Perioada romantică

De ce „romantic”?

Perioada romantică în muzică a durat aproximativ din anii 1830 până în anii 1910. Într-o oarecare măsură, cuvântul „romantic” este doar o etichetă, un concept care sfidează definiția strictă, ca și mulți alții, de altfel. Multe lucrări menționate în toate capitolele cărții noastre, fără excepție, pot fi numite pe bună dreptate „romantice”.

Principala diferență dintre această perioadă și altele este că compozitorii acelei epoci au acordat mai multă atenție sentimentelor și percepției muzicii, încercând să exprime experiențe emoționale cu ajutorul ei. Prin aceasta se deosebesc de compozitorii din perioada clasică, pentru care cel mai important lucru în muzică era forma și care încercau să respecte anumite reguli pentru construirea unei compoziții.

În același timp, unii compozitori ai perioadei clasice în lucrările lor pot fi văzute elemente ale romantismului, iar compozitorii perioadei romantice - elemente ale clasicismului. Deci tot ceea ce am vorbit mai sus nu este deloc o regulă rigidă, ci doar o caracteristică generală.

Ce se mai întâmpla pe lume?

Istoria nu a stat pe loc și toți oamenii nu au devenit brusc romantici, care sunt ocupați doar cu experiențele lor emoționale. Acesta este timpul nașterii socialismului, al reformei poștale și al întemeierii Armatei Salvării. Odată cu descoperirea vitaminelor și a radiului, s-a construit Canalul Suez; Daimler a construit prima mașină, iar frații Wright au făcut primul zbor. Marconi a inventat radioul, trimițând cu succes comunicații wireless pe o distanță de un kilometru și jumătate. Regina Victoria a stat pe tronul Marii Britanii mai mult decât orice alt monarh englez. Febra de aur a determinat mii de oameni să meargă în America.

Trei subsecțiuni ale romantismului

Parcurgând cartea noastră, veți observa că acesta este cel mai mare dintre toate capitolele sale, care menționează nu mai puțin de treizeci și șapte de compozitori. Mulți dintre ei au trăit și au lucrat simultan în diferite țări. Prin urmare, am împărțit acest capitol în trei secțiuni: Romantici timpurii, Compozitori naționali și Romantici târzii.

După cum probabil ați ghicit deja, această diviziune, de asemenea, nu pretinde a fi o precizie absolută. Cu toate acestea, sperăm că va ajuta la menținerea coerenței narațiunii, deși este posibil să nu urmeze întotdeauna ordinea cronologică.

Romantici timpurii

Aceștia sunt compozitori care au devenit un fel de punte între perioada clasică și perioada romantismului târziu. Mulți dintre ei au lucrat în același timp cu „clasicii”, iar munca lor a fost foarte influențată de Mozart și Beethoven. În același timp, mulți dintre ei și-au adus propria contribuție personală la dezvoltarea muzicii clasice.

Primul nostru compozitor al perioadei romantice a fost o adevărată vedetă a timpului său. În timpul spectacolelor sale, el a demonstrat minunile abilităților virtuoase de vioară și a realizat cascadorii incredibile. Ca și virtuozul chitarist rock Jimi Hendrix, născut o sută șaizeci de ani mai târziu, Niccolo Paganini a uimit invariabil publicul cu piesa lui pasională.

Paganini putea cânta piesa în întregime pe două coarde de vioară în loc de patru. Uneori

a făcut chiar în mod deliberat astfel încât sforile s-au rupt în mijlocul spectacolului, după care a terminat totuși cu brio piesa în aplauzele puternice ale publicului.

În copilărie, Paganini a studiat exclusiv muzică. Cu toate acestea, tatăl său l-a pedepsit chiar pentru că nu făcea suficientă mișcare, fără să-i dea mâncare și apă.

Ca adult, Paganini a fost un maestru atât de virtuoz al viorii, încât s-a zvonit că a încheiat un acord cu diavolul însuși, deoarece niciun muritor nu poate cânta atât de magnific. După moartea muzicianului, biserica a refuzat la început chiar să-l îngroape pe propriul teren.

Paganini, fără îndoială, însuși a înțeles toate beneficiile discursurilor sale publice, argumentând:

„Sunt urâtă, dar când femeile mă aud cântând, ele însele se târăsc în picioarele mele”.

Stilul și structura compozițiilor muzicale au continuat să se dezvolte atât în ​​compozițiile instrumentale, cât și în operă. În Germania, avangarda operei era în frunte Karl Maria von Weber, deşi a trăit în ani pe care mulţi nu îi atribuie perioadei romantice.

Putem spune că opera a fost o afacere de familie pentru weberieni, iar Karl a călătorit mult cu trupa de operă a tatălui său în copilărie. Opera lui Free Shooter (Magic Shooter) a intrat în istoria muzicii datorită faptului că în ea erau folosite motive populare.

Puțin mai târziu, veți afla că această tehnică este considerată o trăsătură caracteristică perioadei romantice.

Weber a scris, de asemenea, mai multe concerte pentru clarinet și pentru ele este cel mai faimos astăzi.

Italia este locul de naștere al operei, și în față Gioacchino Antonio Rossini Italienii au avut norocul să găsească un nou erou al acestui gen. A scris atât opere comice, cât și tragice, cu succes egal.

Rossini a fost unul dintre acei compozitori care compun repede și, de obicei, îi luau doar câteva săptămâni să scrie o operă. La apogeul faimei sale, el a spus odată:

„Dă-mi nota de rufe și o pun pe muzică”.

Ei spun asta Bărbierul din Sevilla Rossini a compus în doar treisprezece zile. Un ritm atât de rapid de lucru a dus la faptul că noile sale opere sunt puse în mod constant în toate teatrele din Italia. Dar nu ia tratat întotdeauna favorabil pe interpretii operelor sale și chiar a vorbit o dată cu dispreț despre ei:

„Ce operă minunată ar fi dacă nu ar exista cântăreți în ea!”

Dar la vârsta de treizeci și șapte de ani, Rossini a încetat brusc să scrie opere și în ultimele aproape patru decenii din viața sa a creat doar Stabat Mater.

Până acum, nu este complet clar după ce s-a ghidat atunci când a luat o astfel de decizie, însă, până atunci se acumulase o sumă considerabilă în contul său bancar - comisioane din spectacole.

Pe lângă muzică, Rossini avea o pasiune pentru artele culinare, iar mult mai multe feluri de mâncare poartă numele lui decât cele ale altor compozitori. Puteți chiar să aranjați o cină întreagă, care va include Salata lui Rossini, Omleta lui Rossini și Tournedo Rossini. (Tournedos sunt fâșii de carne prăjite în pesmet, servite cu pate și trufe.)

Franz Schubert, care a trăit doar treizeci și unu de ani, până la vârsta de șaptesprezece ani s-a impus ca un compozitor talentat. În scurta sa viață, a scris în total peste șase sute de cântece, nouă simfonii, unsprezece opere și aproximativ patru sute de alte lucrări. Numai în 1815 a compus o sută patruzeci și patru de cântece, două lise, o simfonie și o serie de alte lucrări.

În 1823 a contractat sifilis, iar cinci ani mai târziu, în 1828, a murit de febră tifoidă. Cu un an mai devreme, a participat la înmormântarea idolului său Ludwig van Beethoven.

Remarcabil este faptul că Schubert a fost unul dintre primii compozitori importanți care au devenit celebri datorită interpretării operelor altora. El însuși a susținut un singur concert mare în anul morții sale și chiar și atunci a fost umbrit de interpretarea lui Paganini, care a venit la Viena cam în același timp. Așa că bietul Schubert nu a obținut niciodată respectul pe care îl merita în timpul vieții sale.

Unul dintre cele mai mari mistere ale lui Schubert este Simfonia nr. 8, cunoscut ca Neterminat. A scris doar două părți din el și apoi a încetat să lucreze. Nimeni nu știe de ce a făcut asta, dar această simfonie este încă una dintre cele mai populare lucrări ale sale.

Hector Berlioz s-a născut într-o familie de medic, așa că el, spre deosebire de mulți alți compozitori menționați în cartea noastră, nu a primit o educație muzicală cu drepturi depline.

La început, a decis să calce pe urmele tatălui său și să devină medic, pentru care a plecat la Paris, dar acolo a început să petreacă tot mai des la operă. În cele din urmă, a decis să se apuce de muzică, spre supărarea părinților săi.

Imaginea lui Berlioz poate părea caricaturală, atât de departe de a scrie oamenilor

sunt prezentați orice compozitor: foarte nervos și iritabil, impulsiv, cu schimbări bruște de dispoziție și, desigur, neobișnuit de romantic în relațiile cu sexul opus. Odată s-a năpustit asupra fostului său iubit cu un pistol în mână și a amenințat că o va otrăvi; pe celălalt l-a urmărit, îmbrăcat în haine de femeie.

Dar subiectul principal al aspirațiilor romantice ale lui Berlioz a fost actrița Harriet Smithson, care a suferit ulterior de o cădere nervoasă severă - se pare că le datorează în mare măsură lui Berlioz însuși. A văzut-o pentru prima dată în 1827, dar a reușit să o cunoască personal abia în 1832. La început, Smithson l-a respins pe Berlioz, iar el, dorind să obțină reciprocitate, a scris O simfonie fantastică.În 1833 s-au căsătorit totuși, dar, așa cum era de așteptat, câțiva ani mai târziu, Berlioz s-a îndrăgostit de o altă femeie.

În ceea ce privește muzică, lui Berlioz îi plăcea amploarea. Luați-o de exemplu Recviem, scris pentru o orchestră și cor imens, precum și pentru patru fanfare amplasate în fiecare colț al scenei. O astfel de dependență de forme mari nu a contribuit foarte mult la faima sa postumă. Realizarea lucrărilor sale în forma în care le-a conceput poate fi foarte costisitoare și uneori chiar imposibilă. Dar el însuși nu s-a simțit deloc stânjenit de astfel de obstacole și a continuat să compună muzică cu toată pasiunea de care era capabil. Într-o zi a spus:

„Fiecare compozitor este familiarizat cu durerea și disperarea care vin din faptul că nu are suficient timp pentru a scrie ceea ce a venit.”

Orice student care citește această carte ar trebui să se simtă gelos pe oameni ca Felix Mendelssohn, la oameni care au devenit celebri în copilărie.

După cum putem vedea din numeroase exemple, acest lucru este departe de a fi neobișnuit în lumea muzicii clasice.

Cu toate acestea, Mendelssohn a excelat nu numai în muzică; a fost unul dintre puținii oameni care au reușit să realizeze bun rezultatîn tot ceea ce pot face - în pictură, poezie, sport, limbi străine.

Să stăpânească toate acestea pentru Mendelssohn nu a fost dificil.

Mendelssohn a fost norocos - s-a născut într-o familie bogată și a crescut în atmosfera creativă a cercurilor artistice din Berlin. În copilărie, a cunoscut mulți artiști și muzicieni talentați care au venit să-și viziteze părinții.

Mendelssohn a cântat pentru prima dată în public la vârsta de nouă ani, iar la vârsta de șaisprezece, el compusese deja Octet de șiruri. Un an mai târziu a scris o uvertură la piesa lui Shakespeare Un vis într-o noapte de vară. Dar el a creat restul muzicii pentru această comedie abia șaptesprezece ani mai târziu (inclusiv celebrul Marșul nunții, care încă se face des la nunţi).

Viața personală a lui Mendelssohn se dezvolta și ea cu succes: de-a lungul anilor unei căsătorii lungi și de durată, el și soția sa au avut cinci copii.

A muncit și a călătorit mult, inclusiv prin Scoția, despre ai cărei locuitori a vorbit nu prea aprobator:

„... [ei] nu produc decât whisky, ceață și vreme rea”.

Dar acest lucru nu l-a împiedicat să scrie două lucrări minunate dedicate Scoției. La treisprezece ani de la terminarea primei călătorii Simfonia Scoțiană;în bază Uverturi ale Hebridelor Au fost puse melodii scoțiene. Mendelssohn a fost, de asemenea, asociat cu Marea Britanie cu oratoriul său Ilie, care a fost montat pentru prima dată la Birmingham în 1846. A cunoscut-o chiar și pe regina Victoria și i-a dat lecții de muzică prințului Albert.

Mendelssohn a murit de un accident vascular cerebral la o vârstă relativ fragedă - treizeci și opt de ani. Desigur, putem spune că nu i-a părut rău pentru el însuși și a fost suprasolicitat din cauza muncii excesive, dar în nu mică măsură moartea sa a fost adusă mai aproape de moartea iubitei sale surori Fanny, care era și o muziciană talentată.

În fața noastră este un alt romantic până în oase. în care Frederic Chopin El s-a remarcat și printr-un devotament pasionat pentru un singur instrument, iar aceasta este o mare raritate pentru compozitorii menționați în cartea noastră.

A spune că lui Chopin iubea pianul înseamnă a nu spune nimic. L-a admirat, și-a dedicat întreaga viață compunerii de compoziții pentru pian și îmbunătățirii tehnicilor de interpretare a acestuia. De parcă nu ar exista alte instrumente pentru el, decât ca acompaniament în compoziții orchestrale.

Chopin s-a născut la Varșovia în 1810; tatăl său era francez, iar mama sa poloneză. Frederic a început să cânte la vârsta de șapte ani, iar primele sale compoziții datează din aceeași perioadă. Trebuie să spun că a lui semn distinctiv a existat întotdeauna o aspirație pentru viitor.

Ulterior, Chopin a devenit celebru la Paris, unde a început să dea lecții de muzică oamenilor bogați, datorită cărora el însuși a devenit bogat. Și-a monitorizat mereu cu atenție aspectul și pentru a se asigura că garderoba lui era în conformitate cu ultima modă.

Ca compozitor, Chopin a fost metodic și minuțios. Nu și-a permis niciodată să fie neglijent, fiecare lucrare a fost perfecționată de el la perfecțiune. Deloc surprinzător, compunerea muzicii a fost un proces dureros pentru el.

În total, a compus o sută șaizeci și nouă de piese solo pentru pian.

La Paris, Chopin s-a îndrăgostit de celebrul scriitor francez cu numele fantezist Amandine Aurora Lucille Dupin, mai cunoscută sub pseudonimul Georges Sand. Era o persoană destul de remarcabilă: putea fi adesea găsită pe străzile Parisului, plimbându-se în haine bărbătești și fumând un trabuc, ceea ce șoca publicul bine crescut. Romantismul dintre Chopin și Georges Sand a continuat violent și s-a încheiat cu o despărțire dureroasă.

