή στην οποία χρησιμοποίησε ο Stanley Kubrick στην ταινία του 2001: A Space Odyssey. Αλλά έγραψε επίσης μερικές από τις καλύτερες γερμανικές όπερες, ανάμεσά τους - Rosenkavalier, Salomeκαι Η Αριάδνη στη Νάξο.Ένα χρόνο πριν τον θάνατό του συνέθεσε και πολύ όμορφα Τέσσερα τελευταία τραγούδιαγια φωνή και ορχήστρα. Στην πραγματικότητα, αυτά δεν ήταν τα τελευταία τραγούδια του Στράους, αλλά έγιναν ένα είδος φινάλε της δημιουργικής του δραστηριότητας.

Μέχρι τώρα, μεταξύ των συνθετών που αναφέρονται σε αυτό το βιβλίο, υπήρχε μόνο ένας εκπρόσωπος της Σκανδιναβίας - ο Edvard Grieg. Αλλά τώρα μεταφερόμαστε ξανά σε αυτή τη σκληρή και κρύα γη - αυτή τη φορά στη Φινλανδία, όπου Jean Sibelius,μεγάλη μουσική ιδιοφυΐα.

Η μουσική του Σιμπέλιους απορρόφησε τους μύθους και τους θρύλους της πατρίδας του. Το μεγαλύτερο έργο του Φινλανδία,θεωρείται η ενσάρκωση του εθνικού πνεύματος των Φινλανδών, όπως και στο Ηνωμένο Βασίλειο τα έργα του Έλγκαρ αναγνωρίζονται ως εθνικός θησαυρός. Επιπλέον, ο Σιμπέλιους, όπως και ο Μάλερ, ήταν πραγματικός δεξιοτέχνης των συμφωνιών.

Όσο για τα άλλα πάθη του συνθέτη, στην καθημερινότητά του ήταν υπερβολικά λάτρης του ποτού και του καπνίσματος, έτσι ώστε σε ηλικία σαράντα ετών αρρώστησε από καρκίνο στο λαιμό. Επίσης, του έλειπαν συχνά χρήματα και το κράτος του έδινε σύνταξη για να συνεχίσει να γράφει μουσική χωρίς να ανησυχεί για την οικονομική του ευημερία. Αλλά περισσότερα από είκοσι χρόνια πριν από το θάνατό του, ο Sibelius σταμάτησε να συνθέτει οτιδήποτε. Έζησε το υπόλοιπο της ζωής του σε σχετική μοναξιά. Ήταν ιδιαίτερα σκληρός με όσους λάμβαναν χρήματα για κριτικές της μουσικής του:

«Μην δίνετε σημασία σε αυτά που λένε οι κριτικοί. Μέχρι στιγμής, σε κανέναν κριτικό δεν έχει δοθεί άγαλμα».

Ο τελευταίος στη λίστα μας με τους ρομαντικούς συνθέτες έζησε επίσης σχεδόν μέχρι τα μέσα του 20ού αιώνα, αν και έγραψε τα περισσότερα από τα πιο διάσημα έργα του τη δεκαετία του 1900. Κι όμως κατατάσσεται στους ρομαντικούς, και μας φαίνεται ότι αυτός είναι ο πιο ρομαντικός συνθέτης όλης της ομάδας.

Σεργκέι Βασίλιεβιτς Ραχμάνινοφγεννήθηκε σε μια ευγενή οικογένεια, η οποία μέχρι τότε είχε ξοδέψει πολλά χρήματα. Έδειξε ενδιαφέρον για τη μουσική από μικρή ηλικία και οι γονείς του τον έστειλαν να σπουδάσει, πρώτα στην Αγία Πετρούπολη και μετά στη Μόσχα.

Ο Ραχμανίνοφ ήταν ένας εκπληκτικά ταλαντούχος πιανίστας και αποδείχθηκε επίσης υπέροχος συνθέτης.

Δικος μου Κοντσέρτο για πιάνο Νο. 1έγραψε στα δεκαεννιά. Βρήκε χρόνο και για την πρώτη του όπερα, Αλέκο.

Αλλά αυτός ο σπουδαίος μουσικός, κατά κανόνα, δεν ήταν ιδιαίτερα ικανοποιημένος με τη ζωή. Σε πολλές από τις φωτογραφίες, βλέπουμε έναν θυμωμένο, συνοφρυωμένο άντρα. Ένας άλλος Ρώσος συνθέτης, ο Ιγκόρ Στραβίνσκι, παρατήρησε κάποτε:

«Η αθάνατη ουσία του Ραχμάνινοφ ήταν το συνοφρύωμα του. Ήταν συνοφρυωμένος 6,5 μέτρα... ήταν ένας τρομερός άνθρωπος».

Όταν ο νεαρός Ραχμάνινοφ έπαιζε για τον Τσαϊκόφσκι, ήταν τόσο ενθουσιασμένος που έβαλε μια πεντάδα με τέσσερα συν στο φύλλο της παρτιτούρας του - τον υψηλότερο βαθμό στην ιστορία του Ωδείου της Μόσχας. Σύντομα όλη η πόλη άρχισε να μιλάει για το νεαρό ταλέντο.

Ωστόσο, η μοίρα παρέμεινε δυσμενής για τον μουσικό για μεγάλο χρονικό διάστημα.

Οι κριτικοί ήταν πολύ σκληροί μαζί του. Συμφωνίες Νο. 1,του οποίου η πρεμιέρα κατέληξε σε αποτυχία. Αυτό έδωσε στον Ραχμανίνοφ σοβαρές συναισθηματικές εμπειρίες, έχασε την πίστη του στις δικές του δυνάμεις και δεν μπορούσε να συνθέσει τίποτα απολύτως.

Τελικά, μόνο η βοήθεια ενός έμπειρου ψυχιάτρου Νικολάι Νταλ του επέτρεψε να βγει από την κρίση. Μέχρι το 1901, ο Ραχμάνινοφ είχε ολοκληρώσει το Κοντσέρτο για πιάνο, πάνω στο οποίο είχε εργαστεί επιμελώς. πολλά χρόνιακαι το οποίο αφιέρωσε στον Δόκτωρ Νταλ. Αυτή τη φορά, το κοινό υποδέχτηκε με χαρά το έργο του συνθέτη. Από τότε Κοντσέρτο για πιάνο Νο 2έχει γίνει ένα αγαπημένο κλασικό κομμάτι που ερμηνεύεται από διάφορα μουσικά σχήματα σε όλο τον κόσμο.

Ο Ραχμάνινοφ άρχισε να περιοδεύει στην Ευρώπη και τις ΗΠΑ. Επιστρέφοντας στη Ρωσία, διηύθυνε και συνέθεσε.

Μετά την επανάσταση του 1917, ο Ραχμανίνοφ και η οικογένειά του πήγαν σε συναυλίες στη Σκανδιναβία. Δεν γύρισε ποτέ σπίτι. Αντίθετα, μετακόμισε στην Ελβετία, όπου αγόρασε ένα σπίτι στις όχθες της λίμνης της Λουκέρνης. Πάντα αγαπούσε τα υδάτινα σώματα και τώρα, όταν έγινε αρκετά πλούσιος, είχε την πολυτέλεια να χαλαρώσει στην ακτή και να θαυμάσει το τοπίο που ανοίγει.

Ο Ραχμάνινοφ ήταν εξαιρετικός μαέστρος και πάντα έδινε τις ακόλουθες συμβουλές σε όσους ήθελαν να διαπρέψουν σε αυτόν τον τομέα:

«Ένας καλός μαέστρος πρέπει να είναι καλός οδηγός. Και οι δύο χρειάζονται τις ίδιες ιδιότητες: συγκέντρωση, συνεχή έντονη προσοχή και παρουσία μυαλού. Ο μαέστρος χρειάζεται μόνο να γνωρίζει λίγο τη μουσική…»

Το 1935 ο Ραχμάνινοφ αποφάσισε να εγκατασταθεί στις Η.Π.Α. Πρώτα έζησε στη Νέα Υόρκη και στη συνέχεια μετακόμισε στο Λος Άντζελες. Εκεί άρχισε να χτίζει ένα νέο σπίτι για τον εαυτό του, εντελώς πανομοιότυπο με αυτό που είχε αφήσει στη Μόσχα.

Με την ηλικία, ο Ραχμάνινοφ διηύθυνε όλο και λιγότερο και σχεδόν σταμάτησε εντελώς να συνθέτει μουσική. Έφτασε στην κορυφή της φήμης του ως εξαιρετικός πιανίστας.

Παρά τη νοσταλγία, στον Ραχμανίνοφ άρεσαν οι ΗΠΑ. Ήταν περήφανος για την τεράστια Cadillac του και συχνά προσκαλούσε καλεσμένους για βόλτα με αυτοκίνητο μόνο και μόνο για να επιδείξει το αυτοκίνητό του.

Λίγο πριν από το θάνατό του, ο Ραχμάνινοφ έλαβε την αμερικανική υπηκοότητα. Σε αυτή τη χώρα θάφτηκε.

Τέλος της ρομαντικής περιόδου

Έχουμε δώσει πολύ μεγαλύτερη προσοχή στη ρομαντική περίοδο στο βιβλίο μας από ό,τι σε όλες τις άλλες περιόδους της κλασικής μουσικής.

Σε αυτήν την εποχή, συνέβησαν τόσα πολλά ενδιαφέροντα πράγματα σε διάφορες χώρες που είναι απλά αδύνατο να πούμε για τα πάντα σε ένα μικρό άρθρο. Η κλασική μουσική έχει αλλάξει πολύ, όπως και ο ήχος της, που γίνεται όλο και πιο πλούσιος χάρη στις μεγάλες συμφωνικές ορχήστρες. Από πολλές απόψεις, τα έργα του Ραχμάνινοφ είναι το τέλειο παράδειγμα αυτού του ήχου. Αν το συγκρίνουμε με τον Μπετόβεν, γίνεται σαφές πόσο μεγαλειώδεις ήταν οι αλλαγές.

Όμως, όσο σημαντικές κι αν είναι αυτές οι ίδιες αλλαγές που συνέβησαν στον κόσμο της μουσικής κατά τα ογδόντα περίπου χρόνια της ρομαντικής περιόδου, δεν μπορούν να συγκριθούν με αυτό που συνέβη αργότερα. Και στο μέλλον, η μουσική έγινε ακόμη πιο διαφοροποιημένη και ασυνήθιστη - η οποία, κατά τη γνώμη μας, δεν πήγαινε πάντα υπέρ της.

Η μουσική έχει πάρει ξεχωριστή θέση στην αισθητική του ρομαντισμού. Κηρύχθηκε πρότυπο και κανόνας για όλους τους τομείς της τέχνης, αφού, λόγω της ιδιαιτερότητάς του, είναι σε θέση να εκφράσει πλήρως τις κινήσεις της ψυχής.«Η μουσική αρχίζει όταν τελειώνουν οι λέξεις» (G. Heine).

Ο μουσικός ρομαντισμός ως κατεύθυνση αναπτύχθηκε στην αρχήXIXαιώνα και αναπτύχθηκε σε στενή σύνδεση με διάφορες τάσεις στη λογοτεχνία, τη ζωγραφική και το θέατρο. Το αρχικό στάδιο του μουσικού ρομαντισμού αντιπροσωπεύεται από τα έργα των F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, N. Paganini, G. Rossini; το επόμενο στάδιο (δεκαετία 1830-50) - το έργο των F. Chopin, R. Schumann, F. Mendelssohn, G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner, J. Verdi. Το όψιμο στάδιο του ρομαντισμού εκτείνεται μέχρι το τέλοςXIXαιώνας. Έτσι, αν στη λογοτεχνία και τη ζωγραφική η ρομαντική σκηνοθεσία ουσιαστικά ολοκληρώνει την ανάπτυξή της μέχρι τη μέσηXIXαιώνες, η ζωή του μουσικού ρομαντισμού στην Ευρώπη είναι πολύ μεγαλύτερη.

