Vene lakid. Kunstilised lakid Kunstilised lakid eskiis

Vene kunstilised lakid on üks tähelepanuväärseid nähtusi Venemaa kunstilises käsitöös.

RSFSR-i territooriumil on kõige kuulsamad kuus kunstiliste lakkide tootmise keskust: Fedoskino, Palekh, Mstera, Kholuy - miniatuursete maalidega tooted ja Zhostovo, Nižni Tagil - lakitud kandikud maaliga.

Euroopas said idamaised kunstilised lakid tuntuks 16. sajandil. XVII-XVIII sajandil. Itaalia, Prantsusmaa, Inglismaa ja Saksamaa arendavad oma lakitoodete tootmist. Venemaal sai lakkmaalikunst alguse 18. sajandil. Seega tegid kogu Peeter I maapalee “lakikapi” kaunistamise tööd vene “lakitööliste” meistrid. Alates 18. sajandist Meieni on jõudnud värvitud lakitud karbid ja vitriinkapid. 18. sajandi teisel poolel. Venemaal (Nižni Tagil) ilmub metallile lakkmaal.

18. sajandi lõpus. Külas tekib kunstiliste lakkide käsitöö. Moskva lähedal Danilkovo, mis hiljem ühines naaberkülaga Fedoskinoga. Fedoskino käsitöö rajajaks oli kaupmees P. I. Korobov, kes legendi järgi tõi 1796. aastal Saksamaalt Brunswicki linnast mitu käsitöölist, kes teadsid papier-mâché nuusktubakaste valmistamise tehnoloogiat ja nende värvimise meetodeid ning asutati Taanis Lkova väike tehas papier-mâché toodete tootmiseks. Välismaalaste kogemused omandasid ja arendasid peagi kohalikud käsitöömeistrid. Aastatel 1818-1819 Tehas läks Korobovi väimehele P.V.Lukutinile. Tema ja tema poja A. P. Lukutini käe all 19. sajandi 30-60. aastatel, kui lakkide tootmine kõikjal Lääne-Euroopas lakkas, saavutasid Venemaa lakid ülemaailmse kuulsuse ning neid autasustati korduvalt rahvusvahelistel näitustel ja messidel aukirjade ja medalitega.

Papier-mâché valmistamiseks kasutatakse tavalist pappi, mille kitsad ribad on kaetud jahu või tärklisepastaga, keritud mitme kihina (8 või enama) tulevase karbi kujulistele spetsiaalsetele toorikutele, pressitakse ja kuivatatakse 2–3 päevadel. Seejärel immutatakse toorikud linaseemneõliga ja kõvastatakse 12 päeva spetsiaalsetes kuivatuskappides. Valmis papier-mâché omandab puidule iseloomuliku tumepruuni värvi ja tugevuse. Sellest valmistatud tooted krunditakse 3 kihina (spetsiaalse koostisega kruntvärvidega), iga kiht kuivatatakse ja lihvitakse eraldi ning kaetakse kahe kihi musta lakiga. Toote sisepind värvitakse tavaliselt punase värviga (cinnabar), mille peale kantakse kaks kihti heledat õlilakki. Lukutini toodete vormitäius ja viimistlustehniline kvaliteet olid nii kõrged, et asjad olid ilusad ja elegantsed juba enne, kui maalri käsi neid puudutas. Kunstnik kaunistab toote peeneima värvilise miniatuurmaaliga (veidi puhastatud pinnal). Maal on kaetud mitme kihi värvitu lakiga ja poleeritud peegelläikeks. Miniatuurvärvimise kõrval kasutatakse muid lihtsamaid kaunistusviise: "tartan" (Šoti kangamustri imitatsioon), "kilpkonn" (kilpkonnaluu muster), filigraan (metallelementide muster märjal lakil). Teist Fedoskino toodete kaunistamise tehnikat nimetatakse "ringluseks"; see seisneb selles, et kuivale mustale lakile graveeritakse õhukese metallilehe (hõbe, vasknikkel või tina) voodrile kiirtekujuline muster.