Ca și alți compozitori ai perioadei romantice, Chopin nu a trăit o viață lungă - a murit de tuberculoză la vârsta de treizeci și nouă de ani, la scurt timp după despărțirea de George Sand.

Robert Schumann Este un alt compozitor care a dus o viață scurtă și îngrijorată, deși în cazul lui totul a fost asezonat cu o nebunie destul de mare. Astăzi sunt cunoscute lucrări pentru pian, cântece și muzică de cameră de Schumann.

Schumann a fost un compozitor genial, dar în timpul vieții a fost în umbra soției sale Clara Schumann, pianistul genial al vremii. Ca compozitoare, este mai puțin cunoscută, deși a scris și muzică destul de interesantă.

Robert Schumann însuși nu a putut cânta ca pianist din cauza unei răni la mână și i-a fost greu să trăiască lângă o femeie care a devenit faimoasă în acest domeniu.

Compozitorul a suferit de sifilis și cădere nervoasă; odată chiar a încercat să se sinucidă aruncându-se în Rin. A fost salvat și internat într-un spital de psihiatrie, unde a murit doi ani mai târziu.

Schumann a fost pragmatic în ceea ce privește arta. Se cunoaște următoarea sa declarație:

„Pentru a compune, trebuie doar să vii cu o melodie care nu a trecut niciodată prin cap nimănui”.

Dacă Paganini poate fi numit regele violoniștilor - interpreți, atunci printre pianiștii romantici acest titlu îi aparține pe bună dreptate Franz Liszt. De asemenea, a fost implicat în predarea și a interpretat neobosit lucrări ale altor compozitori, în special ale lui Wagner, despre care vor fi discutate mai târziu.

Compozițiile pentru pian ale lui Liszt sunt extrem de greu de interpretat, dar el a scris despre tehnica sa de joc, știind foarte bine că nimeni nu le poate cânta mai bine decât el.

În plus, Liszt a transferat la pian lucrările altor compozitori: Beethoven, Berlioz, Rossini și Schubert. Sub degetele lui, au căpătat o originalitate bizară și au început să sune într-un mod nou. Avand in vedere ca au fost scrise initial pentru o orchestra, ramane de mirat de priceperea muzicianului, reproducindu-le surprinzator de exact pe un singur instrument.

Liszt a fost adevărata vedetă a timpului său; cu o sută de ani înainte de inventarea rock-n-roll-ului, a dus o viață demnă de orice muzician rock - inclusiv o varietate de aventuri amoroase. Nici decizia de a lua preoția nu l-a împiedicat să înceapă o aventură.

Liszt a popularizat, de asemenea, spectacolele de pian și orchestră, un gen încă răspândit astăzi. Îi plăcea să surprindă privirile admirative ale fanilor săi și să asculte țipetele entuziaste ale publicului privindu-și degetele zburând peste taste. Prin urmare, a întors pianul pentru ca publicul să poată urmări interpretarea pianistului. Înainte de asta, s-au așezat cu spatele la public.

Publicul larg știe Georges Bizetîn calitate de creator al operei Carmen, dar lista publicată la sfârșitul cărții noastre includea o altă lucrare a lui, Au Fond du Temple Saint(de asemenea cunoscut ca si Duetul lui Nadir și Zurgi) din operă Căutători de perle. A fost constant în fruntea topurilor de când am început să alcătuim lista celor mai populare melodii printre ascultătorii Classic FM în 1996.

Bizet este un alt copil minune care și-a demonstrat abilitățile muzicale excepționale în copilărie. A scris prima sa simfonie la vârsta de șaptesprezece ani. Adevărat, și el a murit devreme, la vârsta de treizeci și șase de ani, adăugându-se la lista geniilor decedate prematur.

În ciuda talentului său, Bizet nu a obținut niciodată o recunoaștere reală în timpul vieții sale. Operă Căutători de perle pus în scenă cu succes variat, iar premiera Carmenși s-a încheiat cu eșec cu totul – publicul la modă din acea vreme nu a acceptat-o. Favorizat de critici și adevărați cunoscători ai muzicii Carmen câștigat abia după moartea compozitorului. De atunci, a fost montat în toate teatrele de operă de top din lume.

Naţionalişti

Iată o altă definiție extrem de vagă. Nu numai toți compozitorii romantici, dar într-o oarecare măsură și mulți reprezentanți ai perioadei baroc și clasice pot fi numiți pe bună dreptate „naționaliști”.

Cu toate acestea, în această secțiune enumerăm paisprezece compozitori de seamă ai perioadei romantice, ale căror lucrări sunt scrise într-un astfel de stil încât chiar și ascultătorii care nu sunt foarte familiarizați cu muzica clasică pot spune de unde este acel sau acel maestru.

Uneori, acești compozitori sunt trimiși la una sau la alta școală muzicală națională, deși această abordare nu este în întregime corectă.

De obicei, cuvântul „școală” reprezintă o sală de clasă în care copiii, sub îndrumarea unui profesor, îndeplinesc aceeași sarcină.

Dacă vorbim despre compozitori, ei au fost uniți printr-o direcție comună și fiecare și-a urmat propriul drum, încercând să-și găsească mijloacele proprii, unice de exprimare muzicală.

scoala ruseasca

Dacă muzica clasică rusă are un tată fondator, atunci acesta, fără îndoială, Mihail Ivanovici Glinka. Muzicienii - naționaliștii se remarcă tocmai prin faptul că folosesc melodii populare în lucrările lor. Glinka a fost introdus în cântecele rusești de bunica lui.

Spre deosebire de mulți alți compozitori talentați, care sunt atât de des menționați în paginile cărții noastre, Glinka a început să studieze serios muzica la o vârstă relativ târzie - la douăzeci de ani. La început, a servit ca funcționar în Ministerul Căilor Ferate.

Când Glinka a decis să-și schimbe cariera, a plecat în Italia, unde a cântat ca pianist. Acolo a dezvoltat o dragoste profundă pentru operă. Întors acasă, a compus prima sa operă O viață pentru rege. Publicul l-a recunoscut imediat drept cel mai bun compozitor contemporan rus. A doua sa operă, Ruslan și Ludmila, nu a avut la fel de mult succes, deși a rezistat mai bine testului timpului.

Alexandru Porfirevici Borodin aparține compozitorilor care, pe lângă muzică, s-au implicat activ în alte activități. În ceea ce privește Borodin, și-a început cariera ca om de știință - chimist. Prima sa compoziție s-a intitulat „On the Effect of Ethyl Iodure on Hydrobenzamide and Amarin”, și bineînțeles că nu o vei auzi niciodată la Classic FM, deoarece munca stiintifica care nu are nimic de-a face cu muzica.

Borodin era fiul nelegitim al unui prinț georgian; dragoste pentru muzică și interes pentru artă în general, a preluat de la mama sa, păstrându-le pentru tot restul vieții.

Datorită angajării sale constante, a reușit să publice doar aproximativ douăzeci de lucrări, care includ simfonii, cântece și muzică de cameră.

Impreuna cu Mily Balakirev, Nikolai Rimsky - Korsakov, Caesar Cuiși Modest Musorgski Borodin a fost membru al comunității muzicale „Mighty Handful”. Succesul tuturor acestor compozitori este cu atât mai remarcabil prin faptul că toți aveau alte activități în afară de muzică.

Prin aceasta, ei diferă cu siguranță de majoritatea celorlalți compozitori menționați în această carte.

Cea mai populară lucrare a lui Borodin este dansuri polovtsiene din opera lui Prințul Igor. Trebuie menționat că el însuși nu l-a finalizat niciodată (deși a lucrat la el timp de șaptesprezece ani). Opera a fost finalizată de prietenul său Rimsky - Korsakov, despre care vom discuta mai detaliat mai jos.

După părerea noastră, Modest Petrovici Musorgski a fost cel mai inventiv și mai influent dintre compozitorii din The Mighty Handful, deși, ca persoană neobișnuită, nu a scăpat de unul sau două vicii inerente multor reprezentanți ai profesiei de creație.

Părăsind armata, Musorgski a primit un loc de muncă în serviciul public. În tinerețe, îi plăcea, după cum se spune, să se plimbe, se distingea prin impresionabilitate, iar la sfârșitul vieții a suferit de alcoolism. Din acest motiv, el este adesea descris cu părul dezordonat și un nas nefiresc de roșu.

Mussorgsky de multe ori nu și-a terminat lucrările, iar prietenii săi au făcut-o pentru el - uneori nu în modul în care și-a propus el însuși, așa că acum nu suntem siguri care a fost intenția inițială a autorului. Orchestrație de operă Boris Godunov refăcut Rimsky - Korsakov, precum și faimoasa „imagine muzicală” Noapte pe Muntele Chel(folosit în filmul Disney Fantezie). Orchestrare la Imagini din expozitie scrise de Maurice Ravel, iar în această versiune sunt cunoscute în vremea noastră.

În ciuda faptului că Mussorgsky provenea din familie bogatăși avea un mare talent ca pianist și compozitor, a murit la vârsta de doar patruzeci și doi de ani din cauza alcoolismului.

Părinţi Nikolai Rimski - Korsakov a visat că fiul lor va servi în marina și s-a ridicat la înălțimea așteptărilor lor. Dar după ce a servit câțiva ani în marina și a făcut o serie de călătorii pe mare, a devenit compozitor și profesor de muzică, ceea ce, fără îndoială, s-a dovedit a fi o surpriză pentru familia sa. Pentru a spune adevărul, Rimsky-Korsakov a fost întotdeauna interesat de muzică și chiar a început să compună Simfonia nr. 1, când nava lui a fost andocat în zona industrială Gravesend din estuarul Tamisei. Acesta este probabil unul dintre cele mai puțin romantice locuri de compunere menționate în această carte.

Pe lângă faptul că Rimski-Korsakov a finalizat și prelucrat unele dintre lucrările lui Mussorgski, el însuși a creat cincisprezece opere pe teme din viața rusă, deși influența țărilor exotice se simte și în lucrările sale. De exemplu, Scheherazade bazat pe o poveste din Cele o mie și una de nopți.

Rimski-Korsakov a fost deosebit de bun la arătarea frumuseții sunetului întregii orchestre. A acordat o mare atenție acestui lucru în activitățile sale didactice și a influențat astfel mulți compozitori ruși care au lucrat după el, în special Stravinski.

Petru Ilici Ceaikovski A folosit și melodii populare rusești în compozițiile sale, dar, spre deosebire de alți compozitori naționali ruși, le-a prelucrat în felul său, ca, de altfel, moștenirea muzicală a întregii Europe.

Viața personală a lui Ceaikovski, învăluită în diverse secrete (zvonurile despre înclinațiile sale homosexuale erau larg răspândite), nu a fost ușoară. El însuși a spus odată:

„Chiar ar fi cu ce să înnebunești dacă nu ar fi muzica!”

În copilărie, el se distingea prin impresionabilitate, iar ca adult, era susceptibil la accese de melancolie și chiar depresie. Nu o dată a fost vizitat de gânduri de sinucidere. În tinerețe, a studiat dreptul și a lucrat o perioadă în Ministerul Justiției, dar curând a părăsit serviciul pentru a se dedica în întregime muzicii. La vârsta de treizeci și șapte de ani, s-a căsătorit pe neașteptate, dar căsătoria lui a fost un adevărat chin atât pentru el, cât și pentru soția sa. În cele din urmă, soția sa a ajuns într-un spital de psihiatrie, unde a murit. Ceaikovski însuși a suferit o despărțire de mult timp, care a avut loc la doar două luni după nuntă.

Primele lucrări ale lui Ceaikovski nu au fost recunoscute de publicul larg, iar acest lucru i-a cauzat multă suferință. Este curios că multe dintre aceste lucrări, inclusiv Concert pentru vioară și orchestrăși Concertul pentru pian și orchestră nr. 1, în sunt în prezent foarte populare. Înregistrare Concertul pentru pian și orchestră nr. 1în general, a devenit prima înregistrare de muzică clasică care a primit statutul de Disc de Aur pentru vânzarea a un milion de copii.

Ceaikovski a scris zece opere, inclusiv Eugen Onegin,și muzică pentru balete precum Spărgătorul de nuci, Frumoasa Adormităși Lacul lebedelor. Ascultând această muzică, se realizează imediat măreția talentului lui Ceaikovski, care a reușit să creeze o melodie extrem de armonioasă și incitantă. Baletele sale sunt încă adesea montate pe scenele mondiale și sunt mereu admirate de public. Din același motiv, frazele muzicale din simfoniile și concertele sale sunt cunoscute chiar și de cei care nu sunt familiarizați cu muzica clasică.

Timp de mulți ani, Ceaikovski s-a bucurat de favoarea unei văduve bogate pe nume Nadezhda von Meck, care i-a trimis sume mari de bani, cu condiția să nu se întâlnească niciodată în persoană. Este posibil ca într-o întâlnire personală să nu se fi recunoscut.

Circumstanțele morții compozitorului nu sunt încă pe deplin clare. Conform concluziei oficiale, Ceaikovski a murit de holeră: a băut apa contaminată cu virusul. Există însă o versiune conform căreia el însuși s-a sinucis, temându-se că relațiile sale homosexuale vor fi făcute publice.

scoala ceha

Dacă Glinka este considerat părintele muzicii clasice rusești, atunci în muzica clasică cehă îl joacă același rol Smântână Bedrich.

Smântâna a fost întotdeauna inspirată de cultura populară cehă și natura țării de origine. Acest lucru se simte mai ales în ciclul său de poezii simfonice Patria mea, care i-a luat lui Smetana opt ani să scrie.

În prezent, cea mai populară piesă din acest ciclu este Vltava, dedicat unuia dintre cele mai mari râuri cehe care curg prin Praga.

Spre sfârșitul vieții, Bedřich Smetana s-a îmbolnăvit grav (probabil de sifilis), a devenit surd și și-a pierdut mințile. A murit la vârsta de şaizeci de ani.

Muzica sa l-a influențat pe următorul compozitor de pe lista noastră, Antonín Dvořák, ale cărui lucrări au primit recunoaștere mult dincolo de granițele Republicii Cehe.