Στον μουσικό ρομαντισμό, καθώς και σε άλλες μορφές τέχνης και λογοτεχνίας, η αντίθεση του κόσμου των όμορφων, άφθαστων ιδανικών και της καθημερινής ζωής, διαποτισμένης από το πνεύμα του φιλιστινισμού και του φιλιστινισμού, οδήγησε, αφενός, στη δραματική σύγκρουση, την κυριαρχία. των τραγικών μοτίβων της μοναξιάς, της απελπισίας, της περιπλάνησης κ.λπ., από την άλλη - η εξιδανίκευση και η ποιητική του μακρινού παρελθόντος, η λαϊκή ζωή, η φύση. Από κοινού με την κατάσταση του νου ενός ατόμου, η φύση στα έργα των ρομαντικών συνήθως χρωματίζεται με μια αίσθηση δυσαρμονίας.

Όπως και άλλοι ρομαντικοί, οι μουσικοί ήταν πεπεισμένοι ότι τα συναισθήματα είναι ένα βαθύτερο στρώμα της ψυχής από το μυαλό:"Το μυαλό κάνει λάθος, τα συναισθήματα - ποτέ" (R. Schumann).

Το ιδιαίτερο ενδιαφέρον για την ανθρώπινη προσωπικότητα που ενυπάρχει στη ρομαντική μουσική εκφράστηκε στην επικράτηση τουπροσωπικό τόνο . Η αποκάλυψη του προσωπικού δράματος συχνά απέκτησε μια χροιά μεταξύ των ρομαντικών.αυτοβιογραφία, που έφερε μια ιδιαίτερη ειλικρίνεια στη μουσική. Έτσι, για παράδειγμα, πολλά από τα έργα του Schumann για πιάνο συνδέονται με την ιστορία του έρωτά του για την Clara Wieck. Ο Μπερλιόζ έγραψε την αυτοβιογραφική συμφωνία «Φανταστική». Ο αυτοβιογραφικός χαρακτήρας των όπερών του τονίστηκε έντονα από τον Βάγκνερ.

Πολύ συχνά συνυφασμένη με το θέμα της «λυρικής εξομολόγησης»θέμα της φύσης .

Η πραγματική ανακάλυψη των ρομαντικών συνθετών ήτανθέμα φαντασίας. Η μουσική για πρώτη φορά έμαθε να ενσωματώνει υπέροχες-φανταστικές εικόνες με καθαρά μουσικά μέσα. Σε όπερεςXVII - XVIIIαιώνες, «απόκοσμοι» χαρακτήρες (όπως, για παράδειγμα, η Βασίλισσα της Νύχτας από τον «Μαγικό Αυλό» του Μότσαρτ) μιλούσαν στη «γενικά αποδεκτή» μουσική γλώσσα, ξεχωρίζοντας ελάχιστα από το φόντο αληθινοί άνθρωποι. Οι ρομαντικοί συνθέτες έχουν μάθει να μεταφέρουν τον κόσμο της φαντασίας ως κάτι εντελώς συγκεκριμένο (με τη βοήθεια ασυνήθιστων ορχηστρικών και αρμονικών χρωμάτων). Ένα εντυπωσιακό παράδειγμα είναι η «Σκηνή του λύκου» στο Weber's Magic Shooter.

Αν XVIIIαιώνα ήταν η εποχή των βιρτουόζων αυτοσχεδιαστών ενός παγκόσμιου τύπου, εξίσου επιδέξιοι στο τραγούδι, τη σύνθεση, το παίξιμο διαφόρων οργάνων.XIXο αιώνας ήταν μια εποχή άνευ προηγουμένου ενθουσιασμού για την τέχνη των βιρτουόζων πιανιστών (K. M. Weber, F. Mendelssohn, F. Chopin, F. Liszt, I. Brahms).

Η εποχή του ρομαντισμού άλλαξε εντελώς τη «μουσική γεωγραφία του κόσμου». Υπό την επίδραση της ενεργού αφύπνισης της εθνικής αυτοσυνείδησης των λαών της Ευρώπης, σχολές νέων συνθετών στη Ρωσία, την Πολωνία, την Ουγγαρία, την Τσεχία και τη Νορβηγία προχώρησαν στη διεθνή μουσική σκηνή. Οι συνθέτες αυτών των χωρών, ενσαρκώνοντας τις εικόνες της εθνικής λογοτεχνίας, της ιστορίας, της γηγενούς φύσης, βασίστηκαν στους τονισμούς και τους ρυθμούς της εγγενούς λαογραφίας τους.

Ιδιαίτερα χαρακτηριστικό του μουσικού ρομαντισμού είναι το ενδιαφέρον γιαπαραδοσιακή τέχνη . Όπως οι ρομαντικοί ποιητές, που εμπλούτισαν και επικαιροποίησαν τη λογοτεχνική γλώσσα σε βάρος της λαογραφίας, οι μουσικοί στράφηκαν ευρέως στην εθνική λαογραφία - δημοτικά τραγούδια, μπαλάντες, έπη (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin, I. Brahms, B. Smetana, E. Grieg και άλλοι). Ενσαρκώνοντας τις εικόνες της εθνικής λογοτεχνίας, της ιστορίας, της γηγενούς φύσης, βασίστηκαν στους τονισμούς και τους ρυθμούς της εθνικής λαογραφίας, αναβιώνοντας τους παλιούς διατονικούς τρόπους.Υπό την επίδραση της λαογραφίας, το περιεχόμενο της ευρωπαϊκής μουσικής έχει αλλάξει δραματικά.

Νέα θέματα και εικόνες απαιτούσαν την ανάπτυξη των ρομαντικώννέα μέσα μουσικής γλώσσας και τις αρχές της διαμόρφωσης, της εξατομίκευσης της μελωδίας και της εισαγωγής των τονισμών του λόγου, της επέκτασης του ηχοχρώματος και της αρμονικής παλέτας της μουσικής (φυσικά τάστα, πολύχρωμες αντιπαραθέσεις μείζονος και ελάσσονος κ.λπ.).

Αφού το επίκεντρο των ρομαντικών δεν είναι πλέον η ανθρωπότητα στο σύνολό της, αλλά ένα συγκεκριμένο άτομο με το μοναδικό του συναίσθημα, αντίστοιχακαι στα εκφραστικά μέσα, το γενικό δίνει ολοένα και περισσότερο τη θέση του στο άτομο, ατομικά μοναδικό. Το μερίδιο των γενικευμένων τονισμών στη μελωδία, οι κοινώς χρησιμοποιούμενες ακολουθίες χορδών σε αρμονία, τα τυπικά μοτίβα στην υφή μειώνονται - όλα αυτά τα μέσα εξατομικεύονται. Στην ενορχήστρωση, η αρχή των συγκροτημάτων συνόλων έδωσε τη θέση της στο σολάριο όλων σχεδόν των ορχηστρικών φωνών.

Το πιο σημαντικό σημείοαισθητική ο μουσικός ρομαντισμός ήτανη ιδέα της σύνθεσης τέχνης , που βρήκε την πιο ζωντανή έκφρασή του στο οπερατικό έργο του Βάγκνερ και σεμουσική προγράμματος Μπερλιόζ, Σούμαν, Λιστ.

Μουσικά είδη στα έργα ρομαντικών συνθετών

Στη ρομαντική μουσική, προκύπτουν ξεκάθαρα τρεις ομάδες ειδών:

• είδη που κατέλαβαν δευτερεύουσα θέση στην τέχνη του κλασικισμού (κυρίως τραγούδι και μινιατούρα πιάνου).
• είδη που αντιλήφθηκαν οι ρομαντικοί από την προηγούμενη εποχή (όπερα, ορατόριο, κύκλος σονάτας-συμφωνίας, ουβερτούρα).
• ελεύθερα, ποιητικά είδη (μπαλάντες, φαντασιώσεις, ραψωδίες, συμφωνικά ποιήματα). Το ενδιαφέρον για αυτά εξηγείται από την επιθυμία των ρομαντικών συνθετών για ελεύθερη αυτοέκφραση, τη σταδιακή μεταμόρφωση των εικόνων.

Στην πρώτη γραμμή στη μουσική κουλτούρα του ρομαντισμού βρίσκεταιτραγούδι ως είδος που είναι πιο κατάλληλο για την έκφραση των ενδότερων σκέψεων ενός καλλιτέχνη (ενώ στο επαγγελματικό έργο των συνθετώνXVIIIαιώνα, στο λυρικό τραγούδι ανατέθηκε ένας μέτριος ρόλος - χρησίμευε κυρίως για να γεμίσει τον ελεύθερο χρόνο). Στο χώρο του τραγουδιού εργάστηκαν οι Schubert, Schumann, Liszt, Brahms, Grieg και άλλοι.

Ο τυπικός ρομαντικός συνθέτης δημιουργεί πολύ άμεσα, αυθόρμητα, κατ' εντολή της καρδιάς του. Η ρομαντική κατανόηση του κόσμου δεν είναι μια συνεπής φιλοσοφική αντίληψη της πραγματικότητας, αλλά μια στιγμιαία καθήλωση όλων όσων άγγιξαν την ψυχή του καλλιτέχνη. Από αυτή την άποψη, στην εποχή του ρομαντισμού, το είδος άνθισεμινιατούρες (ανεξάρτητη ή συνδυασμένη με άλλες μινιατούρες σε κύκλο). Αυτό δεν είναι μόνο ένα τραγούδι και ένα ειδύλλιο, αλλά και οργανικές συνθέσεις -μουσικές στιγμές, αυτοσχέδια, πρελούδια, ετιντ, νυχτερινά, βαλς, μαζούρκες (σε σχέση με την εξάρτηση από τη λαϊκή τέχνη).

Πολλά ρομαντικά είδη οφείλουν την καταγωγή τους στην ποίηση, τις ποιητικές της μορφές. Τέτοια είναι τα σονέτα, τα τραγούδια χωρίς λόγια, τα διηγήματα, οι μπαλάντες.

Μια από τις κορυφαίες ιδέες της ρομαντικής αισθητικής -η ιδέα της σύνθεσης των τεχνών- τοποθέτησε φυσικά το πρόβλημα της όπερας στο επίκεντρο της προσοχής. Σχεδόν όλοι οι ρομαντικοί συνθέτες στράφηκαν στο είδος της όπερας με σπάνιες εξαιρέσεις (Μπραμς).

Ο προσωπικός, εμπιστευτικός τόνος έκφρασης που ενυπάρχει στον ρομαντισμό μεταμορφώνει πλήρως τα κλασικά είδη της συμφωνίας, της σονάτας και του κουαρτέτου. Παραλαμβάνουνψυχολογική και στιχουργική-δραματική ερμηνεία. Το περιεχόμενο πολλών ρομαντικών έργων συνδέεται μεπρογραμματισμός (κύκλοι πιάνου Schumann, Years of Wanderings by Liszt, συμφωνίες Berlioz, overtures Mendelssohn).

