Periudha romantike

Pse "romantike"?

Periudha romantike në muzikë zgjati rreth viteve 1830 deri në vitet 1910. Në një farë mase, fjala "romantik" është thjesht një etiketë, një koncept që kundërshton përkufizimin e rreptë, si shumë të tjerë, meqë ra fjala. Shumë vepra të përmendura në të gjithë kapitujt e librit tonë, pa përjashtim, me të drejtë mund të quhen "romantike".

Dallimi kryesor midis kësaj periudhe dhe të tjerave është se kompozitorët e asaj epoke i kushtuan më shumë vëmendje ndjenjave dhe perceptimit të muzikës, duke u përpjekur të shprehin përvoja emocionale me ndihmën e saj. Në këtë ata ndryshojnë nga kompozitorët e periudhës klasike, për të cilët gjëja më e rëndësishme në muzikë ishte forma dhe që përpiqeshin të ndiqnin disa rregulla për ndërtimin e një kompozimi.

Në të njëjtën kohë, disa kompozitorë të periudhës klasike në veprat e tyre mund të shihen elemente të romantizmit, dhe kompozitorëve të periudhës romantike - elemente të klasicizmit. Pra, gjithçka për të cilën folëm më sipër nuk është aspak një rregull i ngurtë, por vetëm një karakteristikë e përgjithshme.

Çfarë tjetër po ndodhte në botë?

Historia nuk qëndroi në vend dhe të gjithë njerëzit papritmas nuk u bënë romantikë, të cilët janë të zënë vetëm me përvojat e tyre emocionale. Kjo është koha e lindjes së socializmit, reformës postare dhe themelimit të Ushtrisë së Shpëtimit. Në të njëjtën kohë u zbuluan vitaminat dhe radiumi, u ndërtua Kanali i Suezit; Daimler ndërtoi makinën e parë dhe vëllezërit Wright bënë fluturimin e parë. Marconi shpiku radion, duke dërguar me sukses komunikimet me valë në një distancë prej një kilometra e gjysmë. Mbretëresha Victoria u ul në fronin e Britanisë së Madhe më gjatë se çdo monark tjetër anglez. Ethet e arta nxiti mijëra njerëz të shkonin në Amerikë.

Tre nënseksione të romancës

Duke kaluar nëpër librin tonë, do të vini re se ky është më i madhi nga të gjithë kapitujt e tij, i cili përmend jo më pak se tridhjetë e shtatë kompozitorë. Shumë prej tyre jetuan dhe punonin njëkohësisht në vende të ndryshme. Prandaj, ne e kemi ndarë këtë kapitull në tre seksione: Romantikët e hershëm, Kompozitorët Kombëtarë dhe Romantikët e Vonë.

Siç e keni menduar tashmë, kjo ndarje gjithashtu nuk pretendon të jetë saktësi absolute. Megjithatë, ne shpresojmë se do të ndihmojë në ruajtjen e konsistencës në tregim, megjithëse mund të mos ndjekë gjithmonë rendin kronologjik.

Romantikët e hershëm

Bëhet fjalë për kompozitorë që janë kthyer në një lloj ure midis periudhës klasike dhe periudhës së romantizmit të vonë. Shumë prej tyre punuan në të njëjtën kohë me "klasikët", dhe në punën e tyre ndikuan shumë Mozart dhe Beethoven. Në të njëjtën kohë, shumë prej tyre dhanë kontributin e tyre personal në zhvillimin e muzikës klasike.

Kompozitori ynë i parë i periudhës romantike ishte një yll i vërtetë i kohës së tij. Gjatë performancave të tij, ai demonstroi mrekullitë e aftësive virtuoze të violinës dhe performoi marifete të jashtëzakonshme. Ashtu si kitaristi virtuoz i rock-ut Jimi Hendrix, i lindur njëqind e gjashtëdhjetë vjet më vonë, Niccolo Paganini mahniti pa ndryshim publikun me lojën e tij plot pasion.

Paganini mund ta luante veprën tërësisht në dy tela violine në vend të katër. Ndonjehere

ai madje e bëri qëllimisht kështu që telat u thyen në mes të shfaqjes, pas së cilës ai ende e përfundoi shkëlqyeshëm pjesën nën duartrokitjet e forta të publikut.

Si fëmijë, Paganini studioi ekskluzivisht muzikë. Megjithatë, babai i tij madje e ndëshkoi atë që nuk ushtron mjaftueshëm, pa i dhënë ushqim dhe ujë.

Si i rritur, Paganini ishte një mjeshtër kaq virtuoz i violinës, sa u përfol se ai kishte lidhur një marrëveshje me vetë djallin, pasi asnjë i vdekshëm nuk mund të luajë kaq madhështore. Pas vdekjes së muzikantit, kisha në fillim madje refuzoi ta varroste në tokën e saj.

Paganini, pa dyshim, vetë i kuptoi të gjitha përfitimet e fjalimeve të tij publike, duke argumentuar:

"Unë jam i shëmtuar, por kur gratë më dëgjojnë duke luajtur, ato vetë zvarriten në këmbët e mia."

Stili dhe struktura e kompozimeve muzikore vazhduan të zhvillohen si në kompozime instrumentale ashtu edhe në opera. Në Gjermani drejtohej avangarda e operës Karl Maria von Weber, edhe pse jetoi në vite që shumë nuk ia atribuojnë periudhës romantike.

Mund të themi se opera ishte një çështje familjare për Weberians, dhe Karl udhëtoi shumë me trupën e operës së babait të tij si fëmijë. Opera e tij Qitës pa pagesë (qitës magjik) hyri në historinë e muzikës për faktin se në të përdoreshin motive popullore.

Pak më vonë, do të mësoni se kjo teknikë konsiderohet një tipar karakteristik i periudhës romantike.

Weber shkroi gjithashtu disa koncerte për klarinetë, dhe pikërisht për ta ai është më i famshëm sot.

Italia është vendlindja e operës dhe në fytyrë Gioacchino Antonio Rossini Italianët patën fatin të gjenin një hero të ri të këtij zhanri. Ai shkroi opera komike dhe tragjike me të njëjtin sukses.

Rossini ishte një nga ata kompozitorë që kompozonin shpejt, dhe zakonisht i duheshin vetëm disa javë për të shkruar një opera. Në kulmin e famës së tij, ai një herë tha:

"Më jep faturën e lavanderisë dhe unë do ta vendos në muzikë."

Ata thonë se Berber i Seviljes Rossini kompozoi në vetëm trembëdhjetë ditë. Një ritëm kaq i shpejtë i punës ka bërë që operat e tij të reja të vihen vazhdimisht në skenë në të gjitha teatrot e Italisë. Por ai jo gjithmonë i trajtoi në mënyrë të favorshme interpretuesit e veprave të tij dhe një herë madje foli me shpërfillje për ta:

"Çfarë opere e mrekullueshme do të ishte nëse nuk do të kishte këngëtarë në të!"

Por në moshën tridhjetë e shtatë vjeç, Rossini papritmas ndaloi së shkruari opera dhe gjatë pothuajse katër dekadave të fundit të jetës së tij ai krijoi vetëm Stabat Mater.

Deri më tani, nuk është plotësisht e qartë se nga çfarë është udhëhequr ai kur ka marrë një vendim të tillë, por deri në atë kohë në llogarinë e tij bankare ishin grumbulluar një shumë e konsiderueshme - tarifa nga shfaqjet.

Përveç muzikës, Rossini kishte një pasion për artin e kuzhinës dhe shumë më tepër pjata janë emëruar me emrin e tij sesa ato të kompozitorëve të tjerë. Madje mund të organizoni një darkë të tërë, e cila do të përfshijë sallatën e Rossinit, omëletën e Rossinit dhe Tournedo Rossini. (Tournedos janë rripa mishi të skuqur në thërrime buke, të servirura me pate dhe tartuf.)

Franz Schubert, i cili jetoi vetëm tridhjetë e një vjet, në moshën shtatëmbëdhjetë vjeç ai ishte vendosur si një kompozitor i talentuar. Gjatë jetës së tij të shkurtër, ai shkroi gjithsej më shumë se gjashtëqind këngë, nëntë simfoni, njëmbëdhjetë opera dhe rreth katërqind vepra të tjera. Vetëm në vitin 1815, ai kompozoi njëqind e dyzet e katër këngë, dy mesha, një simfoni dhe një sërë veprash të tjera.

Më 1823 ai u sëmur nga sifilizi dhe pesë vjet më vonë, në 1828, vdiq nga ethet tifoide. Një vit më parë, ai mori pjesë në funeralin e idhullit të tij Ludwig van Beethoven.

I mrekullueshëm është fakti se Schubert ishte një nga kompozitorët e parë të mëdhenj që u bë i famshëm falë interpretimit të veprave të të tjerëve. Ai vetë dha vetëm një koncert të madh në vitin e vdekjes së tij, madje edhe atëherë u la në hije nga performanca e Paganinit, i cili erdhi në Vjenë pothuajse në të njëjtën kohë. Pra, Schubert i varfër nuk arriti kurrë respektin që meritonte gjatë jetës së tij.

Një nga misteret më të mëdha të Schubert është Simfonia nr. 8, i njohur si E papërfunduar. Ai shkroi vetëm dy pjesë të tij dhe më pas pushoi së punuari. Askush nuk e di pse e bëri këtë, por kjo simfoni është ende një nga veprat e tij më të njohura.

Hektor Berlioz lindi në një familje të mjekut, kështu që ai, ndryshe nga shumë kompozitorë të tjerë të përmendur në librin tonë, nuk mori një arsim të plotë muzikor.

Në fillim vendosi të ndiqte gjurmët e të atit dhe të bëhej mjek, për të cilin u nis për në Paris, por atje gjithnjë e më shpesh filloi të kalonte kohë në opera. Më në fund ai vendosi të merrej me muzikë, gjë që shqetësoi shumë prindërit e tij.

Imazhi i Berliozit mund të duket i karikaturës, aq larg nga shkrimi për njerëzit

paraqitet çdo kompozitor: shumë nervoz dhe nervoz, impulsiv, me ndryshime të papritura të humorit dhe, natyrisht, jashtëzakonisht romantik në marrëdhëniet me seksin e kundërt. Një herë ai u hodh mbi ish-dashnoren e tij me një pistoletë në dorë dhe e kërcënoi se do ta helmonte; tjetrin e ndoqi, i veshur me rroba grash.

Por subjekti kryesor i aspiratave romantike të Berliozit ishte aktorja Harriet Smithson, e cila më pas vuajti nga një krizë e rëndë nervore - me sa duket, ajo i detyrohet në një masë jo të vogël vetë Berliozit. Ai e pa për herë të parë në 1827, por ai arriti ta takonte personalisht vetëm në 1832. Në fillim, Smithson e refuzoi Berliozin dhe ai, duke dashur të arrijë reciprocitetin, shkroi Një simfoni fantastike. Në 1833 ata megjithatë u martuan, por, siç pritej, disa vjet më vonë Berlioz ra në dashuri me një grua tjetër.

Për sa i përket muzikës, Berliozit i pëlqente shumë fushëveprimi. Merrni për shembull Requiem, shkruar për një orkestër dhe kor të madh, si dhe për katër grupe tunxhi të vendosur në çdo cep të skenës. Një varësi e tillë ndaj formave të mëdha nuk kontribuoi shumë në famën e tij pas vdekjes. Realizimi i veprave të tij në formën në të cilën ai i konceptoi mund të jetë shumë i shtrenjtë, dhe ndonjëherë edhe i pamundur. Por ai vetë nuk u turpërua aspak nga pengesa të tilla dhe vazhdoi të kompozonte muzikë me të gjithë pasionin që ishte në gjendje. Një ditë ai tha:

“Çdo kompozitor është i njohur me dhimbjen dhe dëshpërimin që vjen nga mungesa e kohës për të shkruar atë që ka menduar”.

Çdo student që lexon këtë libër duhet të ndihet xheloz për njerëzit si Felix Mendelssohn, njerëzve që u bënë të famshëm në fëmijëri.

Siç mund ta shohim nga shembuj të shumtë, kjo nuk është aspak e pazakontë në botën e muzikës klasike.

Megjithatë, Mendelssohn shkëlqeu jo vetëm në muzikë; ai ishte një nga të paktët njerëz që arrin të arrijë rezultat i mirë në gjithçka që mund të bëjnë - në pikturë, poezi, sport, gjuhë.

Për të zotëruar të gjitha këto për Mendelssohn nuk ishte e vështirë.

Mendelssohn ishte me fat - ai lindi në një familje të pasur dhe u rrit në atmosferën krijuese të qarqeve artistike të Berlinit. Si fëmijë, ai takoi shumë artistë dhe muzikantë të talentuar që erdhën për të vizituar prindërit e tij.

Mendelssohn performoi për herë të parë në publik në moshën nëntë vjeç, dhe në kohën kur ishte gjashtëmbëdhjetë vjeç, ai kishte kompozuar tashmë oktet e vargut. Një vit më vonë ai shkroi një uverturë për dramën e Shekspirit Një ëndërr në një natë vere. Por ai krijoi pjesën tjetër të muzikës për këtë komedi vetëm shtatëmbëdhjetë vjet më vonë (përfshirë të famshmen Marsi i dasmës, e cila ende kryhet shpesh në dasma).

Jeta personale e Mendelssohn gjithashtu po zhvillohej me sukses: gjatë viteve të një martese të gjatë dhe të qëndrueshme, ai dhe gruaja e tij patën pesë fëmijë.

Ai punoi dhe udhëtoi shumë, duke përfshirë edhe Skocinë, për banorët e së cilës foli jo shumë miratues:

"... [ata] nuk prodhojnë asgjë përveç uiski, mjegull dhe mot të keq."

Por kjo nuk e pengoi të shkruante dy vepra të mrekullueshme kushtuar Skocisë. Trembëdhjetë vjet pas përfundimit të udhëtimit të parë Simfonia skoceze; në bazë Overturat e Hebrideve U vendosën meloditë skoceze. Mendelssohn u shoqërua gjithashtu me Britaninë e Madhe me oratorionin e tij Elijah, i cili u shfaq për herë të parë në Birmingham në 1846. Ai madje takoi mbretëreshën Victoria dhe i dha mësime muzike Princit Albert.

Mendelssohn vdiq nga një goditje në një moshë relativisht të re - tridhjetë e tetë vjeç. Natyrisht, mund të themi se nuk i vinte keq për veten dhe ishte i mbingarkuar nga puna e tepruar, por jo pak vdekjen e tij e solli edhe vdekja e motrës së tij të dashur Fanny, e cila ishte gjithashtu një muzikante e talentuar.

Para nesh është një tjetër romantik deri në kockë. ku Frederic Chopin Ai shquhej edhe për një përkushtim të zjarrtë ndaj një instrumenti dhe kjo është një gjë e rrallë për kompozitorët e përmendur në librin tonë.

Të thuash se Chopin e donte pianon do të thotë të mos thuash asgjë. Ai e admiroi atë, ai ia kushtoi gjithë jetën kompozimit të kompozimeve për piano dhe përmirësimit të teknikave të luajtjes së tij. Sikur të mos kishte instrumente të tjera për të, përveçse si shoqërues në kompozime orkestrale.

Shopeni lindi në Varshavë më 1810; babai i tij ishte francez, dhe nëna e tij ishte polake. Frederic filloi të performojë në moshën shtatë vjeçare dhe kompozimet e tij të para datojnë në të njëjtën kohë. Duhet të them se e tij shenjë dalluese gjithmonë ka pasur një aspiratë për të ardhmen.

Më pas, Chopin u bë i famshëm në Paris, ku filloi t'u jepte mësime muzike njerëzve të pasur, falë të cilave ai vetë u bë i pasur. Ai gjithmonë e monitoronte me kujdes pamjen e tij dhe për t'u siguruar që veshjet e tij të ishin në përputhje me modën më të fundit.

Si kompozitor, Chopin ishte metodik dhe i plotë. Ai kurrë nuk e lejoi veten të ishte neglizhent, çdo punë u përsos prej tij në përsosmëri. Jo çuditërisht, kompozimi i muzikës ishte një proces i dhimbshëm për të.

Në total, ai kompozoi njëqind e gjashtëdhjetë e nëntë pjesë solo për piano.

Në Paris, Chopin ra në dashuri me shkrimtaren e famshme franceze me emrin e zbukuruar Amandine Aurora Lucille Dupin, e njohur më mirë me pseudonimin Georges Sand. Ajo ishte një person mjaft i shquar: ajo mund të gjendej shpesh në rrugët e Parisit, duke shëtitur me rroba burrash dhe duke pirë një puro, gjë që tronditi publikun e edukuar. Romanca e Chopin dhe Georges Sand vazhdoi dhunshëm dhe përfundoi në një ndarje të dhimbshme.