Antonín Dvořák a fost un adevărat erou național ceh care și-a iubit cu pasiune patria natală. Conaționalii săi l-au făcut reciproc și l-au adorat.

Lucrările lui Dvorak au fost promovate pe scară largă de Brahms (despre care vom discuta puțin mai târziu). Treptat, numele lui Dvorak a fost recunoscut în întreaga lume. Așa că, de exemplu, și-a câștigat fani în Anglia, unde a cântat la invitația Societății Filarmonice Regale, precum și la festivaluri din Birmingham și Leeds.

După aceea, Dvorak a decis să plece în Statele Unite, unde în anii 1890 i s-a oferit postul de dirijor al Conservatorului Național din New York, pe care a deținut-o timp de trei ani. Lui Dvorak îi era foarte dor de patria sa, dar nu înceta să fie interesat de muzica locală. Impresiile ei se reflectă în ale lui Simfoniile nr. 9, numit Din Lumea Nouă.

În cele din urmă, Dvorak a decis să se întoarcă acasă și și-a petrecut ultimii ani ai vieții la Praga, predând.

Pe lângă muzică, Dvorak era interesat de trenuri și nave, iar această pasiune a lui a fost cea care se pare că a contribuit la faptul că a acceptat să viziteze Statele Unite, deși onorariul mare care i-a fost oferit ar putea juca un rol decisiv.

d Reprezentanților naționali cehi scoala de Muzica includ de asemenea Josef Suk, Leos Janacekși Bohuslav Martinu.

scoala scandinava

norvegian Edvard Grieg aparține cercului de compozitori care și-au iubit cu pasiune patria. Și patria i-a făcut reciproc. În Norvegia, lucrările sale sunt încă extrem de populare. Dar totul s-ar fi putut dovedi altfel, deoarece familia Grieg era de fapt de origine scoțiană - stră-străbunicul său a emigrat în Scandinavia după ce a fost înfrânt în bătălia cu britanicii de la Culloden.

Cel mai bine, Grieg a obținut lucrări de genuri mici, precum Piese lirice pentru pian. Dar cel mai faimos concert al lui este concert de pian, cu o introducere impresionantă, în care sunetele pianului par să se reverse ca grindina sub timpanele tremolo.

d Printre reprezentanți ai Școlii Naționale de Muzică Scandinave se numără și Karl Nielsenși Johan Svendsen.

În ciuda faptului că muzica clasică a fost scrisă și în Spania în secolul al XIX-lea, nu au fost atât de mulți compozitori care au atins faima mondială. Una dintre excepții este Isaac Albenis,în tinereţe, nedistins printr-o dispoziţie docilă.

Se spune că Albenis a învățat să cânte la pian când avea un an. Trei ani mai târziu, a cântat în public, iar la vârsta de opt ani a început să facă turnee. Până la vârsta de cincisprezece ani, a reușit să viziteze Argentina, Cuba, Statele Unite și Anglia.

Albenis a avut succes în special în improvizație: putea să vină cu o melodie din mers și să o cânte imediat în mai multe versiuni. De asemenea, a demonstrat minunile stăpânirii instrumentului - cânta cu spatele la el. În plus, a îmbrăcat de fiecare dată un costum de muschetar, adăugând la spectacolul spectacolelor sale.

La maturitate, s-a așezat puțin și a uimit publicul nu cu comportamentul său șocant, ci cu compozițiile sale. Renumit în special pentru ciclul său de piese pentru pian Iberia. Datorită succesului său, acest compozitor a scos Spania din umbră și a atras atenția comunității muzicale mondiale.

d Albéniz a avut influență asupra multor alți compozitori ai Școlii Naționale Spaniole, inclusiv Pablo de Sarasate, Enrique Granados, Manuel de Fallași Vila Eytora - Lobos(care era brazilian).

scoala engleza

Arthur Sullivan bine cunoscut astăzi. Dar istoria nu l-a tratat foarte corect, pentru că astăzi ei amintesc departe de cele mai bune dintre lucrările sale. În anii 1870, a început să colaboreze cu poetul și libretistul W. Sh. Gilbert. Împreună au scris mai multe operete comice: Juriul, Pirații din Penzance, Fregata Majestății Sale „Pinafore”, Prințesa Ida, Mikado, Yeoman - Guardsman alte.

În ciuda succesului enorm al lucrării lor comune, acești doi autori nu s-au înțeles prea bine între ei, iar în cele din urmă, după certuri violente, au încetat cu totul să mai comunice. Aceste certuri au fost însă goale.

De exemplu, unul dintre ei s-a ocupat de un nou covor la Teatrul Savoy din Londra, unde de obicei erau puse în scenă operetele lor.

Sullivan visa să devină celebru ca compozitor serios, dar până acum lucrările sale, care nu aparțin genului operetelor, au fost uitate.

Cu toate acestea, a scris o operă Ivanhoe, destul de interesant Simfonie în mi minorși imnul „Înainte, Ostia lui Hristos!”- poate lucrarea sa cea mai frecvent interpretată.

d Printre reprezentanți ai Școlii Naționale de Muzică Engleze se numără și Arnold Bucks, Hubert Perry, Samuel Coleridge - Taylor, Charles Villier Stanfordși George Butterworth.

scoala franceza

Analogul francez al operetelor lui Gilbert și Sullivan poate fi numit lucrări Jacques Offenbach, un om care avea cu siguranță simțul umorului. S-a născut la Köln și, prin urmare, uneori a semnat „O. din Köln „(„ O. de Cologne „sună ca „colonie“).

În 1858, Offenbach i-a uimit pe parizieni pot pot din operetă Orfeu în iad; unui public sofisticat, astfel de dansuri ale oamenilor de rând păreau totuși sălbatice și obscene, iar opereta în sine era considerată scandaloasă.

Apropo, dacă acest nume vi se pare familiar, merită să ne amintim că muzica mitului lui Orfeu din secolele precedente a fost scrisă de Peri, Monteverdi și Gluck. Versiunea lui Offenbach era satirică, destinată divertismentului și, prin urmare, includea scene extrem de frivole. Cu toate acestea, în ciuda primei impresii, publicul s-a îndrăgostit în cele din urmă de operetă, astfel încât Offenbach însuși abia a avut niciun motiv să regrete ceea ce a scris.

Printre celelalte lucrări ale sale, este cunoscută o operă serioasă Poveștile lui Hoffmann, care sună Barcarole.

Leo Delibes nu a fost un compozitor mai puțin influent decât Offenbach, deși acum doar una dintre operele sale este amintită în principal - Lakme,în care celebrul Duo de flori, utilizat în numeroase economizoare de ecran de televiziune și reclame.

Printre cunoscuții lui Delibes se numărau muzicieni atât de mari precum Berlioz și Bizet, cu care a lucrat ca director al corului Teatrului Liric din Paris.

d Printre reprezentanți ai Școlii Naționale de Muzică Franceză se numără și Alexis - Emmanuelle Chabrier, Charles Marie Widor, Joseph Kante - loubși Jules Massenet, operă Thais care inclusiv intermezzo Reflecții (Meditaţie), popular printre mulți violoniști contemporani.

Școala de vals din Viena

Ultimii noștri doi compozitori naționali - romantism - sunt tată și fiu, deși diferența de vârstă dintre ei (douăzeci și unu de ani) nu este atât de mare pentru istorie. Johann Strauss Sr. considerat „părintele valsului”. A fost un violonist excelent și a regizat o orchestră care a cântat în toată Europa și a primit bani substanțiali pentru asta.

Cu toate acestea, titlul de „rege al valsului” îi aparține pe drept fiului său, care a fost numit și Johann Strauss. Tatăl său nu a vrut să devină violonist, dar tânărul Johann și-a dedicat viața muzicii și și-a organizat propria orchestră, rivalizând cu cea a tatălui său. Tânărul Strauss avea o bună pricepere a afacerilor, datorită căreia și-a putut consolida poziția financiară.

Total Johann Strauss - fiu a scris o sută șaizeci și opt de valsuri, inclusiv cele mai populare dintre ele - Pe frumoasa Dunăre albastră.În cele din urmă, șase orchestre au fost numite după Strauss, dintre care una a fost condusă de fratele lui Johann, cel mai mic Joseph, iar cealaltă de celălalt frate al său, Eduard (fiecare dintre ele a compus aproximativ trei sute de compoziții).

Valsurile și polcile lui Johann au fost hituri în cafenelele vieneze, iar stilul ușor și plin de viață a devenit standardul muzicii de dans în toată Europa.

Unii iubitori de muzică clasică consideră încă compozițiile lui Strauss prea vulgare și frivole. Nu-i crede și nu cădea în provocările lor! Această familie este expertă în a scrie lucrări cu adevărat grozave, care sunt înălțătoare și memorabile pentru o lungă perioadă de timp imediat după prima ascultare.

Romantici târzii

Mulți dintre compozitorii acestei perioade au continuat să scrie muzică până în secolul al XX-lea. Totuși, despre ei vorbim aici, și nu în capitolul următor, pentru că spiritul romantismului era puternic în muzica lor.

De remarcat că unii dintre ei au întreținut legături strânse și chiar prietenie cu compozitorii menționați la subsecțiunile „Romantici timpurii” și „Naționaliști”.

În plus, trebuie avut în vedere că în această perioadă în diferite țări europene au existat atât de mulți compozitori excelenți, încât orice împărțire a acestora după orice principiu ar fi în întregime condiționată. Dacă în literatură diferită despre perioada clasică și perioada barocă sunt menționate aproximativ aceleași intervale de timp, atunci perioada romantică este definită diferit peste tot. Se pare că granița dintre sfârșitul perioadei romantice și începutul secolului al XX-lea este foarte neclară în muzică.

Cel mai important compozitor al Italiei în secolul al XIX-lea a fost, fără îndoială Giuseppe Verdi. Acest bărbat care se uita la noi cu ochi strălucitori, cu o mustață groasă și sprâncene, era cu un cap întreg mai înalt decât toți ceilalți compozitori de operă.

Toate compozițiile lui Verdi sunt literalmente copleșite de melodii strălucitoare și captivante. În total, a scris douăzeci și șase de opere, dintre care majoritatea sunt jucate în mod regulat astăzi. Printre acestea se numără cele mai faimoase și mai remarcabile opere de artă operică din toate timpurile.

Muzica lui Verdi a fost foarte apreciată în timpul vieții compozitorului. La premieră Hades publicul a dat ovație atât de lungă încât artiștii au fost nevoiți să iasă să se încline de treizeci și două de ori.

Verdi era un om bogat, dar banii nu au putut salva atât soțiile compozitorului, cât și cei doi copii de la moarte timpurie, așa că au fost momente tragice în viața lui. Și-a lăsat moștenire averea orfelinatului de vechi muzicieni, construit sub conducerea sa la Milano. Verdi însuși a considerat că crearea unui adăpost, și nu muzica, este cea mai mare realizare a sa.

În ciuda faptului că numele lui Verdi este asociat în primul rând cu operele, vorbind despre el, este imposibil să nu menționăm Recviem, care este considerat unul dintre cele mai bune exemple de muzică corală. Este plin de dramă, iar unele trăsături ale operei se strecoară prin ea.

Următorul nostru compozitor nu este în niciun caz cea mai fermecătoare persoană. De fapt, aceasta este figura cea mai scandaloasă și controversată dintre toate cele menționate în cartea noastră. Dacă ar fi să facem o listă bazată doar pe caracteristicile personale, atunci Richard Wagner nu l-ar fi lovit niciodată. Cu toate acestea, ne ghidăm exclusiv după criterii muzicale, iar istoria muzicii clasice este de neconceput fără acest om.

Talentul lui Wagner este incontestabil. De sub condeiul lui au ieșit unele dintre cele mai semnificative și impresionante compoziții muzicale pentru întreaga perioadă a romantismului - în special operă. În același timp, ei vorbesc despre el ca pe un antisemit, rasist, birocrație, ultimul înșelator și chiar un hoț care nu ezită să ia tot ce are nevoie, și este nepoliticos fără remușcări. Wagner avea o stimă de sine hipertrofiată și credea că geniul său îl ridică deasupra tuturor celorlalți oameni.

Wagner este amintit pentru operele sale. Acest compozitor a dus opera germană la un nivel cu totul nou și, deși s-a născut în același timp cu Verdi, muzica sa era foarte diferită de lucrările italiene din acea perioadă.

Una dintre inovațiile lui Wagner a fost că fiecare personaj principal avea propria sa temă muzicală, care se repeta de fiecare dată, de îndată ce a început să joace un rol semnificativ pe scenă.

Astăzi pare de la sine înțeles, dar la acea vreme această idee a făcut o adevărată revoluție.

Cea mai mare realizare a lui Wagner a fost ciclul Inelul Nibelungului, format din patru opere: Aurul Rinului, Valchiria, Siegfriedși Moartea zeilor. Se joacă de obicei patru nopți la rând, iar în total durează aproximativ cincisprezece ore. Numai aceste opere ar fi fost suficiente pentru a-și glorifica compozitorul. În ciuda întregii ambiguități a lui Wagner ca persoană, trebuie să admitem că a fost un compozitor remarcabil.

O trăsătură distinctivă a operelor lui Wagner poate fi numită durata lor. Ultima sa operă Parsifal durează mai mult de patru ore.

Dirijorul David Randolph a spus odată despre ea:

„Aceasta este o operă din categoria celor care încep la șase, iar când trei ore mai târziu te uiți la ceasul de mână, se dovedește că arată 6:20”.

Viaţă Anton Bruckner ca compozitor este o lecție despre cum să nu renunți și să insisti pe cont propriu. A exersat douăsprezece ore pe zi, și-a dedicat tot timpul muncii (era organist) și a învățat multe în muzică pe cont propriu, terminând stăpânirea aptitudinilor scrisului prin corespondență la o vârstă destul de matură - la treizeci și șapte de ani.

Astăzi, cel mai des sunt amintite simfoniile lui Bruckner, dintre care a scris în total nouă piese. Uneori a fost cuprins de îndoieli cu privire la solvabilitatea sa ca muzician, dar a obținut totuși recunoașterea, deși la sfârșitul vieții. După executarea lui Simfoniile nr. 1 criticii l-au lăudat în cele din urmă pe compozitor, care în acel moment avea deja patruzeci și patru de ani.