Τα τρία κύρια στάδια του ευρωπαϊκού μουσικού ρομαντισμού του 19ου αιώνα - πρώιμο, ώριμο και όψιμο - αντιστοιχούν στα στάδια ανάπτυξης της αυστριακής και γερμανικής ρομαντικής μουσικής. Αλλά αυτή η περιοδοποίηση πρέπει να συγκεκριμενοποιηθεί και κάπως να εξευγενιστεί σε σχέση με τα σημαντικότερα γεγονότα στη μουσική τέχνη κάθε χώρας.
Το πρώιμο στάδιο του γερμανοαυστριακού μουσικού ρομαντισμού χρονολογείται από τις δεκαετίες του 1910 και του 20, που συμπίπτει με την κορύφωση του αγώνα ενάντια στην κυριαρχία του Ναπολέοντα και τη σκοτεινή πολιτική αντίδραση που ακολούθησε. Η αρχή αυτής της σκηνής σημαδεύτηκε από μουσικά φαινόμενα όπως οι όπερες Undine του Hoffmann (1913), Silvana (1810), Abu Gasan (1811) και το πρόγραμμα για πιάνο Invitation to the Dance (1815) του Weber, το πρώτο πραγματικά πρωτότυπο. Τα τραγούδια του Σούμπερτ - "Margarita at the Spinning Wheel" (1814) και "Forest Tsar" (1815). Στη δεκαετία του 1920, ο πρώιμος ρομαντισμός άκμασε, όταν η ιδιοφυΐα του πρόωρα εξαφανισμένου Σούμπερτ ξεδιπλώθηκε σε πλήρη ισχύ, όταν εμφανίστηκαν οι The Magic Shooter, Euryata και Oberon - οι τρεις τελευταίες τελειότερες όπερες του Beber, τη χρονιά του θανάτου του οποίου (1820) ο μουσικός ορίζοντας, ένα νέο «φωτιστικό» αναβοσβήνει - Mendelssohn - Bartholdy, που ερμήνευσε με μια υπέροχη συναυλιακή οβερτούρα - A Midsummer Night's Dream.
Το μεσαίο στάδιο πέφτει κυρίως στις δεκαετίες 30-40, τα όριά του καθορίζονται από την επανάσταση του Ιουλίου στη Γαλλία, η οποία είχε σημαντικό αντίκτυπο στους προχωρημένους κύκλους της Αυστρίας και ιδιαίτερα της Γερμανίας, και η επανάσταση του 1848-1949, που σάρωσε δυναμικά την γερμανοαυστριακά εδάφη. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, το έργο του Mendelssohn (πέθανε το 1147) και του Schumann άκμασε στη Γερμανία, του οποίου η συνθετική δραστηριότητα μόνο για λίγα χρόνια πέρασε πέρα ​​από τα υποδεικνυόμενα όρια. Οι παραδόσεις του Βέμπερ μεταφέρονται στις όπερες του από τον Μάρσνερ (η καλύτερη όπερά του, Taps Galish:r, γράφτηκε το 1833). Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, ο Βάγκνερ μετατρέπεται από αρχάριος συνθέτης στον δημιουργό τέτοιων εντυπωσιακών έργων όπως ο Tannhäuser (1815) και ο Lohengrin (1848). Ωστόσο, τα κύρια δημιουργικά επιτεύγματα του Βάγκνερ δεν έχουν ακόμη έρθει. Στην Αυστρία, αυτή την περίοδο, επικρατεί κάποια νηνεμία στον τομέα των σοβαρών ειδών, αλλά οι δημιουργοί της καθημερινής χορευτικής μουσικής, ο Josef Liner και ο Johann Strauss-father, αποκτούν φήμη.
Η όψιμη, μεταεπαναστατική περίοδος του ρομαντισμού, που εκτείνεται σε αρκετές δεκαετίες (από τις αρχές της δεκαετίας του '50 έως περίπου τα μέσα της δεκαετίας του '90), συνδέθηκε με μια τεταμένη κοινωνικοπολιτική κατάσταση (ανταγωνισμός μεταξύ Αυστρίας και Πρωσίας για την ενοποίηση της Γερμανίας εδάφη, την εμφάνιση μιας ενωμένης Γερμανίας υπό την κυριαρχία της μιλιταριστικής Πρωσίας και την τελική πολιτική απομόνωση της Αυστρίας). Εκείνη την εποχή, το πρόβλημα μιας ενιαίας, εξ ολοκλήρου γερμανικής μουσικής τέχνης ήταν οξύ, οι αντιφάσεις μεταξύ διαφόρων δημιουργικών ομάδων και μεμονωμένων συνθετών αποκαλύφθηκαν πιο ξεκάθαρα, προέκυψε ένας αγώνας κατευθύνσεων, που μερικές φορές αντανακλάται σε μια έντονη συζήτηση στις σελίδες του Τύπου . Προσπάθειες να ενωθούν οι προοδευτικές μουσικές δυνάμεις της χώρας γίνονται από τον Λιστ, ο οποίος μετακόμισε στη Γερμανία, αλλά οι δημιουργικές του αρχές, που συνδέονται με τις ιδέες της ριζοσπαστικής καινοτομίας που βασίζεται στο λογισμικό, δεν συμμερίζονται όλοι οι Γερμανοί μουσικοί. Ιδιαίτερη θέση κατέχει ο Βάγκνερ, ο οποίος απολυτοποίησε τον ρόλο του μουσικού δράματος ως «η τέχνη του μέλλοντος». Ταυτόχρονα, ο Μπραμς, ο οποίος κατάφερε να αποδείξει στο έργο του τη διαρκή σημασία πολλών κλασικών μουσικών παραδόσεων σε συνδυασμό με μια νέα, ρομαντική κοσμοθεωρία, γίνεται επικεφαλής των τάσεων κατά της λίστας και κατά του Βάγκνερ στη Βιέννη. Το έτος 1876 είναι σημαντικό από αυτή την άποψη: στο Μπαϊρόιτ, γίνεται πρεμιέρα το Der Ring des Nibelungen του Βάγκνερ και η Βιέννη γνωρίζει την πρώτη συμφωνία του Μπραμς, που άνοιξε την περίοδο της υψηλότερης άνθησης του έργου του.

Η πολυπλοκότητα της μουσικοϊστορικής κατάστασης αυτών των χρόνων δεν περιορίζεται στην παρουσία διαφόρων κατευθύνσεων με τις εστίες τους - Λειψία, Βαϊμάρη, Μπαϊρόιτ. Βιέννη. Στην ίδια τη Βιέννη, για παράδειγμα, δημιουργούνται καλλιτέχνες τόσο διαφορετικοί μεταξύ τους όπως ο Bruckner και ο Wolf, ενωμένοι από μια κοινή ενθουσιώδη στάση απέναντι στον Wagner, αλλά ταυτόχρονα δεν αποδέχονται την αρχή του μουσικού δράματος.
Στη Βιέννη, ο γιος του Johann Strauss, ο πιο μουσικός επικεφαλής του αιώνα, δημιουργεί "(Wagner). Τα υπέροχα βαλς του και αργότερα οι οπερέτες του, κάνουν τη Βιέννη σημαντικό κέντρο ψυχαγωγικής μουσικής.
Οι μεταεπαναστατικές δεκαετίες χαρακτηρίζονται ακόμη από ορισμένα εξαιρετικά φαινόμενα μουσικού ρομαντισμού, τα σημάδια της εσωτερικής κρίσης αυτής της τάσης γίνονται ήδη αισθητά. Έτσι, το ρομαντικό στον Μπραμς συντίθεται με τις αρχές του κλασικισμού και ο Hugo Wolf συνειδητοποιεί σταδιακά τον εαυτό του ως αντιρομαντικό συνθέτη. Εν ολίγοις, οι ρομαντικές αρχές χάνουν την εξέχουσα σημασία τους, μερικές φορές σε συνδυασμό με κάποιες νέες ή αναβιωμένες κλασικές τάσεις.
Ωστόσο, ακόμη και μετά τα μέσα της δεκαετίας του 1980, όταν ο ρομαντισμός άρχισε ξεκάθαρα να ξεπερνά τον εαυτό του, εξακολουθούν να εμφανίζονται μεμονωμένες λαμπερές λάμψεις ρομαντικής δημιουργικότητας στην Αυστρία και τη Γερμανία: οι τελευταίες συνθέσεις για πιάνο του Μπραμς και οι όψιμες συμφωνίες του Μπρούκνερ εμποτίζονται από ρομαντισμό. Οι μεγαλύτεροι συνθέτες της αλλαγής του 19ου και του 20ου αιώνα, ο Αυστριακός Μάλερ και ο Γερμανός Ρίτσαρντ Στράους, στα έργα των δεκαετιών του 1980 και του 1990 εκδηλώνονται μερικές φορές ως τυπικοί ρομαντικοί. Γενικά, αυτοί οι συνθέτες γίνονται ένα είδος σύνδεσης μεταξύ του «ρομαντικού» δέκατου ένατου αιώνα και του «αντι-ρομαντικού» εικοστού.)
«Η εγγύτητα της μουσικής κουλτούρας της Αυστρίας και της Γερμανίας, λόγω πολιτιστικών και ιστορικών παραδόσεων, δεν αποκλείει φυσικά τις γνωστές εθνικές διαφορές. αλλά η πολυεθνική Αυστριακή Αυτοκρατορία ("μοναρχία συνονθύλευμα"), οι πηγές που τροφοδοτούσαν τη μουσική δημιουργικότητα και τα καθήκοντα που αντιμετώπιζαν οι μουσικοί ήταν μερικές φορές διαφορετικά. Έτσι, στην καθυστερημένη Γερμανία, ξεπερνώντας τη μικροαστική στασιμότητα, ο στενός επαρχιωτισμός ήταν ένα ιδιαίτερα επείγον έργο, το οποίο Η σειρά, απαιτούσε εκπαιδευτικές δραστηριότητες ποικίλων μορφών από την πλευρά των προοδευτικών εκπροσώπων της τέχνης, ένας εξαιρετικός Γερμανός συνθέτης δεν μπορούσε να περιοριστεί στη σύνθεση μουσικής, αλλά έπρεπε να γίνει μουσικό και δημόσιο πρόσωπο. oh country: Weber - ως μαέστρος όπερας και κριτικός μουσικής, Mendelssohn - ως μαέστρος συναυλιών και μεγάλος δάσκαλος, ιδρυτής του πρώτου ωδείου στη Γερμανία. Schumann ως καινοτόμος κριτικός μουσικής και δημιουργός ενός νέου τύπου μουσικού περιοδικού. Αργότερα, ένα σπάνιο στην ευελιξία του μιούζικαλ και κοινωνική δραστηριότηταΟ Βάγκνερ ως μαέστρος θεάτρου και συμφωνικής, κριτικός, αισθητικός, μεταρρυθμιστής της όπερας, ιδρυτής του νέου θεάτρου στο Μπαϊρόιτ.
Στην Αυστρία, με τον πολιτικό και πολιτιστικό της συγκεντρωτισμό (η συνταγματική ηγεμονία της Βιέννης ως πολιτικό και πολιτιστικό κέντρο), με τις ψευδαισθήσεις της πατριαρχίας, της φανταστικής ευημερίας και της πραγματικής κυριαρχίας της πιο σκληρής αντίδρασης, η ευρεία δημόσια δραστηριότητα ήταν αδύνατη. Από αυτή την άποψη, η αντίφαση ανάμεσα στο αστικό πάθος του έργου του Μπετόβεν και την αναγκαστική κοινωνική παθητικότητα του μεγάλου συνθέτη δεν μπορεί παρά να τραβήξει την προσοχή. Τι να πούμε για τον Σούμπερτ, που διαμορφώθηκε ως καλλιτέχνης την περίοδο μετά το Συνέδριο της Βιέννης του 1814-1815! Ο περίφημος κύκλος του Σούμπερτ ήταν η μόνη δυνατή μορφή ένωσης των κορυφαίων εκπροσώπων της καλλιτεχνικής διανόησης, αλλά ένας τέτοιος κύκλος στη Βιέννη του Μέτερνιχ δεν θα μπορούσε να έχει γνήσια δημόσια απήχηση. Με άλλα λόγια, στην Αυστρία οι μεγαλύτεροι συνθέτες ήταν σχεδόν αποκλειστικά οι δημιουργοί μουσικών έργων: δεν μπορούσαν να αποδειχθούν στον τομέα της μουσικής και κοινωνικής δραστηριότητας. Αυτό ισχύει για τον Schubert, και για τον Bruckner, και για τον γιο του Johann Strauss και για κάποιους άλλους.
Ωστόσο, στην αυστριακή κουλτούρα θα πρέπει να σημειωθούν και τέτοιοι χαρακτηριστικοί παράγοντες που επηρέασαν θετικά την τέχνη της μουσικής, δίνοντάς της ταυτόχρονα μια ειδικά αυστριακή, «βιεννέζικη» γεύση. Συγκεντρωμένα στη Βιέννη, σε έναν ιδιόμορφο ετερόκλητο συνδυασμό, στοιχεία γερμανικής, ουγγρικής, ιταλικής και σλαβικής κουλτούρας δημιούργησαν αυτό το πλούσιο μουσικό έδαφος πάνω στο οποίο αναπτύχθηκε το δημοκρατικό έργο του Schubert, του Johann Strauss και πολλών άλλων συνθετών. Ο συνδυασμός των γερμανικών εθνικών χαρακτηριστικών με τα ουγγρικά και τα σλαβικά έγινε αργότερα χαρακτηριστικός του Μπραμς, ο οποίος μετακόμισε στη Βιέννη.