Fedoskina miniaturistid maalivad õlivärvidega. Nad töötasid välja oma eritehnikad: "tihedalt kirjutamine" ja "läbi kirjutamine". Nad värvivad tihedalt õlis pleegitatud kruntvärvile kolmes või neljas kihis ning iga värvimiskiht (“värvimine”, “ümbervärvimine”, “glasuur”, “esiletõstmine”) kuivatatakse ja kaetakse läbipaistva lakiga: selline multi- kihiline kirjutamine annab Fedoskino maalile sügavuse ja värviküllastuse. Miniatuursed portreed luuakse peamiselt tiheda kirjaga.

Otsast lõpuni kirjutamine toimub läbipaistvate glasuurvärvide abil lehtkullale, pärlmutterile või alumiiniumipulbrile. Samal ajal näivad värvid mitmevärviliste tuledega seestpoolt helendavat. Eriti õilsad värviefektid toodab pärlmutrist vooder, millele maalides tekivad õrnad värvitoonid, mis suudavad edasi anda päikesekiire sära ja mererohelise varjundeid.

Lukuta tehase kaubavalik oli tavatult lai - albumitaldrikud, kirjutusplokid, maiustuste karbid, “tee- ja tubakatrummid”, “tünnid”, pärlmutter- ja papiermašeest mansetinööbid, nõelakastid, hoiupõrsad, salvrätirõngad, prilliklaasid, sigaretihoidjad, kandikud, pulbrikompaktid, pliiatsitopsid, sigaretikarbid, nuusktubakakarbid jne.

Fedoskino meistritel olid oma lemmikteemad, peamiselt stseenid rahvaelust. Kasutades näidistena litografeeritud jooniseid ja graveeringuid ning hilisemaid moodsa molbertimaali töid, töötasid fedoskiniidid originaale oluliselt ümber, allutades pildilise kujutise kompositsiooni ja värvingu kogu asja kunstilisele kujundusele, võttes arvesse selle kuju ja kujundust.

Originaalide loomingulise lähenemise näide on kuulus Fedoskino “Troikas” (vt värv sh 18). Need põhinevad kunstnik A. O. Orlovski ("Tsaari kuller", "Postitroika") ja teiste kunstnike litografeeritud joonistustel. Miniaturistid, jättes litograafiate või maalide üldkompositsiooni, tegid iga kord muudatusi tegelaste kujundites ja maastiku tõlgenduses.

19. sajandi keskel. Tekkimas on Fedoskino kunsti visuaalse keele peamised iseloomulikud jooned. Fedoskinode maal on realistlik. Inimeste, loomade ja taimede kujutised säilitavad kujundite, värvide ja mahu tegelikud proportsioonid. Usaldusväärsus looduse kujutamisel ühendati maalikunsti allutamisega teema üldkunstilise lahenduse dekoratiivsetele ülesannetele, mis nõudis teatud konventsiooni.

1904. aastal, pärast viimase Lukutini surma, tehas suleti, kuid selle baasil 1910. aastal organiseeris rühm endisi Lukutini meistreid Fedoskino maalikunstnike artelli. Seega ei katkenud vene lakkide miniatuuride kunstitraditsioon. Pärast Oktoobrirevolutsiooni võitu Fedoskino miniatuur

sai edasiarenduse. Paljud Fedoskino miniaturistid lõpetavad lootmise teiste inimeste originaalidele ja loovad oma teoseid. Esimesed katsed selliseks iseseisvaks loovuseks viidi läbi 30ndatel aastatel A. A. Kruglikov, I. S. Semenov ja teised käsitöölised.

Pärast Suure Isamaasõja lõppu, kui noored kunstnikud sõjaväest naasid, jätkati loomingulisi otsinguid.

50-70ndatel töötasid kalanduses andekad käsitöölised. Üks Fedoskini juhtivaid miniaturiste on RSFSRi austatud kunstnik, RSFSRi riikliku preemia laureaat. I. E. Repin M. S. Chizhov, luues originaalseid miniatuurseid kunstiteoseid kolhoosielu teemadel: "Venemaa talvepuhkus Fedoskinos" (6.1), "Kollektiviseerimine". RSFSRi austatud kunstnik M. G. Pashinin on miniatuursete portreede, igapäevaelu ja muinasjutužanrite meister: “A. S. Puškin Neeval", "Tants", "Kivilill", "Lumeneitsi" (6.2).