Johannes Brahms nici unul dintre acei compozitori care s-au născut, ca să spunem așa, cu un băț de argint în mână. Până la nașterea lui, familia își pierduse bogăția anterioară și abia putea să își facă rostul. În adolescență, și-a câștigat existența jucând în bordelurile din orașul său natal, Hamburg. Până când Brahms a devenit adult, el, fără îndoială, s-a familiarizat cu aspecte departe de cele mai atractive ale vieții.

Muzica lui Brahms a fost promovată de prietenul său, Robert Schumann. După moartea lui Schumann, Brahms a devenit aproape de Clara Schumann și în cele din urmă chiar s-a îndrăgostit de ea. Nu se știe exact ce fel de relație au legat, deși sentimentul pentru ea a jucat probabil un anumit rol în relațiile lui cu alte femei - el nu și-a dat inima nici uneia dintre ele.

Ca persoană, Brahms era destul de neîngrădit și iritabil, dar prietenii săi susțineau că există blândețe în el, deși nu le-a demonstrat întotdeauna celor din jur. Într-o zi, întorcându-se acasă de la o petrecere, a spus:

„Dacă nu am jignit pe nimeni acolo, atunci le cer iertare”.

Brahms nu ar fi câștigat concursul pentru cel mai la modă și elegant îmbrăcat compozitor. Îi displăcea teribil să cumpere haine noi și purta adesea aceiași pantaloni largi, cu petice, aproape întotdeauna prea scurti pentru el. În timpul unei reprezentații, aproape că i-au căzut pantalonii. Cu altă ocazie, a fost nevoit să-și scoată cravata și să se încingă cu ea în loc de curea.

Stilul muzical al lui Brahms a fost foarte influențat de Haydn, Mozart și Beethoven, iar unii istorici ai muzicii chiar susțin că el a scris în spiritul clasicismului, la vremea aceea deja demodat. În același timp, deține și câteva idei noi. În special, el a reușit să dezvolte piese muzicale mici și să le repete pe tot parcursul lucrării - ceea ce compozitorii numesc „un motiv repetitiv”.

Opera Brahms nu a scris, dar s-a încercat în aproape toate celelalte genuri de muzică clasică. Prin urmare, el poate fi numit unul dintre cei mai mari compozitori menționați în cartea noastră, un adevărat gigant al muzicii clasice. El însuși a vorbit astfel despre munca sa:

„Nu este greu de scris, dar este surprinzător de greu să arunci note suplimentare sub masă”.

Max Bruch s-a născut la doar cinci ani după Brahms, iar acesta din urmă l-ar fi umbrit cu siguranță, dacă nu pentru o singură lucrare, Concertul pentru vioară nr. 1.

Bruch însuși a recunoscut acest fapt, argumentând cu o modestie neobișnuită pentru mulți compozitori:

„Peste cincizeci de ani, Brahms va fi numit unul dintre cei mai mari compozitori ai tuturor timpurilor și voi fi amintit pentru că am scris Concertul pentru vioară în sol minor”.

Și avea dreptate. Adevărat, Brujah însuși are ceva de amintit! A compus multe alte lucrări – aproximativ două sute în total – în special pentru cor și pentru opere, care sunt rar puse în scenă în zilele noastre. Muzica lui este melodică, dar nu a adus nimic deosebit de nou în dezvoltarea sa. Pe fundalul său, mulți alți compozitori din acea vreme par a fi adevărați inovatori.

În 1880, Bruch a fost numit dirijor al Societății Filarmonice Regale din Liverpool, dar după trei ani s-a întors la Berlin. Muzicienii orchestrei nu erau mulțumiți de el.

Pe paginile cărții noastre, am întâlnit deja multe minune muzicale și Camille Saint - Saens nu ocupă ultimul loc printre ei. La vârsta de doi ani, Saint - Saens selecta deja melodii la pian și a învățat să citească și să scrie în același timp muzică. La vârsta de trei ani a jucat piese din propria sa compoziție. La zece ani a cântat frumos Mozart și Beethoven. În același timp, a devenit serios interesat de entomologie (fluturi și insecte), iar apoi de alte științe, inclusiv geologie, astronomie și filozofie. Se părea că un copil atât de talentat pur și simplu nu se poate limita la un singur lucru.

După terminarea studiilor la Conservatorul din Paris, Saint - Saens a lucrat mulți ani ca organist. Odată cu vârsta, a început să influențeze viața muzicală a Franței și datorită lui a început să fie interpretată mai des muzica unor compozitori precum J.S.Bach, Mozart, Handel și Gluck.

Cea mai faimoasă compoziție a Saint - Saens - Carnavalul animalelor, pe care compozitorul i-a interzis să le interpreteze în timpul vieţii. Era îngrijorat că criticii muzicali, la auzul piesei, o vor găsi prea frivolă. La urma urmei, este amuzant când orchestra de pe scenă înfățișează un leu, un pui cu un cocoș, țestoase, un elefant, un cangur, un acvariu cu pești, păsări, un măgar și o lebădă.

Unele dintre celelalte compoziții ale sale Saint - Saens le-a scris pentru combinații nu atât de comune de instrumente, inclusiv celebrele „Organ” simfonia nr. 3, a sunat în filmul „Babe”.

Muzica lui Saint Saens a influențat munca altor compozitori francezi, inclusiv Gabriel Fauré. Acest tânăr a moștenit funcția de organist la biserica pariziană Sfânta Magdalena, care a fost ocupată anterior de Saint - Saens.

Și deși talentul lui Foret nu poate fi comparat cu talentul profesorului său, a fost un pianist excelent.

Faure era un om sărac și, prin urmare, muncea din greu, cântând la orgă, conducând corul și dând lecții. S-a angajat în scris în timp liber, care a rămas foarte puțin, dar, cu toate acestea, a reușit să publice peste două sute cincizeci dintre lucrările sale. Unele dintre ele au fost compuse de foarte mult timp: de exemplu, lucrați la Recviem a durat peste douăzeci de ani.

În 1905 Fauré a devenit directorul Conservatorului din Paris, adică omul de care a depins în mare măsură dezvoltarea muzicii franceze din acea vreme. Fauré s-a pensionat cincisprezece ani mai târziu. La sfârșitul vieții, a suferit de pierderea auzului.

Astăzi Foret este respectat în afara Franței, deși acolo este cel mai apreciat.

Pentru fanii muzicii engleze, apariția unei astfel de figuri ca Edward Elgar, trebuie să fi părut un adevărat miracol. Mulți istorici de muzică se referă la el ca fiind primul compozitor englez semnificativ după Henry Purcell, care a scris în perioada barocului, deși l-am menționat și pe Arthur Sullivan puțin mai devreme.

Elgar îi plăcea foarte mult Anglia, în special Worcestershire-ul natal, unde și-a petrecut cea mai mare parte a vieții găsind inspirație în câmpurile din Molvern Hills.

În copilărie, era înconjurat de muzică peste tot: tatăl său deținea un magazin local de muzică și l-a învățat pe micuțul Elgar să cânte diverse instrumente muzicale... La vârsta de doisprezece ani, băiatul îl înlocuia deja pe organistul la slujbele bisericii.

După ce a lucrat în biroul unui avocat, Elgar a decis să se dedice unei ocupații mult mai puțin sigure din punct de vedere financiar. De ceva vreme a lucrat part-time, dând lecții de vioară și pian, cântând în orchestrele locale și chiar dirijând puțin.

Treptat, faima lui Elgar ca compozitor a crescut, deși a trebuit să se străduiască să-și croiască drum în afara județului său natal. I-au adus faima Variații pe o temă originală, care sunt acum mai cunoscute ca Variații Enigma.

Acum muzica lui Elgar este percepută ca foarte englezească și sună în timpul celor mai mari evenimente la scară națională. La primele sunete ale ei Concert pentru violoncel Engleza apare imediat mediu rural. Nimrod din Variante sunt adesea jucate la ceremonii oficiale și Marșul solemn și ceremonial numărul 1, cunoscut ca Un pământ de speranță și glorie jucat în serile balului de absolvire în Marea Britanie.

Elgar era un om de familie și iubea o viață calmă, ordonată. Cu toate acestea, și-a lăsat amprenta în istorie. Acest compozitor cu o mustață groasă și stufoasă este imediat vizibil pe bancnota de douăzeci de lire. Evident, designerii de bancnote au crezut că părul facial ar fi foarte greu de contrafăcut.

În Italia, succesorul lui Giuseppe Verdi în arta operei a fost Giacomo Puccini, considerat unul dintre maeștrii mondiali recunoscuți ai acestei forme de artă.

Familia Puccini a fost mult timp asociată cu muzica bisericească, dar când Giacomo a auzit prima operă Aida Verdi, și-a dat seama că aceasta era chemarea lui.

După ce a studiat la Milano, Puccini compune o operă Manon Lescaut, care i-a adus primul său mare succes în 1893. După aceea, o producție de succes a urmat alta: Boemiaîn 1896, Tânjireîn 1900 şi Madame Butterflyîn 1904.

În total, Puccini a compus douăsprezece opere, dintre care ultima a fost Turandot. A murit fără să termine această lucrare, iar un alt compozitor a finalizat lucrarea. La premiera operei, dirijorul Arturo Toscanini a oprit orchestra exact acolo unde se oprise Puccini. S-a întors către public și a spus:

„Aici moartea a triumfat asupra artei”.

Odată cu moartea lui Puccini, perioada de glorie a artei operistice italiene s-a încheiat. Compozitorii italieni de operă nu vor mai fi menționați în cartea noastră. Dar cine știe ce ne rezervă viitorul?

In viata Gustav Mahler era mai cunoscut ca dirijor decât ca compozitor. A condus iarna, iar vara, de regulă, a preferat să fie angajat în scris.

În copilărie, se spune că Mahler a găsit un pian în podul casei bunicii sale. Patru ani mai târziu, la zece ani, dăduse deja prima reprezentație.

Mahler a studiat la Conservatorul din Viena, unde a început să compună muzică. În 1897 a devenit director al Operei de Stat din Viena și în următorii zece ani a câștigat o faimă considerabilă în acest domeniu.

El însuși a început să scrie trei opere, dar nu le-a terminat niciodată. În vremea noastră, el este cunoscut în primul rând ca compozitor de simfonii. În acest gen el deține unul dintre adevăratele „hituri” - Simfonia nr. 8,în timpul spectacolului căreia sunt implicaţi peste o mie de muzicieni şi cântăreţi.

După moartea lui Mahler, muzica sa a ieșit din modă timp de cincizeci de ani, dar în a doua jumătate a secolului al XX-lea și-a recăpătat popularitatea, în special în Marea Britanie și SUA.

Richard Strauss s-a născut în Germania și nu a aparținut dinastiei Strauss din Viena. În ciuda faptului că acest compozitor a trăit aproape toată prima jumătate a secolului al XX-lea, el este încă considerat un reprezentant al romantismului muzical german.

Popularitatea mondială a lui Richard Strauss a suferit oarecum din cauza faptului că a decis să rămână în Germania după 1939, iar după al Doilea Război Mondial a fost chiar acuzat că a colaborat cu naziștii.

Strauss a fost un dirijor excelent, datorită căruia a înțeles perfect cum ar trebui să sune un anumit instrument într-o orchestră. El a aplicat adesea aceste cunoștințe în practică. De asemenea, a dat diverse sfaturi altor compozitori, cum ar fi:

„Nu te uita niciodată la trombone, doar le încurajezi”.

„Nu transpira în timpul performanței; numai ascultătorii ar trebui să devină fierbinți.”

Astăzi, Strauss este amintit în primul rând în legătură cu compoziția sa Așa a vorbit Zarathustra, o introducere pe care Stanley Kubrick a folosit-o în 2001, A Space Odyssey. Dar a scris și unele dintre cele mai bune opere germane, printre care - Cavaler al Trandafirului, Salomeși Ariadna pe Naxos. Cu un an înainte de moarte, a compus și foarte frumos Ultimele patru melodii pentru voce și orchestră. În general, acestea nu au fost chiar ultimele cântece ale lui Strauss, dar au devenit un fel de final al activității sale creative.

Până acum, printre compozitorii menționați în această carte a existat un singur reprezentant al Scandinaviei - Edvard Grieg. Dar acum suntem din nou transportați pe acest pământ aspru și rece - de data aceasta în Finlanda, unde ne-am născut Jan Sibelius, mare geniu muzical.

Muzica lui Sibelius a absorbit miturile și legendele patriei sale. Cea mai mare lucrare a lui Finlanda, este considerată întruchiparea spiritului național al finlandezilor, la fel cum lucrările lui Elgar sunt recunoscute ca o comoară națională în Marea Britanie. Mai mult, Sibelius, la fel ca Mahler, a fost un adevărat maestru al simfoniilor.

Cât despre celelalte dependențe ale compozitorului, în viața de zi cu zi a fost excesiv de dependent de băutură și fumat, astfel încât la patruzeci de ani s-a îmbolnăvit de cancer la gât. De asemenea, de multe ori nu avea destui bani, iar statul i-a alocat o pensie pentru a putea continua să scrie muzică fără să-și facă griji pentru bunăstarea lui financiară. Dar cu mai bine de douăzeci de ani înainte de moartea sa, Sibelius a încetat să mai compună nimic. Și-a trăit restul vieții într-o relativă singurătate. A vorbit mai ales dur despre cei care au primit bani pentru recenzii ale muzicii sale:

„Nu fiți atenți la ceea ce spun criticii. Până acum, nici unui critic nu i s-a dat o statuie”.

Ultimul de pe lista noastră de compozitori ai perioadei romantice a supraviețuit până aproape de jumătatea secolului al XX-lea, deși a scris majoritatea lucrărilor sale cele mai faimoase în anii 1900. Și totuși este clasat printre romantici și ni se pare că acesta este cel mai romantic compozitor al întregului grup.

Serghei Vasilievici Rahmaninov sa născut într-o familie nobilă, care până atunci cheltuise o mulțime de bani. Interesul său pentru muzică s-a manifestat încă din copilărie, iar părinții l-au trimis să studieze, mai întâi la Sankt Petersburg, apoi la Moscova.

Rahmaninov a fost un pianist surprinzător de talentat și a făcut, de asemenea, un compozitor minunat.

A mea Concertul pentru pian nr. 1 a scris la nouăsprezece ani. Și-a găsit timp și pentru prima sa operă, Aleko.