Ashtu si disa kompozitorë të tjerë të periudhës romantike, Chopin nuk jetoi një jetë të gjatë - ai vdiq nga tuberkulozi në moshën tridhjetë e nëntë vjeç, menjëherë pas ndarjes me George Sand.

Robert SchumannËshtë një tjetër kompozitor që jetoi një jetë të shkurtër dhe të shqetësuar, edhe pse në rastin e tij gjithçka ishte e kalitur me një masë çmendurie. Sot njihen vepra për piano, këngë dhe muzikë dhome nga Schumann.

Schumann ishte një kompozitor i shkëlqyer, por gjatë jetës së tij ai ishte nën hijen e gruas së tij Clara Schumann, pianisti brilant i kohës. Si kompozitore është më pak e njohur, ndonëse ka shkruar edhe muzikë mjaft interesante.

Vetë Robert Schumann nuk mund të vepronte si pianist për shkak të një dëmtimi në dorë dhe e kishte të vështirë të jetonte pranë një gruaje që u bë e famshme në këtë fushë.

Kompozitori vuante nga sifilizi dhe kriza nervore; një herë ai madje u përpoq të bënte vetëvrasje duke u hedhur në Rhine. Ai u shpëtua dhe u vendos në një spital psikiatrik, ku vdiq dy vjet më vonë.

Schumann ishte pragmatik për artin. Deklarata e tij e mëposhtme është e njohur:

"Për të kompozuar, ju vetëm duhet të vini me një melodi që nuk i ka shkuar kurrë në mendje askujt."

Nëse Paganini mund të quhet mbreti i violinistëve - interpretuesve, atëherë midis pianistëve romantikë ky titull i përket me të drejtë Franz List. Ai gjithashtu u mor me mësimdhënie dhe interpretoi pa u lodhur vepra të kompozitorëve të tjerë, veçanërisht të Wagner-it, për të cilat do të diskutohet më vonë.

Kompozimet e Liszt për piano janë jashtëzakonisht të vështira për t'u interpretuar, por ai i shkroi teknikës së tij të luajtjes, duke e ditur fare mirë se askush nuk mund t'i luante më mirë se ai.

Përveç kësaj, Liszt transferoi në piano veprat e kompozitorëve të tjerë: Beethoven, Berlioz, Rossini dhe Schubert. Nën gishtat e tij, ata fituan një origjinalitet të çuditshëm dhe filluan të tingëllojnë në një mënyrë të re. Duke pasur parasysh që fillimisht janë shkruar për një orkestër, mbetet për t'u habitur me aftësinë e muzikantit, duke i riprodhuar çuditërisht me saktësi në një instrument të vetëm.

Liszt ishte ylli i vërtetë i kohës së tij; Njëqind vjet përpara shpikjes së rock 'n' roll-it, ai bëri një jetë të denjë për çdo muzikant rock - duke përfshirë një sërë marrëdhëniesh dashurie. Edhe vendimi për të marrë priftërinë nuk e pengoi atë të fillonte një lidhje.

Liszt gjithashtu popullarizoi shfaqjet e pianos dhe orkestrës, një zhanër ende i përhapur sot. Atij i pëlqente të kapte shikimet admiruese të fansave të tij dhe të dëgjonte britmat entuziaste të audiencës duke parë gishtat që fluturonin mbi çelësa. Prandaj, ai e ktheu pianon në mënyrë që publiku të mund të ndjekë performancën e pianistit. Para kësaj, ata u ulën me shpinë nga publiku.

Publiku i gjerë e di Georges Bizet si krijues i operës Carmen, por lista e botuar në fund të librit tonë përfshinte një tjetër nga veprat e tij, Au Fond du Temple Saint(i njohur edhe si Dueti i Nadirit dhe Zurgi) nga opera Kërkuesit e perlave. Ka qenë vazhdimisht në krye të top-listave që kur filluam të përpilonim listën e këngëve më të njohura në mesin e dëgjuesve Classic FM në vitin 1996.

Bizet është një tjetër fëmijë i mrekullueshëm që demonstroi aftësitë e tij të jashtëzakonshme muzikore si fëmijë. Simfoninë e parë e shkroi në moshën shtatëmbëdhjetëvjeçare. Vërtetë, edhe ai vdiq herët, në moshën tridhjetë e gjashtë vjeç, duke iu shtuar listës së gjenive të vdekur para kohe.

Pavarësisht talentit të tij, Bizet nuk arriti kurrë njohje të vërtetë gjatë jetës së tij. Opera Kërkuesit e perlave vënë në skenë me sukses të ndryshëm, dhe premiera Carmen dhe përfundoi në dështim krejtësisht - publiku në modë i asaj kohe nuk e pranoi atë. I preferuar nga kritikët dhe njohësit e vërtetë të muzikës Carmen fitoi vetëm pas vdekjes së kompozitorit. Që atëherë, ajo është vënë në skenë në të gjitha shtëpitë kryesore të operës në botë.

Nacionalistët

Këtu është një tjetër përkufizim jashtëzakonisht i paqartë. Jo vetëm të gjithë kompozitorët romantikë, por deri diku edhe shumë përfaqësues të periudhës barok dhe klasike, me të drejtë mund të quhen "nacionalistë".

Sidoqoftë, në këtë pjesë rendisim katërmbëdhjetë kompozitorë kryesorë të periudhës romantike, veprat e të cilëve janë shkruar në një stil të tillë që edhe dëgjuesit që nuk janë shumë të njohur me muzikën klasike mund të tregojnë se nga është ky apo ai mjeshtër.

Ndonjëherë këta kompozitorë i referohen një ose një tjetër shkolle muzikore kombëtare, megjithëse kjo qasje nuk është plotësisht e saktë.

Zakonisht, fjala "shkollë" përfaqëson një klasë në të cilën fëmijët, nën drejtimin e një mësuesi, kryejnë të njëjtën detyrë.

Nëse flasim për kompozitorë, ata ishin të bashkuar nga një drejtim i përbashkët dhe secili ndoqi rrugën e vet, duke u përpjekur të gjenin mjetet e tyre unike të shprehjes muzikore.

shkollë ruse

Nëse muzika klasike ruse ka një baba themelues, atëherë kjo, pa dyshim, Mikhail Ivanovich Glinka. Muzikantët - nacionalistët dallohen pikërisht për faktin se në veprat e tyre përdorin melodi popullore. Glinka u njoh me këngët ruse nga gjyshja e tij.

Ndryshe nga shumë kompozitorë të tjerë të talentuar që përmenden aq shpesh në faqet e librit tonë, Glinka filloi të studiojë seriozisht muzikën në një moshë relativisht të vonë - në të njëzetat e tij. Në fillim ka shërbyer si zyrtar në Ministrinë e Hekurudhave.

Kur Glinka vendosi të ndryshojë karrierën e tij, ai shkoi në Itali, ku performoi si pianist. Aty ai zhvilloi një dashuri të thellë për operën. Pas kthimit në shtëpi, ai kompozoi operën e tij të parë Një jetë për mbretin. Publiku menjëherë e njohu atë si kompozitorin më të mirë bashkëkohor rus. Opera e tij e dytë, Ruslan dhe Ludmila, nuk pati edhe aq sukses, edhe pse i qëndroi më mirë kohës.

Alexander Porfirevich Borodin i përket kompozitorëve të cilët përveç muzikës janë marrë aktivisht edhe në aktivitete të tjera. Sa për Borodin, ai filloi karrierën e tij si shkencëtar - kimist. Përbërja e tij e parë titullohej "Mbi efektin e etilit jodidit mbi hidrobenzamidin dhe amarin" dhe sigurisht nuk do ta dëgjoni kurrë në Classic FM, pasi punë shkencore që nuk ka lidhje me muzikën.

Borodini ishte djali i paligjshëm i një princi gjeorgjian; dashurinë për muzikën dhe interesin për artin në përgjithësi, ai e mori nga e ëma, duke i ruajtur deri në fund të jetës.

Për shkak të punësimit të vazhdueshëm, ai arriti të botojë vetëm rreth njëzet vepra, ku përfshihen simfoni, këngë dhe muzikë dhome.

Së bashku me Mily Balakirev, Nikolai Rimsky - Korsakov, Cezar Cui dhe Modest Mussorgsky Borodin ishte anëtar i komunitetit muzikor "Mighty Handful". Suksesi i të gjithë këtyre kompozitorëve është edhe më i jashtëzakonshëm në atë se të gjithë kanë pasur ndjekje të tjera përveç muzikës.

Në këtë ata definitivisht ndryshojnë nga shumica e kompozitorëve të tjerë të përmendur në këtë libër.

Vepra më e njohur e Borodin është Vallet polovciane nga opera e tij Princi Igor. Duhet të theksohet se ai vetë nuk e përfundoi kurrë atë (edhe pse ai punoi për të për shtatëmbëdhjetë vjet). Opera u përfundua nga miku i tij Rimsky - Korsakov, të cilin do ta diskutojmë më në detaje më poshtë.

Sipas mendimit tonë, Modest Petrovich Mussorgsky ishte më krijuesi dhe më me ndikim nga kompozitorët e Grushtit të Fuqishëm, megjithëse, si një person i pazakontë, ai nuk i shpëtoi një ose dy veseve të qenësishme në shumë përfaqësues të profesionit krijues.

Duke lënë ushtrinë, Mussorgsky mori një punë në shërbimin civil. Në rininë e tij, ai pëlqente, siç thonë ata, të bënte një shëtitje, u dallua nga impresionueshmëria dhe në fund të jetës së tij vuajti nga alkoolizmi. Për këtë arsye, ai shpesh përshkruhet me flokë të shprishur dhe një hundë të kuqe në mënyrë të panatyrshme.

Mussorgsky shpesh nuk i përfundonte veprat e tij, dhe miqtë e tij e bënin atë për të - ndonjëherë jo në mënyrën se si ai vetë synonte, kështu që tani nuk jemi të sigurt se cili ishte qëllimi origjinal i autorit. Orkestrimi i operës Boris Godunov ribërë Rimsky - Korsakov, si dhe "fotografia muzikore" e famshme Natë në Malin Tullac(përdorur në filmin disney Fantazi). Orkestrimi për Pamje nga ekspozita shkruar nga Maurice Ravel, dhe në këtë version ata janë të njohur në kohën tonë.

Përkundër faktit se Mussorgsky erdhi nga familje e pasur dhe kishte një talent të madh si pianist dhe kompozitor, ai vdiq në moshën vetëm dyzet e dy vjeç nga alkoolizmi.

Prindërit Nikolai Rimsky - Korsakovëndërruan që djali i tyre do të shërbente në marinë dhe ai i përmbushi pritjet e tyre. Por pasi shërbeu për disa vite në marinë dhe kishte bërë një sërë udhëtimesh detare, ai u bë kompozitor dhe mësues muzike, gjë që padyshim rezultoi një surprizë për familjen e tij. Për të thënë të vërtetën, Rimsky-Korsakov ishte gjithmonë i interesuar për muzikën, madje filloi të kompozonte Simfonia nr. 1, kur anija e tij u ankorua në zonën industriale Gravesend në grykëderdhjen e Thames. Ky është ndoshta një nga pikat kompozuese më pak romantike të përmendura në këtë libër.

Përveç faktit që Rimsky-Korsakov përfundoi dhe përpunoi disa nga veprat e Mussorgsky, ai vetë krijoi pesëmbëdhjetë opera me tema nga jeta ruse, megjithëse në veprat e tij ndihet edhe ndikimi i vendeve ekzotike. Për shembull, Sheherazade bazuar në një përrallë nga Një mijë e një net.

Rimsky-Korsakov ishte veçanërisht i mirë në shfaqjen e bukurisë së tingullit të të gjithë orkestrës. Ai i kushtoi vëmendje të madhe kësaj në veprimtaritë e tij mësimore dhe kështu ndikoi shumë kompozitorë rusë që punuan pas tij, veçanërisht Stravinsky.

Peter Ilyich Tchaikovsky Ai gjithashtu përdori melodi popullore ruse në kompozimet e tij, por, ndryshe nga kompozitorët e tjerë kombëtarë rusë, ai i përpunoi ato në mënyrën e tij, si, rastësisht, trashëgimia muzikore e të gjithë Evropës.

Jeta personale e Çajkovskit, e mbuluar me sekrete të ndryshme (thashethemet për prirjet e tij homoseksuale ishin të përhapura), nuk ishte e lehtë. Ai vetë një herë tha:

“Do të kishte vërtet diçka për t'u çmendur nëse jo për muzikën!”

Si fëmijë, ai u dallua për përshtypjen, dhe si i rritur, ai ishte i ndjeshëm ndaj periudhave të melankolisë dhe madje edhe depresionit. Më shumë se një herë ai u vizitua nga mendimet e vetëvrasjes. Në rininë e tij, ai studioi për drejtësi dhe punoi për një kohë në Ministrinë e Drejtësisë, por shpejt e la shërbimin për t'iu përkushtuar tërësisht muzikës. Në moshën tridhjetë e shtatë vjeç, ai u martua papritur, por martesa e tij ishte një mundim i vërtetë si për të ashtu edhe për gruan e tij. Në fund, gruaja e tij përfundoi në një spital psikiatrik, ku vdiq. Vetë Tchaikovsky gjithashtu vuajti nga një ndarje për një kohë të gjatë, e cila ndodhi vetëm dy muaj pas dasmës.

Veprat e hershme të Çajkovskit nuk u njohën nga publiku i gjerë dhe kjo i shkaktoi atij shumë vuajtje. Është kurioze që shumë prej këtyre veprave, duke përfshirë Koncert për violinë dhe orkestër dhe Koncerti për piano dhe orkestër nr. 1, në aktualisht janë shumë të njohura. Regjistrimi Koncerti për piano dhe orkestër nr. 1 në përgjithësi, ai u bë regjistrimi i parë i muzikës klasike që iu dha statusi i Diskut të Artë për shitjen e një milion kopjesh.

Çajkovski shkroi dhjetë opera, duke përfshirë Eugene Onegin, dhe muzikë për balet si p.sh Arrëthyesi, Bukuroshja e Fjetur dhe Liqeni i Mjellmave. Duke dëgjuar këtë muzikë, njeriu kupton menjëherë madhështinë e talentit të Çajkovskit, i cili ishte në gjendje të krijonte një melodi jashtëzakonisht harmonike dhe emocionuese. Baletet e tij ende vihen shpesh në skenat botërore dhe admirohen gjithmonë nga publiku. Për të njëjtën arsye, frazat muzikore nga simfonitë dhe koncertet e tij janë të njohura edhe për ata që nuk e njohin muzikën klasike.

Për shumë vite, Çajkovski gëzoi favorin e një vejushe të pasur të quajtur Nadezhda von Meck, e cila i dërgoi shuma të mëdha parash, me kusht që të mos takoheshin kurrë personalisht. Ka mundësi që në një takim personal, ata të mos e kishin njohur njëri-tjetrin.

Rrethanat e vdekjes së kompozitorit nuk janë ende plotësisht të qarta. Sipas përfundimit zyrtar, Çajkovski vdiq nga kolera: ai piu ujin e kontaminuar me virusin. Por ekziston një version sipas të cilit ai vetë ka kryer vetëvrasje nga frika se mos bëhen publike lidhjet e tij homoseksuale.

shkollë çeke

Nëse Glinka konsiderohet babai i muzikës klasike ruse, atëherë të njëjtin rol në muzikën klasike çeke e luan Krem kosi Bedrich.

Kosi ka qenë gjithmonë i frymëzuar nga kultura popullore çeke dhe natyra e atdheut. Kjo ndihet veçanërisht në ciklin e tij të poezive simfonike Atdheu im, që Smetanës iu deshën tetë vjet për të shkruar.

Aktualisht, pjesa më e njohur në këtë cikël është Vltava, kushtuar një prej lumenjve më të mëdhenj çekë që rrjedhin nëpër Pragë.

Nga fundi i jetës së tij, Bedřich Smetana u sëmur rëndë (me sa duket me sifiliz), u bë i shurdhër dhe humbi mendjen. Vdiq në moshën gjashtëdhjetë vjeçare.

Muzika e tij ndikoi në kompozitorin tjetër në listën tonë, Antonín Dvořák, veprat e të cilit janë njohur shumë përtej kufijve të Republikës Çeke.