Suure panuse kaasaegsesse Fedoskino kunsti andsid RSFSRi austatud kunstniku, RSFSRi riikliku preemia laureaadi maastikuminiatuurid. I. E. Repina I. I. Strakhova. Tema tööd on pühendatud ümbritsevale loodusele – pehmete rohtunud kallastega jõgedele, puitsildadele, maalaste figuuridega. Meisterlikult läbi ja lõhki kirjutamise tehnikat valdades ühendab kunstnik oskuslikult värvide värvi hõbeda ja kulla värviga. Strahhovi teosed on sügavalt lüürilised. Neis peitub kuldse sügise võlu, hommikuse metsa värskus, mida valgustavad kuldsed päikesekiired, uduse päeva pehme kurbus. Kunstnik jättis asja tervikuna meelde, jälgides, et tema kompositsioonid oleksid oma põhielementide üldsuse ja silueti poolest kooskõlas eseme kuju ja põhitausta - musta lakiga. Tema tuntuimad teosed on “Park Boldino linnas”, “Fedoskino” (vt värv sh 19), “Maastik sillaga”.

Käsitöö juhtivate kunstnike seas kuulub aukoht RSFSRi austatud kunstnikule B. D. Lipitskyle. Paljudest tema töödest on saanud Fedoskino miniatuuride kunsti klassikalised näited. Ta lõi V. I. Leninist ja tema kaaslastest portreesid. Samal ajal on V. D. Lipitsky loomingulisteks saavutusteks järgmised tööd: “Tants”, “Kask”, “Scarlet Flower” (6.3).

Karbile valminud miniatuuris “Scarlet Flower” õnnestus kunstnikul luua vene tüdruku kuvand, mis oli täis võlu ja lüürikat. Tema pilk on suunatud kuldsele laialehelisele põõsale, millelt muinasjutuline õis ära korjati. Muinasjutuline maastik, mille taustal tegevus kulgeb, on edukalt kujundatud. Jättes puude vahele mustad kanalid, luues seeläbi joonise kauni silueti, lahendab Lipitsky samaaegselt miniatuuri ühendamise probleemi musta lakiga kaetud karbiga. Meie ees on rahvapärase dekoratiivkunsti teos, mis ühendab miniatuurse maali eseme kuju ja igapäevase otstarbega.

Fedoskini traditsioone arendavad RSFSR austatud kunstnikud G. I. Larišev, Yu. V. Karapaev, kunstnikud P. N. Puchkov, A. A. Tolstov, V. D. Antonov jt. Nad pühendavad oma miniatuure kaasaegsele ehitusele, maalivad portreesid Nõukogude poliitilistest tegelastest ja silmapaistvatest esindajatest. vene kultuurist, luua ajaloolistel ja muinasjutulistel teemadel põhinevaid miniatuure. Moskva piirkonna lüüriline maastik võtab nende loomingus suure koha.

Fedoskino Aumärgi ordeni miniatuurimaali tehases töötab säravates töökodades umbes kakssada maalikunstnikku, seal on kunstikutsekool ja miniatuurimaali muuseum.

Nõukogude võimu aastatel tekkis ja arenes Ivanovo oblastis Palekhis ja Vladimiri oblastis Mstera külas kolm uut papjeemašee miniatuurse maalimise keskust. ja Kholui, Ivanovo piirkond. Enne revolutsiooni eksisteeris neis külades ikoonimaal. Pärast oktoobrikuist võitu hakkasid endised ikoonimaalijad otsima uusi võimalusi oma loomingulise potentsiaali kasutamiseks. Toetudes iidse vene maalikunsti algupärastele kunstitraditsioonidele, mida kohalikud maalijad on läbi sajandite kandnud, tuli ajaga kaasas käia, luua põhimõtteliselt uus kunst, mis vastaks uut ühiskonda ülesehitavate inimeste huvidele. See oli väga raske ülesanne -

ühendada endised ikoonimaalijad ühises töös uue sotsialistliku kultuuri loomisel. Kunstiajaloolased A. V. Bakušinski, G. V. Zhidkov, V. M. Vasilenko võtsid käsitöö tekkimise alguses suure osa Palekhi, Mstera, Kholui saatuses. G.V. Yalovenko, M.A. Nekrasova ja teised töötasid selle kalapüügiga palju.