Dar acest mare muzician, de regulă, nu a fost deosebit de mulțumit de viață. În multe fotografii, vedem un bărbat furios și încruntat. Un alt compozitor rus, Igor Stravinsky, a remarcat odată:

„Esența nemuritoare a lui Rahmaninov a fost încruntarea lui. Avea un metru și jumătate încruntat... era un bărbat înfricoșător.”

Când tânărul Rachmaninoff a jucat pentru Ceaikovski, a fost atât de încântat încât a pus un A cu patru plusuri pe foaia punctajului său - cea mai mare notă din istoria Conservatorului din Moscova. Curând, tot orașul a început să vorbească despre tânărul talent.

Cu toate acestea, soarta a rămas nefavorabilă muzicianului pentru o lungă perioadă de timp.

Criticii au fost foarte duri în privința lui Simfoniile nr. 1, a cărui premieră s-a încheiat cu eșec. Acest lucru i-a provocat lui Rahmaninov o suferință emoțională grea, și-a pierdut încrederea în forța sa și, în general, nu a putut compune nimic.

Până la urmă, doar ajutorul unui psihiatru experimentat Nikolai Dahl i-a permis să iasă din criză. Până în 1901, Rachmaninoff a terminat concertul pentru pian, la care a muncit din greu ani lungiși care este dedicat Dr. Dahl. De data aceasta, publicul a salutat cu încântare opera compozitorului. De cand Concertul pentru pian și orchestră nr. 2 a devenit o piesă clasică preferată interpretată de diverse grupuri muzicale din întreaga lume.

Rachmaninoff a început să facă turnee în Europa și Statele Unite. Întors în Rusia, a dirijat și compus.

După revoluția din 1917, Rahmaninov și familia sa au mers la concerte în Scandinavia. Nu s-a mai întors acasă. În schimb, s-a mutat în Elveția, unde și-a cumpărat o casă pe malul lacului Lucerna. Întotdeauna i-au plăcut lacurile de acumulare și acum, când a devenit un om destul de bogat, își permitea să se relaxeze pe mal și să admire peisajul de deschidere.

Rachmaninoff a fost un dirijor excelent și a dat întotdeauna următoarele sfaturi celor care doreau să exceleze în acest domeniu:

„Un bun dirijor trebuie să fie un bun șofer. Ambele au nevoie de aceleași calități: concentrare, atenție intensă continuă și prezență de spirit. Dirijorul trebuie doar să cunoască puțin muzica...”

În 1935, Rachmaninoff a decis să se stabilească în Statele Unite. A locuit mai întâi la New York, apoi s-a mutat la Los Angeles. Acolo a început să-și construiască o casă nouă, complet identică cu cea pe care o lăsase la Moscova.

Odată cu vârsta, Rahmaninov a dirijat din ce în ce mai puțini dirijori și a încetat aproape complet să compună muzică. A atins apogeul faimei sale ca pianist magnific.

În ciuda dorului de casă, lui Rahmaninov îi plăcea în SUA. Era mândru de uriașul său Cadillac și invita adesea oaspeții să facă o plimbare cu mașina doar pentru a-și etala mașina.

Cu puțin timp înainte de moartea sa, Rahmaninov a primit cetățenia americană. În această țară a fost îngropat.

Sfârșitul perioadei romantice

Am acordat mult mai multă atenție perioadei romantice din cartea noastră decât tuturor celorlalte perioade ale muzicii clasice.

În această epocă, s-au întâmplat atât de multe lucruri interesante în diferite țări, încât este pur și simplu imposibil să povestești totul într-un scurt articol. Muzica clasică s-a schimbat foarte mult, la fel și sunetul ei, care a devenit din ce în ce mai bogat datorită marilor orchestre simfonice. În multe privințe, lucrările lui Rachmaninoff sunt un exemplu ideal al acestui sunet. Dacă îl compari cu Beethoven, devine clar cât de grandioase au fost schimbările.

Dar oricât de semnificative ar părea chiar aceste schimbări care au avut loc în lumea muzicii în aproximativ optzeci de ani ai perioadei romantice, nu pot fi comparate cu ceea ce s-a întâmplat în viitor. Și în viitor, muzica a devenit și mai diversă și neobișnuită - ceea ce, după părerea noastră, nu a fost întotdeauna bună pentru ea.

Muzica a ocupat un loc special în estetica romantismului. A fost declarat model și normă pentru toate domeniile artei, deoarece, datorită specificului său, este capabil să exprime cel mai deplin mișcările sufletului.„Muzica începe când cuvintele se termină” (G. Heine).

Romantismul muzical ca direcție s-a dezvoltat la începutXIXsecolului și s-a dezvoltat în strânsă legătură cu diverse tendințe din literatură, pictură și teatru. Etapa inițială a romantismului muzical este reprezentată de lucrările lui F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, N. Paganini, G. Rossini; etapa următoare (1830-1850) - opera lui F. Chopin, R. Schumann, F. Mendelssohn, G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner, G. Verdi. Etapa târzie a romantismului se extinde până la capătXIXsecol. Astfel, dacă în literatură și pictură, direcția romantică își finalizează mai ales dezvoltarea la mijlocXIXde secole, viața romantismului muzical în Europa este mult mai lungă.

În romantismul muzical, precum și în alte tipuri de artă și literatură, opoziția lumii frumoase, idealurilor de neatins și a vieții de zi cu zi, pătrunsă de spiritul filistinismului și filistinismului, a dat naștere, pe de o parte, la conflicte dramatice, dominația motivelor tragice de singurătate, deznădejde, rătăcire etc., pe de altă parte - idealizarea și poetizarea trecutului îndepărtat, a vieții populare, a naturii. Ecou cu starea de spirit a unei persoane, natura în munca romanticilor este de obicei colorată de un sentiment de dizarmonie.

Ca și alți romantici, muzicienii erau convinși că sentimentele constituie un strat mai profund al sufletului decât mintea:„Mintea este delirantă, sentimentele – niciodată” (R. Schumann).

Interesul deosebit pentru personalitatea umană inerent muzicii romantice s-a exprimat în predominanța în aceastatonul personal ... Dezvăluirea dramei personale a căpătat adesea o nuanță printre romantici.autobiografice, care a adus o deosebită sinceritate muzicii. De exemplu, multe dintre lucrările lui Schumann pentru pian sunt asociate cu povestea dragostei sale pentru Clara Wieck. Berlioz a scris simfonia fantastică autobiografică. Caracterul autobiografic al operelor sale a fost subliniat în toate modurile posibile de Wagner.

Tema „mărturisirii lirice” este foarte des împletitătema naturii .

Adevărata descoperire a compozitorilor romantici a fosttema science fiction. Pentru prima dată, muzica a învățat să întrupeze imagini fabuloase și fantastice prin mijloace pur muzicale. În opereXvii - Xviiisecole, personaje „nepământene” (cum ar fi Regina nopții din „Flautul fermecat”) de Mozart au vorbit în limbajul muzical „general acceptat”, puțin ieșind în evidență pe fundal oameni adevărați... Compozitorii romantici au învățat să transmită lumea fantastică ca pe ceva complet specific (folosind culori orchestrale și armonice neobișnuite). Un exemplu izbitor este The Scene in the Wolf's Gorge din Weber's Magic Arrow.

Dacă Xviiisecolul a fost epoca improvizatorilor virtuoși de tip universal, la fel de pricepuți în cânt, compunere, cântând la diverse instrumente, apoiXIXsecolul a fost o perioadă de pasiune fără precedent pentru artă a pianiștilor virtuoși (K.M. Weber, F. Mendelssohn, F. Chopin, F. Liszt, I. Brahms).

Epoca romantismului a schimbat complet „geografia muzicală a lumii”. Sub influența trezirii active a conștiinței de sine naționale a popoarelor Europei, școlile de compozitori tineri din Rusia, Polonia, Ungaria, Cehia și Norvegia au venit pe arena muzicii internaționale. Compozitorii acestor țări, întruchipând imaginile literaturii naționale, istoriei, naturii autohtone, s-au bazat pe intonațiile și ritmurile folclorului lor natal.

Extrem de caracteristic romantismului muzical este interesul pentruarta Folk ... Asemenea poeților romantici care, în detrimentul folclorului, au îmbogățit și actualizat limba literară, muzicienii s-au orientat pe scară largă către folclorul național - cântece populare, balade, epopee (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin, I. Brahms, B. Smetana, E. Grieg ş.a.). Întruchipând imaginile literaturii naționale, istoriei, naturii autohtone, s-au bazat pe intonații și ritmuri ale folclorului național, au reînviat vechile moduri diatonice.Sub influența folclorului, conținutul muzicii europene s-a schimbat dramatic.

Teme și imagini noi au cerut dezvoltare de la romanticinoi mijloace de limbaj muzical și principiile modelării, individualizării melodiei și introducerii intonațiilor vorbirii, extinderea timbrului și a paletei armonice a muzicii (freturi naturale, juxtapuneri colorate de major și minor etc.).

Întrucât focalizarea atenției romanticilor nu mai este umanitatea în ansamblu, ci o anumită persoană cu sentimentul său unic, respectiviar în mijloacele de exprimare, generalul cedează tot mai mult loc singularului, distinctiv individual. Cota intonațiilor generalizate în melodie, progresiile comune ale acordurilor în armonie, modelele tipice în textură scade - toate aceste mijloace sunt individualizate. În orchestrație, principiul grupurilor de ansamblu a lăsat loc soloului aproape tuturor vocilor orchestrale.

Cel mai important punctestetică romantismul muzical a fostideea sintezei artelor , care a găsit cea mai vie expresie în opera lui Wagner și înmuzica de program Berlioz, Schumann, Liszt.

Genuri muzicale în operele compozitorilor romantici

Trei grupuri de gen sunt clar vizibile în muzica romantică:

• genuri care au ocupat un loc subordonat în arta clasicismului (în primul rând - cântec și pian miniatura);
• genuri percepute de romanticii din epoca precedentă (operă, oratoriu, ciclu sonat-simfonic, uvertură);
• genuri libere, poetice (balade, fantezii, rapsodii, poezii simfonice). Interesul față de ele se explică prin dorința compozitorilor romantici de auto-exprimare liberă, o transformare treptată a imaginilor.

În prim-plan în cultura muzicală a romantismului vinecântec ca gen cel mai potrivit pentru a exprima gândurile cele mai intime ale artistului (în timp ce în munca profesională a compozitorilorXviiiTimp de secole, cântecului liric i s-a atribuit un rol modest - a servit în principal pentru a umple timpul liber). Schubert, Schumann, Liszt, Brahms, Grieg și alții au lucrat în domeniul cântecului.

Compozitorul romantic tipic creează foarte direct, spontan, la porunca inimii. Înțelegerea romantică a lumii nu este o acoperire filozofică consistentă a realității, ci o fixare instantanee a tot ceea ce a atins sufletul artistului. În acest sens, în epoca romantismului, genul a înfloritminiaturi (independent sau combinat cu alte miniaturi într-un ciclu). Acesta nu este doar un cântec și o poveste de dragoste, ci și compoziții instrumentale -momente muzicale, improvizații, preludii, schițe, nocturne, valsuri, mazurke (în legătură cu dependența de arta populară).

Multe genuri romantice își datorează originea poeziei, formelor sale poetice. Acestea sunt sonete, cântece fără cuvinte, nuvele, balade.

Una dintre ideile principale ale esteticii romantice - ideea unei sinteze a artelor - a adus în mod firesc problema operei în centrul atenției. Aproape toți compozitorii romantici s-au orientat către genul operistic, cu rare excepții (Brahms).

Tonul de exprimare personal, confidențial, inerent romantismului transformă complet genurile clasice de simfonie, sonată, cvartet. Ei primescinterpretare psihologică şi lirico-dramatică. Conținutul multor lucrări romantice este asociat cuprogramatic (Ciclurile de pian ale lui Schumann, Anii de rătăcire a lui Liszt, simfoniile lui Berlioz, uverturile lui Mendelssohn).

Cele trei etape principale ale romantismului muzical european al secolului al XIX-lea - timpuriu, matur și târziu - corespund etapelor de dezvoltare ale muzicii romantice austriece și germane. Dar această periodizare trebuie concretizată și oarecum rafinată în raport cu cele mai importante evenimente din arta muzicală a fiecărei țări.
Etapa timpurie a romantismului muzical germano-austriac datează din anii 10-20 ai secolului al XIX-lea, care coincide cu punctul culminant al luptei împotriva stăpânirii napoleoniene și declanșarea ulterioară a unei reacții politice întunecate. Începutul acestei etape a fost marcat de fenomene muzicale precum operele „Undine” de Hoffmann (1913), „Sylvanas (1810),” Abu Hasan „(1811) și piesa pentru pian programată „Invitation to Dance” (1815) de Weber, primele cântece cu adevărat distinctive ale lui Schubert - „Margarita at the Spinning Wheel” (1814) și „Forest Tsar” (1815). În anii 1920, romantismul timpuriu a înflorit, când geniul dispărutului Schubert se desfășura în plină forță, când au apărut Pușcașul magic, Euryatus și Oberon - ultimele trei cele mai perfecte opere ale lui Beber, în anul morții sale (1820) la orizontul muzical, izbucnește un nou „luminar” - Mendelssohn - Bartholdi, care a interpretat cu o minunată uvertură de concert - Visul unei nopți de vară.
Etapa de mijloc se încadrează în principal în anii 1930-1940; granițele sale au fost determinate de Revoluția din iulie din Franța, care a avut un impact considerabil asupra cercurilor avansate din Austria și în special ale Germaniei, și de revoluția din 1848-1949, care a măturat puternic peste tot. ţinuturi germano-austriece. În această perioadă, creativitatea lui Mendelssohn (decedat în 1147) și Schumann a înflorit în Germania, a căror activitate de compozitor doar pentru câțiva ani a depășit granița indicată; Marschner risipește tradițiile lui Weber în operele sale (cea mai bună operă a sa, Thaps Geilsch: r, a fost scrisă în 1833); în această perioadă, Wagner a trecut de la un compozitor aspirant la creatorul unor lucrări remarcabile precum Tannhäuser (1815) și Lohengrin (1848); cu toate acestea, principalele realizări creative ale lui Wagner urmează încă să vină. În Austria, în acest moment, există o anumită acalmie în domeniul genurilor serioase, dar creatorii muzicii de dans de zi cu zi, Joseph Liner și Johann Strauss tatăl, câștigă faimă.
Perioada târzie, post-revoluționară a romantismului, care se întinde pe mai multe decenii (de la începutul anilor 50 până la aproximativ mijlocul anilor 90), a fost asociată cu o situație socio-politică tensionată (rivalitatea Austriei, Prusiei în unificarea țărilor germane, apariția unei Germanii unificate sub stăpânirea Prusiei militariste și separarea politică definitivă a Austriei). În acest moment, problema unei singure arte muzicale germane generale este acută, contradicțiile dintre diferitele grupuri creative și compozitori individuali sunt dezvăluite mai viu, apare o luptă de direcții, care se reflectă uneori în polemici aprinse pe paginile presei. . Liszt, care s-a mutat în Germania, încearcă să unească forțele muzicale progresiste ale țării, dar principiile sale creative asociate cu ideile de inovare radicală bazată pe programaticitate nu sunt împărtășite de toți muzicienii germani. O poziție specială este luată de Wagner, care a absolutizat rolul dramei muzicale ca „arta viitorului”. În același timp, Brahms, care a reușit în munca sa să demonstreze importanța durabilă a multor tradiții muzicale clasice în combinarea lor cu o nouă perspectivă romantică, a devenit la Viena șeful tendințelor anti-List și anti-Wagner. Anul 1876 este semnificativ în această privință: premiera Inelului Nibelungului de Wagner are loc la Bayreuth, iar Viena face cunoștință cu prima simfonie a lui Brahms, care a deschis perioada de cea mai înaltă înflorire a operei sale.