Antonín Dvořák ishte një hero i vërtetë kombëtar çek që e donte me pasion atdheun e tij. Bashkatdhetarët e tij iu përgjigjën dhe e adhuruan.

Veprat e Dvorak u promovuan gjerësisht nga Brahms (që do të diskutohet pak më vonë). Gradualisht emri i Dvorak u njoh në të gjithë botën. Kështu, për shembull, ai fitoi fansa në Angli, ku performoi me ftesë të Royal Philharmonic Society, si dhe në festivale në Birmingham dhe Leeds.

Pas kësaj, Dvorak vendosi të shkonte në Shtetet e Bashkuara, ku në vitet 1890 iu ofrua pozicioni i dirigjentit të Konservatorit Kombëtar në Nju Jork, të cilin e mbajti për tre vjet. Dvorak i mungonte shumë atdheu i tij, por ai kurrë nuk pushoi së interesuari për muzikën lokale. Përshtypjet e saj pasqyrohen në të tijat Simfonitë nr. 9, emërtuar Nga Bota e Re.

Në fund të fundit, Dvorak vendosi të kthehej në shtëpi dhe kaloi vitet e fundit të jetës së tij në Pragë, duke dhënë mësim.

Përveç muzikës, Dvorak ishte i interesuar për trenat dhe anijet dhe ishte ky pasion i tij që me sa duket kontribuoi në faktin që ai pranoi të vizitonte Shtetet e Bashkuara, megjithëse tarifa e madhe që i ofrohej mund të luante një rol vendimtar.

d Për përfaqësuesit e kombëtares çeke shkollë muzikore përfshijnë gjithashtu Josef Suk, Leos Janacek dhe Bohuslav Martinu.

shkollë skandinave

norvegjeze Edvard Grieg i përket rrethit të kompozitorëve që e deshën me pasion atdheun e tyre. Dhe atdheu ia ktheu. Në Norvegji, veprat e tij janë ende jashtëzakonisht të njohura. Por gjithçka mund të kishte dalë ndryshe, pasi familja Grieg ishte në fakt me origjinë skoceze - stërgjyshi i tij emigroi në Skandinavi pasi u mund në betejën me britanikët në Culloden.

Më e mira nga të gjitha, Grieg mori vepra të zhanreve të vogla, si p.sh Pjesë lirike për piano. Por koncerti i tij më i famshëm është Koncert për piano, me një hyrje mbresëlënëse, në të cilën tingujt e pianos duket se derdhen si breshër nën timpanin e dridhjes.

d Përfaqësuesit e Shkollës Kombëtare Skandinave të Muzikës përfshijnë gjithashtu Karl Nielsen dhe Johan Svendsen.

Përkundër faktit se muzika klasike u shkrua edhe në Spanjë në shekullin e 19-të, nuk kishte aq shumë kompozitorë që arritën famë botërore. Një nga përjashtimet është Isak Albenis, në rininë e tij, nuk u dallua nga një prirje e bindur.

Thonë se Albenisi mësoi të binte në piano që në moshën një vjeçare. Tre vjet më vonë, ai performoi në publik dhe në moshën tetë vjeçare filloi turneun. Në moshën pesëmbëdhjetë vjeç, ai arriti të vizitojë Argjentinën, Kubën, Shtetet e Bashkuara dhe Anglinë.

Albenis ishte veçanërisht i suksesshëm në improvizim: ai mund të vinte me ndonjë melodi në fluturim dhe menjëherë ta luante atë në disa versione. Ai gjithashtu demonstroi mrekullitë e zotërimit të instrumentit - ai luajti me shpinë nga ai. Si përfundim, ai vishte çdo herë një kostum musketieri, duke shtuar spektaklin e performancave të tij.

Në moshën e rritur, ai u qetësua pak dhe mahniti publikun jo më me sjelljen e tij tronditëse, por me kompozimet e tij. Veçanërisht i famshëm për ciklin e tij të pjesëve të pianos Iberia. Falë suksesit të tij, ky kompozitor nxori Spanjën nga hija dhe tërhoqi vëmendjen e komunitetit muzikor botëror.

d Albéniz ishte me ndikim në shumë kompozitorë të tjerë të Shkollës Kombëtare Spanjolle, duke përfshirë Pablo de Sarasate, Enrique Granados, Manuel de Falla dhe Eytora Villa - Lobos(i cili ishte brazilian).

Shkolla angleze

Arthur Sullivan i njohur sot. Por historia nuk e trajtoi atë me shumë drejtësi, sepse sot ata kujtojnë shumë nga më të mirat e veprave të tij. Në vitet 1870, ai filloi të bashkëpunojë me poetin dhe libretistin W. Sh. Gilbert. Së bashku ata shkruan disa opereta komike: Juria, Piratët e Penzance, Frigata e Madhërisë së Saj "Pinafore", Princesha Ida, Mikado, Yeoman - Rojtari tjera.

Me gjithë suksesin e jashtëzakonshëm të punës së tyre të përbashkët, këta dy autorë nuk shkuan shumë mirë me njëri-tjetrin dhe në fund, pas grindjeve të dhunshme, ata e ndërprenë fare komunikimin. Megjithatë, këto grindje ishin boshe.

Për shembull, njëri prej tyre u mor me një tapet të ri në Teatrin Savoy në Londër, ku zakonisht viheshin në skenë operetat e tyre.

Sullivan ëndërronte të bëhej i famshëm si një kompozitor serioz, por tashmë veprat e tij, të cilat nuk i përkasin zhanrit të operetave, janë harruar.

Megjithatë, ai shkroi një opera Ivanhoe, mjaft interesante Simfonia në E minor dhe himni "Përpara, Mikpritja e Krishtit!"- ndoshta puna e tij më e kryer.

d Përfaqësuesit e Shkollës Kombëtare Angleze të Muzikës përfshijnë gjithashtu Arnold Bucks, Hubert Perry, Samuel Coleridge - Taylor, Charles Villier Stanford dhe George Butterworth.

shkollë franceze

Analogu francez i operetave të Gilbert dhe Sullivan mund të quhet vepra Jacques Offenbach, një njeri që kishte padyshim një sens humori. Ai lindi në Këln dhe për këtë arsye nganjëherë nënshkroi veten si "O. nga Këlni "(" O. de Cologne "tingëllon si" kolonja ").

Në 1858, Offenbach i mahniti parisienët mundem mundem nga opereta Orfeu në ferr; për një publik të sofistikuar, valle të tilla të njerëzve të thjeshtë dukeshin të egra dhe të turpshme, megjithatë, vetë opereta u konsiderua skandaloze.

Meqë ra fjala, nëse ky emër ju duket i njohur, ia vlen të kujtoni se muzika e mitit të Orfeut në shekujt e mëparshëm është shkruar nga Peri, Monteverdi dhe Gluck. Versioni i Offenbach ishte satirik, i destinuar për argëtim, dhe për këtë arsye përfshinte skena shumë joserioze. Sidoqoftë, megjithë përshtypjen e parë, publiku përfundimisht ra në dashuri me operetën, kështu që vetë Offenbach vështirë se kishte ndonjë arsye të pendohej për atë që kishte shkruar.

Ndër veprat e tjera të tij njihet edhe një opera serioze Përrallat e Hoffmann-it, që tingëllon Barcarole.

Leo Delibes nuk ishte kompozitor më pak me ndikim se Offenbach, megjithëse tani vetëm një nga operat e tij mbahet mend kryesisht - Lakme, në të cilën të famshmit Dyshja me lule, përdoret në shumë ekrane dhe reklama televizive.

Ndër të njohurit e Delibes ishin muzikantë të mëdhenj si Berlioz dhe Bizet, me të cilët ai punoi si drejtor i korit të Teatrit Lirik në Paris.

d Përfaqësuesit e Shkollës Kombëtare Franceze të Muzikës përfshijnë gjithashtu Alexis - Emmanuelle Chabrier, Charles Marie Widor, Joseph Kante - loub dhe Jules Massenet, opera Thais e cila duke përfshirë intermezzo Reflektime (Meditim), popullor në mesin e shumë violinistëve bashkëkohorë.

Shkolla e Valsit në Vjenë

Dy kompozitorët tanë të fundit kombëtarë - romanca - janë babë e bir, megjithëse diferenca në moshë mes tyre (njëzet e një vjet) nuk është aq e madhe për historinë. Johann Strauss Sr. konsiderohet si "babai i valsit". Ai ishte një violinist i shkëlqyer dhe drejtoi një orkestër që performonte në të gjithë Evropën dhe mori para të konsiderueshme për të.

Sidoqoftë, titulli i "mbretit të valsit" i takon me të drejtë djalit të tij, i cili quhej gjithashtu Johann Strauss. Babai i tij nuk donte që ai të bëhej violinist, por i riu Johann gjithsesi ia kushtoi jetën muzikës dhe organizoi orkestrën e tij, duke rivalizuar atë të babait të tij. Strauss i ri kishte një mendje të mirë biznesi, falë të cilit ai ishte në gjendje të konsolidonte pozicionin e tij financiar.

Total Johann Strauss - djali shkroi njëqind e gjashtëdhjetë e tetë vals, duke përfshirë më të njohurit prej tyre - Në Danubin e bukur blu. Në fund, deri në gjashtë orkestra u emëruan sipas Strauss, njëra prej të cilave drejtohej nga vëllai i Johanit, Jozefi më i ri, dhe tjetra nga vëllai tjetër i tij, Eduard (secila prej tyre kompozoi rreth treqind kompozime).

Valset dhe polkat e Johann-it ishin hite në kafenetë vjeneze dhe stili i lehtë dhe i guximshëm u bë standardi i muzikës së kërcimit në të gjithë Evropën.

Disa dashamirës të muzikës klasike ende i konsiderojnë kompozimet e Strauss shumë vulgare dhe joserioze. Mos i besoni dhe mos u bini në provokimet e tyre! Kjo familje është e aftë të shkruajë vepra vërtet të shkëlqyera që janë emocionuese dhe të paharrueshme për një kohë të gjatë menjëherë pas dëgjimit të parë.

Romantikët e vonë

Shumë nga kompozitorët e kësaj periudhe vazhduan të shkruanin muzikë deri në shekullin e 20-të. Mirëpo, për to flasim këtu dhe jo në kapitullin tjetër, për arsye se ishte fryma e romantizmit ajo që ishte e fortë në muzikën e tyre.

Duhet theksuar se disa prej tyre mbanin lidhje të ngushta dhe madje miqësi me kompozitorët e përmendur në nënseksionet "Romantikët e hershëm" dhe "Nacionalistët".

Veç kësaj, duhet pasur parasysh se gjatë kësaj periudhe në vende të ndryshme evropiane kishte aq shumë kompozitorë të shkëlqyer sa që çdo ndarje e tyre sipas çdo parimi do të ishte tërësisht e kushtëzuar. Nëse në literaturë të ndryshme për periudhën klasike dhe barok përmenden afërsisht të njëjtat afate kohore, atëherë periudha romantike kudo përcaktohet ndryshe. Duket se kufiri midis fundit të periudhës romantike dhe fillimit të shekullit të 20-të është shumë i paqartë në muzikë.

Kompozitori kryesor i Italisë në shekullin e 19-të ishte padyshim Giuseppe Verdi. Ky burrë që na shikonte me sy të shndritshëm me mustaqe të trasha dhe vetulla, qëndronte një kokë e tërë më i gjatë se të gjithë kompozitorët e tjerë të operës.

Të gjitha kompozimet e Verdit janë fjalë për fjalë të mbingarkuar me melodi të ndritshme dhe tërheqëse. Në total, ai shkroi njëzet e gjashtë opera, shumica e të cilave shfaqen rregullisht sot. Midis tyre janë veprat më të famshme dhe më të shquara të artit operistik të të gjitha kohërave.

Muzika e Verdit u vlerësua shumë gjatë jetës së kompozitorit. Në premierë Hadesi Publiku bëri një ovacion kaq të gjatë sa artistët duhej të dilnin për t'u përkulur tridhjetë e dy herë.

Verdi ishte një burrë i pasur, por paratë nuk mund të shpëtonin nga vdekja e hershme si gratë e kompozitorit, ashtu edhe dy fëmijët, ndaj pati momente tragjike në jetën e tij. Ai ia la trashëgim jetimores së muzikantëve të vjetër, të ndërtuar nën drejtimin e tij në Milano. Vetë Verdi e konsideroi arritjen e tij më të madhe krijimin e një strehe dhe jo muzikës.

Përkundër faktit se emri i Verdit lidhet kryesisht me operat, duke folur për të, është e pamundur të mos përmendet Requiem, e cila konsiderohet si një nga shembujt më të mirë të muzikës korale. Është plot dramë dhe disa veçori të operës kalojnë nëpër të.

Kompozitori ynë i ardhshëm nuk është aspak personi më simpatik. Në fakt, kjo është figura më skandaloze dhe më kontroverse nga të gjithë ata që përmenden në librin tonë. Nëse do të bënim një listë të bazuar vetëm në karakteristikat personale, atëherë Richard Wagner nuk do ta kishte goditur kurrë. Megjithatë, ne udhëhiqemi ekskluzivisht nga kriteret muzikore dhe historia e muzikës klasike është e paimagjinueshme pa këtë njeri.

Talenti i Wagner është i pamohueshëm. Nga penda e tij dolën disa nga kompozimet muzikore më domethënëse dhe mbresëlënëse për të gjithë periudhën e romantizmit - veçanërisht opera. Në të njëjtën kohë, ata flasin për të si një antisemit, racist, burokraci, mashtruesin e fundit dhe madje edhe një hajdut që nuk heziton të marrë gjithçka që i nevojitet dhe është i vrazhdë pa pendim. Wagner kishte një vetëvlerësim të hipertrofizuar dhe ai besonte se gjenialiteti i tij e ngriti atë mbi të gjithë njerëzit e tjerë.

Wagner mbahet mend për operat e tij. Ky kompozitor e çoi operën gjermane në një nivel krejtësisht të ri dhe megjithëse lindi në të njëjtën kohë me Verdin, muzika e tij ishte shumë e ndryshme nga veprat italiane të asaj periudhe.

Një nga risitë e Wagner ishte se çdo personazh kryesor kishte temën e tij muzikore, e cila përsëritej çdo herë, sapo ai filloi të luante një rol të rëndësishëm në skenë.

Sot duket e vetëkuptueshme, por në atë kohë kjo ide bëri një revolucion të vërtetë.

Arritja më e madhe e Wagner ishte cikli Unaza e Nibelung, i përbërë nga katër opera: Rhine Gold, Valkyrie, Siegfried dhe Vdekja e perëndive. Zakonisht luhen katër netë me radhë dhe në total zgjasin rreth pesëmbëdhjetë orë. Vetëm këto opera do të kishin mjaftuar për të lavdëruar kompozitorin e tyre. Pavarësisht gjithë paqartësisë së Wagner-it si person, duhet pranuar se ai ishte një kompozitor i shquar.

Një tipar dallues i operave të Wagner-it mund të quhet kohëzgjatja e tyre. Opera e tij e fundit Parsifal zgjat më shumë se katër orë.

Dirigjenti David Randolph tha një herë për të:

“Kjo është një opera nga kategoria e atyre që fillojnë në orën gjashtë, dhe kur tre orë më vonë shikon orën e dorës, del se ajo tregon 6:20”.

Jeta Anton Bruckner si kompozitor është një mësim se si të mos dorëzohesh dhe të këmbëngulësh në vetvete. Ai ushtronte dymbëdhjetë orë në ditë, ia kushtonte gjithë kohën punës (ishte organist) dhe mësoi shumë në muzikë vetë, duke përfunduar zotërimin e aftësive të shkrimit me korrespondencë në një moshë mjaft të pjekur - në tridhjetë e shtatë vjet.

Sot më shpesh kujtohen simfonitë e Bruckner-it, prej të cilave ai shkroi gjithsej nëntë pjesë. Ndonjëherë ai u kap nga dyshimet për aftësinë paguese të tij si muzikant, por ai megjithatë arriti njohjen, megjithëse në fund të jetës së tij. Pas ekzekutimit të tij Simfonitë nr. 1 kritikët më në fund vlerësuan kompozitorin, i cili në atë kohë ishte tashmë dyzet e katër vjeç.

Johannes Brahms jo nga ata kompozitorë që kanë lindur, si të thuash, me një shkop argjendi në dorë. Në kohën e lindjes së tij, familja kishte humbur pasurinë e mëparshme dhe mezi ia dilte mbanë. Si adoleshent, ai siguronte jetesën duke luajtur në shtëpi publike në qytetin e tij të Hamburgut. Në kohën kur Brahms u bë i rritur, ai, pa dyshim, u njoh me shumë nga aspektet më tërheqëse të jetës.