Esimene uue kunsti keskus oli Palekh. Ikoonimaali traditsioonid selles külas ulatuvad 16.-17. sajandisse. Paleshanlaste parimaid ikonograafilisi töid iseloomustas narratiivne iseloom, enamasti olid nende teoste tegelased kujutatud tegevuses. Kunstnikud maalisid hoolikalt välja üksikud spetsiifilised detailid pühakuid ümbritsevast keskkonnast, näidates seeläbi huvi igapäevaelu, päriselu vastu. Nende ikoonidel näeme pilte uhketest muinasjutulistest paleedest, tornidest, nikerdatud külamajadest, rikkalikest elegantsetest riietest, kõikvõimalikest külariistadest, alati ilusatest ja kvaliteetsetest – kõike, mis väljendab talupoja ideaali jõukast ja õnnelikust elust. . Paleshanlaste töid paistis silma kujundite eriline plastilisus ja ornamentide ilu, mis väljendas meistri soovi muuta asi oma sisemises meeleolus rõõmsaks ja elujaatavaks.

Palekhi ikoonimaalijad jäid talupoegadeks ja põllumeesteks. Oma käsitööga tegeleti peamiselt talvel, põllutöödest vabana. See side maaga, talurahvaga jättis nende loomingusse erilise jälje ja aitas leida uue tee oma kunsti arengus.

20. aastate alguses tegid paleeslased mitmeid katseid iidse vene maalitraditsiooni kasutamiseks puitesemete maalimisel. Tähelepanuväärne palehi kunstnik I. I. Golikov oli esimene, kes kasutas tempot miniatuurmaal.

musta lakiga kaetud papier-mâché karbid, mis on valmistatud Fedoskino toodete mudeli järgi. Nii sündis uus, palehhi käsitöö miniatuurne lakkmaal. 1924. aastal loodi Palekhi iidse maalikunsti artell, mis hiljem muudeti RSFSRi kunstifondi Palekhi filiaali kunsti- ja tootmistöökodadeks.

Erinevalt fedoskinodest, kes maalivad oma miniatuure õlivärvidega, töötavad paleshanid temperaga, maalides jahvatatud munakollasele. Seda värvi lahjendatakse veega, nii et sellega värvimine ehitatakse reeglina väga õhukestele kihtidele, mis kantakse üksteisele järjestikku. Samal ajal võimaldab tempera värvikompositsiooni paksu konsistentsiga töötada löökide ja impasto-löökide meetodil (nagu pastell- või õlimaal).

Krundi asemel kasutavad maalrid paksu temperavalget, mida nad kannavad lakitoodete pinnale ainult nendes kohtades, kus värvimine on ette nähtud. Mujal on must lakk värvimisvaba pind. Nii toimub juba kruntimise käigus figuuride, maastiku- ja arhitektuurivormide mahtude esialgne läbitöötamine. Taustaks Palekhi maalimisel jääb alati musta lakiga pind, maalimisest vaba. Kirjutamise esimene etapp on "avamine". Kunstnik joonistab pintslilt värvi valades sõna otseses mõttes välja pildi põhivormid. Värvid, flokeerivad, moodustavad pehmeid värvi üleminekuid ja nüansse, mis sageli säilivad maalimise lõpuni.

Järgmine on "registreerimine". Selles etapis selgitatakse välja peamised värvitoonid ja täpsustatakse pildi kujundeid. Õhukese pintsli ja tumeda värvi abil visandab kunstnik kujundeid, rõivavolte ning maastiku ja arhitektuuri detaile. Figuuride ja esemete mahud määratakse heledate ja tumedate värvidega.