Complexitatea situației muzicale-istorice din acești ani nu se limitează la prezența diverselor direcții cu motivele lor; - Leipzig, Weimar, Bayreuth. Viena. În Viena însăși, de exemplu, artiști diferiți precum Bruckner și Wolf, uniți printr-o atitudine comună entuziastă față de Wagner, dar în același timp nu au acceptat principiul său de drama muzicală, își creează lucrările.
La Viena, Johann Strauss Fiul, cel mai muzical cap al secolului, creează ”(Wagner). Minunatele sale valsuri și operetele de mai târziu fac din Viena cel mai mare centru de muzică de divertisment.
Deceniile postrevoluţionare sunt încă marcate de unele fenomene marcante de romantism muzical, semnele crizei interne a acestei tendinţe deja se fac simţite. Astfel, romanticul din Brahms este sintetizat cu principiile clasicismului, iar Hugo Wolff se realizează treptat ca un compozitor antiromantic. Pe scurt, principiile romantice își pierd sensul exclusiv, uneori combinate cu unele tendințe clasice noi sau reînviate.
Cu toate acestea, chiar și după mijlocul anilor 1980, când romantismul începea în mod clar să se supraviețuiască, sclipiri individuale luminoase de creativitate romantică încă apar în Austria și Germania: ultimele lucrări pentru pian ale lui Brahms și simfoniile ulterioare ale lui Bruckner sunt alimentate de romantism; marii compozitori ai secolelor XIX și XX - austriac Mahler și german Richard Strauss - în lucrările anilor 80 și 90 se manifestă uneori ca romantici tipici. În general, acești compozitori devin un fel de verigă de legătură între secolul al XIX-lea „romantic” și secolul „antiromantic” douăzeci.)
„Apropierea culturii muzicale a Austriei și Germaniei, datorită tradițiilor culturale și istorice, nu exclude, desigur, anumite diferențe naționale. creativitatea muzicală și sarcinile cu care se confruntă muzicienii erau uneori diferite. Astfel, în Germania înapoiată, depășind stagnarea burgheză, provincialismul îngust a fost o sarcină deosebit de urgentă, care presupunea, la rândul său, activități educaționale de diferite forme din partea reprezentanților avansați ai artei.Condiții, remarcabilul compozitor german nu se putea limita doar la compunerea muzicii, ci el a trebuit să devină o figură muzicală și publică. Și într-adevăr, compozitorii romantici germani au îndeplinit cu putere sarcini culturale și educaționale, au contribuit țara: Weber - ca dirijor de operă și critic muzical, Mendelssohn - ca dirijor de concert și profesor de seamă, fondator al primului conservator din Germania; Schumann este un critic muzical inovator și creator al unui nou tip de reviste muzicale. Mai târziu, un musical activitate socială Wagner ca dirijor de teatru și simfonie, critic, estetic, reformator de operă, fondator al unui nou teatru în Bayreuth.
În Austria, cu centralizarea ei politică și culturală (regimentul de hegemonia Vienei ca centru politic și cultural), cu iluziile implantate de patriarhat, prosperitate imaginară și cu dominarea efectivă a celei mai brutale reacții, activitatea socială largă era imposibilă1. În acest sens, contradicția dintre patosul civic al operei lui Beethoven și pasivitatea socială forțată a marelui compozitor nu poate decât să atragă atenția asupra ei. Ce putem spune despre Schubert, care a apărut ca artist în perioada de după Congresul de la Viena din 1814-1815! Celebrul cerc Schubert era singura formă posibilă de unire a reprezentanților avansați ai intelectualității artistice, dar un astfel de cerc din Viena lui Metternich nu putea avea o rezonanță publică reală. Cu alte cuvinte, în Austria cei mai mari compozitori au fost aproape exclusiv creatori de opere muzicale: nu s-au putut dovedi în domeniul activităților muzicale și sociale. Acest lucru se aplică lui Schubert, și lui Bruckner, și lui Johann Strauss, fiul, și altora.
Cu toate acestea, în cultura austriacă, trebuie remarcați și astfel de factori caracteristici care au influențat pozitiv arta muzicală, dându-i în același timp o aromă specific austriacă, „vieneză”. Concentrate la Viena, într-o combinație ciudată și pestriță, elemente ale culturii germană, maghiară, italiană și slavă au creat acel teren muzical bogat pe care a crescut opera creativă a lui Schubert, Johann Strauss și a multor alți compozitori, care a fost democratică în orientarea sa. Combinația dintre trăsăturile naționale germane cu cele maghiare și slave a devenit mai târziu caracteristică lui Brahms care s-a mutat la Viena.

Specific culturii muzicale a Austriei a fost distribuția extrem de largă a diferitelor forme de muzică de divertisment - serenade, casații, divertismente, care au ocupat un loc proeminent în opera clasicilor vienezi Haydn și Mozart. În epoca romantismului, importanța muzicii de zi cu zi, distractive, nu numai că a rămas, ci și mai mult s-a intensificat. Este greu de imaginat, de exemplu, apariția creativă a lui Schubert fără acel flux popular de zi cu zi care pătrunde în muzica lui și care se întoarce la petreceri vieneze, picnicuri, vacanțe în parcuri, la muzica de stradă relaxată. Dar deja în zilele lui Schubert, a început să se observe o stratificare în muzica profesională vieneză. Și dacă Schubert însuși încă mai combina simfonii și sonate cu valsuri și landlers care au apărut literalmente în sute1, precum și marșuri, ecose, poloneze în opera sa, atunci contemporanii săi Liner și Strauss tatăl au făcut din muzica de dans baza activităților lor. Mai târziu, această „polarizare” își găsește expresia în relația dintre creativitatea a doi contemporani — clasicul muzicii de dans și operetă Johann Strauss fiul (1825-1899) și simfonistul Bruckner (1824-1896).
Când comparăm muzica austriacă cu cea germană a secolului al XIX-lea propriu-zis, se pune inevitabil problema teatrului muzical. În Germania, în epoca romantismului, opera, începând cu Hoffmann, a avut o importanță capitală ca gen capabil să exprime cel mai pe deplin problemele actuale ale culturii naționale. Și nu întâmplător drama muzicală Wagnerad a fost o cucerire grandioasă a teatrului german.În Austria, încercările repetate ale lui Schubert de a obține succesul în domeniul teatrului nu au fost încununate de succes.stimuli pentru creativitate operistică serioasă, nu au contribuit la creație. de opere de teatru de „stil mare”. Dar spectacolele populare ale unui personaj de comedie au înflorit - cântecele lui Ferdinand Raimund cu muzica lui Wenzel Müller și Joseph Drexler, iar mai târziu - cântecele domestice ale lui I. N. Nestroy (1801-). 1862) Ca urmare, nu o dramă muzicală, ci opereta vieneză apărută în anii '70, a determinat realizările teatrului muzical austriac la scară europeană.
În ciuda tuturor acestor și altor diferențe în dezvoltarea muzicii austriece și germane, trăsăturile comune în arta romantică a ambelor țări sunt mult mai vizibile. Care sunt trăsăturile specifice care au distins opera lui Schubert, Weber și cei mai apropiați succesori ai lor - Mendelssohn și Schumann - de muzica romantică a altor țări europene?
Versuri intime, pline de suflet, acoperite cu reverie, sunt deosebit de tipice lui Schubert, Weber, Mendelssohn, Schumann. Muzica lor este dominată de acea melodie de origine melodioasă, pur vocală, care este de obicei asociată cu conceptul de „Lied” german. Acest stil este la fel de caracteristic pentru cântece și pentru multe dintre temele instrumentale melodioase ale lui Schubert, arii de operă lirice ale lui Weber, Cântecele fără cuvinte ale lui Mendelssohn, imaginile „Ebzebievs” ale lui Schumann. Melodia inerentă acestui stil este, totuși, diferită de opera specific italiană a lui Bellini, cantilena, precum și de frazele afectat-declamative caracteristice romanticilor francezi (Berlioz, Menerbeer).
În comparație cu romantismul francez progresiv, caracterizat prin optimism și eficacitate, plin de patos civic, eroic-revoluționar, romantismul austriac și german arată în ansamblu mai contemplativ, mai îngrădit, subiectiv liric. Însă principala sa forță constă în dezvăluirea lumii interioare a unei persoane, în acel psihologism profund, care a fost dezvăluit pe deplin în special în muzica austriacă și germană, provocând impactul artistic irezistibil al multor lucrări muzicale. Aceasta. cu toate acestea, nu exclude unele manifestări strălucitoare de eroism și patriotism în operele romanticilor din Austria și Germania. Așa sunt puternica simfonie eroic-epopee în do major de Schubert și unele dintre melodiile sale (Către șoferul Kronos, Grupul din iad și altele), ciclul coral Lira și sabia de Weber (versurile poetului patriotic). T. Kerner „Etudii simfonice „Schumann, cântecul său” Two Grenadiers „, în cele din urmă, pagini eroice individuale în lucrări precum „Simfonia scoțiană” de Mendelssohn (apoteoză în final), „Carnaval „de Schumann (finală, a treia sa simfonie ( prima mișcare).Dar planul eroic al lui Beethoven, titanismul luptei renasc na noua baza mai târziu – în dramele muzicale eroic-epic ale lui Wagner. În primele etape ale romantismului germano-austriac, un principiu activ, activ este mult mai des exprimat în imagini de patetic, agitat, rebel, dar care nu reflectă, ca la Beethoven, un proces de luptă intenționat și victorios. Așa sunt cântecele lui Schubert „Shelter” și „Atlant”, imaginile lui Florestani ale lui Schumann, uvertura lui „Manfred”, uvertura „Rune Blaz” de Mendelssohn.

Imaginile naturii ocupă un loc extrem de important în opera compozitorilor romantici austrieci și germani. Deosebit de grozav este rolul „empatic” al imaginilor naturii în ciclurile vocale ale lui Schubert și în ciclul „Dragostea unui poet” de Schumann. Peisajul muzical este larg dezvoltat în lucrările simfonice ale lui Mendelssohn; este asociat în principal cu elementele marine („Simfonia Scoțiană”, uverturi „Hebride”, „Marea calmă și navigație fericită”). Însă o trăsătură caracteristică germană a imaginilor peisajului a fost acel „romantism de pădure” care este întruchipat atât de poetic în introducerile uverurilor lui Weber la Arcașul magic și Oberon, în Nocturne de la muzica lui Mendelssohn la comedia lui Shakespeare Visul unei nopți de vară. De aici, fire se întind până la simfoniile lui Bruckner precum a patra („Romantică”) și a șaptea, până la peisajul simfonic „Frușnetul pădurii” din tetralogia lui Wagner, până la imaginea pădurii din prima simfonie a lui Mahler.
Dorul romantic de ideal în muzica germano-austriacă își găsește o expresie specifică, în special, în tema rătăcirii, căutarea fericirii pe un alt tărâm, necunoscut. Acest lucru s-a văzut cel mai clar în lucrările lui Schubert (Rătăcitorul, Frumoasa femeie morară, Cărarea de iarnă), iar mai târziu în imaginile lui Wagner cu Olandezul zburător, Wotan Călătorul, Siegfried rătăcitor. Această tradiție din anii 80 duce la ciclul lui Mahler „Cântecele ucenicului rătăcitor”.
Accentul mare pus pe imaginile fantasticului este, de asemenea, o trăsătură tipic națională a romantismului germano-austriac (a avut un impact direct asupra romanticului francez Berlioz). Aceasta este, în primul rând, fantezia răului, Demonismul, care și-a găsit cea mai vie întruchipare în „Siena în Valea Lupului” din opera lui Weber „Tugărul magic”, în „Vampir” de Marschner, cantata „Noaptea lui Walpurgis” de Mendelssohn și un număr. a altor lucrări. În al doilea rând, ficțiunea este ușoară, subtilă și poetică, contopindu-se cu imagini frumoase ale naturii, pline de entuziasm: scene din opera lui Weber Oberon, uvertura lui Mendelssohn Visul unei nopți de vară și apoi imaginea Lohengrin-ului lui Wagner, mesagerul Graalului. Un loc intermediar aici revine multor imagini ale lui Schumann, unde ficțiunea întruchipează un început minunat, bizar, fără prea mult accent pe problema răului și a binelui.
În domeniul limbajului muzical, romantismul austriac și german au constituit o întreagă epocă, extrem de importantă din punctul de vedere al evoluției generale a mijloacelor expresive ale artei. Fără să ne oprim asupra originalității stilului fiecărui compozitor major în parte, să notăm cele mai comune trăsături și tendințe.