Muzika e Brahms u promovua nga miku i tij, Robert Schumann. Pas vdekjes së Schumann-it, Brahms u bë i afërt me Clara Schumann dhe përfundimisht madje ra në dashuri me të. Nuk dihet saktësisht se çfarë lloj marrëdhënieje kanë lidhur, megjithëse ndjenja për të ndoshta ka luajtur një rol në marrëdhëniet e tij me gratë e tjera - ai nuk ia dha zemrën asnjërës prej tyre.

Si person, Brahms ishte mjaft i papërmbajtur dhe nervoz, por miqtë e tij pohuan se kishte butësi tek ai, megjithëse ai nuk ua tregonte gjithmonë atë atyre përreth tij. Një ditë, duke u kthyer në shtëpi nga një festë, ai tha:

“Nëse nuk kam ofenduar askënd atje, atëherë i kërkoj falje”.

Brahms nuk do ta kishte fituar konkursin për kompozitorin më në modë dhe të veshur elegant. Atij nuk i pëlqente tmerrësisht të blinte rroba të reja dhe shpesh vishte të njëjtat pantallona të gjera me arna, pothuajse gjithmonë shumë të shkurtra për të. Gjatë një shfaqjeje, për pak i ranë pantallonat. Në një rast tjetër, atij iu desh të hiqte kravatën dhe të vishej me të në vend të rripit.

Stili muzikor i Brahms u ndikua shumë nga Haydn, Mozart dhe Beethoven, madje disa historianë të muzikës pretendojnë se ai shkroi në frymën e klasicizmit, në atë kohë tashmë jashtë modës. Në të njëjtën kohë, ai zotëron edhe disa ide të reja. Në veçanti, ai ishte në gjendje të zhvillonte pjesë të vogla muzikore dhe t'i përsëriste ato gjatë gjithë veprës - atë që kompozitorët e quajnë "një motiv i përsëritur".

Opera Brahms nuk shkroi, por ai u përpoq në pothuajse të gjitha zhanret e tjera të muzikës klasike. Prandaj, ai mund të quhet një nga kompozitorët më të mëdhenj të përmendur në librin tonë, një gjigant i vërtetë i muzikës klasike. Ai vetë foli në këtë mënyrë për punën e tij:

“Nuk është e vështirë të shkruash, por është çuditërisht e vështirë të hedhësh shënime shtesë nën tryezë”.

Max Bruch lindi vetëm pesë vjet pas Brahms dhe ky i fundit me siguri do ta kishte lënë në hije, nëse jo për një vepër, Koncerti nr 1 i violinës.

Vetë Bruch e pranoi këtë fakt, duke argumentuar me modesti të pazakontë për shumë kompozitorë:

"Pesëdhjetë vjet nga tani, Brahms do të quhet një nga kompozitorët më të mëdhenj të të gjitha kohërave dhe unë do të mbahem mend për shkrimin e Koncertit për Violinë në G minor."

Dhe ai kishte të drejtë. Vërtetë, vetë Brujah ka diçka për të kujtuar! Ai kompozoi shumë vepra të tjera - rreth dyqind gjithsej - veçanërisht për kor dhe për opera, të cilat rrallë vihen në skenë këto ditë. Muzika e tij është melodike, por ai nuk solli asgjë veçanërisht të re në zhvillimin e saj. Në sfondin e tij, shumë kompozitorë të tjerë të asaj kohe duken si novatorë të vërtetë.

Në 1880, Bruch u emërua dirigjent i Shoqërisë Mbretërore të Filarmonisë Liverpool, por pas tre vjetësh ai u kthye në Berlin. Muzikantët e orkestrës nuk ishin të kënaqur me të.

Në faqet e librit tonë, ne kemi takuar tashmë shumë mrekulli muzikore, dhe Camille Saint - Saens nuk zë vendin e fundit mes tyre. Në moshën dy vjeçare, Saint - Saens tashmë po zgjidhte melodi në piano, dhe ai mësoi të lexonte dhe të shkruante muzikë në të njëjtën kohë. Në moshën tre vjeçare ai luajti pjesë të kompozimit të tij. Në moshën dhjetë vjeçare ai këndoi bukur Mozart dhe Beethoven. Në të njëjtën kohë, ai u interesua seriozisht për entomologjinë (fluturat dhe insektet), dhe më pas për shkencat e tjera, duke përfshirë gjeologjinë, astronominë dhe filozofinë. Dukej se një fëmijë kaq i talentuar thjesht nuk mund të kufizohet në një gjë.

Pas përfundimit të studimeve në Konservatorin e Parisit, Saint-Saens punoi për shumë vite si organist. Me moshën, ai filloi të ndikojë në jetën muzikore të Francës dhe ishte falë tij që muzika e kompozitorëve të tillë si J.S.Bach, Mozart, Handel dhe Gluck filloi të interpretohej më shpesh.

Përbërja më e famshme e Saint - Saens - Karnaval i kafshëve, të cilën kompozitori e ndaloi të interpretonte gjatë jetës së tij. Ai ishte i shqetësuar se kritikët e muzikës, me të dëgjuar këtë pjesë, do ta konsideronin atë shumë joserioze. Në fund të fundit, është qesharake kur orkestra në skenë përshkruan një luan, një pulë me një gjel, breshka, një elefant, një kangur, një akuarium me peshq, zogj, një gomar dhe një mjellmë.

Disa nga kompozimet e tij të tjera Saint - Saens shkroi për kombinime jo aq të zakonshme të instrumenteve, duke përfshirë të famshmet Simfonia "Organi" nr. 3, tingëllonte në filmin "Babe".

Muzika e Saint Saens ndikoi në punën e kompozitorëve të tjerë francezë, duke përfshirë Gabriel Fauré. Ky i ri trashëgoi pozicionin e organistit në kishën pariziane të Shën Magdalenës, e cila më parë ishte e pushtuar nga Saint - Saens.

Dhe megjithëse talenti i Foretit nuk mund të krahasohet me talentin e mësuesit të tij, ai ishte një pianist i shkëlqyer.

Faure ishte një njeri i varfër dhe për këtë arsye punonte shumë, luante organo, drejtonte korin dhe jepte mësime. Ai ishte i angazhuar me shkrim në kohë e lirë, e cila mbeti shumë pak, por, pavarësisht kësaj, ai arriti të botojë më shumë se dyqind e pesëdhjetë vepra të tij. Disa prej tyre u kompozuan për një kohë shumë të gjatë: për shembull, punoni në Requiem zgjati mbi njëzet vjet.

Më 1905 Fauré u bë drejtor i Konservatorit të Parisit, domethënë njeriu nga i cili varej kryesisht zhvillimi i muzikës franceze të asaj kohe. Fauré doli në pension pesëmbëdhjetë vjet më vonë. Në fund të jetës së tij ai vuajti nga humbja e dëgjimit.

Sot Foret respektohet edhe jashtë Francës, edhe pse atje vlerësohet më së shumti.

Për adhuruesit e muzikës angleze, shfaqja e një figure të tillë si Edward Elgar, duhet të jetë dukur si një mrekulli e vërtetë. Shumë historianë të muzikës i referohen atij si kompozitorin e parë të rëndësishëm anglez pas Henry Purcell, i cili shkroi gjatë periudhës së barokut, megjithëse ne përmendëm edhe Arthur Sullivan pak më herët.

Elgar ishte shumë i dhënë pas Anglisë, veçanërisht vendlindjes së tij Worcestershire, ku ai kaloi pjesën më të madhe të jetës së tij duke gjetur frymëzim në fushat e Molvern Hills.

Si fëmijë, ai ishte i rrethuar nga muzika kudo: babai i tij zotëronte një dyqan lokal muzikor dhe e mësoi Elgarin e vogël të luante të ndryshme. instrumente muzikore... Në moshën dymbëdhjetë vjeç, djali tashmë po zëvendësonte organistin në shërbimet e kishës.

Pasi punoi në zyrën e një avokati, Elgar vendosi t'i përkushtohej një profesioni shumë më pak të besueshëm nga pikëpamja financiare. Për disa kohë ai punoi me kohë të pjesshme, duke dhënë mësime violine dhe piano, duke luajtur në orkestra lokale dhe madje edhe duke drejtuar pak.

Gradualisht, fama e Elgarit si kompozitor u rrit, edhe pse atij iu desh të luftonte për të bërë rrugën e tij jashtë qarkut të tij të lindjes. Ata i sollën famë Variacione në një temë origjinale, të cilat tani njihen më mirë si Variacionet e enigmës.

Tani muzika e Elgar perceptohet si shumë angleze dhe tingëllon gjatë ngjarjeve më të mëdha të shkallës kombëtare. Në tingujt e parë të saj Koncert për violonçel Anglishtja shfaqet menjëherë fshat. Nimrodi nga Variacionet luhen shpesh në ceremoni zyrtare dhe Marshi solemn dhe ceremonial numër 1, i njohur si Një tokë e shpresës dhe e lavdisë performuar në mbrëmjet e maturës në të gjithë Mbretërinë e Bashkuar.

Elgar ishte një njeri i familjes dhe e donte një jetë të qetë dhe të rregullt. Megjithatë, ai la gjurmë në histori. Ky kompozitor me mustaqe të trasha e me shkurre duket menjëherë në kartëmonedhën prej njëzet kilogramësh. Natyrisht, dizajnerët e kartëmonedhave menduan se qimet e fytyrës do të ishin shumë të vështira për t'u falsifikuar.

Në Itali, pasardhësi i Giuseppe Verdit në artin e operës ishte Giacomo Puccini, konsiderohet si një nga mjeshtrat e njohur botërorë të kësaj forme arti.

Familja Puccini ka qenë prej kohësh e lidhur me muzikën kishtare, por kur Giacomo dëgjoi për herë të parë operën Aida Verdi, ai e kuptoi se kjo ishte thirrja e tij.

Pas studimeve në Milano, Puccini kompozon një opera Manon Lescaut, që i solli atij suksesin e parë të madh në 1893. Pas kësaj, një prodhim i suksesshëm pasoi një tjetër: Bohemia në 1896, Mall në vitin 1900 dhe Zonja Butterfly në vitin 1904.

Në total, Puccini kompozoi dymbëdhjetë opera, e fundit prej të cilave ishte Turandot. Ai vdiq pa e përfunduar këtë vepër dhe një kompozitor tjetër e përfundoi veprën. Në premierën e operës, dirigjenti Arturo Toscanini ndaloi orkestrën pikërisht aty ku Puccini ishte ndalur. Ai u kthye nga publiku dhe tha:

“Këtu vdekja ka triumfuar mbi artin”.

Me vdekjen e Puçinit mori fund kulmi i artit operistik italian. Kompozitorët italianë të operës nuk do të përmenden më në librin tonë. Por kush e di se çfarë na pret e ardhmja?

Në jetë Gustav Mahler ishte më i njohur si dirigjent sesa si kompozitor. Ai drejtonte në dimër, dhe në verë, si rregull, preferonte të merrej me shkrim.

Thuhet se si fëmijë, Mahleri ​​kishte gjetur një piano në papafingo të shtëpisë së gjyshes së tij. Katër vjet më vonë, në moshën dhjetë vjeç, ai kishte dhënë tashmë shfaqjen e tij të parë.

Mahler studioi në Konservatorin e Vjenës, ku filloi të kompozonte muzikë. Në vitin 1897 ai u bë drejtor i Operës Shtetërore të Vjenës dhe gjatë dhjetë viteve të ardhshme fitoi famë të konsiderueshme në këtë fushë.

Ai vetë filloi të shkruante tre opera, por nuk i mbaroi kurrë. Në kohën tonë, ai njihet kryesisht si kompozitor i simfonive. Në këtë zhanër ai zotëron një nga "hitet" e vërteta - Simfonia nr. 8, gjatë performancës së të cilit janë përfshirë më shumë se një mijë muzikantë dhe këngëtarë.

Pas vdekjes së Mahlerit, muzika e tij doli nga moda për pesëdhjetë vjet, por në gjysmën e dytë të shekullit të 20-të ajo rifitoi popullaritet, veçanërisht në MB dhe SHBA.

Richard Strauss ka lindur në Gjermani dhe nuk i përkiste dinastisë së Vjenës Shtraus. Përkundër faktit se ky kompozitor jetoi pothuajse të gjithë gjysmën e parë të shekullit të 20-të, ai ende konsiderohet një përfaqësues i romantizmit muzikor gjerman.

Popullariteti mbarëbotëror i Richard Strauss vuajti disi nga fakti se ai vendosi të qëndronte në Gjermani pas vitit 1939 dhe pas Luftës së Dytë Botërore ai u akuzua edhe për bashkëpunim me nazistët.

Strauss ishte një dirigjent i shkëlqyer, falë të cilit ai e kuptoi në mënyrë të përsosur se si duhet të tingëllojë një instrument i veçantë në një orkestër. Ai shpesh e zbatonte këtë njohuri në praktikë. Ai gjithashtu dha këshilla të ndryshme për kompozitorët e tjerë, si:

"Asnjëherë mos i shikoni trombonët, ju vetëm po i inkurajoni."

“Mos u djersitni gjatë performancës; vetëm dëgjuesit duhet të nxehen."

Sot, Strauss mbahet mend kryesisht në lidhje me përbërjen e tij Kështu foli Zarathustra, një hyrje të cilën Stanley Kubrick e përdori në 2001 A Space Odyssey. Por ai gjithashtu shkroi disa nga operat më të bukura gjermane, mes tyre - Kalorësi i trëndafilit, Salome dhe Ariadne në Naxos. Një vit para vdekjes ai ka kompozuar edhe shumë bukur Katër këngët e fundit për zërin dhe orkestrën. Në përgjithësi, këto nuk ishin këngët e fundit të Strauss, por ato u bënë një lloj finale e veprimtarisë së tij krijuese.

Deri më tani, ndër kompozitorët e përmendur në këtë libër, ishte vetëm një përfaqësues i Skandinavisë - Edvard Grieg. Por tani ne jemi transportuar përsëri në këtë tokë të ashpër dhe të ftohtë - këtë herë në Finlandë, ku kemi lindur Jan Sibelius, gjeni i madh muzikor.

Muzika e Sibelius thithi mitet dhe legjendat e atdheut të tij. Vepra e tij më e madhe Finlanda, konsiderohet si mishërim i shpirtit kombëtar të finlandezëve, ashtu si veprat e Elgarit njihen si thesar kombëtar në Britaninë e Madhe. Për më tepër, Sibelius, ashtu si Mahler, ishte një mjeshtër i vërtetë i simfonive.

Sa i përket varësive të tjera të kompozitorit, ai në jetën e tij të përditshme ishte tepër i varur nga pirja dhe duhanpirja, saqë në moshën dyzetvjeçare u sëmur nga kanceri në fyt. Ai gjithashtu shpesh nuk kishte para të mjaftueshme dhe shteti i ndante një pension në mënyrë që të vazhdonte të shkruante muzikë pa u shqetësuar për mirëqenien e tij financiare. Por më shumë se njëzet vjet para vdekjes së tij, Sibelius ndaloi së shkruari asgjë. Ai jetoi pjesën tjetër të jetës së tij në vetmi relative. Ai foli veçanërisht ashpër për ata që morën para për komente të muzikës së tij:

“Mos i kushtoni vëmendje asaj që thonë kritikët. Deri më tani, asnjë kritikut nuk i është dhënë statujë”.

I fundit në listën tonë të kompozitorëve të periudhës romantike gjithashtu mbijetoi pothuajse në mesin e shekullit të 20-të, megjithëse ai shkroi shumicën e veprave të tij më të famshme në vitet 1900. E megjithatë ai renditet ndër romantikët dhe na duket se ky është kompozitori më romantik i të gjithë grupit.

Sergei Vasilyevich Rahmaninov lindi në një familje fisnike, e cila deri në atë kohë kishte shpenzuar shumë para. Interesimi i tij për muzikën u shfaq në fëmijërinë e hershme dhe prindërit e dërguan për të studiuar, fillimisht në Shën Petersburg, e më pas në Moskë.

Rachmaninov ishte një pianist çuditërisht i talentuar, dhe ai gjithashtu bëri një kompozitor të mrekullueshëm.

E imja Koncerti nr. 1 i pianos shkroi ai në nëntëmbëdhjetë. Ai gjithashtu gjeti kohë për operën e tij të parë, Aleko.