Seejärel tulevad "ujukid" või "pritsmed", st laiad jooned vedelate puhaste värvidega, mis tõstavad miniatuuri värvistruktuuri ja annavad sellele teatud koloristliku terviklikkuse.

Maal lõppeb “heledusega”, mille tekitab loodud kuld: kuldsed jooned, jooned ja täpid annavad siin edasi päikesevalguse muinasjutulist mängu objektidel.

Miniatuursed maalid on tavaliselt raamitud kuldsete kaunistustega. Karpide küljed on samuti kaunistatud ornamentaalsete mustritega.

Valmis maal kaetakse kuue kihi heleda õlilakiga, mille järel toote pind lihvitakse ja poleeritakse meile juba tuntud meetoditega.

Musta tausta sügavusest esile kerkivate erksate värvide helisev puhtus, sära ja ornamentide kuldsed kontuurid, miniatuurse kirja virtuoossus – kõik see muudab Palekhi meistrite tööd ehtekunsti teostele lähedaseks. “Külaakadeemia” Palekh asub põldude ja metsade vahel, linnakärast kaugel, kuid loominguline elu voolab siin intensiivses rütmis. Siin ilmus esmakordselt nõukogude kujutavas kunstis "Punase kündja" (6.4) kujutis, mis sümboliseerib küla uut elu. Palekhi kunsti iseloomustab erutatud romantism revolutsiooniliste lahingute kujutamisel, kaasaegsest reaalsusest lähtuvate teemade ja süžee tõlgendamisel. Samal ajal hõivavad paleshanide loomingus suure koha muinasjutud, eeposed ja vene rahva ajalugu. Nende miniatuurides eksisteerivad reaalne ja fantastiline kapriisselt kõrvuti: tõelised inimesed, majad, puud, rohi eksisteerivad siin koos tavapäraste „liumägede“, „kambrite“, „puude“ ja muinasjutuliste lillepuudega.

Palekhi miniatuuri asutajad olid RSFSRi austatud kunstnikud I. I. Golikov, I. M. Bakanov, RSFSRi rahvakunstnikud I. V. Markitšev, A. V. Kotukhin, I. P. Vakurov, N. M. Zinovjev, NSVL rahvakunstnik N. M. Zinovjev, samuti kunstnikud I. I. D. A. ja teised. Neist igaühe looming on särav lehekülg Palekhi minimaalikunstis. I. I. Golikov arendas oma teostes “Lahing”, “Jaht”, “Troika” välja romantilise joone. "Kunstnik peab oma maalil näitama pöörist, mis pühib minema vana," ütles ta. Iseloomulik on selles osas üks tema esimesi töid - miniatuurne “Lahing” (vt värvilisa 20). Tundub, et selles tulises lahingus läks kõik segamini, kuid sellegipoolest on miniatuuri kompositsioon ülimalt selge, täpne ja loogiline. See on ehitatud ringikujuliselt: karbi lakikaane äärtes paiknevad heledates riietes ja läikivates raudrüüs kasvatavad sõdalased tormavad ühe kiire impulsiga keskuse poole. Nende liikumise rütmi rõhutavad ristatud kullatud odad, mis viitavad kahele vastandlikule jõule. Töö emotsionaalsele intensiivsusele aitab oluliselt kaasa traditsiooniline Palekhi musta lakiga taust, mis on teravalt kontrastis ereda värvide “mässuga”.