Ειδικά για τη μουσική κουλτούρα της Αυστρίας ήταν η εξαιρετικά ευρεία διανομή διαφόρων μορφών διασκεδαστικής μουσικής - σερενάτες, κασσιόν, διαφοροποιήσεις, που κατείχαν εξέχουσα θέση στο έργο των Βιεννέζων κλασικών Χάιντν και Μότσαρτ. Στην εποχή του ρομαντισμού, η σημασία της καθημερινής, διασκεδαστικής μουσικής όχι μόνο διατηρήθηκε, αλλά εντάθηκε ακόμη περισσότερο. Είναι δύσκολο να φανταστεί κανείς, για παράδειγμα, τη δημιουργική εικόνα του Σούμπερτ χωρίς το λαϊκό-οικιακό τζετ που διαπερνά τη μουσική του και που πηγαίνει πίσω σε βιεννέζικα πάρτι, πικνίκ, διακοπές σε πάρκα, σε χαλαρή μουσική δρόμου. Όμως ήδη από την εποχή του Σούμπερτ, άρχισε να παρατηρείται μια διαστρωμάτωση εντός της βιεννέζικης επαγγελματικής μουσικής. Και αν ο ίδιος ο Σούμπερτ συνδύαζε ακόμα στο έργο του συμφωνίες και σονάτες με βαλς και γαιοκτήμονες, που εμφανίστηκαν κυριολεκτικά κατά εκατοντάδες1, καθώς και πορείες, οικοσσές, πολωνέζες, τότε οι σύγχρονοί του Liner και Strauss-πατέρας έκαναν τη χορευτική μουσική τη βάση της δραστηριότητάς τους. Στο μέλλον, αυτή η «πόλωση» βρίσκει έκφραση στη σχέση μεταξύ του έργου δύο συνομηλίκων - του κλασικού χορού και της μουσικής οπερέτας, ο γιος του Γιόχαν Στράους (1825-1899) και του συμφωνιστή Μπρούκνερ (1824-1896).
Όταν συγκρίνουμε την αυστριακή και τη σωστή γερμανική μουσική του 19ου αιώνα, αναπόφευκτα τίθεται το ζήτημα του μουσικού θεάτρου. Στη Γερμανία της εποχής του ρομαντισμού, ξεκινώντας από τον Χόφμαν, η όπερα ήταν υψίστης σημασίας ως είδος ικανό να εκφράσει πλήρως τα επείγοντα προβλήματα του εθνικού πολιτισμού. Και δεν είναι τυχαίο ότι το μουσικό δράμα Wagnerad ήταν μια μεγαλειώδης κατάκτηση του γερμανικού θεάτρου.Στην Αυστρία, οι επανειλημμένες προσπάθειες του Schubert να πετύχει στο θεατρικό πεδίο δεν στέφθηκαν με επιτυχία. ερεθίσματα για σοβαρή όπερα δεν συνέβαλαν στη δημιουργία θεατρικών έργων του «μεγάλου στυλ», αλλά λαϊκές παραστάσεις κωμικού χαρακτήρα - singspiel του Ferdinand Raimund με μουσική των Wenzel Müller και Joseph Drexler, και αργότερα - οικιακό singspiel του θεάτρου του I. N. Nestroya (1801-1862). ) Ως αποτέλεσμα, όχι το μουσικό δράμα, αλλά η βιεννέζικη οπερέτα που προέκυψε τη δεκαετία του '70 καθόρισε τα επιτεύγματα του αυστριακού μουσικού θεάτρου σε πανευρωπαϊκή κλίμακα.
Παρά όλες αυτές και άλλες διαφορές στην ανάπτυξη της αυστριακής και της γερμανικής μουσικής, τα κοινά χαρακτηριστικά στη ρομαντική τέχνη και των δύο χωρών είναι πολύ πιο αισθητά. Ποια είναι τα συγκεκριμένα χαρακτηριστικά που ξεχώρισαν το έργο του Σούμπερτ, του Βέμπερ και των στενότερων διαδόχων τους - Mendelssohn και Schumann - από τη ρομαντική μουσική άλλων ευρωπαϊκών χωρών;
Οι οικείοι, ειλικρινείς στίχοι, που εμπνέονται από την ονειροπόληση, είναι ιδιαίτερα χαρακτηριστικοί για τους Schubert, Weber, Mendelssohn, Schumann. Στη μουσική τους κυριαρχεί αυτή η μελωδική, αμιγώς φωνητικής προέλευσης μελωδία, που συνήθως συνδέεται με την έννοια του γερμανικού “Lied”. Αυτό το ύφος είναι εξίσου χαρακτηριστικό για τραγούδια και πολλά από τα μελωδικά οργανικά θέματα του Σούμπερτ, τις λυρικές άριες όπερας του Βέμπερ, τα «Τραγούδια χωρίς λόγια» του Μέντελσον, τις «εμπζεμπιανές» εικόνες του Σούμαν. Η μελωδία που ενυπάρχει σε αυτό το ύφος, ωστόσο, διαφέρει από τις ειδικά ιταλικές οπερατικές καντιλένες του Μπελίνι, καθώς και από τις επηρεασμένες-δηλωτικές στροφές που χαρακτηρίζουν τους ρομαντικούς Γάλλους (Berlioz, Menerbere).
Σε σύγκριση με τον προοδευτικό γαλλικό ρομαντισμό, που διακρίνεται από αγαλλίαση και αποτελεσματικότητα, γεμάτο εμφύλιο, ηρωικό-επαναστατικό πάθος, ο αυστριακός και ο γερμανικός ρομαντισμός φαίνεται στο σύνολό του πιο στοχαστικός, ενδοσκοπικός, υποκειμενικός-λυρικός. Αλλά η κύρια δύναμή του βρίσκεται στην αποκάλυψη του εσωτερικού κόσμου ενός ανθρώπου, σε αυτόν τον βαθύ ψυχολογισμό, που αποκαλύφθηκε με ιδιαίτερη πληρότητα στην αυστριακή και γερμανική μουσική, προκαλώντας την ακαταμάχητη καλλιτεχνική επίδραση πολλών μουσικών έργων. Αυτό. Ωστόσο, δεν αποκλείει μεμονωμένες έντονες εκδηλώσεις ηρωισμού, πατριωτισμού στο έργο των ρομαντικών της Αυστρίας και της Γερμανίας. Τέτοια είναι η ισχυρή ηρωική-επική συμφωνία στο C-dur του Schubert και μερικά από τα τραγούδια του («To the Charioteer Kronos», «Group from Hell» και άλλα), ο χορωδιακός κύκλος «Lyre and Sword» του Weber (βασισμένο σε ποιήματα του πατριώτη ποιητή T. Kerner «Symphonic Etudes «Schumann, το τραγούδι του «Two Grenadiers»· τέλος, μεμονωμένες ηρωικές σελίδες σε έργα όπως η Σκωτσέζικη Συμφωνία του Mendelssohn (αποθέωση στο φινάλε), το Καρναβάλι του Schumann (φινάλε, η τρίτη του συμφωνία (πρώτο κίνημα Αλλά ο ηρωισμός του σχεδίου του Μπετόβεν, ο τιτανισμός του αγώνα ξαναγεννιούνται πα νέα βάσηαργότερα - στα ηρωικά-επικά μουσικά δράματα του Βάγκνερ. Στα πρώτα κιόλας στάδια του γερμανοαυστριακού ρομαντισμού, μια ενεργή, αποτελεσματική αρχή εκφράζεται πολύ πιο συχνά σε εικόνες αξιολύπητης, ταραγμένης, επαναστατικής, αλλά που δεν αντικατοπτρίζει, όπως στον Μπετόβεν, μια σκόπιμη, νικηφόρα διαδικασία αγώνα. Τέτοια είναι τα τραγούδια του Schubert «Shelter» και «Atlas», οι εικόνες του Florestan για τον Schumann, η ουβερτούρα του «Manfred», η «Rune Blas» του Mendelssohn.

Οι εικόνες της φύσης κατέχουν εξαιρετικά σημαντική θέση στο έργο των Αυστριακών και Γερμανών ρομαντικών συνθετών. Ο «ενσυναίσθητος» ρόλος των εικόνων της φύσης είναι ιδιαίτερα μεγάλος στους φωνητικούς κύκλους του Schubert και στον κύκλο «The Love of a Poet» του Schumann. Το μουσικό τοπίο αναπτύσσεται ευρέως στα συμφωνικά έργα του Μέντελσον. συνδέεται κυρίως με τα θαλάσσια στοιχεία («Σκοτσέζικη Συμφωνία», ουβερτούρες «Hebrides-», «Sea Quiet and Happy Sailing»). Αλλά ένα χαρακτηριστικό γερμανικό χαρακτηριστικό των εικόνων τοπίων ήταν εκείνο το "δασικό ρομάντζο" που ενσωματώνεται τόσο ποιητικά στις εισαγωγές των προτάσεων του Βέμπερ στο "The Magic Shooter" και "Oberon", στο "Nocturne" από τη μουσική του Mendelssohn μέχρι την κωμωδία του Σαίξπηρ "A Midsummer Night's Ονειρο". Από εδώ σύρονται νήματα σε τέτοιες συμφωνίες του Μπρούκνερ όπως η τέταρτη («Ρομαντική») και η έβδομη, στο συμφωνικό τοπίο «Το θρόισμα του δάσους» στην τετραλογία του Βάγκνερ, στην εικόνα του δάσους στην πρώτη συμφωνία του Μάλερ.
Η ρομαντική λαχτάρα για το ιδανικό στη γερμανοαυστριακή μουσική βρίσκει μια συγκεκριμένη έκφραση, ιδίως στο θέμα της περιπλάνησης, της αναζήτησης της ευτυχίας σε μια άλλη, άγνωστη χώρα. Αυτό φάνηκε πιο ξεκάθαρα στο έργο του Schubert ("The Wanderer", "The Beautiful Miller's Woman", "The Winter Road") και αργότερα στον Wagner στις εικόνες του Ιπτάμενου Ολλανδού, του Wotan του Ταξιδιώτη και του περιπλανώμενου Siegfried . Αυτή η παράδοση στη δεκαετία του '80 οδηγεί στον κύκλο του Μάλερ «Τραγούδια του ταξιδιώτη μαθητευόμενου».
Ένας μεγάλος χώρος αφιερωμένος σε φανταστικές εικόνες είναι επίσης ένα τυπικό εθνικό χαρακτηριστικό του γερμανοαυστριακού ρομαντισμού (είχε άμεσο αντίκτυπο στον Γάλλο ρομαντικό Μπερλιόζ). Αυτή είναι, πρώτον, η φαντασίωση του κακού, ο Δαιμονισμός, που βρήκε την πιο ζωντανή ενσάρκωσή του στη Σιένα στην Κοιλάδα των Λύκων από την όπερα του Βέμπερ Ο Μαγικός Σκοπευτής, στο Βαμπίρ του Μάρσνερ, στην Καντάτα της Νύχτας Walpurgis του Μέντελσον και σε μια σειρά από άλλα έργα. Δεύτερον, η φαντασία είναι ανάλαφρη, διακριτικά ποιητική, που συγχωνεύεται με όμορφες, ενθουσιώδεις εικόνες της φύσης: σκηνές στο Oberon του Weber, το Όνειρο καλοκαιρινής νύχτας του Mendelssohn και μετά την εικόνα του Lohengrin του Wagner, του αγγελιοφόρου του Δισκοπότηρου. Ένα ενδιάμεσο μέρος εδώ ανήκει σε πολλές από τις εικόνες του Schumann, όπου η φαντασία ενσαρκώνει μια υπέροχη, παράξενη αρχή, χωρίς ιδιαίτερη έμφαση στο πρόβλημα του κακού και του καλού.
Στον τομέα της μουσικής γλώσσας, ο αυστριακός και ο γερμανικός ρομαντισμός αποτέλεσαν μια ολόκληρη εποχή, εξαιρετικά σημαντική από τη σκοπιά της γενικής εξέλιξης των εκφραστικών μέσων της τέχνης. Χωρίς να σταθούμε στην πρωτοτυπία του στυλ κάθε μεγάλου συνθέτη ξεχωριστά, σημειώνουμε τα πιο κοινά χαρακτηριστικά και τάσεις.