Por ky muzikant i madh, si rregull, nuk ishte veçanërisht i kënaqur me jetën. Në shumë fotografi, ne shohim një burrë të zemëruar, të vrenjtur. Një tjetër kompozitor rus, Igor Stravinsky, tha një herë:

“Thelbi i pavdekshëm i Rachmaninoff ishte vetullat e tij. Ai ishte 6 metra e gjysmë i vrenjtur... ishte një njeri i frikshëm.”

Kur i riu Rachmaninoff luajti për Çajkovskin, ai ishte aq i kënaqur sa vendosi një A me katër pluse në fletën e pikëve të tij - nota më e lartë në historinë e Konservatorit të Moskës. Shumë shpejt i gjithë qyteti filloi të fliste për talentin e ri.

Sidoqoftë, fati mbeti i pafavorshëm për muzikantin për një kohë të gjatë.

Kritikët ishin shumë të ashpër për të Simfonitë nr. 1, premiera e të cilit përfundoi pa sukses. Kjo i dha Rachmaninov shqetësim të rëndë emocional, ai humbi besimin në forcën e tij dhe në përgjithësi nuk mund të kompozonte asgjë.

Në fund, vetëm ndihma e një psikiatri me përvojë Nikolai Dahl e lejoi atë të dilte nga kriza. Në vitin 1901, Rachmaninoff përfundoi koncertin e pianos, mbi të cilin punoi shumë vite të gjata dhe që i kushtohet Dr. Dahl. Këtë herë publiku e përshëndeti me kënaqësi punën e kompozitorit. Që nga viti Koncerti për piano dhe orkestër nr. 2 u bë një pjesë e preferuar klasike e interpretuar nga grupe të ndryshme muzikore në mbarë botën.

Rachmaninoff filloi turneun në Evropë dhe Shtetet e Bashkuara. Pas kthimit në Rusi, ai drejtoi dhe kompozoi.

Pas revolucionit të vitit 1917, Rachmaninov dhe familja e tij shkuan në koncerte në Skandinavi. Ai nuk u kthye më në shtëpi. Në vend të kësaj, ai u transferua në Zvicër, ku bleu një shtëpi në brigjet e liqenit të Lucernit. Ai gjithmonë i donte rezervuarët dhe tani, kur u bë një burrë mjaft i pasur, ai mund të përballonte të pushonte në breg dhe të admironte peizazhin e hapjes.

Rachmaninoff ishte një dirigjent i shkëlqyer dhe gjithmonë jepte këshillat e mëposhtme për ata që donin të shkëlqenin në këtë fushë:

“Një dirigjent i mirë duhet të jetë një shofer i mirë. Të dyja kanë nevojë për të njëjtat cilësi: përqendrim, vëmendje të vazhdueshme intensive dhe prani të mendjes. Dirigjenti duhet vetëm të njohë pak muzikën ... "

Në vitin 1935, Rachmaninoff vendosi të vendoset në Shtetet e Bashkuara. Ai fillimisht jetoi në Nju Jork, dhe më pas u transferua në Los Angeles. Atje ai filloi të ndërtojë një shtëpi të re për vete, krejtësisht identike me atë që kishte lënë në Moskë.

Me kalimin e moshës, Rachmaninov drejtoi gjithnjë e më pak dirigjentë dhe pothuajse plotësisht pushoi së kompozuari muzikë. Ai arriti majat e famës së tij si një pianist i mrekullueshëm.

Me gjithë mallin për shtëpinë, Rachmaninov e pëlqeu në SHBA. Ai ishte krenar për Cadillac-un e tij të madh dhe shpesh i ftonte mysafirët të bënin një udhëtim me makinë vetëm për të treguar makinën e tij.

Pak para vdekjes së tij, Rachmaninov mori nënshtetësinë amerikane. Në këtë vend ai u varros.

Fundi i periudhës romantike

Ne i kemi kushtuar shumë më tepër rëndësi periudhës romantike në librin tonë sesa të gjitha periudhave të tjera të muzikës klasike.

Gjatë kësaj epoke, ndodhën kaq shumë gjëra interesante në vende të ndryshme, saqë është thjesht e pamundur të tregosh gjithçka në një artikull të shkurtër. Muzika klasike ka ndryshuar shumë, po ashtu edhe tingulli i saj, i cili është bërë gjithnjë e më i pasur falë orkestrave të mëdha simfonike. Në shumë mënyra, veprat e Rachmaninoff janë një shembull ideal i këtij tingulli. Nëse e krahasoni atë me Bethoven, bëhet e qartë se sa madhështore ishin ndryshimet.

Por sado të rëndësishme të duken këto ndryshime që kanë ndodhur në botën e muzikës gjatë rreth tetëdhjetë viteve të periudhës romantike, ato nuk mund të krahasohen me atë që ndodhi në të ardhmen. Dhe në të ardhmen, muzika u bë edhe më e larmishme dhe e pazakontë - e cila, sipas mendimit tonë, nuk ishte gjithmonë e mirë për të.

Muzika ka zënë një vend të veçantë në estetikën e romantizmit. Ai u shpall model dhe normë për të gjitha fushat e artit, pasi për shkak të specifikës së tij është në gjendje të shprehë më plotësisht lëvizjet e shpirtit.“Muzika fillon kur fjalët mbarojnë” (G. Heine).

Romantizmi muzikor si drejtim u zhvillua në fillimXIXshekulli dhe u zhvillua në lidhje të ngushtë me prirje të ndryshme në letërsi, pikturë dhe teatër. Etapa fillestare e romantizmit muzikor përfaqësohet nga veprat e F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, N. Paganini, G. Rossini; faza tjetër (1830-50) - vepra e F. Chopin, R. Schumann, F. Mendelssohn, G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner, G. Verdi. Faza e vonë e romantizmit shtrihet deri në fundXIXshekulli. Kështu, nëse në letërsi dhe pikturë, drejtimi romantik e përfundon zhvillimin e tij kryesisht nga mesiXIXme shekuj, jeta e romantizmit muzikor në Evropë është shumë më e gjatë.

Në romantizmin muzikor, si dhe në llojet e tjera të artit dhe letërsisë, kundërshtimi i botës së idealeve të bukura, të paarritshme dhe jetës së përditshme, i përshkuar nga fryma e filistinizmit dhe e filistinizmit, shkaktoi, nga njëra anë, konflikte dramatike. mbizotërimi i motiveve tragjike të vetmisë, mungesës së shpresës, bredhjes, etj., nga ana tjetër - idealizimi dhe poetizimi i së kaluarës së largët, jetës popullore, natyrës. Duke bërë jehonë me gjendjen shpirtërore të një personi, natyra në punën e romantikëve zakonisht ngjyroset nga një ndjenjë disharmonie.

Ashtu si romantikët e tjerë, muzikantët ishin të bindur se ndjenjat përbëjnë një shtresë më të thellë të shpirtit sesa mendja:"Mendja është në iluzion, ndjenjat - kurrë" (R. Schumann).

Interesi i veçantë për personalitetin njerëzor i natyrshëm në muzikën romantike u shpreh në mbizotërimin në tëton personal ... Zbulimi i dramës personale shpesh fitoi një nuancë midis romantikëve.autobiografike, që solli një sinqeritet të veçantë në muzikë. Për shembull, shumë nga veprat e Schumann-it për piano lidhen me historinë e dashurisë së tij për Clara Wieck. Berlioz shkroi Simfoninë Fantastike autobiografike. Karakteri autobiografik i operave të tij u theksua në çdo mënyrë të mundshme nga Wagner.

Tema e "rrëfimit lirik" është shumë shpesh e ndërthurur metema e natyrës .

Zbulimi i vërtetë i kompozitorëve romantikë ishtetemë fantashkencë. Për herë të parë, muzika mësoi të mishëronte imazhe përrallore dhe fantastike me mjete thjesht muzikore. Në operaXvii - Xviiishekuj me radhë, personazhe "të çuditshëm" (të tillë si "Mbretëresha e natës" nga "Flauti Magjik" i Mozartit) flisnin në gjuhën muzikore "të pranuara përgjithësisht", duke u dalluar pak në sfond. njerëz të vërtetë... Kompozitorët romantikë kanë mësuar të përcjellin botën fantastike si diçka krejtësisht specifike (duke përdorur ngjyra të pazakonta orkestrale dhe harmonike). Një shembull i mrekullueshëm është Skena në Grykën e Ujkut në Shigjetën Magjike të Weber.

Nëse Xviiishekulli ishte epoka e improvizuesve virtuozë të tipit universal, po aq të aftë për të kënduar, kompozuar, luajtur instrumente të ndryshme, pastajXIXshekulli ishte një kohë e pasionit të paparë për artin nga pianistët virtuozë (K.M. Weber, F. Mendelssohn, F. Chopin, F. Liszt, I. Brahms).

Epoka e romantizmit ndryshoi plotësisht "gjeografinë muzikore të botës". Nën ndikimin e zgjimit aktiv të vetëdijes kombëtare të popujve të Evropës, shkollat ​​e reja të kompozitorit nga Rusia, Polonia, Hungaria, Republika Çeke dhe Norvegjia dolën në arenën muzikore ndërkombëtare. Kompozitorët e këtyre vendeve, duke mishëruar imazhet e letërsisë kombëtare, historisë, natyrës vendase, u mbështetën në intonacionet dhe ritmet e folklorit të tyre vendas.

Një karakteristikë jashtëzakonisht e madhe e romantizmit muzikor është një interes përarti popullor ... Ashtu si poetët romantikë që në kurriz të folklorit pasuruan dhe përditësuan gjuhën letrare, muzikantët iu drejtuan gjerësisht folklorit kombëtar - këngëve popullore, baladave, epikave (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin, I. Brahms, B. Smetana, E. Grieg dhe të tjerë). Duke mishëruar imazhet e letërsisë kombëtare, historisë, natyrës vendase, ata u mbështetën në intonacionet dhe ritmet e folklorit kombëtar, ringjallën mënyrat e vjetra diatonike.Nën ndikimin e folklorit, përmbajtja e muzikës evropiane ka ndryshuar në mënyrë dramatike.

Temat dhe imazhet e reja kërkuan zhvillim nga romantikëtmjete të reja të gjuhës muzikore dhe parimet e formimit, individualizimi i melodisë dhe futja e intonacioneve të të folurit, zgjerimi i timbrit dhe paleta harmonike e muzikës (shqetësime natyrale, përballje shumëngjyrëshe të madhores dhe të vogëls, etj.).

Meqenëse fokusi i vëmendjes së romantikëve nuk është më njerëzimi në tërësi, por një person specifik me ndjenjën e tij unike, përkatësisht.dhe në mjetet shprehëse, e përgjithshmja po ia lë vendin gjithnjë e më shumë njëjësit, individualisht dallues. Përqindja e intonacioneve të përgjithësuara në melodi, përparimet e zakonshme të akordit në harmoni, modelet tipike në teksturë zvogëlohet - të gjitha këto mjete individualizohen. Në orkestrim, parimi i grupeve ansamble i ka lënë vendin solistimit të pothuajse të gjithë zërave orkestralë.

Pika më e rëndësishmeestetike romantizmi muzikor ishteideja e sintezës së arteve , që gjeti shprehjen më të gjallë në veprën operistike të Wagnerit dhe nëmuzikë programore Berlioz, Schumann, Liszt.

Zhanret muzikore në veprat e kompozitorëve romantikë

Tre grupe zhanre janë qartë të dukshme në muzikën romantike:

• zhanret që zinin një vend të varur në artin e klasicizmit (para së gjithash - miniaturë e këngës dhe pianos);
• zhanret e perceptuara nga romantikët e epokës së mëparshme (opera, oratorio, cikli sonatë-simfonik, uvertura);
• zhanre të lira, poetike (baladë, fantazi, rapsodi, poema simfonike). Interesi për ta shpjegohet me dëshirën e kompozitorëve romantikë për vetë-shprehje të lirë, një transformim gradual të imazheve.

Në kulturën muzikore të romantizmit del në plan të parëkëngë si zhanër më i përshtatshëm për të shprehur mendimet më të thella të artistit (ndërsa në punën profesionale të kompozitorëveXviiiPër shekuj, këngës lirike iu caktua një rol modest - ajo shërbeu kryesisht për të mbushur kohën e lirë). Në fushën e këngës punuan Schubert, Schumann, Liszt, Brahms, Grieg e të tjerë.

Kompozitori tipik romantik krijon shumë drejtpërdrejt, spontanisht, me urdhër të zemrës. Kuptimi romantik i botës nuk është një pasqyrim i qëndrueshëm filozofik i realitetit, por një fiksim i menjëhershëm i gjithçkaje që preku shpirtin e artistit. Në këtë drejtim, në epokën e romantizmit, zhanri lulëzoiminiatura (të pavarura ose të kombinuara me miniatura të tjera në një cikël). Kjo nuk është vetëm një këngë dhe romancë, por edhe kompozime instrumentale -momente muzikore, të improvizuara, prelude, skica, nokturne, vals, mazurka (në lidhje me mbështetjen në artin popullor).

Shumë zhanre romantike ia detyrojnë origjinën e tyre poezisë, formave të saj poetike. Këto janë sonete, këngë pa fjalë, tregime të shkurtra, balada.

Një nga idetë kryesore të estetikës romantike - ideja e një sinteze të arteve - solli natyrshëm problemin e operës në qendër të vëmendjes. Pothuajse të gjithë kompozitorët romantikë iu drejtuan zhanrit operistik, me përjashtime të rralla (Brahms).

Toni personal, konfidencial i shprehjes, i natyrshëm në romantizëm, transformon plotësisht zhanret klasike të simfonisë, sonatës, kuartetit. Ata marrininterpretimi psikologjik dhe liriko-dramatik. Përmbajtja e shumë veprave romantike lidhet meprogramore (Ciklet e pianos së Schumann-it, Vitet e bredhjeve të Liszt-it, simfonitë e Berliozit, uverturat e Mendelsonit).

Tre fazat kryesore të romantizmit muzikor evropian të shekullit të 19-të - të hershme, të pjekura dhe të vona - korrespondojnë me fazat e zhvillimit të muzikës romantike austriake dhe gjermane. Por ky periodizim duhet të konkretizohet dhe të rafinohet disi në raport me ngjarjet më të rëndësishme në artin muzikor të çdo vendi.
Faza e hershme e romantizmit muzikor gjermano-austriak daton në vitet 10-20 të shekullit të 19-të, e cila përkon me kulmin e luftës kundër sundimit Napoleonik dhe fillimin e mëvonshëm të një reagimi të errët politik. Fillimi i kësaj skene u shënua nga fenomene të tilla muzikore si operat "Undine" nga Hoffmann (1913), "Sylvanas (1810), "Abu Hasan" (1811) dhe pjesa e programuar për piano "Ftesë për kërcim" (1815) nga Weber, këngët e para vërtet dalluese të Schubert - "Margarita në rrotën tjerrëse" (1814) dhe "Cari i pyllit" (1815). Në vitet 1920, romantizmi i hershëm lulëzoi, kur gjeniu i Shubertit të zhdukur të hershëm po shpalosej me forcë të plotë, kur u shfaqën Pushkatari Magjik, Euryatus dhe Oberon - tre operat e fundit më të përsosura nga Beber, në vitin e vdekjes së tij (1820) në horizontin muzikor, ndizni një "luminar" të ri - Mendelssohn - Bartholdi, i cili performoi me një uverturë të mrekullueshme koncerte - Ëndrra e një nate vere.
Faza e mesme bie kryesisht në vitet 1930-1940; kufijtë e saj u përcaktuan nga Revolucioni i Korrikut në Francë, i cili pati një ndikim të konsiderueshëm në qarqet e përparuara të Austrisë dhe veçanërisht në Gjermani, dhe revolucioni i viteve 1848-1949, i cili përfshiu fuqishëm anembanë Tokat gjermano-austriake. Gjatë kësaj periudhe, krijimtaria e Mendelsonit (vdiq më 1147) dhe e Schumann-it lulëzoi në Gjermani, veprimtaria e kompozitorit të të cilit vetëm për disa vite kaloi kufirin e treguar; Marschner shpërndan traditat e Weberit në operat e tij (opera e tij më e mirë, Thaps Geilsch: r, u shkrua në 1833); gjatë kësaj periudhe, Wagner u shndërrua nga një kompozitor aspirues në krijues i veprave të tilla të jashtëzakonshme si Tannhäuser (1815) dhe Lohengrin (1848); megjithatë, arritjet kryesore krijuese të Wagner-it nuk kanë ardhur ende. Në Austri, në këtë kohë, ka një qetësi në fushën e zhanreve serioze, por krijuesit e muzikës së përditshme të kërcimit, Joseph Liner dhe Johann Strauss babai, po fitojnë famë.
Periudha e vonë, post-revolucionare e romantizmit, që përfshin disa dekada (nga fillimi i viteve '50 deri në afërsisht mesi i viteve '90), u shoqërua me një situatë të tensionuar socio-politike (rivaliteti i Austrisë, Prusisë në bashkimin e tokave gjermane, shfaqja e një Gjermanie të bashkuar nën sundimin e Prusisë militariste dhe ndarja përfundimtare politike e Austrisë). Në këtë kohë, problemi i një arti të vetëm, të përgjithshëm muzikor gjerman është akut, kontradiktat midis grupeve të ndryshme krijuese dhe kompozitorëve individualë zbulohen më qartë, lind një luftë drejtimesh, e cila ndonjëherë reflektohet në polemika të nxehta në faqet e shtypit. . Liszt, i cili u transferua në Gjermani, po përpiqet të bashkojë forcat muzikore progresive të vendit, por parimet e tij krijuese të lidhura me idetë e inovacionit radikal të bazuar në programim nuk ndahen nga të gjithë muzikantët gjermanë. Një pozicion të veçantë zë Wagner, i cili e absolutizoi rolin e dramës muzikore si "arti i së ardhmes". Në të njëjtën kohë, Brahms, i cili arriti në punën e tij të provojë rëndësinë e qëndrueshme të shumë traditave muzikore klasike në kombinimin e tyre me një pikëpamje të re, romantike, u bë në Vjenë kreu i tendencave anti-listë dhe anti-Wagner. Viti 1876 është domethënës në këtë drejtim: premiera e Unazës së Nibelung të Wagner-it zhvillohet në Bayreuth dhe Vjena njihet me simfoninë e parë të Brahms-it, e cila hapi periudhën e lulëzimit më të lartë të veprës së tij.