Tähelepanuväärsed on ka tema Stepan Razinile pühendatud teosed, illustratsioonid "Igori kampaania jutule" jne. I. I. Golikovi romantilisusele vastandub A. V. Kotukhini monumentaalne eepilisus, kes lõi peamiselt muinasjutu- ja igapäevateemalisi teoseid. Tema teoseid “Tsaar Saltani lugu” (6.5), “Tulilind”, “Traktori remont” jt iseloomustab eriline jutustamislaad, kunstnik näib jutustavat meelelahutuslikku lugu. “Tsaar Saltani jutu” jaoks ei kasuta Kotukhin mitte ainult kasti ülemist kaant, vaid ka selle külgi. Kaane keskne miniatuur koosneb kolmest osast. Keskel on muinasjutu lõpp: tsaar Saltani kohtumine prints Guidoniga. Siis aga näidatakse vähendatud piltidel sellele eelnev: prints Guidon nägi läbi teleskoobi oma isa lähenevaid laevu, kellade helin teatab tsaar Saltani saabumist saarele. Kunstnik mahutab osavalt kasti pinnale suure hulga miniatuuril kujutatud tegelasi ja sündmusi eri aegadest. Esiplaanil olev ruumipilt muutub sujuvalt servade suunas tasapinnaliseks kujutiseks.

Miniatuurse maalikunsti eepiline struktuur on omane ka I. M. Bakanovile (“Lugu kuldsest kukest”, 6.6).

I. I. Zubkov on maamaastiku meister, joonistab poeetiliselt kohalikku loodust oma kasesalude ja roheliste põldudega. I. P. Vakurovi teosed on täis sümboolikat. Tema “Petrel” (6.7) sümboliseerib Suurt Sotsialistlikku Oktoobrirevolutsiooni. Kunstnik kujutas märatsevaid laineid, eredat kuldset välku, “löömas” vana Venemaa laeva, millele vastandub orjuse ahelaid murdev punane töömees. "Ma tahan maalida nii," ütles kunstnik, "et meri keeb koos taevaga, nii et mägesid viskab torm." 30ndate suur kunstisündmus oli Palekh N. M. Zinovjevi silmapaistva kunstniku loomine 11 objektist koosneva kirjutusvahendi maalimiseks teemal “Maa ajalugu”. Praegu töötab Palekhis üle 400 kunstniku. Paljud neist on NSV Liidu Kunstnike Liidu liikmed. N. I. Golikov, B. M. Ermolaev, A. A. Kotukhina, G. M. Melnikov pälvisid RSFSRi rahvakunstniku tiitli; R. L. Belousov, A. V. Borunov, A. V. Kovaljov, A. D. Kochupalov, B. N. Kukuliev, K. V. Kukulieva, P. F. Chalunin on RSFSRi austatud kunstnikud. N. M. Zinovjev, T. I. Zubkova, N. I. Golikov, A. A. Kotukhina - nime saanud RSFSRi riikliku preemia laureaadid. I. E. Repin. Palekhis on kunstimuuseum.

1932. aastal korraldati Vene maalikunsti iidses keskuses Msteras uus miniatuurse maalikunsti artell “Roletaarne kunst”. Mstera oli minevikus (alates 18. sajandist) kuulus oma "antiiksete kirjade", st iidsete ikoonide jäljendamise ja restauraatorite poolest. Msteras leidus ka Sebjakini ikoone, mis valmistati kaanoneid rangelt järgimata. Nendel ikoonidel kujutati pühakuid tavaliselt karjade, rändurite ja loomadega maastiku taustal. Just "Sebjakini kirjad" hõlbustasid oluliselt Mstera meistrite loomingulisi otsinguid pärast Suurt Sotsialistlikku Oktoobrirevolutsiooni. Sarnaselt Palekhi kunstnikele kasutavad Mstera maalijad papier-maché lakinõude maalimiseks temperavärve: karbid, karbid, puusärgid, nõelakastid, helmekarbid jne. Kuid erinevalt Palekhi miniaturistidest asetavad Mstera kunstnikud oma tegelaskujud ühe tausta taustale. maaliline maastik, mis on alati hoolikalt kujundatud ja valmistatud õrnas toonivahemikus. Mstera miniatuure iseloomustab kujundite ja mahtude modelleerimine värviga. Tegevus toimub reeglina Kesk-Venemaa (enamasti kohaliku) maastiku taustal või muinasjutuliste mägede või tavapärase arhitektuuriansambli taustal. Miniatuure ääristab tavaliselt loodud kullast ažuurne riba.