Η ευρέως εφαρμοσμένη αρχή του «τραγουδιού» - μια τυπική γενική τάση στη δουλειά των ρομαντικών συνθετών - επεκτείνεται και στην ενόργανη μουσική τους. Επιτυγχάνει μεγαλύτερη εξατομίκευση της μελωδίας μέσω ενός χαρακτηριστικού συνδυασμού πραγματικά τραγουδιού και αποκωδικοποιητικών στροφών, τραγουδιού θεμελίων, χρωματισμού κ.λπ. Η αρμονική γλώσσα εμπλουτίζεται: οι τυπικές αρμονικές φόρμουλες των κλασικών αντικαθίστανται από μια πιο ευέλικτη και ποικιλόμορφη αρμονία, ο ρόλος της πλαγιαστικότητας, τα πλευρικά βήματα της λειτουργίας αυξάνεται. Η πολύχρωμη πλευρά του έχει μεγάλη σημασία σε αρμονία. Χαρακτηριστική είναι επίσης η σταδιακά αυξανόμενη αλληλοδιείσδυση μείζονος και ελάσσονος. Έτσι, από τον Schubert, στην ουσία, προέρχεται η παράδοση των ομώνυμων αντιπαραθέσεων μείζονος-ελάσσονος (συχνότερα μείζονος μετά ελάσσονος), αφού αυτή έχει γίνει αγαπημένη τεχνική στο έργο του. Το πεδίο εφαρμογής της αρμονικής μείζονος σημασίας διευρύνεται (οι δευτερεύουσες υποκυρίαρχες είναι ιδιαίτερα χαρακτηριστικές στους ρυθμούς των μεγάλων έργων). Σε σχέση με την έμφαση στο άτομο, την αποκάλυψη των λεπτών λεπτομερειών της εικόνας, υπάρχουν επίσης κατακτήσεις στον τομέα της ενορχήστρωσης (η σημασία ενός συγκεκριμένου χρώματος ηχοχρώματος, ο αυξανόμενος ρόλος των σόλο οργάνων, η προσοχή σε νέες εκτελεστικές πινελιές εγχόρδων κ.λπ. ). Αλλά η ίδια η ορχήστρα βασικά δεν αλλάζει ακόμη την κλασική της σύνθεση.
Οι Γερμανοί και οι Αυστριακοί ρομαντικοί ήταν σε μεγαλύτερο βαθμό οι ιδρυτές του ρομαντικού προγραμματισμού (ο Μπερλιόζ μπορούσε επίσης να βασιστεί στα επιτεύγματά τους στη Φανταστική Συμφωνία του). Και παρόλο που ο προγραμματισμός ως τέτοιος, όπως φαίνεται, δεν είναι χαρακτηριστικό του Αυστριακού ρομαντικού Σούμπερτ, αλλά ο κορεσμός του πιάνου μέρους των τραγουδιών του με εικονογραφικές στιγμές, η παρουσία στοιχείων κρυφού προγραμματισμού στη δραματουργία των κύριων οργανικών συνθέσεων του. καθόρισε τη σημαντική συμβολή του συνθέτη στην ανάπτυξη προγραμματικών αρχών στη μουσική. Μεταξύ των γερμανών ρομαντικών, υπάρχει ήδη έντονη επιθυμία για προγραμματική μουσική τόσο στη μουσική για πιάνο («Πρόσκληση για χορό», «Κονσέρτο» του Βέμπερ, κύκλοι σουίτας του Σούμαν, «Τραγούδια χωρίς λόγια» του Μέντελσον), όσο και στη συμφωνική μουσική (υβερτούρες όπερας του Βέμπερ , οβερτούρες συναυλιών, ο Μέντελσον , οβερτούρα «Μάνφρεντ» του Σούμαν).
Ο ρόλος των Αυστριακών και Γερμανών ρομαντικών στη δημιουργία νέων αρχών σύνθεσης είναι μεγάλος. Οι κύκλοι σονάτας-συμφωνίας των κλασικών αντικαθίστανται από οργανικές μινιατούρες. Η κυκλοποίηση των μινιατούρων, σαφώς αναπτυγμένη στον τομέα των φωνητικών στίχων από τον Schubert, μεταφέρεται στην ενόργανη μουσική (Schumann). Υπάρχουν επίσης μεγάλες συνθέσεις μονής κίνησης που συνδυάζουν τις αρχές της σονάτας και της κυκλικότητας (η φαντασίωση για πιάνο του Schubert στο C-dur, το "Concertpiece" του Weber, το πρώτο μέρος της φαντασίας του Schumann στο C-dur). Οι σονάτα-συμφωνικοί κύκλοι, με τη σειρά τους, υφίστανται σημαντικές αλλαγές μεταξύ των ρομαντικών, υπάρχουν ΔΙΑΦΟΡΕΤΙΚΟΙ ΤΥΠΟΙΡομαντική Σονάτα, Ρομαντική Συμφωνία. Ωστόσο, το κύριο επίτευγμα ήταν μια νέα ποιότητα μουσικής σκέψης, η οποία οδήγησε στη δημιουργία μινιατούρων πλήρους περιεχομένου και δύναμης εκφραστικότητας - αυτή η ειδική συγκέντρωση μουσικής έκφρασης που έκανε ένα ξεχωριστό τραγούδι ή ένα κομμάτι πιάνου μιας κίνησης στο επίκεντρο των βαθιών ιδέες και εμπειρίες.

Επικεφαλής του ταχέως αναπτυσσόμενου αυστριακού και γερμανικού ρομαντισμού στο πρώτο μισό του 19ου αιώνα ήταν άτομα που όχι μόνο ήταν εξαιρετικά προικισμένα, αλλά και προηγμένα στις απόψεις και τις φιλοδοξίες τους. Αυτό καθόρισε τη διαρκή σημασία της μουσικής τους δημιουργικότητας, τη σημασία της ως «νέου κλασικού», κάτι που έγινε σαφές στα τέλη του αιώνα, όταν τα κλασικά μουσικά κομμάτια των γερμανόφωνων χωρών εκπροσωπούνταν, στην ουσία, όχι μόνο από τους μεγάλους συνθέτες του 18ου αιώνα και ο Μπετόβεν, αλλά και από μεγάλους ρομαντικούς - Σούμπερτ , Σούμαν, Βέμπερ, Μέντελσον. Αυτοί οι αξιόλογοι εκπρόσωποι του μουσικού ρομαντισμού, τιμώντας βαθιά τους προκατόχους τους και αναπτύσσοντας πολλά από τα επιτεύγματά τους, μπόρεσαν ταυτόχρονα να ανακαλύψουν έναν εντελώς νέο κόσμο μουσικών εικόνων και συνθετικών μορφών που τους αντιστοιχούσαν. Ο προσωπικός τόνος που κυριαρχούσε στη δουλειά τους αποδείχθηκε ότι ήταν συντονισμένος με τις διαθέσεις και τις σκέψεις των δημοκρατικών μαζών. Επιβεβαίωσαν στη μουσική αυτόν τον χαρακτήρα εκφραστικότητας, που εύστοχα περιγράφεται από τον B. V. Asafiev ως «ζωντανός επικοινωνιακός λόγος, από καρδιά σε καρδιά» και που κάνει τους Schubert και Schumann να συγγενεύουν με τον Chopin, τον Grieg, τον Tchaikovsky και τον Verdi. Ο Asafiev έγραψε για την ανθρωπιστική αξία της ρομαντικής μουσικής τάσης: «Η προσωπική συνείδηση ​​δεν εκδηλώνεται στην απομονωμένη περήφανη απομόνωση της, αλλά σε ένα είδος καλλιτεχνικής αντανάκλασης όλων όσων ζουν οι άνθρωποι και που τους ανησυχεί πάντα και αναπόφευκτα. Με τέτοια απλότητα, ακούγονται πάντα όμορφες σκέψεις και σκέψεις για τη ζωή - η συγκέντρωση του καλύτερου που υπάρχει σε έναν άνθρωπο.

Ρομαντισμός στη μουσική

Κύριο άρθρο: Μουσική της ρομαντικής περιόδου

Στη μουσική αναπτύχθηκε η κατεύθυνση του ρομαντισμού 1820 χρόνια, η ανάπτυξή του πήρε το σύνολο XIXαιώνας. Οι ρομαντικοί συνθέτες προσπάθησαν να εκφράσουν το βάθος και τον πλούτο του εσωτερικού κόσμου ενός ανθρώπου με τη βοήθεια μουσικών μέσων. Η μουσική γίνεται πιο ανάγλυφη, ατομική. Τα είδη τραγουδιών αναπτύσσονται, συμπεριλαμβανομένων μπαλάντα.

Εκπρόσωποι του ρομαντισμού στη μουσική είναι: στο Αυστρία - Φραντς Σούμπερτ; v Γερμανία - Ernest Theodor Hoffmann, Καρλ Μαρία Βέμπερ,Ρίτσαρντ Βάγκνερ, Φέλιξ Μέντελσον, Ρόμπερτ Σούμαν, Ludwig Spohr; v Ιταλία - Νικολό Παγκανίνι, Βιντσέντζο Μπελίνι, νωρίς Τζουζέπε Βέρντι; σε Γαλλία - Γ. Μπερλιόζ, D. F. Ober, J. Meyerbeer; v Πολωνία - Φρεντερίκ Σοπέν; v Ουγγαρία - Φραντς Λιστ.

Στη Ρωσία, σύμφωνα με τον ρομαντισμό, εργάστηκαν A. A. Alyabiev, Μ. Ι. Γκλίνκα, Dargomyzhsky, Μπαλακίρεφ, N. A. Rimsky-Korsakov, Μουσόργκσκι,Μποροντίν, Cui, P. I. Tchaikovsky.