Kompleksiteti i situatës muzikore-historike të këtyre viteve nuk kufizohet në praninë e drejtimeve të ndryshme me motivet e tyre; - Leipzig, Weimar, Bayreuth. Vjena. Në vetë Vjenën, për shembull, artistë të tillë të ndryshëm si Bruckner dhe Wolf, të bashkuar nga një qëndrim i përbashkët entuziast ndaj Wagner, por në të njëjtën kohë nuk e pranuan parimin e tij të dramës muzikore, krijojnë veprat e tyre.
Në Vjenë, Johann Strauss Son, kreu më muzikor i shekullit, po krijon ”(Wagner). Valset e tij të mrekullueshme dhe operetat e mëvonshme e bëjnë Vjenën qendrën më të madhe për muzikën argëtuese.
Dekadat pas-revolucionare janë ende të shënuara nga disa dukuri të spikatura të romantizmit muzikor, shenjat e krizës së brendshme të këtij trendi tashmë po ndjehen. Kështu, romantika në Brahms sintetizohet me parimet e klasicizmit dhe Hugo Wolff gradualisht e realizon veten si një kompozitor antiromantik. Me pak fjalë, parimet romantike po humbasin kuptimin e tyre ekskluziv, ndonjëherë të kombinuara me disa tendenca të reja ose të ringjallura klasike.
Megjithatë, edhe pas mesit të viteve 1980, kur romantizmi po fillonte qartë të mbijetonte, në Austri dhe Gjermani shfaqen ende ndezje të ndritshme individuale të krijimtarisë romantike: veprat e fundit për piano të Brahms-it dhe simfonitë e mëvonshme të Bruckner-it janë të mbushura me romantizëm; kompozitorët kryesorë të kthesës së shekujve XIX dhe XX - austriaku Mahler dhe gjermani Richard Strauss - në veprat e viteve '80 dhe '90 ndonjëherë manifestohen si romantikë tipikë. Në përgjithësi, këta kompozitorë bëhen një lloj lidhjeje lidhëse midis shekullit "romantik" të nëntëmbëdhjetë dhe viteve "anti-romantike" të njëzetat.)
"Afërsia e kulturës muzikore të Austrisë dhe Gjermanisë, për shkak të traditave kulturore dhe historike, nuk përjashton, natyrisht, dallime të caktuara kombëtare. krijimtaria muzikore dhe detyrat me të cilat përballeshin muzikantët, ndonjëherë ishin të ndryshme. Kështu, në Gjermaninë e prapambetur, tejkalimi i stagnimit borgjez, provincializmi i ngushtë ishte një detyrë veçanërisht urgjente, e cila kërkonte, nga ana tjetër, veprimtari arsimore të formave të ndryshme nga ana e përfaqësuesve të përparuar të artit. Kushtet, kompozitori i shquar gjerman nuk mund të kufizohej vetëm në kompozimin e muzikës, por ai duhej të bëhej një figurë muzikore dhe publike. Dhe në të vërtetë, kompozitorët romantikë gjermanë kryen me forcë detyra kulturore dhe arsimore, kontribuan vendi: Weber - si dirigjent opere dhe kritik muzikor, Mendelssohn - si dirigjent koncerti dhe mësues i shquar, themelues i konservatorit të parë në Gjermani; Schumann është një kritik muzikor novator dhe krijues i një lloji të ri reviste muzikore. Më vonë, një muzikal aktivitet social Wagner si dirigjent teatri dhe simfonik, kritik, estetik, reformator operistik, themelues i një teatri të ri në Bayreuth.
Në Austri, me centralizimin e saj politik dhe kulturor (regjimenti i hegjemonisë së Vjenës si qendër politike dhe kulturore), me iluzionet e ngulitura të patriarkatit, prosperitetit imagjinar dhe me dominimin aktual të reagimit më brutal, veprimtaria e gjerë shoqërore ishte e pamundur1. Në lidhje me këtë, kontradikta midis patosit qytetar të veprës së Beethoven-it dhe pasivitetit të detyruar shoqëror të kompozitorit të madh nuk mund të mos tërheqë vëmendjen mbi vete. Çfarë mund të themi për Schubert, i cili doli si artist në periudhën pas Kongresit të Vjenës në 1814-1815! Rrethi i famshëm i Schubert ishte e vetmja formë e mundshme për të bashkuar përfaqësuesit e përparuar të inteligjencës artistike, por një rreth i tillë në Vjenën e Metternich nuk mund të kishte një rezonancë të mirëfilltë publike. Me fjalë të tjera, në Austri kompozitorët më të mëdhenj ishin pothuajse ekskluzivisht krijues të veprave muzikore: ata nuk mund të provonin veten në fushën e veprimtarive muzikore dhe shoqërore. Kjo vlen për Schubert, dhe për Bruckner, dhe për djalin Johann Strauss dhe për disa të tjerë.
Mirëpo, në kulturën austriake duhen vënë në dukje edhe faktorë të tillë karakteristikë që ndikuan pozitivisht në artin muzikor, duke i dhënë në të njëjtën kohë një aromë veçanërisht austriake, “vjeneze”. Të përqendruar në Vjenë, në një ndërthurje të veçantë lara-larëse, elementë të kulturave gjermane, hungareze, italiane dhe sllave krijuan atë truall të pasur muzikor mbi të cilin u rrit vepra krijuese e Schubert, Johann Strauss dhe shumë kompozitorëve të tjerë, me orientim demokratik. Kombinimi i tipareve kombëtare gjermane me ato hungareze dhe sllave më vonë u bë karakteristikë e Brahms-it që u shpërngul në Vjenë.

Specifike për kulturën muzikore të Austrisë ishte shpërndarja jashtëzakonisht e gjerë e formave të ndryshme të muzikës argëtuese - serenata, kasacione, divertisme, të cilat zinin një vend të spikatur në veprën e klasikëve vjenez Haydn dhe Mozart. Në epokën e romantizmit, rëndësia e muzikës së përditshme argëtuese jo vetëm që mbeti, por edhe më shumë u intensifikua. Është e vështirë të imagjinohet, për shembull, pamja krijuese e Schubert-it pa atë rrymë popullore të përditshme që përshkon muzikën e tij dhe që shkon prapa në festat vjeneze, pikniqe, pushime në parqe, në muzikë të qetë në rrugë. Por tashmë në kohën e Schubert-it, brenda muzikës profesionale vjeneze filloi të vërehej një shtresim. Dhe nëse vetë Schubert kombinonte ende në punën e tij simfonitë dhe sonatat me vals dhe pronarë tokash, të cilat u shfaqën fjalë për fjalë në qindra1, si dhe marshime, ekosiste, poloneza, atëherë bashkëkohësit e tij Liner dhe Strauss babai e bënë muzikën e vallëzimit bazë të aktiviteteve të tyre. Më vonë, ky "polarizim" gjen shprehje në marrëdhëniet midis krijimtarisë së dy bashkëkohësve - klasikut të kërcimit dhe muzikës së operetës Johann Strauss i biri (1825-1899) dhe simfonistit Bruckner (1824-1896).
Kur krahasojmë muzikën austriake dhe gjermane të shekullit të 19-të, në mënyrë të pashmangshme lind çështja e teatrit muzikor. Në Gjermani, në epokën e romantizmit, opera, duke filluar nga Hoffmann, kishte një rëndësi të madhe si një zhanër i aftë për të shprehur më plotësisht problemet aktuale të kulturës kombëtare. Dhe nuk është rastësi që drama muzikore Wagnerad ishte një pushtim madhështor i teatrit gjerman.Në Austri përpjekjet e përsëritura të Schubert për të arritur sukses në fushën e teatrit nuk u kurorëzuan me sukses.stimujt për krijimtari serioze operistike, nuk kontribuan në krijimin të veprave teatrale të "stilit madhështor". Por shfaqjet popullore të një karakteri komedi lulëzuan - këngët e Ferdinand Raimund me muzikën e Wenzel Müller dhe Joseph Drexler, dhe më vonë - këngët vendase të I. N. Nestroy (1801- 1862) Si rezultat, jo një dramë muzikore, por opereta vjeneze që u shfaq në vitet '70, përcaktoi arritjet e teatrit muzikor austriak në shkallë evropiane.
Me gjithë këto dhe dallime të tjera në zhvillimin e muzikës austriake dhe gjermane, veçoritë e përbashkëta në artin romantik të të dy vendeve janë shumë më të dukshme. Cilat janë veçoritë specifike që e dalluan veprën e Schubert, Weber dhe pasardhësve të tyre më të afërt - Mendelssohn dhe Schumann - nga muzika romantike e vendeve të tjera evropiane?
Tekstet intime, shpirtërore, të mbuluara me mburrje, janë veçanërisht tipike për Schubert, Weber, Mendelssohn, Schumann. Muzika e tyre dominohet nga ajo melodi melodioze, thjesht vokale në origjinën e saj, e cila zakonisht lidhet me konceptin e gjermanit "Led". Ky stil është po aq karakteristik për këngët dhe shumë nga temat instrumentale melodioze të Schubert-it, ariet lirike operistike të Weber-it, Këngët pa fjalë të Mendelsonit, imazhet "Ebzebievs" të Schumann-it. Megjithatë, melodia e natyrshme në këtë stil është e ndryshme nga kantilena e operës italiane e Bellinit, si dhe nga frazat e prekura-deklamative karakteristike të romantikëve francezë (Berlioz, Menerbeer).
Krahasuar me romantizmin progresiv francez, i dalluar nga ngritja dhe efikasiteti i tij, i mbushur me patos qytetar, heroiko-revolucionar, romantizmi austriak dhe gjerman duket në tërësi më soditës, i zhytur në vetvete, subjektivisht lirik. Por forca kryesore e tij qëndron në zbulimin e botës së brendshme të një personi, në atë psikologji të thellë, që u zbulua plotësisht në muzikën austriake dhe gjermane, duke shkaktuar ndikimin e papërmbajtshëm artistik të shumë veprave muzikore. Ajo. megjithatë, ajo nuk përjashton disa shfaqje të ndritshme të heroizmit dhe patriotizmit në veprat e romantikëve të Austrisë dhe Gjermanisë. Të tilla janë simfonia e fuqishme heroike-epike në C maxhor nga Schubert dhe disa nga këngët e tij (Për shoferin Kronos, Grupi nga ferri dhe të tjera), cikli koral Lira dhe shpata nga Weber (në vargjet e poetit patriot. T. Kerner "Etudet Simfonike "Schumann, kënga e tij" Dy Grenadiers ", më në fund, faqe individuale heroike në vepra të tilla si" Simfonia Skoceze "nga Mendelssohn (apoteoza në finale), Karnaval "nga Schumann (finale, simfonia e tij e tretë ( Lëvizja e parë).Por plani heroik i Bethoven-it, titanizmi i luftës janë rilindur na bazë të re më vonë - në dramat muzikore heroike-epike të Wagner. Në fazat e para të romantizmit gjermano-austriak, një parim aktiv, aktiv shprehet shumë më shpesh në imazhe patetike, të trazuar, rebele, por jo reflektuese, si në Beethoven, një proces luftarak të qëllimshëm, fitimtar. Të tilla janë këngët e Schubert "Shelter" dhe "Atlant", imazhet Florestani të Schumann-it, uvertura e tij "Manfred", uvertura "Rune Blaz" nga Mendelssohn.

Imazhet e natyrës zënë një vend jashtëzakonisht të rëndësishëm në punën e kompozitorëve romantikë austriakë dhe gjermanë. Veçanërisht i madh është roli "empatik" i imazheve të natyrës në ciklet vokale të Schubert dhe në ciklin "Dashuria e një poeti" të Schumann. Peizazhi muzikor është zhvilluar gjerësisht në veprat simfonike të Mendelssohn; lidhet kryesisht me elementët e detit ("Simfonia skoceze", uvertura "Hebride", "Deti i qetë dhe lundrim i lumtur"). Por një tipar karakteristik gjerman i imazheve të peizazhit ishte ajo "romancë pyjore" që mishërohet aq poetikisht në hyrjet e uverturave të Ueber-it te Shigjetari Magjik dhe Oberon, në Nocturne nga muzika e Mendelssohn deri te komedia e Shekspirit "Ëndrra e natës së verës". Prej këtu, temat shtrihen në simfonitë e tilla të Bruckner-it si e katërta ("Romantike") dhe e shtata, te peizazhi simfonik "Shëshfërima e pyllit" në tetralogjinë e Wagner-it, deri te fotografia e pyllit në simfoninë e parë të Mahlerit.
Dëshira romantike për idealin në muzikën gjermano-austriake gjen një shprehje specifike, veçanërisht në temën e bredhjeve, kërkimit të lumturisë në një tokë tjetër të panjohur. Kjo u pa më qartë në veprat e Schubert-it (Endacakja, Gruaja e bukur e Millerit, Rruga e dimrit), dhe më vonë në imazhet e Wagner-it të Holandezit Fluturues, Wotan Udhëtarit, Siegfridit endacak. Kjo traditë në vitet '80 çon në ciklin e Mahlerit "Këngët e nxënësit endacak".
Theksi i madh i vendosur në imazhet e fantastikes është gjithashtu një tipar tipik kombëtar i romantizmit gjermano-austriak (ai kishte një ndikim të drejtpërdrejtë te romantiku francez Berlioz). Kjo është, së pari, fantazia e së keqes, Demonizmi, i cili e gjeti mishërimin e tij më të gjallë në "Siena në Luginën e Ujkut" nga opera e Weber "The Magic Shooter", në "Vampir" të Marschner, në kantatën "Nata Walpurgis" e Mendelssohn dhe një numër. të veprave të tjera. Së dyti, fiksioni është i lehtë, i hollë dhe poetik, i shkrirë me imazhe të bukura të natyrës, plot entuziazëm: skena në operën Oberon të Ueber-it, uvertura e Mendelsonit "Ëndrra e natës së verës" dhe më pas imazhi i Lohengrinit të Wagner-it, i dërguari i Gralit. Një vend i ndërmjetëm këtu i përket shumë imazheve të Schumann-it, ku fiksioni mishëron një fillim të mrekullueshëm, të çuditshëm, pa shumë theksim te problemi i së keqes dhe së mirës.
Në fushën e gjuhës muzikore, romantizmi austriak dhe gjerman përbënin një epokë të tërë, jashtëzakonisht të rëndësishme nga pikëpamja e evolucionit të përgjithshëm të mjeteve shprehëse të artit. Pa u ndalur në origjinalitetin e stilit të secilit kompozitor të madh veç e veç, le të vëmë re veçoritë dhe prirjet më të zakonshme.