Principiul larg implementat al „cântecului” - o tendință generală tipică în opera compozitorilor romantici - se extinde și la muzica lor instrumentală. Realizează o mare individualizare a melodiei printr-o combinație caracteristică de ture de cântec și declamație propriu-zis, cânt de fundamente, cromatizare etc. Limbajul armonic este îmbogățit: formulele armonice tipice ale clasicilor sunt înlocuite cu o armonie mai flexibilă și mai variată. , rolul de plugalitate, gradele secundare de armonie crește. Latura colorată a armoniei este de mare importanță. Este caracteristică și întrepătrunderea în creștere treptată a majorului și minorului. Deci, de la Schubert, în esență, vine tradiția comparațiilor cu același nume major-minor (mai adesea major după minor), deoarece aceasta a devenit o tehnică preferată în opera sa. Domeniul de aplicare al majorului armonic este în expansiune (subdominantele minore în cadențele operelor majore sunt deosebit de caracteristice). În legătură cu accentuarea individului, identificarea detaliilor nămoloase ale imaginii, există și câștiguri în domeniul orchestrației (sensul colorării specifice timbrului, rolul din ce în ce mai mare al instrumentelor solo, atenția la noile mișcări de coarde interpretate). , etc.). Dar, practic, orchestra în sine nu își schimbă încă compoziția clasică.
Romanticii germani și austrieci au fost într-o mai mare măsură fondatorii programului romantic (Berlioz se putea baza pe realizările lor în Simfonia sa fantastică). Și deși programaticitatea ca atare, s-ar părea, nu este tipică pentru romantismul austriac Schubert, saturația părții de pian a pieselor sale cu momente picturale, prezența unor elemente de programabilitate ascunsă prezente în dramatismul compozițiilor sale instrumentale majore a determinat contribuția semnificativă a compozitorului la dezvoltarea principiilor programatice în muzică. Romanticii germani au deja o dorinta pronuntata de programaticitate atat in muzica pentru pian (Weber's Invitation to Dance, Concertstuck, Schumann's Suite Cycles, Songs without Words de Mendelssohn), cat si in muzica simfonica (uverturi de opera lui Weber, uverturi de concert, uverturi de Mendelssohn, uvertura "Manfred". " de Schumann).
Rolul romanticilor austrieci și germani în crearea de noi principii compoziționale este mare. Ciclurile sonate-simfonice ale clasicilor sunt înlocuite cu miniaturi instrumentale; ciclizarea miniaturii, dezvoltată viu în domeniul versurilor vocale de Schubert, este transferată în muzica instrumentală (Schumann). Au apărut și compoziții mari într-o singură parte, care îmbină principiile sonatei și ciclicității (fantezie pentru pian în do major de Schubert, „Concertstuck” de Weber, prima mișcare de fantezie în do major de Schumann). Ciclurile sonate-simfonice, la rândul lor, suferă schimbări semnificative la romantici, există Tipuri variate„Sonata romantică”, „simfonie romantică”. Dar, cu toate acestea, principala cucerire a fost o nouă calitate a gândirii muzicale, care a condus la crearea de miniaturi cu conținut deplin și putere de expresivitate - acea concentrare specială a expresiei muzicale care a făcut din un singur cântec sau dintr-o piesă de pian în centrul atenției profunde. idei și experiențe.

În fruntea romantismului austriac și german care se dezvoltă rapid în prima jumătate a secolului al XIX-lea s-au aflat persoane nu numai dotate cu geniu, ci și avansate în opiniile și aspirațiile lor. Acest lucru a determinat semnificația durabilă a creativității lor muzicale, semnificația ei ca „noi clasici”, care a devenit clară deja până la sfârșitul secolului, când clasicii muzicali din țările de limbă germană erau reprezentați, în esență, nu numai de marii compozitori ai secolului al XVIII-lea și Beethoven, dar și de marii romantici - Schubert , Schumann, Weber, Mendelssohn. Acești reprezentanți remarcabili ai romantismului muzical, respectându-și profund predecesorii și dezvoltând multe dintre realizările lor, au reușit în același timp să deschidă o lume complet nouă a imaginilor muzicale și a formelor lor compoziționale corespunzătoare. Tonul personal predominant în munca lor era în armonie cu starea de spirit și gândurile maselor democratice. Ei au afirmat în muzică acel caracter de expresivitate, pe care BV Asafiev l-a caracterizat pe bună dreptate drept „vorbire comunicativă plină de viață, de la inimă la inimă” și care îi face pe Schubert și Schumann în relație cu Chopin, Grieg, Ceaikovski și Verdi. Despre valoarea umanistă a direcției muzicale romantice, Asafiev a scris: „Conștiința personală se manifestă nu în izolarea sa izolată, mândră, ci într-un fel de reflectare artistică a tot ceea ce trăiește oamenii și a ceea ce îi îngrijorează mereu și inevitabil. Într-o asemenea simplitate, sună invariabil gânduri și gânduri frumoase despre viață - concentrarea a ceea ce este mai bun într-o persoană.”

Romantismul în muzică

articolul principal: Muzica din perioada romantismului

În muzică, direcția romantismului s-a dezvoltat în 1820 ani, dezvoltarea sa a luat întregul XIX secol. Compozitorii romantici au încercat să exprime profunzimea și bogăția lumii interioare a unei persoane cu ajutorul mijloacelor muzicale. Muzica devine mai vie, individuală. Genurile de cântece se dezvoltă, inclusiv baladă.

Reprezentanții romantismului în muzică sunt: Austria - Franz Schubert; v Germania - Ernest Theodor Hoffmann, Karl Maria Weber,Richard Wagner, Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Ludwig Spohr; v Al Italiei - Niccolo Paganini, Vincenzo Bellini, din timp Giuseppe Verdi; în Franţa - G. Berlioz, D.F. Aubert, J. Meyerbeer; v Polonia - Frederic Chopin; v Ungaria - Franz Liszt.

În Rusia, în curentul principal al romantismului, au lucrat A. A. Alyabyev, M. I. Glinka, Dargomyzhsky, Balakirev, N. A. Rimski-Korsakov, Musorgski,Borodin, Cui, P. I. Ceaikovski.

Ideea unei sinteze a artelor și-a găsit expresie în ideologia și practica romantismului. Romantismul în muzică a luat contur în anii 20 ai secolului al XIX-lea sub influența literaturii de romantism și s-a dezvoltat în strânsă legătură cu aceasta, cu literatura în general (un apel la genuri sintetice, în primul rând la operă, cântec, miniatura instrumentală și programaticitatea muzicală). ). Apelul la lumea interioară a unei persoane, caracteristică romantismului, s-a exprimat în cultul poftei subiective, intense emoțional, care a determinat primatul muzicii și versurilor în romantism.

Muzica din prima jumătate a secolului al XIX-lea a evoluat rapid. A apărut un nou limbaj muzical; în muzica instrumentală și vocală de cameră, un loc aparte ocupă miniaturile; orchestra a sunat cu un spectru variat de culori; posibilitățile pianului și ale viorii au fost dezvăluite într-un mod nou; muzica romanticilor era foarte virtuoz.

Romantismul muzical s-a manifestat în multe ramuri diferite asociate cu diferite culturi naționale și cu diferite mișcări sociale. Deci, de exemplu, stilul intim, liric al romanticilor germani și patosul civic „oratoric” caracteristic operei compozitorilor francezi diferă semnificativ. La rândul lor, reprezentanți ai noilor școli naționale apărute pe baza unei mișcări ample de eliberare națională (Chopin, Moniuszko, Dvorak, Smetana, Grieg), precum și reprezentanți ai școlii italiene de operă, strâns asociate cu mișcarea Risorgimento (Verdi, Bellini), diferă în multe privințe de contemporanii din Germania, Austria sau Franța, în special tendința de a păstra tradițiile clasice.

Și totuși, toate sunt marcate de niște principii artistice comune care ne permit să vorbim despre o singură structură romantică a gândirii.

Datorită abilității speciale a muzicii de a dezvălui profund și pătrunzător lumea bogată a experienței umane, estetica romantică o pune pe primul loc printre alte arte. Mulți romantici au subliniat un început intuitiv al muzicii, atribuindu-i capacitatea de a exprima „incognoscibilul”. Lucrările compozitorilor romantici remarcabili aveau o bază realistă solidă. Poftă de viață oameni normali, plinătatea vieții și adevărul sentimentelor, încrederea în muzica vieții de zi cu zi au determinat realismul creativității celor mai buni reprezentanți ai romantismului muzical. Tendințele reacționale (misticism, evadare din realitate) sunt inerente doar unui număr relativ mic de lucrări ale romanticilor. Ei s-au manifestat parțial în opera lui Weber „Euryant” (1823), în unele dintre dramele muzicale ale lui Wagner, oratoriul lui Liszt „Hristos” (1862) și altele.

Până la începutul secolului al XIX-lea, au apărut studii fundamentale despre folclor, istorie, literatura antică, legende medievale, arta gotică și cultura Renașterii. În acest moment s-au format multe școli naționale de tip special în opera de compoziție a Europei, care erau destinate să extindă în mod semnificativ granițele culturii europene comune. Rusă, care a ocupat curând, dacă nu chiar primul, atunci unul dintre primele locuri în creativitatea culturală mondială (Glinka, Dargomyzhsky, „Kuchkists”, Ceaikovski), poloneză (Chopin, Moniuszko), cehă (Smetana, Dvorak), maghiară (Liszt). ), apoi norvegiană (Grieg), spaniolă (Pedrell), finlandeză (Sibelius), engleză (Elgar) - toate, contopindu-se în canalul general al creativității compozitorului european, nu s-au opus în niciun caz tradițiilor străvechi stabilite. A apărut un nou cerc de imagini, care exprimă trăsăturile naționale unice ale culturii naționale căreia i-a aparținut compozitorul. Structura de intonație a lucrării vă permite să recunoașteți instantaneu după ureche apartenența la o anumită școală națională.

Compozitorii implică transformările de intonație ale vechiului folclor, predominant țărănesc, din țările lor în limbajul muzical comun european. Ei, parcă, au curățat cântecul popular rusesc de opera lăcuită, au introdus turnuri de cântec ale genurilor populare în sistemul de intonație cosmopolit al secolului al XVIII-lea. Fenomenul cel mai frapant în muzica romantismului, care este perceput în mod deosebit în mod clar în comparație cu sfera figurativă a clasicismului, este dominația principiului liric și psihologic. Desigur, o trăsătură distinctivă a artei muzicale în general este refracția oricărui fenomen prin sfera sentimentelor. Muzica din toate epocile este supusă acestui tipar. Dar romanticii i-au depășit pe toți predecesorii lor în sensul principiului liric în muzica lor, în forță și perfecțiune în transmiterea profunzimii lumii interioare a unei persoane, a celor mai subtile nuanțe de dispoziție.

Tema iubirii ocupă un loc dominant în ea, deoarece această stare de spirit este cea care reflectă cel mai cuprinzător și pe deplin toate profunzimile și nuanțele psihicului uman. Dar este foarte caracteristic faptul că acest subiect nu se limitează la motivele iubirii în sensul literal al cuvântului, ci este identificat cu cea mai largă gamă de fenomene. Experiențele pur lirice ale eroilor se dezvăluie pe fundalul unei ample panorame istorice. Dragostea unei persoane pentru casa lui, pentru patria sa, pentru poporul său - un fir continuu străbate opera tuturor compozitorilor - romanticii.

Un loc imens este acordat în operele muzicale de forme mici și mari imaginii naturii, strâns și indisolubil împletite cu tema confesiunii lirice. La fel ca imaginile iubirii, imaginea naturii personifică starea de spirit a eroului, atât de des colorată de un sentiment de dizarmonie cu realitatea.

Tema fanteziei concurează adesea cu imaginile naturii, care probabil este generată de dorința de a evada din captivitatea vieții reale. Tipic pentru romantici sunt căutarea unei lumi minunate, sclipitoare de bogăția culorilor, opuse vieții de zi cu zi cenușii. În acești ani, literatura s-a îmbogățit cu basme, balade ale scriitorilor ruși. Pentru compozitorii școlii romantice, imaginile fabuloase, fantastice capătă o culoare națională unică. Baladele sunt inspirate de scriitorii ruși și, mulțumită acestui lucru, sunt create lucrări cu un plan grotesc fantastic, simbolizând, parcă, latura armonioasă a credinței, căutând să rupă ideile de frică de forțele răului.

Mulți compozitori romantici au apărut și ca scriitori și critici muzicali (Weber, Berlioz, Wagner, Liszt etc.). Munca teoretică a reprezentanților romantismului progresist a adus o contribuție foarte semnificativă la dezvoltarea celor mai importante probleme ale artei muzicale. Romantismul și-a găsit expresie în artele spectacolului (violonistul Paganini, cântărețul A. Nurri etc.).

Sensul progresiv al romantismului în această perioadă constă în principal în activități Franz Liszt... Creativitatea lui Liszt, în ciuda viziunii contradictorii asupra lumii, era fundamental progresivă, realistă. Unul dintre fondatorii și clasicul muzicii maghiare, un artist național remarcabil.

În multe dintre lucrările lui Liszt, temele naționale maghiare sunt reflectate pe scară largă. Compozițiile romantice și virtuoase ale lui Liszt au extins posibilitățile tehnice și expresive ale cântării la pian (concerte, sonate). Legăturile lui Liszt cu reprezentanții muzicii ruse au fost semnificative, lucrările cărora le-a promovat activ.

În același timp, Liszt a jucat un rol important în dezvoltarea artei muzicale mondiale. După Liszt, „totul a devenit posibil pentru pian”. Trăsături specifice muzica lui este de improvizație, ridicare romantică a sentimentelor, melodie expresivă. Liszt este apreciat ca compozitor, interpret, figură muzicală. Opere majore ale compozitorului: opera „ Don Sancho sau castelul iubirii„(1825), 13 poezii simfonice” Tasso”, ” Prometeu”, “Cătun”Și altele, lucrări pentru orchestră, 2 concerte pentru pian și orchestră, 75 de romane, coruri și alte lucrări nu mai puțin celebre.