Η ιδέα της σύνθεσης τέχνης βρήκε έκφραση στην ιδεολογία και την πρακτική του ρομαντισμού. Ο ρομαντισμός στη μουσική διαμορφώθηκε στη δεκαετία του 20 του 19ου αιώνα υπό την επίδραση της λογοτεχνίας του ρομαντισμού και αναπτύχθηκε σε στενή σχέση με αυτήν, με τη λογοτεχνία γενικότερα (στροφή σε συνθετικά είδη, κυρίως όπερα, τραγούδι, οργανικές μινιατούρες και μουσικό προγραμματισμό). Η έλξη στον εσωτερικό κόσμο ενός ατόμου, χαρακτηριστικό του ρομαντισμού, εκφράστηκε στη λατρεία του υποκειμενικού, τη λαχτάρα για το συναισθηματικά έντονο, που καθόρισε την πρωτοκαθεδρία της μουσικής και του στίχου στον ρομαντισμό.

Μουσική του 1ου μισού του 19ου αιώνα. εξελίχθηκε γρήγορα. Μια νέα μουσική γλώσσα εμφανίστηκε. στην ενόργανη και τη φωνητική δωματίου, η μινιατούρα έλαβε μια ιδιαίτερη θέση. η ορχήστρα ακουγόταν με ποικίλο φάσμα χρωμάτων. Οι δυνατότητες του πιάνου και του βιολιού αποκαλύφθηκαν με έναν νέο τρόπο. η μουσική των ρομαντικών ήταν πολύ βιρτουόζικη.

Ο μουσικός ρομαντισμός εκδηλώθηκε σε πολλούς διαφορετικούς κλάδους που συνδέονται με διαφορετικούς εθνικούς πολιτισμούς και με διαφορετικά κοινωνικά κινήματα. Έτσι, για παράδειγμα, το οικείο, λυρικό ύφος των Γερμανών ρομαντικών και το «ορατορικό» αστικό πάθος, χαρακτηριστικό του έργου των Γάλλων συνθετών, διαφέρουν σημαντικά. Με τη σειρά τους, εκπρόσωποι νέων εθνικών σχολείων που προέκυψαν στη βάση ενός ευρέος εθνικοαπελευθερωτικού κινήματος (Chopin, Moniuszko, Dvorak, Smetana, Grieg), καθώς και εκπρόσωποι της ιταλικής σχολής όπερας, που συνδέονται στενά με το κίνημα Risorgimento (Verdi, Bellini), διαφέρουν κατά πολλούς τρόπους από τους σύγχρονους στη Γερμανία, την Αυστρία ή τη Γαλλία, ιδίως την τάση διατήρησης των κλασικών παραδόσεων.

Ωστόσο, όλα αυτά χαρακτηρίζονται από κάποιες γενικές καλλιτεχνικές αρχές που μας επιτρέπουν να μιλάμε για μια ενιαία ρομαντική δομή σκέψης.

Χάρη στην ιδιαίτερη ικανότητα της μουσικής να αποκαλύπτει βαθιά και διεισδυτικά τον πλούσιο κόσμο των ανθρώπινων εμπειριών, τέθηκε στην πρώτη θέση μεταξύ άλλων τεχνών από τη ρομαντική αισθητική. Πολλοί ρομαντικοί τόνισαν μια διαισθητική αρχή στη μουσική, αποδίδοντάς της την ιδιότητα να εκφράζει το «άγνωστο». Το έργο των εξαιρετικών ρομαντικών συνθετών είχε μια ισχυρή ρεαλιστική βάση. ενδιαφέρον για τη ζωή απλοί άνθρωποι, η πληρότητα της ζωής και η αλήθεια των συναισθημάτων, η εξάρτηση από τη μουσική της καθημερινότητας καθόρισε τον ρεαλισμό του έργου των καλύτερων εκπροσώπων του μουσικού ρομαντισμού. Οι αντιδραστικές τάσεις (μυστικισμός, φυγή από την πραγματικότητα) είναι εγγενείς μόνο σε έναν σχετικά μικρό αριθμό έργων ρομαντικών. Εμφανίστηκαν εν μέρει στην όπερα Euryanta του Βέμπερ (1823), σε ορισμένα μουσικά δράματα του Βάγκνερ, στο ορατόριο Χριστός του Λιστ (1862) κ.λπ.

Στις αρχές του 19ου αιώνα, εμφανίστηκαν θεμελιώδεις μελέτες της λαογραφίας, της ιστορίας, της αρχαίας λογοτεχνίας, οι μεσαιωνικοί θρύλοι, η γοτθική τέχνη και ο πολιτισμός της Αναγέννησης που είχε ξεχαστεί αναστήθηκαν. Ήταν εκείνη την εποχή που αναπτύχθηκαν πολλά εθνικά σχολεία ειδικού τύπου στο έργο του συνθέτη της Ευρώπης, τα οποία έμελλε να διευρύνουν σημαντικά τα όρια του κοινού ευρωπαϊκού πολιτισμού. Ρωσική, η οποία σύντομα πήρε, αν όχι την πρώτη, τότε μία από τις πρώτες θέσεις στην παγκόσμια πολιτιστική δημιουργικότητα (Glinka, Dargomyzhsky, "Kuchkists", Tchaikovsky), Πολωνικά (Chopin, Moniuszko), Τσέχικα (Sour Cream, Dvorak), Ουγγρικά ( Λίστα), στη συνέχεια Νορβηγικά (Grieg), Ισπανικά (Pedrel), Φινλανδικά (Sibelius), Αγγλικά (Elgar) - όλα αυτά, που συγχωνεύονται στο γενικό ρεύμα του έργου του συνθέτη στην Ευρώπη, δεν αντιτάχθηκαν σε καμία περίπτωση στις καθιερωμένες αρχαίες παραδόσεις . Ένας νέος κύκλος εικόνων αναδύθηκε, που εξέφραζε τα μοναδικά εθνικά χαρακτηριστικά του εθνικού πολιτισμού στον οποίο ανήκε ο συνθέτης. Η δομή του τονισμού του έργου σας επιτρέπει να αναγνωρίσετε αμέσως από το αυτί ότι ανήκει σε ένα συγκεκριμένο εθνικό σχολείο.

Οι συνθέτες εμπλέκουν στην κοινή ευρωπαϊκή μουσική γλώσσα τις τονικές στροφές της παλιάς, κυρίως αγροτικής λαογραφίας των χωρών τους. Καθάρισαν, σαν να λέγαμε, το ρωσικό λαϊκό τραγούδι από την λουστραρισμένη όπερα, εισήγαγαν στο κοσμοπολίτικο σύστημα τονισμού του 18ου αιώνα στροφές τραγουδιών λαϊκών ειδών. Το πιο εντυπωσιακό φαινόμενο στη μουσική του ρομαντισμού, που γίνεται ιδιαίτερα έντονα αντιληπτό σε σύγκριση με την εικονιστική σφαίρα του κλασικισμού, είναι η κυριαρχία της λυρικο-ψυχολογικής αρχής. Φυσικά, χαρακτηριστικό γνώρισμα της μουσικής τέχνης γενικότερα είναι η διάθλαση κάθε φαινομένου μέσα από τη σφαίρα των συναισθημάτων. Η μουσική όλων των εποχών υπόκειται σε αυτό το μοτίβο. Αλλά οι ρομαντικοί ξεπέρασαν όλους τους προκατόχους τους στην αξία της λυρικής αρχής στη μουσική τους, στη δύναμη και την τελειότητα στη μεταφορά του βάθους του εσωτερικού κόσμου ενός ανθρώπου, των πιο λεπτών αποχρώσεων της διάθεσης.

Το θέμα της αγάπης κατέχει κυρίαρχη θέση σε αυτό, γιατί αυτή η κατάσταση του νου είναι που αντικατοπτρίζει πιο ολοκληρωμένα και πλήρως όλα τα βάθη και τις αποχρώσεις της ανθρώπινης ψυχής. Είναι όμως άκρως χαρακτηριστικό ότι αυτό το θέμα δεν περιορίζεται στα κίνητρα της αγάπης με την κυριολεκτική έννοια του όρου, αλλά ταυτίζεται με το ευρύτερο φάσμα φαινομένων. Οι αμιγώς λυρικές εμπειρίες των χαρακτήρων αποκαλύπτονται με φόντο ένα ευρύ ιστορικό πανόραμα. Η αγάπη ενός ανθρώπου για το σπίτι του, για την πατρίδα του, για τους ανθρώπους του διατρέχει σαν νήμα το έργο όλων των ρομαντικών συνθετών.

Τεράστια θέση δίνεται στα μουσικά έργα μικρών και μεγάλων μορφών στην εικόνα της φύσης, στενά και άρρηκτα συνυφασμένη με το θέμα της λυρικής εξομολόγησης. Όπως οι εικόνες της αγάπης, η εικόνα της φύσης προσωποποιεί τη νοητική κατάσταση του ήρωα, τόσο συχνά χρωματισμένη από μια αίσθηση δυσαρμονίας με την πραγματικότητα.

Το θέμα της φαντασίας συχνά ανταγωνίζεται τις εικόνες της φύσης, που πιθανώς δημιουργείται από την επιθυμία να ξεφύγουμε από την αιχμαλωσία της πραγματικής ζωής. Χαρακτηριστική για τους ρομαντικούς ήταν η αναζήτηση μιας υπέροχης, αστραφτερής από τον πλούτο των χρωμάτων του κόσμου, αντίθετη με τη γκρίζα καθημερινότητα. Αυτά τα χρόνια ήταν που η λογοτεχνία εμπλουτίστηκε με παραμύθια, μπαλάντες Ρώσων συγγραφέων. Μεταξύ των συνθετών της ρομαντικής σχολής, οι υπέροχες, φανταστικές εικόνες αποκτούν έναν εθνικό μοναδικό χρωματισμό. Οι μπαλάντες είναι εμπνευσμένες από Ρώσους συγγραφείς και χάρη σε αυτό δημιουργούνται έργα ενός φανταστικού γκροτέσκου σχεδίου, που συμβολίζουν, σαν να λέγαμε, τη λάθος πλευρά της πίστης, προσπαθώντας να αντιστρέψουν τις ιδέες του φόβου για τις δυνάμεις του κακού.

Πολλοί ρομαντικοί συνθέτες έδρασαν επίσης ως μουσικοί συγγραφείς και κριτικοί (Weber, Berlioz, Wagner, Liszt κ.λπ.). Το θεωρητικό έργο των εκπροσώπων του προοδευτικού ρομαντισμού συνέβαλε πολύ σημαντικά στην ανάπτυξη των σημαντικότερων ζητημάτων της μουσικής τέχνης. Ο ρομαντισμός βρήκε έκφραση και στις τέχνες του θεάματος (ο βιολονίστας Paganini, ο τραγουδιστής A. Nurri κ.ά.).

Το προοδευτικό νόημα του ρομαντισμού σε αυτή την περίοδο έγκειται κυρίως στη δραστηριότητα Φραντς Λιστ. Το έργο του Λιστ, παρά την αντιφατική κοσμοθεωρία, ήταν κατά βάση προοδευτικό, ρεαλιστικό. Ένας από τους ιδρυτές και κλασικούς της ουγγρικής μουσικής, ένας εξαιρετικός εθνικός καλλιτέχνης.

Τα ουγγρικά εθνικά θέματα αντικατοπτρίζονται ευρέως σε πολλά από τα έργα του Λιστ. Οι ρομαντικές, βιρτουόζες συνθέσεις του Λιστ διεύρυναν τις τεχνικές και εκφραστικές δυνατότητες του παιξίματος πιάνου (κονσέρτα, σονάτες). Σημαντικές ήταν οι διασυνδέσεις του Λιστ με εκπροσώπους της ρωσικής μουσικής, τα έργα των οποίων προώθησε ενεργά.