Parimi i zbatuar gjerësisht i "këngës" - një tendencë tipike e përgjithshme në punën e kompozitorëve romantikë - shtrihet edhe në muzikën e tyre instrumentale. Ai arrin një individualizim të madh të melodisë nëpërmjet një kombinimi karakteristik të kthesave të duhura të këngës dhe deklamacionit, këndimit të themeleve, kromatizimit etj. Gjuha harmonike pasurohet: formulat tipike harmonike të klasikëve zëvendësohen nga një harmoni më fleksibël dhe më e larmishme. , roli i plugalitetit, shkallët dytësore të harmonisë rritet. Ana shumëngjyrëshe e harmonisë ka një rëndësi të madhe. Karakteristike është edhe ndërhyrja në rritje graduale e majorit dhe minorit. Pra, nga Schubert, në thelb, vjen tradita e krahasimeve me të njëjtin emër major-minor (më shpesh major pas minor), pasi kjo është bërë një teknikë e preferuar në punën e tij. Shtrirja e zbatimit të majorit harmonik po zgjerohet (veçanërisht karakteristike janë nëndominuesit e vegjël në kadenzat e veprave kryesore). Në lidhje me theksimin e individit, identifikimin e detajeve të zbehta të imazhit, ka përfitime edhe në fushën e orkestrimit (kuptimi i ngjyrosjes specifike të timbrit, rritja e rolit të instrumenteve solo, vëmendja ndaj goditjeve të reja të telit. , etj.). Por vetë orkestra në thelb nuk e ndryshon ende përbërjen e saj klasike.
Romantikët gjermanë dhe austriakë ishin në një masë më të madhe themeluesit e programit romantik (Berlioz mund të mbështetej në arritjet e tyre në Simfoninë e tij Fantastike). Dhe megjithëse programueshmëria si e tillë, duket se nuk është tipike për romanticistin austriak Schubert, përcaktoi ngopjen e pjesës së pianos së këngëve të tij me momente piktoreske, prania e elementeve të programueshmërisë së fshehur të pranishme në dramën e kompozimeve të tij kryesore instrumentale. kontributi i rëndësishëm i kompozitorit në zhvillimin e parimeve programore në muzikë. Romantikët gjermanë tashmë kanë një dëshirë të theksuar për programueshmëri si në muzikën e pianos (Ftesa e Weberit për të kërcyer, Concertstuck, Ciklet e Suitave të Schumann-it, Këngët pa fjalë nga Mendelssohn) dhe në muzikën simfonike (overturat operistike të Weber-it, uverturat e koncerteve, mbitura e Mendelsfredanit M. "nga Schumann).
Roli i romantikëve austriakë dhe gjermanë në krijimin e parimeve të reja kompozicionale është i madh. Ciklet sonatë-simfonike të klasikëve po zëvendësohen nga miniaturat instrumentale; ciklizimi i miniaturave, i zhvilluar gjallërisht në fushën e teksteve vokale nga Schubert, transferohet në muzikën instrumentale (Schumann). U shfaqën gjithashtu kompozime të mëdha njëpjesëshe, duke ndërthurur parimet e sonatës dhe ciklikitetit (fantazi piano në C maxhor nga Schubert, "Concertstuck" nga Weber, lëvizja e parë e fantazisë në C maxhor nga Schumann). Ciklet sonate-simfonike, nga ana tjetër, pësojnë ndryshime të rëndësishme në romantikët, ka Llojet e ndryshme“Sonata romantike”, “simfoni romantike”. Por megjithatë, pushtimi kryesor ishte një cilësi e re e të menduarit muzikor, e cila çoi në krijimin e miniaturave të përmbajtjes së plotë dhe fuqisë së shprehjes - ai përqendrim i veçantë i shprehjes muzikore që e bëri një këngë të vetme ose një pjesë pianoje në fokus të thellë. idetë dhe përvojat.

Në krye të romantizmit austriak dhe gjerman me zhvillim të shpejtë në gjysmën e parë të shekullit të 19-të ishin individë jo vetëm të talentuar nga gjenialiteti, por edhe të avancuar në pikëpamjet dhe aspiratat e tyre. Kjo përcaktoi rëndësinë e qëndrueshme të krijimtarisë së tyre muzikore, domethënien e saj si një "klasikë e re", e cila u bë e qartë tashmë nga fundi i shekullit, kur klasikët muzikorë të vendeve të gjuhës gjermane përfaqësoheshin, në thelb, jo vetëm nga kompozitorët e mëdhenj të shekullit të 18-të dhe Beethoven, por edhe nga romantikët e mëdhenj - Schubert, Schumann, Weber, Mendelssohn. Këta përfaqësues të shquar të romantizmit muzikor, duke respektuar thellësisht paraardhësit e tyre dhe duke zhvilluar shumë prej arritjeve të tyre, arritën në të njëjtën kohë të hapnin një botë krejtësisht të re të imazheve muzikore dhe formave të tyre kompozicionale përkatëse. Toni personal mbizotërues në punën e tyre ishte në harmoni me gjendjen shpirtërore dhe mendimet e masave demokratike. Ata pohuan në muzikë atë karakter ekspresiviteti, të cilin BV Asafiev e karakterizoi me vend si "të folur komunikues të gjallë, nga zemra në zemër" dhe që i bën Schubert dhe Schumann të lidhur me Chopin, Grieg, Tchaikovsky dhe Verdi. Asafiev shkroi për vlerën humaniste të drejtimit muzikor romantik: "Vetëdija personale nuk manifestohet në izolimin e saj të izoluar, krenar, por në një lloj pasqyrimi artistik të gjithçkaje me të cilën njerëzit jetojnë dhe çfarë i shqetëson ata gjithmonë dhe në mënyrë të pashmangshme. Në një thjeshtësi të tillë, tingëllojnë mendimet dhe mendimet pa ndryshim të bukura për jetën - përqendrimi i më të mirës që është tek një person."

Romantizmi në muzikë

Artikulli kryesor: Muzika e periudhës së romantizmit

Në muzikë, drejtimi i romantizmit u zhvillua në 1820 vite, zhvillimi i saj mori të gjitha XIX shekulli. Kompozitorët romantikë u përpoqën të shprehnin thellësinë dhe pasurinë e botës së brendshme të një personi me ndihmën e mjeteve muzikore. Muzika bëhet më e gjallë, individuale. Zhanret e këngëve po zhvillohen, duke përfshirë baladë.

Përfaqësues të romantizmit në muzikë janë: Austria - Franz Schubert; v Gjermania - Ernest Theodor Hoffmann, Karl Maria Weber,Richard Wagner, Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Ludwig Spohr; v Të Italisë - Niccolo Paganini, Vincenzo Bellini, herët Giuseppe Verdi; në Franca - G. Berlioz, D.F. Aubert, J. Meyerbeer; v Polonia - Frederic Chopin; v Hungaria - Franz List.

Në Rusi, në rrjedhën kryesore të romantizmit, ata punuan A. A. Alyabyev, M. I. Glinka, Dargomyzhsky, Balakirev, N. A. Rimsky-Korsakov, Mussorgsky,Borodin, Cui, P. I. Tchaikovsky.

Ideja e një sinteze të arteve gjeti shprehje në ideologjinë dhe praktikën e romantizmit. Romantizmi në muzikë mori formë në vitet 20 të shekullit të 19-të nën ndikimin e letërsisë së romantizmit dhe u zhvillua në lidhje të ngushtë me të, me letërsinë në përgjithësi (një thirrje për zhanret sintetike, kryesisht për operën, këngën, miniaturën instrumentale dhe programin muzikor ). Thirrja për botën e brendshme të një personi, karakteristikë e romantizmit, u shpreh në kultin e dëshirës subjektive, emocionalisht intensive, e cila përcaktoi epërsinë e muzikës dhe tekstit në romantizëm.

Muzika e gjysmës së parë të shekullit të 19-të evoluar me shpejtësi. Është shfaqur një gjuhë e re muzikore; në muzikën instrumentale dhe atë të dhomës-vokale, miniaturat zënë vend të veçantë; orkestra tingëllonte me një spektër të larmishëm ngjyrash; u zbuluan në një mënyrë të re mundësitë e pianos dhe violinës; muzika e romantikëve ishte shumë virtuoze.

Romantizmi muzikor u shfaq në shumë degë të ndryshme të lidhura me kultura të ndryshme kombëtare dhe me lëvizje të ndryshme shoqërore. Kështu, për shembull, stili intim, lirik i romantikëve gjermanë dhe patosi qytetar "oratorik" karakteristik i veprës së kompozitorëve francezë ndryshojnë ndjeshëm. Nga ana tjetër, përfaqësues të shkollave të reja kombëtare që dolën mbi bazën e një lëvizjeje të gjerë nacionalçlirimtare (Chopin, Moniuszko, Dvorak, Smetana, Grieg), si dhe përfaqësues të shkollës italiane të operës, të lidhur ngushtë me lëvizjen Risorgimento (Verdi, Bellini), në shumë mënyra ndryshojnë nga bashkëkohësit në Gjermani, Austri apo Francë, në veçanti, tendenca për të ruajtur traditat klasike.

E megjithatë, të gjitha ato karakterizohen nga disa parime të përbashkëta artistike që na lejojnë të flasim për një strukturë të vetme romantike të mendimit.

Për shkak të aftësisë së veçantë të muzikës për të shpalosur thellësisht dhe depërtuese botën e pasur të përvojës njerëzore, estetika romantike e vendos atë në vend të parë mes arteve të tjera. Shumë romantikë theksuan një fillim intuitiv të muzikës, duke i atribuar asaj aftësinë për të shprehur "të panjohurën". Veprat e kompozitorëve të shquar romantikë kishin një themel të fortë realist. Energji për jetën njerëzit e zakonshëm, plotësia e jetës dhe e vërteta e ndjenjave, mbështetja në muzikën e përditshmërisë përcaktoi realizmin e krijimtarisë së përfaqësuesve më të mirë të romantizmit muzikor. Tendencat reaksionare (misticizmi, ikja nga realiteti) janë të natyrshme vetëm në një numër relativisht të vogël të veprave të romantikëve. Ata u shfaqën pjesërisht në operën e Weber-it "Euryant" (1823), në disa nga dramat muzikore të Wagner-it, oratorin "Krishti" të Liszt-it (1862) dhe të tjera.

Nga fillimi i shekullit të 19-të, u shfaqën studime themelore të folklorit, historisë, letërsisë antike, legjendat mesjetare, arti gotik dhe kultura e Rilindjes po ringjalleshin. Pikërisht në këtë kohë u formuan shumë shkolla kombëtare të një lloji të veçantë në veprën kompozuese të Evropës, të cilat ishin të destinuara të zgjeronin ndjeshëm kufijtë e kulturës së përbashkët evropiane. Ruse, e cila shpejt zuri, nëse jo e para, atëherë një nga vendet e para në krijimtarinë kulturore botërore (Glinka, Dargomyzhsky, "Kuchkists", Tchaikovsky), polake (Chopin, Moniuszko), çeke (Smetana, Dvorak), hungareze (Listzt ), pastaj norvegjeze (Grieg), spanjisht (Pedrell), finlandeze (Sibelius), anglisht (Elgar) - të gjitha, duke u bashkuar në kanalin e përgjithshëm të krijimtarisë së kompozitorit evropian, në asnjë mënyrë nuk e kundërshtuan veten e tyre me traditat e lashta të vendosura. U shfaq një rreth i ri imazhesh, duke shprehur tiparet unike kombëtare të kulturës kombëtare të cilës i përkiste kompozitori. Struktura e intonacionit të veprës ju lejon të njihni menjëherë me vesh përkatësinë e një shkolle të caktuar kombëtare.

Kompozitorët përfshijnë shndërrimin e intonacionit të folklorit të vjetër, kryesisht fshatar të vendeve të tyre në gjuhën e përbashkët muzikore evropiane. Ata, si të thuash, pastruan këngën popullore ruse nga opera e llakuar, ata futën kthesat e këngëve të zhanreve popullore në sistemin kozmopolit të intonacionit të shekullit të 18-të. Fenomeni më i spikatur në muzikën e romantizmit, i cili perceptohet veçanërisht qartë kur krahasohet me sferën figurative të klasicizmit, është mbizotërimi i parimit lirik dhe psikologjik. Sigurisht, një tipar dallues i artit muzikor në përgjithësi është përthyerja e çdo dukurie përmes sferës së ndjenjave. Muzika e të gjitha epokave i nënshtrohet këtij modeli. Por romantikët tejkaluan të gjithë paraardhësit e tyre në kuptimin e parimit lirik në muzikën e tyre, në forcën dhe përsosmërinë në përcjelljen e thellësive të botës së brendshme të një personi, nuancat më delikate të humorit.

Tema e dashurisë zë një vend dominues në të, sepse është kjo gjendje shpirtërore që pasqyron në mënyrë më gjithëpërfshirëse dhe të plotë të gjitha thellësitë dhe nuancat e psikikës njerëzore. Por është tepër karakteristike që kjo temë nuk kufizohet vetëm në motivet e dashurisë në kuptimin e mirëfilltë të fjalës, por identifikohet me gamën më të gjerë të fenomeneve. Përjetimet thjesht lirike të heronjve shpalosen në sfondin e një panorame të gjerë historike. Dashuria e një personi për shtëpinë e tij, për atdheun e tij, për popullin e tij - një fije e vazhdueshme përshkon punën e të gjithë kompozitorëve - romantikëve.

Një vend i madh në veprat muzikore të formave të vogla dhe të mëdha i jepet imazhit të natyrës, i ndërthurur ngushtë dhe pazgjidhshmërisht me temën e rrëfimit lirik. Ashtu si imazhet e dashurisë, imazhi i natyrës personifikon gjendjen shpirtërore të heroit, aq shpesh të ngjyrosur nga një ndjenjë disharmonie me realitetin.

Tema e fantazisë shpesh konkurron me imazhet e natyrës, e cila ndoshta krijohet nga dëshira për të shpëtuar nga robëria e jetës reale. Tipike për romantikët janë kërkimi i një bote të mrekullueshme, që shkëlqen nga pasuria e ngjyrave, duke kundërshtuar përditshmërinë gri. Pikërisht në këto vite letërsia u pasurua me përralla, balada të shkrimtarëve rusë. Për kompozitorët e shkollës romantike, imazhet përrallore, fantastike fitojnë një ngjyrë unike kombëtare. Baladat janë frymëzuar nga shkrimtarët rusë dhe falë kësaj, krijohen vepra të një plani fantastik grotesk, që simbolizojnë, si të thuash, anën e dendur të besimit, duke kërkuar të thyejnë idetë e frikës nga forcat e së keqes.

Shumë kompozitorë romantikë u shfaqën edhe si shkrimtarë dhe kritikë muzikorë (Weber, Berlioz, Wagner, Liszt, etj.). Puna teorike e përfaqësuesve të romantizmit progresiv dha një kontribut shumë domethënës në zhvillimin e çështjeve më të rëndësishme të artit muzikor. Romantizmi gjeti shprehje në artin skenik (violinisti Paganini, këngëtari A. Nurri etj.).

Kuptimi progresiv i romantizmit gjatë kësaj periudhe qëndron kryesisht në veprimtaritë Franz List... Krijimtaria e Listit, pavarësisht botëkuptimit kontradiktor, ishte thelbësisht progresive, realiste. Një nga themeluesit dhe klasikët e muzikës hungareze, një artist i shquar kombëtar.

Në shumë prej veprave të Listit, temat kombëtare hungareze janë pasqyruar gjerësisht. Kompozimet romantike, virtuoze të Liszt-it zgjeruan mundësitë teknike dhe shprehëse të luajtjes në piano (koncerte, sonata). Lidhjet e Liszt me përfaqësuesit e muzikës ruse ishin domethënëse, veprat e të cilave ai i promovoi në mënyrë aktive.

Në të njëjtën kohë, Liszt luajti një rol të rëndësishëm në zhvillimin e artit muzikor botëror. Pas Listit "çdo gjë u bë e mundur për pianon". Tipare specifike muzika e tij është improvizuese, ngritje romantike e ndjenjave, melodi shprehëse. Liszt vlerësohet si kompozitor, interpretues, figurë muzikore. Veprat kryesore të kompozitorit: opera " Don Sanço ose kështjella e dashurisë"(1825), 13 poema simfonike" Tasso”, ” Prometeu”, “Hamleti“Dhe të tjera, vepra për orkestër, 2 koncerte për piano dhe orkestër, 75 romanca, kore dhe vepra të tjera jo më pak të njohura.