Una dintre primele manifestări ale romantismului în muzică a fost creativitatea Franz Schubert(1797-1828). Schubert a intrat în istoria muzicii drept cel mai mare dintre fondatorii romantismului muzical și creatorul unui număr de genuri noi: simfonie romantică, miniatură la pian, cântec liric-romantic (romantism). De cea mai mare importanță în opera sa este cântec,în care a arătat mai ales multe tendinţe inovatoare. În cântecele lui Schubert, lumea interioară a unei persoane este dezvăluită cel mai profund dintre toate, legătura cu muzica populară de zi cu zi este cea mai vizibilă pentru el, una dintre cele mai semnificative trăsături ale talentului său se manifestă cel mai clar - varietatea uimitoare, frumusețea. , farmecul melodiilor. Cele mai bune melodii din perioada timpurie includ „ Margarita la roată”(1814) , “Regele pădurii”. Ambele melodii sunt scrise cu cuvinte de Goethe. În prima dintre ele, fata părăsită își amintește de iubita ei. Ea este singură și profund în durere, cântecul ei este trist. Melodia simplă și plină de suflet are ecou doar de zumzetul monoton al brizei. „Regele pădurii” este o piesă complexă. Acesta nu este un cântec, ci mai degrabă o scenă dramatică, în care trei personaje apar în fața noastră: un tată care galopează pe un cal prin pădure, un copil bolnav pe care îl poartă cu el și un rege formidabil al pădurii care îi apare unui băiat într-un delir febril. Fiecare dintre ele este înzestrat cu propriul său limbaj melodic. Nu mai puțin celebre și îndrăgite sunt piesele lui Schubert „Trout”, „Barcarolla”, „Morning Serenade”. Scrise în anii următori, aceste cântece se remarcă printr-o melodie surprinzător de simplă și expresivă, culori proaspete.

Schubert a scris și două cicluri de cântece - „ Drăguț morar„(1823) și” Calea de iarnă”(1872) - la cuvintele poetului german Wilhelm Müller. În fiecare dintre ele, cântecele sunt unite printr-un singur complot. Cântecele ciclului „The Beautiful Miller” vorbesc despre un băiat tânăr. Urmând pârâul pârâului, pornește într-o călătorie pentru a-și căuta fericirea. Majoritatea melodiilor din acest ciclu au un caracter ușor. Starea de spirit a ciclului „Calea de iarnă” este complet diferită. Tânărul sărac este respins de mireasa bogată. În disperare, își părăsește orașul natal și pleacă să rătăcească prin lume. Însoțitorii săi sunt vântul, un viscol, corbii care croncănesc de rău augur.

Puținele exemple date aici ne permit să vorbim despre particularitățile compoziției lui Schubert.

lui Schubert îi plăcea foarte mult să scrie muzica pentru pian... Pentru acest instrument a scris un număr mare de lucrări. Asemenea cântecelor, lucrările sale pentru pian erau apropiate de muzica de zi cu zi și la fel de simple și de înțeles. Genurile preferate ale compozițiilor sale au fost dansurile, marșurile, iar în ultimii ani ai vieții sale - improvizate.

Valsurile și alte dansuri apăreau de obicei cu Schubert la baluri, la plimbări la țară. Acolo le-a improvizat și le-a înregistrat acasă.

Dacă compari piesele lui Schubert pentru pian cu melodiile sale, poți găsi multe asemănări. În primul rând, este o mare expresivitate melodică, grație, juxtapunere colorată de major și minor.

Una dintre cele mai mari limba franceza compozitori din a doua jumătate a secolului al XIX-lea a fost Georges Bizet, creatorul unei creații nemuritoare pentru teatru muzical - operă “Carmen„Și muzică minunată pentru drama lui Alphonse Daudet” Arlesian”.

Opera lui Bizet se caracterizează prin precizie și claritate a gândirii, noutatea și prospețimea mijloacelor expresive, completitudinea și grația formei. Bizet se caracterizează prin acuratețea analizei psihologice în înțelegerea sentimentelor și acțiunilor umane, caracteristică operei marilor compatrioți ai compozitorului - scriitorii Balzac, Flaubert, Maupassant. Locul central în opera lui Bizet, divers ca genuri, îi revine operei. Arta operică a compozitorului a luat naștere pe pământ național și s-a hrănit din tradițiile operei franceze. Bizet credea că prima sarcină în opera sa a fost depășirea limitărilor de gen existente în opera franceză care împiedică dezvoltarea acesteia. Opera „Bolshoi” i se pare un gen mort, lirica - irită prin lacrimile și îngustimea sa filisteană, comicul merită atenție mai mult decât alții. Pentru prima dată în opera lui Bizet, viața de zi cu zi suculentă și plină de viață și scene de mulțime apar în operă, anticipând viața și scene vii.

Muzică de Bizet la drama de Alphonse Daudet „Arlesian”Este cunoscută în principal pentru două suite de concerte, compuse din cele mai bune numere ale ei. Bizet a folosit niște melodii provensale autentice : „Marșul celor Trei Regi” și „Dansul cailor frisky”.

Opera Bizet" Carmen”Este o dramă muzicală care dezvăluie în fața privitorului cu o sinceritate convingătoare și cu o putere artistică uluitoare povestea dragostei și morții eroilor săi: soldatul Jose și țiganca Carmen. Opera Carmen a fost creată pe baza tradițiilor teatrului muzical francez, dar în același timp a adus o mulțime de lucruri noi. Bazându-se pe cele mai bune realizări ale operei naționale și reformând elementele sale cele mai importante, Bizet a creat un nou gen - drama muzicală realistă.

În istoria operei secolului al XIX-lea, opera „Carmen” ocupă unul dintre primele locuri. Din 1876, procesiunea ei triumfală începe pe scenele operelor din Viena, Bruxelles, Londra.

Manifestarea unei relații personale cu mediul s-a exprimat la poeți și muzicieni în primul rând în spontaneitatea, „deschiderea” emoțională și pasiunea enunțului, în dorința de a convinge ascultătorul cu ajutorul intensității necontenite a tonului confesiunii sau mărturisire.

Aceste noi tendințe în artă au avut o influență decisivă asupra aspectului opera lirică... A apărut ca antiteza „marilor” și a operei comice, dar nu a putut ignora cuceririle și realizările lor în domeniul dramei operistice și al mijloacelor de exprimare muzicală.

O trăsătură distinctivă a noului gen de operă este interpretarea lirică a oricărei intrigi literare - pe o temă istorică, filozofică sau contemporană. Eroii operei lirice sunt înzestrați cu trăsăturile oamenilor obișnuiți, lipsiți de exclusivitatea și unele exagerări caracteristice unei opere romantice. Cel mai important artist din domeniul operei lirice a fost Charles Gounod.

Printre moștenirea de operă destul de numeroasă a lui Gounod, opera „ Faust" ocupă un loc special și, s-ar putea spune, excepțional. Faima și popularitatea ei la nivel mondial nu sunt egale cu oricare dintre celelalte opere ale lui Gounod. Semnificația istorică a operei Faust este deosebit de mare pentru că a fost nu numai cea mai bună, ci, în esență, prima dintre operele noii direcții, despre care Ceaikovski a scris: „Este imposibil de negat că Faust a fost scris, dacă nu cu brio, apoi cu o pricepere extraordinară și fără identitate semnificativă.” Imaginea lui Faust netezește contradicția acută și „dualitatea” conștiinței sale, nemulțumirea eternă cauzată de dorința de a cunoaște lumea. Gounod a fost incapabil să transmită toată versatilitatea și complexitatea imaginii lui Mefistofel al lui Goethe, care întruchipa spiritul criticii militante a acelei epoci.

Unul dintre principalele motive pentru popularitatea lui „Faust” a fost că a concentrat cele mai bune și fundamental trăsături fundamentale ale genului tânăr al operei lirice: o transmitere emoțională directă și strălucitoare individuală a lumii interioare a eroilor operei. Sensul filozofic profund al „Faust” de Goethe, care a căutat să dezvăluie destinele istorice și sociale ale întregii omeniri pe exemplul conflictului personajelor principale, a fost întruchipat de Gounod sub forma unei drame lirice umană a lui Marguerite și Faust. .

Compozitor francez, dirijor, critic muzical Hector Berlioz a intrat în istoria muzicii ca mare compozitor romantic, creator al unei simfonii de program, inovator în domeniul formei muzicale, al armoniei și mai ales al instrumentației. În opera sa, ei au găsit o întruchipare vie a trăsăturilor patosului și eroismului revoluționar. Berlioz îl cunoștea pe M. Glinka, a cărui muzică o aprecia foarte mult. A fost în relații amicale cu liderii „Mighty Handful”, care i-au acceptat cu entuziasm lucrările și principiile creative.

A creat 5 lucrări muzicale de scenă, inclusiv opera „ Benvenuto Cillini”(1838), “ troieni”,”Beatrice și Benedict”(Bazat pe comedia lui Shakespeare „Much Ado About Nothing”, 1862); 23 de lucrări vocale și simfonice, 31 de romane, coruri, a scris cărțile „Marele tratat de instrumentație și orchestrație modernă” (1844), „Serile în orchestră” (1853), „Prin cântece” (1862), „Curiozități muzicale”. ” ( 1859), „Memorii” (1870), articole, recenzii.

limba germana compozitor, dirijor, dramaturg, publicist Richard Wagner a intrat în istoria culturii muzicale mondiale ca unul dintre cei mai mari creatori muzicali și reformatori majori ai artei operistice. Scopul reformelor sale a fost de a crea o lucrare vocală și simfonică programatică monumentală într-o formă dramatică, menită să înlocuiască toate tipurile de operă și muzică simfonică. O astfel de lucrare a fost o dramă muzicală, în care muzica curge într-un flux continuu, îmbinând toate legăturile dramatice. După ce a abandonat cântatul terminat, Wagner le-a înlocuit cu un fel de recitativ bogat emoțional. Un loc important în operele lui Wagner este ocupat de episoadele orchestrale independente, care reprezintă o contribuție valoroasă la muzica simfonică mondială.

Mâna lui Wagner deține 13 opere: „ Olandezul zburător "(1843)," Tannhäuser "(1845)," Tristan și Isolda "(1865)," Aurul Rinului "(1869) si etc.; coruri, piese pentru pian, romante.

Un alt compozitor german remarcabil, dirijor, pianist, profesor, figură muzicală a fost Felix Mendelssohn-Bartholdy... La vârsta de 9 ani a început să cânte ca pianist, la 17 ani a creat una dintre capodopere - uvertura la comedie „ Visul unei nopți de vară " Shakespeare. În 1843 a fondat primul conservator din Germania la Leipzig. În opera lui Mendelssohn, „un clasic printre romantici”, trăsăturile romantice sunt combinate cu structura clasică a gândirii. Muzica sa se caracterizează prin melodie strălucitoare, democratism al expresiei, moderarea sentimentelor, calmul gândirii, predominanța emoțiilor strălucitoare, stări lirice, nu lipsită de o ușoară atingere de sentimentalism, impecabilitatea formelor și priceperea strălucitoare. R. Schumann l-a numit „Mozart al secolului al XIX-lea”, G. Heine - „un miracol muzical”.

Autor de simfonii romantice peisagistice („scoțiene”, „italiene”), program de uverturi de concert, popularul concert de vioară, cicluri de piese pentru pian „Cântec fără cuvinte”; opera „Nunta lui Camacho.” A scris muzică pentru spectacolul dramatic „Antigona” (1841), „Oedip la Colon” ​​(1845) de Sofocle, „Atalia” de Racine (1845), „Visul unei nopți de vară” de Shakespeare (1843). ) si altii; oratoriile „Paul” (1836), „Ilie” (1846); 2 concerte pentru pian și 2 pentru vioară.

VItaliană cultura muzicală un loc special îi aparține lui GiuseppeVerdi- un compozitor, dirijor, organist remarcabil. Domeniul principal al lucrării lui Verdi este opera. A acționat în principal ca un exponent al sentimentelor eroic-patriotice și al ideilor de eliberare națională ale poporului italian. În anii următori, a acordat atenție conflictelor dramatice generate de inegalitatea socială, violența, asuprirea, răul denunțat în operele sale. Trăsături caracteristice ale operei lui Verdi: naționalitatea muzicii, temperamentul dramatic, strălucirea melodică, înțelegerea legilor scenei.

A scris 26 de opere: „ Nabucco "," Macbeth "," Troubadour "," La Traviata "," Othello "," Aida" si etc . , 20 de romane, ansambluri vocale .

Tineri norvegian compozitor Edvard Grieg (1843-1907) s-a străduit să dezvolte muzica națională. Acest lucru a fost exprimat nu numai în munca sa, ci și în promovarea muzicii norvegiene.

În anii petrecuți în Copenhaga, Grieg a scris multă muzică: „ Poze poetice" și „umoristici” sonata pentru pian și prima vioară sonata, cântece. Cu fiecare lucrare nouă, imaginea lui Grieg ca compozitor norvegian devine mai clară. În delicatul liric „Tablouri poetice” (1863), trăsăturile naționale răzbate încă timid. Figura ritmică este adesea întâlnită în muzica populară norvegiană; a devenit caracteristic multora dintre melodiile lui Grieg.

Activitatea lui Grieg este vastă și cu mai multe fațete. Grieg a scris opere de diferite genuri. Concertul și baladele pentru pian, trei sonate pentru vioară și pian și o sonată pentru violoncel și pian, cvartetul mărturisește dorința constantă a lui Grieg pentru forma mare. În același timp, interesul compozitorului pentru miniaturi instrumentale a rămas neschimbat. În aceeași măsură ca pianul, compozitorul a fost atras de miniatura vocală de cameră - o poveste de dragoste, un cântec. Nu fiți principalul pentru Grieg, zona creativității simfonice este marcată de astfel de capodopere precum suitele " Per Gounod”, “De pe vremea lui Holberg”. Unul dintre tipurile caracteristice ale operei lui Grieg este prelucrarea cântecelor și dansurilor populare: sub formă de piese simple pentru pian, un ciclu de suită pentru pian la patru mâini.

Limbajul muzical al lui Grieg este distinctiv. Individualitatea stilului compozitorului este determinată mai ales de legătura sa profundă cu muzica populară norvegiană. Grieg folosește pe scară largă caracteristicile genului, structura intonației, formulele ritmice ale cântecului popular și melodiilor de dans.

Stăpânirea remarcabilă a variației și dezvoltării variante a melodiei, caracteristică lui Grieg, își are rădăcinile în tradițiile populare ale repetării repetate a melodiei cu modificările ei. „Am înregistrat muzica populară a țării mele”. În spatele acestor cuvinte se află atitudinea reverentă a lui Grieg față de arta populară și recunoașterea rolului său decisiv pentru propria sa creativitate.

romantismul, iar în cele din urmă realistul puternic... a urmat. II. Romantismîn pictura rusă Romantism in Rusia a fost diferit...