Παράλληλα, ο Λιστ έπαιξε μεγάλο ρόλο στην ανάπτυξη της παγκόσμιας μουσικής τέχνης. Μετά τον Λιστ, «όλα έγιναν δυνατά για το πιάνοφόρτε». Ειδικά χαρακτηριστικάη μουσική του - αυτοσχεδιασμός, ρομαντική αγαλλίαση συναισθημάτων, εκφραστική μελωδία. Ο Λιστ εκτιμάται ως συνθέτης, ερμηνευτής, μουσική φιγούρα. Τα κυριότερα έργα του συνθέτη: όπερα " Ο Δον Σάντσο ή το κάστρο της αγάπης"(1825), 13 συμφωνικά ποιήματα" Τάσο”, ” Προμηθέας”, “Χωριουδάκι” και άλλα, έργα για ορχήστρα, 2 κοντσέρτα για πιάνο και ορχήστρα, 75 ειδύλλια, χορωδίες και άλλα εξίσου γνωστά έργα.

Μια από τις πρώτες εκδηλώσεις του ρομαντισμού στη μουσική ήταν η δημιουργικότητα Φραντς Σούμπερτ(1797-1828). Ο Σούμπερτ μπήκε στην ιστορία της μουσικής ως ο μεγαλύτερος από τους ιδρυτές του μουσικού ρομαντισμού και ο δημιουργός μιας σειράς νέων ειδών: ρομαντική συμφωνία, μινιατούρα πιάνου, λυρικό-ρομαντικό τραγούδι (ρομάντζο). Το πιο σημαντικό στη δουλειά του είναι τραγούδι,στην οποία έδειξε ιδιαίτερα πολλές καινοτόμες τάσεις. Στα τραγούδια του Schubert, ο εσωτερικός κόσμος ενός ατόμου αποκαλύπτεται πιο βαθιά, η χαρακτηριστική του σχέση με τη λαϊκή μουσική είναι πιο αισθητή, ένα από τα πιο σημαντικά χαρακτηριστικά του ταλέντου του εκδηλώνεται περισσότερο - η εκπληκτική ποικιλία, η ομορφιά, η γοητεία των μελωδιών. Τα καλύτερα τραγούδια της πρώιμης περιόδου είναι « Η Μαργαρίτα στον περιστρεφόμενο τροχό”(1814) , “βασιλιάς του δάσους". Και τα δύο τραγούδια είναι γραμμένα στα λόγια του Γκαίτε. Στο πρώτο από αυτά, η εγκαταλελειμμένη κοπέλα θυμάται τον αγαπημένο της. Είναι μοναχική και υποφέρει βαθιά, το τραγούδι της είναι λυπημένο. Μια απλή και ειλικρινής μελωδία αντηχεί μόνο το μονότονο βουητό του αεριού. «Ο Βασιλιάς του Δάσους» είναι ένα σύνθετο έργο. Αυτό δεν είναι τραγούδι, αλλά μάλλον μια δραματική σκηνή όπου τρεις χαρακτήρες εμφανίζονται μπροστά μας: ένας πατέρας που καβαλάει ένα άλογο μέσα στο δάσος, ένα άρρωστο παιδί που κουβαλάει μαζί του και ένας τρομερός βασιλιάς του δάσους που εμφανίζεται σε ένα αγόρι σε πυρετώδη παραλήρημα. Καθένα από αυτά έχει τη δική του μελωδική γλώσσα. Τα τραγούδια του Schubert "Trout", "Barcarolle", "Morning Serenade" δεν είναι λιγότερο διάσημα και αγαπημένα. Γραπτά τα τελευταία χρόνια, αυτά τα τραγούδια είναι αξιοσημείωτα για την εκπληκτικά απλή και εκφραστική μελωδία και τα φρέσκα χρώματα τους.

Ο Σούμπερτ έγραψε επίσης δύο κύκλους τραγουδιών - " όμορφος μυλωνάς"(1823) και" χειμερινό μονοπάτι"(1872) - στα λόγια του Γερμανού ποιητή Wilhelm Müller. Σε καθένα από αυτά τα τραγούδια ενώνονται από μια πλοκή. Τα τραγούδια του κύκλου "The Beautiful Miller's Woman" μιλάνε για ένα νεαρό αγόρι. Ακολουθώντας την πορεία του ρέματος, ξεκινά ένα ταξίδι για να αναζητήσει την ευτυχία του. Τα περισσότερα τραγούδια αυτού του κύκλου έχουν ανάλαφρο χαρακτήρα. Η διάθεση του κύκλου «Winter Way» είναι εντελώς διαφορετική. Ένας φτωχός νέος απορρίπτεται από μια πλούσια νύφη. Σε απόγνωση, εγκαταλείπει την πατρίδα του και πηγαίνει να περιπλανηθεί στον κόσμο. Οι σύντροφοί του είναι ο άνεμος, μια χιονοθύελλα, ένα δυσοίωνο κοράκι.

Τα λίγα παραδείγματα που δίνονται εδώ μας επιτρέπουν να μιλήσουμε για τα χαρακτηριστικά της τραγουδοποιίας του Σούμπερτ.

Ο Σούμπερτ αγαπούσε να γράφει μουσική για πιάνο. Για αυτό το όργανο, έγραψε έναν τεράστιο αριθμό έργων. Όπως τα τραγούδια, τα έργα του για πιάνο ήταν κοντά στην καθημερινή μουσική και το ίδιο απλά και κατανοητά. Τα αγαπημένα είδη των συνθέσεων του ήταν οι χοροί, οι πορείες και τα τελευταία χρόνια της ζωής του - αυτοσχέδια.

Τα βαλς και άλλοι χοροί εμφανίζονταν συνήθως στις μπάλες του Σούμπερτ, σε εξοχικούς περιπάτους. Εκεί τα αυτοσχεδίασε, και τα ηχογράφησε στο σπίτι.

Αν συγκρίνουμε τα κομμάτια για πιάνο του Σούμπερτ με τα τραγούδια του, μπορούμε να βρούμε πολλές ομοιότητες. Πρώτα απ 'όλα, είναι μια μεγάλη μελωδική εκφραστικότητα, χάρη, πολύχρωμη αντιπαράθεση μείζονος και ελάσσονος.

Ενα από τα μεγαλύτερα γαλλική γλώσσα συνθέτες του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα Ζορζ Μπιζέ, ο δημιουργός μιας αθάνατης δημιουργίας για το μουσικό θέατρο - όπερες “Κάρμεν"και υπέροχη μουσική για το δράμα του Alphonse Daudet" Αρλεσιανός”.

Το έργο του Bizet χαρακτηρίζεται από ακρίβεια και σαφήνεια σκέψης, καινοτομία και φρεσκάδα των εκφραστικών μέσων, πληρότητα και κομψότητα της φόρμας. Το Bizet χαρακτηρίζεται από την οξύτητα της ψυχολογικής ανάλυσης στην κατανόηση των ανθρώπινων συναισθημάτων και πράξεων, που είναι χαρακτηριστικό του έργου των μεγάλων συμπατριωτών του συνθέτη - των συγγραφέων Balzac, Flaubert, Maupassant. Η κεντρική θέση στο έργο του Bizet, ποικιλόμορφο σε είδη, ανήκει στην όπερα. Η οπερατική τέχνη του συνθέτη αναδύθηκε σε εθνικό έδαφος και γαλουχήθηκε από τις παραδόσεις της γαλλικής όπερας. Ο Bizet θεώρησε ως πρώτο καθήκον στο έργο του να ξεπεράσει τους περιορισμούς του είδους που υπάρχουν στη γαλλική όπερα, οι οποίοι εμποδίζουν την ανάπτυξή της. Η «μεγάλη» όπερα του φαίνεται νεκρό είδος, η λυρική όπερα ερεθίζει με τη δακρύβρεχτη και τη μικροαστική στενόμυαλη της, το κόμικ αξίζει περισσότερο από άλλα. Για πρώτη φορά στην όπερα του Bizet εμφανίζονται ζουμερές και ζωηρές εγχώριες και μαζικές σκηνές που προσδοκούν τη ζωή και τις ζωηρές σκηνές.

Η μουσική του Bizet για το δράμα του Alphonse Daudet «ΑρλεσιανόςΕίναι γνωστή κυρίως για δύο σουίτες συναυλιών που αποτελούνται από τα καλύτερα νούμερά της. Η Bizet χρησιμοποίησε μερικές αυθεντικές Προβηγκιανές μελωδίες : «Πορεία των Τριών Βασιλιάδων» και «Χορός φρικιασμένων αλόγων».

Η όπερα του Μπιζέ Κάρμεν”- ένα μουσικό δράμα που ξετυλίγεται μπροστά στο κοινό με πειστική αλήθεια και με σαγηνευτική καλλιτεχνική δύναμη την ιστορία του έρωτα και του θανάτου των ηρώων του: του στρατιώτη Χοσέ και της τσιγγάνας Κάρμεν. Η Opera Carmen δημιουργήθηκε με βάση τις παραδόσεις του γαλλικού μουσικού θεάτρου, αλλά ταυτόχρονα εισήγαγε και πολλά νέα πράγματα. Βασισμένος στα καλύτερα επιτεύγματα της εθνικής όπερας και αναμορφώνοντας τα πιο σημαντικά στοιχεία της, ο Bizet δημιούργησε ένα νέο είδος - ένα ρεαλιστικό μουσικό δράμα.

Στην ιστορία της όπερας του 19ου αιώνα, η όπερα Κάρμεν καταλαμβάνει μία από τις πρώτες θέσεις. Από το 1876 ξεκίνησε η θριαμβευτική της πομπή στις σκηνές των όπερων της Βιέννης, των Βρυξελλών και του Λονδίνου.

Η εκδήλωση της προσωπικής σχέσης με το περιβάλλον εκφράστηκε από ποιητές και μουσικούς, πρώτα απ' όλα, με αμεσότητα, συναισθηματικό «άνοιγμα» και πάθος έκφρασης, σε μια προσπάθεια να πείσουν τον ακροατή με τη βοήθεια της αδιάκοπης έντασης του τόνου. αναγνώριση ή ομολογία.

Αυτές οι νέες τάσεις στην τέχνη είχαν καθοριστική επίδραση στην ανάδυση λυρική όπερα. Προέκυψε ως αντίθεση της «μεγάλης» και της κωμικής όπερας, αλλά δεν μπορούσε να περάσει από τις κατακτήσεις και τα επιτεύγματά τους στον τομέα της οπερατικής δραματουργίας και των μέσων μουσικής έκφρασης.

Ένα ιδιαίτερο χαρακτηριστικό του νέου είδους όπερας ήταν η λυρική ερμηνεία κάθε λογοτεχνικής πλοκής - σε ένα ιστορικό, φιλοσοφικό ή σύγχρονο θέμα. Οι ήρωες της λυρικής όπερας είναι προικισμένοι με τα χαρακτηριστικά των απλών ανθρώπων, που στερούνται αποκλειστικότητας και κάποιου υπερβολισμού, χαρακτηριστικά μιας ρομαντικής όπερας. Ο σημαντικότερος καλλιτέχνης στο χώρο της λυρικής όπερας ήταν Charles Gounod.

Μεταξύ της αρκετά πολυάριθμης οπερατικής κληρονομιάς του Γκουνό, η όπερα « Φάουστ" κατέχει μια ξεχωριστή και, θα έλεγε κανείς, εξαιρετική θέση. Η παγκόσμια φήμη και δημοτικότητά της είναι απαράμιλλη από τις άλλες όπερες της Gounod. Η ιστορική σημασία της όπερας Faust είναι ιδιαίτερα μεγάλη γιατί δεν ήταν μόνο η καλύτερη, αλλά στην ουσία η πρώτη μεταξύ των όπερων της νέας σκηνοθεσίας, για την οποία ο Τσαϊκόφσκι έγραψε: «Είναι αδύνατο να αρνηθούμε ότι ο Φάουστ γράφτηκε, αν όχι με ιδιοφυΐα, τότε με εξαιρετική ικανότητα και χωρίς σημαντική ταυτότητα». Στην εικόνα του Φάουστ εξομαλύνεται η έντονη ασυνέπεια και η «διχασμός» της συνείδησής του, η αιώνια δυσαρέσκεια που προκαλείται από την επιθυμία να γνωρίσει τον κόσμο. Ο Γκουνό δεν μπορούσε να μεταφέρει όλη την ευελιξία και την πολυπλοκότητα της εικόνας του Μεφιστοφελή του Γκαίτε, ο οποίος ενσάρκωσε το πνεύμα της μαχητικής κριτικής εκείνης της εποχής.