Një nga manifestimet e para të romantizmit në muzikë ishte krijimtaria Franz Schubert(1797-1828). Schubert hyri në historinë e muzikës si më i madhi nga themeluesit e romantizmit muzikor dhe krijuesi i një sërë zhanresh të reja: simfonia romantike, miniaturë piano, kënga liriko-romantike (romancë). Rëndësia më e madhe në punën e tij është këngë, në të cilën ai shfaqi veçanërisht shumë prirje novatore. Në këngët e Schubert, bota e brendshme e një personi zbulohet më e thellë nga të gjitha, lidhja me muzikën popullore-të përditshme është më e dukshme për të, manifestohet më qartë një nga tiparet më domethënëse të talentit të tij - shumëllojshmëria e mahnitshme, bukuria. , hijeshia e melodive. Këngët më të mira të periudhës së hershme përfshijnë " Margarita në timon rrotullues”(1814) , “Mbreti i pyllit“. Të dyja këngët janë shkruar me fjalë nga Gëte. Në të parën prej tyre, vajza e braktisur kujton të dashurin e saj. Ajo është e vetmuar dhe thellë në dhimbje, kënga e saj është e trishtuar. Melodisë së thjeshtë dhe shpirtërore i bën jehonë vetëm zhurma monotone e flladit. "Mbreti i pyllit" është një pjesë komplekse. Kjo nuk është një këngë, por një skenë dramatike, ku tre personazhe shfaqen para nesh: një baba që galopon mbi një kalë nëpër pyll, një fëmijë i sëmurë që mban me vete dhe një mbret i frikshëm pylli që i shfaqet një djali në një deliri i ethshëm. Secila prej tyre është e pajisur me gjuhën e vet melodike. Jo më pak të famshme dhe të dashura janë këngët e Schubert "Trout", "Barcarolla", "Serenata e mëngjesit". Të shkruara në vitet e mëvonshme, këto këngë dallohen nga një melodi çuditërisht e thjeshtë dhe shprehëse, ngjyra të freskëta.

Schubert gjithashtu shkroi dy cikle këngësh - " Mulliri i bukur"(1823) dhe" Rruga e dimrit”(1872) - sipas fjalëve të poetit gjerman Wilhelm Müller. Në secilën prej tyre, këngët bashkohen nga një komplot. Këngët e ciklit "Mulliri i Bukur" tregojnë për një djalë të ri. Duke ndjekur rrjedhën e përroit, ai nis një udhëtim për të kërkuar lumturinë e tij. Shumica e këngëve të këtij cikli kanë karakter të lehtë. Humori i ciklit "Rruga e dimrit" është krejtësisht ndryshe. I riu i varfër refuzohet nga nusja e pasur. I dëshpëruar, ai largohet nga vendlindja e tij dhe largohet të endet nëpër botë. Shoqëruesit e tij janë era, një stuhi, sorra ogurzezë.

Shembujt e paktë të dhënë këtu na lejojnë të flasim për veçoritë e shkrimit të këngëve të Schubert.

Schubert ishte shumë i dhënë pas shkrimit muzikë për piano... Për këtë instrument ai shkroi një numër të madh veprash. Ashtu si këngët, edhe veprat e tij në piano ishin afër muzikës së përditshme dhe po aq të thjeshta e të kuptueshme. Zhanret e preferuara të kompozimeve të tij ishin vallet, marshimet, dhe në vitet e fundit të jetës së tij - të improvizuara.

Valset dhe vallet e tjera zakonisht shfaqeshin me Schubert në ballo, në shëtitje në fshat. Aty i improvizoi dhe i regjistroi në shtëpi.

Nëse krahasoni pjesët e pianos së Schubert me këngët e tij, mund të gjeni shumë ngjashmëri. Para së gjithash, është një ekspresivitet i madh melodik, hir, ballafaqim shumëngjyrësh i madh dhe minor.

Një nga më të mëdhenjtë frëngjisht kompozitorët e gjysmës së dytë të shekullit të 19-të ishte Georges Bizet, krijuesi i një krijimi të pavdekshëm për teatrin muzikor - opera “Carmen"Dhe muzikë e mrekullueshme për dramën nga Alphonse Daudet" arlesian”.

Vepra e Bizes karakterizohet nga saktësia dhe qartësia e mendimit, risia dhe freskia e mjeteve shprehëse, plotësia dhe hiri i formës. Bizet karakterizohet nga mprehtësia e analizës psikologjike në të kuptuarit e ndjenjave dhe veprimeve njerëzore, karakteristikë e veprës së bashkatdhetarëve të mëdhenj të kompozitorit - shkrimtarëve Balzac, Flaubert, Maupassant. Vendi qendror në veprën e Bizetit, të larmishme në zhanre, i takon operës. Arti operistik i kompozitorit u ngrit në tokën kombëtare dhe u ushqye nga traditat e teatrit francez të operës. Bizet besonte se detyra e parë në veprën e tij ishte tejkalimi i kufizimeve të zhanrit që ekzistonte në operën franceze që pengojnë zhvillimin e saj. Opera "Bolshoi" i duket atij një zhanër i vdekur, lirika - acaron me lotët dhe mendjengushtësinë e saj filiste, komike meriton vëmendje më shumë se të tjerët. Për herë të parë në operën e Bizetit, në opera shfaqen përditshmëria e lëngshme dhe e gjallë dhe skenat e turmës, duke parashikuar jetën dhe skenat e gjalla.

Muzika nga Bizet në dramën e Alphonse Daudet “Arlesian“E njohur kryesisht për dy suita koncertesh, të përbëra nga numrat e saj më të mirë. Bizet përdori disa melodi autentike provansale : "Marshi i Tre Mbretërve" dhe "Vallëzimi i kuajve të egër".

Opera Bizet " Carmen“Është një dramë muzikore që shpalos para shikuesit me vërtetësi bindëse dhe me fuqi artistike të lë pa frymë historinë e dashurisë dhe vdekjes së heronjve të saj: ushtarit Jose dhe ciganes Carmen. Opera Carmen u krijua në bazë të traditave të teatrit muzikor francez, por në të njëjtën kohë solli shumë gjëra të reja. Duke u mbështetur në arritjet më të mira të operës kombëtare dhe duke reformuar elementët më të rëndësishëm të saj, Bizet krijoi një zhanër të ri - dramën muzikore realiste.

Në historinë e teatrit të operës së shekullit të 19-të, opera "Carmen" zë një nga vendet e para. Që nga viti 1876, procesioni i saj triumfal fillon në skenat e shtëpive të operës në Vjenë, Bruksel, Londër.

Shfaqja e një marrëdhënieje personale me mjedisin u shpreh te poetët dhe muzikantët kryesisht në spontanitetin, "hapjen" emocionale dhe pasionin e deklaratës, në dëshirën për të bindur dëgjuesin me ndihmën e intensitetit të pandërprerë të tonit të rrëfimit ose. rrëfim.

Këto tendenca të reja në art patën një ndikim vendimtar në pamjen e jashtme opera lirike... Ajo u ngrit si antitezë e operës “big” dhe komike, por nuk mund të anashkalonte pushtimet dhe arritjet e tyre në fushën e dramës operistike dhe mjeteve shprehëse muzikore.

Një tipar dallues i zhanrit të ri të operës është interpretimi lirik i çdo komploti letrar - mbi një temë historike, filozofike ose bashkëkohore. Heronjtë e operës lirike janë të pajisur me tipare të njerëzve të zakonshëm, pa ekskluzivitetin dhe disa ekzagjerime karakteristike të një opere romantike. Artisti më domethënës në fushën e operës lirike ishte Charles Gounod.

Ndër trashëgiminë mjaft të madhe të operës së Gounod, opera " Faust" zë një vend të veçantë dhe, mund të thuhet, i jashtëzakonshëm. Fama dhe popullariteti i saj mbarëbotëror është i pakrahasueshëm me asnjë nga operat e tjera të Gounod. Rëndësia historike e operës Faust është veçanërisht e madhe, sepse ajo ishte jo vetëm më e mira, por në thelb e para ndër operat e regjisë së re, për të cilën Çajkovski shkroi: "Është e pamundur të mohohet se Fausti është shkruar, nëse jo shkëlqyeshëm. pastaj me aftësi të jashtëzakonshme dhe pa identitet domethënës”. Në imazhin e Faustit, zbuten kontradiktat akute dhe "dualiteti" i vetëdijes së tij, pakënaqësia e përjetshme e shkaktuar nga dëshira për të njohur botën. Gounod nuk ishte në gjendje të përcillte gjithë shkathtësinë dhe kompleksitetin e imazhit të Mefistofelit të Goethe-s, i cili mishëronte frymën e kritikës militante të asaj epoke.

Një nga arsyet kryesore të popullaritetit të "Faust" ishte se ai përqendronte tiparet më të mira dhe thelbësisht të reja të zhanrit të ri të operës lirike: një transmetim emocionalisht i drejtpërdrejtë dhe i ndritshëm individual i botës së brendshme të heronjve të operës. Kuptimi i thellë filozofik i "Faustit" nga Goethe, i cili kërkoi të zbulonte fatet historike dhe shoqërore të gjithë njerëzimit në shembullin e konfliktit të personazheve kryesore, u mishërua nga Gounod në formën e një drame lirike humane të Marguerite dhe Faust. .

Kompozitor, dirigjent, kritik muzikor francez Hektor Berlioz hyri në historinë e muzikës si kompozitor i madh romantik, krijues i një simfonie programore, novator në fushën e formës muzikore, harmonisë dhe veçanërisht instrumentacionit. Në veprën e tij, ata gjetën një mishërim të gjallë të tipareve të patosit dhe heroizmit revolucionar. Berlioz ishte i njohur me M. Glinka, muzikën e së cilës e vlerësonte shumë. Ai ishte në marrëdhënie miqësore me drejtuesit e "Grushtit të Fuqishëm", të cilët i pranuan me entuziazëm veprat dhe parimet e tij krijuese.

Ai krijoi 5 vepra skenike muzikore, duke përfshirë operën " Benvenuto Cillini”(1838), “ Trojans”,”Beatrice dhe Benedikti”(Bazuar në komedinë e Shekspirit “Shumë zhurmë për asgjë”, 1862); 23 vepra vokale dhe simfonike, 31 romanca, kore, ai shkroi librat "Traktati i madh mbi instrumentet dhe orkestrimin modern" (1844), "Mbrëmjet në orkestër" (1853), "Nëpër këngë" (1862), "Kuriozitete muzikore". ” ( 1859), “Kujtime” (1870), artikuj, recensione.

gjermanisht kompozitor, dirigjent, dramaturg, publicist Richard Wagner hyri në historinë e kulturës muzikore botërore si një nga krijuesit më të mëdhenj muzikorë dhe reformatorët kryesorë të artit operistik. Qëllimi i reformave të tij ishte krijimi i një vepre monumentale programore vokale dhe simfonike në një formë dramatike, e krijuar për të zëvendësuar të gjitha llojet e muzikës operistike dhe simfonike. Një vepër e tillë ishte një dramë muzikore, në të cilën muzika rrjedh në një rrjedhë të vazhdueshme, duke bashkuar së bashku të gjitha hallkat dramatike. Pasi braktisi këngën e përfunduar, Wagner i zëvendësoi ato me një lloj recitati të pasur emocionalisht. Një vend të rëndësishëm në operat e Wagner-it zënë episodet e pavarura orkestrale, të cilat janë një kontribut i çmuar në muzikën simfonike botërore.

Dora e Wagner zotëron 13 opera: Holandezi fluturues "(1843)," Tannhäuser "(1845)," Tristan dhe Isolde "(1865)," Ari i Rhine "(1869) dhe etj.; kore, pjesë për piano, romanca.

Një tjetër kompozitor, dirigjent, pianist, mësues, figurë muzikore e shquar gjermane ishte Felix Mendelssohn-Bartholdy... Në moshën 9-vjeçare ai filloi të performojë si pianist, në moshën 17-vjeçare krijoi një nga kryeveprat - uverturën e komedisë " Ëndrra e një nate vere " Shekspiri. Në vitin 1843 themeloi konservatorin e parë në Gjermani në Lajpcig. Në veprën e Mendelssohn, "një klasik midis romantikëve", tiparet romantike kombinohen me strukturën klasike të të menduarit. Muzika e tij karakterizohet nga melodia e ndritur, demokratizmi i shprehjes, moderimi i ndjenjave, qetësia e mendimit, mbizotërimi i emocioneve të ndezura, disponimi lirik, jo pa një prekje të lehtë sentimentalizmi, patëmetë e formave dhe aftësi e shkëlqyer. R. Schumann e quajti atë "Mozart i shekullit të 19-të", G. Heine - "një mrekulli muzikore".

Autor i simfonive romantike peizazhore ("skoceze", "italiane"), uvertura programore koncertesh, koncerti popullor për violinë, cikle pjesësh për piano "Këngë pa fjalë"; opera "Dasma e Camacho." Ai shkroi muzikë për shfaqjen dramatike "Antigona" (1841), "Edipi në Colon" (1845) nga Sofokliu, "Atalia" nga Racine (1845), "Ëndrra e një nate vere" nga Shekspiri (1843). ) dhe të tjerët; oratorios "Paul" (1836), "Elija" (1846); 2 koncerte për piano dhe 2 për violinë.

Vitaliane kultura muzikore një vend të veçantë i takon Giuseppe-sVerdi- një kompozitor, dirigjent, organist i shquar. Fusha kryesore e punës së Verdit është opera. Veproi kryesisht si shprehës i ndjenjave heroike-patriotike dhe i ideve nacionalçlirimtare të popullit italian. Në vitet në vijim, ai i kushtoi vëmendje konflikteve dramatike të krijuara nga pabarazia sociale, dhuna, shtypja, denoncoi të keqen në operat e tij. Tiparet karakteristike të veprës së Verdit: kombësia e muzikës, temperamenti dramatik, shkëlqimi melodik, kuptimi i ligjeve të skenës.

Ai shkroi 26 opera: Nabucco "," Macbeth "," Troubadour "," La Traviata "," Othello "," Aida" dhe etj . , 20 romanca, ansamble vokale .

I ri norvegjeze kompozitor Edvard Grieg (1843-1907) u përpoq për të zhvilluar muzikën kombëtare. Kjo u shpreh jo vetëm në punën e tij, por edhe në promovimin e muzikës norvegjeze.

Gjatë viteve të tij në Kopenhagë, Grieg shkroi shumë muzikë: Piktura poetike " dhe "Humoresque" sonata për piano dhe sonata e parë për violinë, këngë. Me çdo vepër të re, imazhi i Grieg si kompozitor norvegjez bëhet më i qartë. Në lirikën delikate "Pikturat poetike" (1863), veçoritë kombëtare ende depërtojnë me druajtje. Figura ritmike gjendet shpesh në muzikën popullore norvegjeze; u bë karakteristikë e shumë melodive të Griegut.

Puna e Grieg është e gjerë dhe e shumëanshme. Grieg shkroi vepra të zhanreve të ndryshme. Koncerti dhe balada për piano, tre sonata për violinë dhe piano dhe një sonatë për violonçel dhe piano, kuarteti dëshmon për dëshirën e vazhdueshme të Grieg për formën e madhe. Në të njëjtën kohë, interesi i kompozitorit për miniaturat instrumentale mbeti i pandryshuar. Në të njëjtën masë si piano, kompozitori u tërhoq nga miniaturë vokale e dhomës - një romancë, një këngë. Mos jini kryesori për Grieg, zona e krijimtarisë simfonike shënohet nga kryevepra të tilla si suitat " Per Gounod”, “Nga koha e Holbergut“. Një nga llojet karakteristike të punës së Grieg është përpunimi i këngëve dhe valleve popullore: në formën e pjesëve të thjeshta të pianos, një cikël suite për piano me katër duar.

Gjuha muzikore e Grieg është e veçantë. Individualiteti i stilit të kompozitorit përcaktohet mbi të gjitha nga lidhja e tij e thellë me muzikën popullore norvegjeze. Grieg përdor gjerësisht veçoritë e zhanrit, strukturën e intonacionit, formulat ritmike të këngëve popullore dhe melodive të vallëzimit.

Mjeshtëria e shquar e variacionit dhe e zhvillimit variant të melodisë, karakteristikë e Grieg, i ka rrënjët në traditat popullore të përsëritjes së përsëritur të melodisë me ndryshimet e saj. “Kam regjistruar muzikën popullore të vendit tim”. Pas këtyre fjalëve qëndron qëndrimi nderues i Grieg ndaj artit popullor dhe njohja e rolit të tij vendimtar për krijimtarinë e tij.

romantizmi, dhe në fund realisti i fuqishëm ... pasoi. II. Romantizmi në pikturën ruse Romantizmi në Rusi ishte ndryshe ...