Ένας από τους κύριους λόγους για τη δημοτικότητα του «Φάουστ» ήταν ότι συγκέντρωνε τα καλύτερα και θεμελιωδώς νέα χαρακτηριστικά του νεανικού είδους της λυρικής όπερας: μια συναισθηματικά άμεση και ζωντανή ατομική μεταφορά του εσωτερικού κόσμου των χαρακτήρων της όπερας. Το βαθύ φιλοσοφικό νόημα του Φάουστ του Γκαίτε, που προσπάθησε να αποκαλύψει τα ιστορικά και κοινωνικά πεπρωμένα όλης της ανθρωπότητας με το παράδειγμα της σύγκρουσης των κύριων χαρακτήρων, ενσαρκώθηκε από τον Γκουνό με τη μορφή ενός ανθρώπινου λυρικού δράματος της Μαργκερίτας και του Φάουστ.

Γάλλος συνθέτης, μαέστρος, κριτικός μουσικής Έκτορας Μπερλιόζμπήκε στην ιστορία της μουσικής ως ο μεγαλύτερος ρομαντικός συνθέτης, δημιουργός της προγραμματικής συμφωνίας, καινοτόμος στον τομέα της μουσικής φόρμας, της αρμονίας και ιδιαίτερα της ενορχήστρωσης. Στο έργο του, βρήκαν μια ζωντανή ενσάρκωση των χαρακτηριστικών του επαναστατικού πάθους και του ηρωισμού. Ο Μπερλιόζ ήταν εξοικειωμένος με τον Μ. Γκλίνκα, τη μουσική του οποίου εκτιμούσε ιδιαίτερα. Διατηρούσε φιλικές σχέσεις με τους ηγέτες της «Ισχυρής χούφτας», οι οποίοι αποδέχονταν με ενθουσιασμό τα γραπτά και τις δημιουργικές αρχές του.

Δημιούργησε 5 μουσικά σκηνικά έργα, συμπεριλαμβανομένης της όπερας " Benvenuto Cillini”(1838), “ Τρώες”,”Βεατρίκη και Βενέδικτος(βασισμένο στην κωμωδία του Σαίξπηρ «Πολλή φασαρία για το τίποτα», 1862). 23 φωνητικά και συμφωνικά έργα, 31 ρομάντζα, χορωδίες, έγραψε τα βιβλία «Μεγάλη πραγματεία για τα σύγχρονα όργανα και την ενορχήστρωση» (1844), «Βράδια στην ορχήστρα» (1853), «Μέσα από τραγούδια» (1862), «Μουσικές περιέργεια» ( 1859), «Απομνημονεύματα» (1870), άρθρα, κριτικές.

Deutsch συνθέτης, μαέστρος, θεατρικός συγγραφέας, δημοσιογράφος Ρίτσαρντ Βάγκνερεισήλθε στην ιστορία της παγκόσμιας μουσικής κουλτούρας ως ένας από τους μεγαλύτερους μουσικούς δημιουργούς και σημαντικούς μεταρρυθμιστές της οπερατικής τέχνης. Στόχος των μεταρρυθμίσεων του ήταν να δημιουργήσει ένα μνημειώδες προγραμματικό φωνητικό-συμφωνικό έργο σε δραματική μορφή, σχεδιασμένο να αντικαταστήσει όλα τα είδη όπερας και συμφωνικής μουσικής. Ένα τέτοιο έργο ήταν ένα μουσικό δράμα, στο οποίο η μουσική ρέει σε μια συνεχή ροή, συγχωνεύοντας όλους τους δραματικούς κρίκους. Απορρίπτοντας το τελειωμένο τραγούδι, ο Βάγκνερ τα αντικατέστησε με ένα είδος συναισθηματικά πλούσιου ρετσιτάτιου. Μεγάλη θέση στις όπερες του Βάγκνερ καταλαμβάνουν ανεξάρτητα ορχηστρικά επεισόδια, που αποτελούν πολύτιμη συμβολή στην παγκόσμια συμφωνική μουσική.

Το χέρι του Βάγκνερ ανήκει σε 13 όπερες: Ο Ιπτάμενος Ολλανδός» (1843), «Tannhäuser» (1845), «Τριστάνος ​​και Ιζόλδη» (1865), «Ο χρυσός του Ρήνου» (1869) και τα λοιπά.; χορωδίες, κομμάτια για πιάνο, ρομάντζα.

Ένας άλλος εξέχων Γερμανός συνθέτης, μαέστρος, πιανίστας, δάσκαλος και μουσική φιγούρα ήταν Felix Mendelssohn-Bartholdy. Από την ηλικία των 9 ετών άρχισε να παίζει ως πιανίστας, σε ηλικία 17 ετών δημιούργησε ένα από τα αριστουργήματα - μια ουρά σε μια κωμωδία " Όνειρο καλοκαιρινής νύχτας» Σαίξπηρ. Το 1843 ίδρυσε το πρώτο ωδείο στη Γερμανία στη Λειψία. Στο έργο του Μέντελσον, «ένας κλασικός ανάμεσα στους ρομαντικούς», τα ρομαντικά χαρακτηριστικά συνδυάζονται με έναν κλασικό τρόπο σκέψης. Η μουσική του χαρακτηρίζεται από φωτεινή μελωδία, δημοκρατισμό έκφρασης, μετριοπάθεια συναισθημάτων, ηρεμία σκέψης, κυριαρχία φωτεινών συναισθημάτων, λυρικές διαθέσεις, όχι χωρίς μια ελαφριά πινελιά συναισθηματισμού, άψογες φόρμες, λαμπρή δεξιοτεχνία. Ο R. Schumann τον αποκάλεσε «Μότσαρτ του 19ου αιώνα», ο G. Heine - «ένα μουσικό θαύμα».

Συγγραφέας ρομαντικών συμφωνιών τοπίων («Σκοτσέζικα», «Ιταλικά»), οβερτούρες για συναυλίες προγραμμάτων, ένα δημοφιλές κονσέρτο για βιολί, κύκλοι κομματιών για πιάνοφόρτε «Τραγούδι χωρίς λόγια». όπερες Camacho's Marriage.Έγραψε μουσική για το δραματικό έργο Αντιγόνη (1841), Oedipus in Colon (1845) του Σοφοκλή, Atalia του Racine (1845), Όνειρο καλοκαιρινής νύχτας του Σαίξπηρ (1843) και άλλα. oratorios "Paul" (1836), "Elijah" (1846); 2 κοντσέρτα για πιάνο και 2 για βιολί.

Vιταλικός μουσική κουλτούρα μια ξεχωριστή θέση ανήκει στον GiuseppeΟ Βέρντι- εξαιρετικός συνθέτης, μαέστρος, οργανίστας. Ο κύριος τομέας της δουλειάς του Βέρντι είναι η όπερα. Ενήργησε κυρίως ως εκφραστής των ηρωϊκών-πατριωτικών συναισθημάτων και των εθνικοαπελευθερωτικών ιδεών του ιταλικού λαού. Τα επόμενα χρόνια, έδωσε προσοχή σε δραματικές συγκρούσεις που προκλήθηκαν από την κοινωνική ανισότητα, τη βία, την καταπίεση και κατήγγειλε το κακό στις όπερες του. Χαρακτηριστικά γνωρίσματα του έργου του Βέρντι: λαϊκή μουσική, δραματικό ταμπεραμέντο, μελωδική φωτεινότητα, κατανόηση των νόμων της σκηνής.

Έγραψε 26 όπερες: Nabucco», «Macbeth», «Troubadour», «La Traviata», «Othello», «Aida" και τα λοιπά . , 20 ρομάντζα, φωνητικά σύνολα .

Νέος Νορβηγός συνθέτης Edvard Grieg (1843-1907) φιλοδοξούσε την ανάπτυξη της εθνικής μουσικής. Αυτό δεν εκφράστηκε μόνο στη δουλειά του, αλλά και στην προώθηση της νορβηγικής μουσικής.

Στα χρόνια του στην Κοπεγχάγη, ο Grieg έγραψε πολλή μουσική: Ποιητικές εικόνες» και "Ιδιότροπη μουσική σύνθεση",σονάτα για πιάνο και πρώτη σονάτα βιολιού, τραγούδια. Με κάθε νέα δουλειά, η εικόνα του Grieg ως Νορβηγού συνθέτη αναδύεται πιο καθαρά. Στις λεπτές λυρικές «Ποιητικές Εικόνες» (1863), τα εθνικά γνωρίσματα εξακολουθούν να διαπερνούν δειλά δειλά. Η ρυθμική φιγούρα βρίσκεται συχνά στη νορβηγική λαϊκή μουσική. έγινε χαρακτηριστικό πολλών από τις μελωδίες του Grieg.

Το έργο του Γκριγκ είναι τεράστιο και πολύπλευρο. Ο Γκριγκ έγραψε έργα διαφόρων ειδών. Κοντσέρτο και Μπαλάντες για πιάνο, τρεις σονάτες για βιολί και πιάνο και μια σονάτα για τσέλο και πιάνο, το κουαρτέτο μαρτυρεί τη συνεχή λαχτάρα του Γκριγκ για μεγάλη φόρμα. Ταυτόχρονα, το ενδιαφέρον του συνθέτη για τις οργανικές μινιατούρες παρέμεινε αμετάβλητο. Στον ίδιο βαθμό με το pianoforte, ο συνθέτης προσελκύθηκε από τη φωνητική μινιατούρα δωματίου - ένα ειδύλλιο, ένα τραγούδι. Μην είστε ο κύριος με τον Grieg, ο τομέας της συμφωνικής δημιουργικότητας χαρακτηρίζεται από τέτοια αριστουργήματα όπως οι σουίτες " Per Gounod”, “Από την εποχή του Χόλμπεργκ". Ένα από τα χαρακτηριστικά είδη της δουλειάς του Grieg είναι η επεξεργασία δημοτικών τραγουδιών και χορών: με τη μορφή απλών κομματιών για πιάνο, κύκλος σουίτας για πιάνο τέσσερα χέρια.

Η μουσική γλώσσα του Grieg είναι έντονα πρωτότυπη. Η ατομικότητα του στυλ του συνθέτη καθορίζεται κυρίως από τη βαθιά σύνδεσή του με τη νορβηγική λαϊκή μουσική. Ο Grieg χρησιμοποιεί εκτενώς τα χαρακτηριστικά του είδους, τη δομή τονισμού, τις ρυθμικές φόρμουλες του δημοτικού τραγουδιού και τις μελωδίες του χορού.

Η αξιοσημείωτη μαεστρία του Grieg στην παραλλαγμένη και παραλλαγμένη ανάπτυξη μιας μελωδίας έχει τις ρίζες του στις λαϊκές παραδόσεις της επαναλαμβανόμενης επανάληψης μιας μελωδίας με τις αλλαγές της. «Ηχογράφω τη λαϊκή μουσική της χώρας μου». Πίσω από αυτά τα λόγια κρύβεται η ευλαβική στάση του Γκριγκ απέναντι στη λαϊκή τέχνη και η αναγνώριση του καθοριστικού ρόλου της για τη δική του δημιουργικότητα.

ρομαντισμός, και τελικά ακολούθησε μια ισχυρή ρεαλιστική .... II. Ρομαντισμόςστη ρωσική ζωγραφική Ρομαντισμόςδιαφορετικά στη Ρωσία...