Mstera maalide teemad on mitmekesised: vene muinasjuttude teemad, aga ka vene klassikaline kirjandus, eeposed ja laulud, kodumaa kangelaslik ja revolutsiooniline minevik, nõukogude inimeste uus eluviis, dekoratiivkompositsioonid: kas muinasjutulised mägisel fantastilisel maastikul hirve taga ajavad ratsanikud või kuldses turvises vene sõdalased võitlevad võõraste hordidega iidsete Venemaa linnade müüride ääres, siis meie kaasaegsed töötavad põldudel ja tehastes.

Mstera elanike ammendamatuks inspiratsiooniallikaks on ümbritsev loodus. Laevatatava Klyazma liivased käänakud, lamminiidud lugematute ojade ja ummikjärvedega, saja-aastased jalakad Msterka jõe ääres, Mstera mäe otsa pesemine, kauged külad - kõik see kajastub Mstera miniatuuris, kuid peegeldub üldistatud kujul: plaanid lähenevad üksteisele, haruldased võimsad puud moodustavad lagendike ümber stseene, kus tegutsevad miniatuursed kangelased. Mstera miniatuuri rajaja oli vanameister N. P. Klykov. Kunstikriitik V. M. Vasilenko meenutuste kohaselt näitas Klõkov kord A. V. Bakušinskile “Sebjakini” ikooni, mis kujutas ebatavaliselt elaval moel maastikku karjaga. See oli populaarne trükis, mis teostati ikonograafilisel viisil. Klykovi miniatuurides sai peamiseks asjaks maastik. Tammed, männid, kased, ojad, küngastevahelistes orgudes asuvad järvekesed moodustavad erilise atraktiivse maailma. Klõkovi taevas on alati väga kõrge ja selge, sellel paistavad selgelt välja mustrilised puude võrad, mis seisavad hõredalt, üksteist takistamata. Oma kompositsiooni poolest koosnevad Klykovi miniatuurid mitmest stseenist, mis üksteist täiendavad. Näib, et tal on vaatajaga vahetu ja intiimne vestlus (“Viljakorjamine”, “Pärast piiksu”, “Äike” (6.8), “Ragimine” jne). Vanema põlvkonna meistrite hulka kuuluvad: A. F. Kotyagin ("Tähendamissõna kahest mehest", "Soomlane ja Ruslan"), A. Y. Bryagin ("Hirvede jaht", "Bakhchisarai purskkaev"), RSFSRi rahvakunstnik I. A. Fomitšev ("Kasakate vabamehed" ”, “Mikula Seljaninovitš”), RSFSRi austatud kunstnik I. N. Morozov (“Lahing”, “A. S. Puškini lood”). Nende autorite tööde koloriit on kerge, puhas ja läbipaistev. Värvilahenduses domineerivad mitmed juhtivad toonid: soe või külm. Erilise hoole ja virtuoossusega töötavad nad detailide kallal - lehestik, rõivamustrid jne. Mstera vanema põlvkonna miniaturistide seas on eriline koht RSFSRi rahvakunstnikul E. V. Jurinil - ületamatu dekoratiivkompositsioonide meister, kunstiteoste autor. palju lillekimpe ja natüürmorte, mis on kaunistatud kuldsete löökidega ja raamitud õhukese kuldornamendiga (vt värv sh 21).

60ndatel kasvas Msteras üles uus põlvkond meistreid, kes tuginesid iidse vene maalikunsti parimatele traditsioonidele, iidsetele miniatuuridele ja populaarsetele graafikatele. Nad loovad kümneid uusi töid, mida iseloomustab kõrgendatud dekoratiivsus, värvilahenduse originaalsus ja ilmekas siluett. Selle põlvkonna juhtivad meistrid on RSFSRi rahvakunstnik N. I. Šišakov ja RSFSRi austatud kunstnik L. A. Fomitšev. Šišakov mõistab maalimiseks mõeldud kaane pinda kui tasapinda, millel kujutis koosneb üksikutest elementidest, nagu märgid ikoonil. Samas väldib ta selgeid piire paljude pildiosade vahel, saavutades maalilt mulje ühtsuse. Nii on miniatuurses “Emas” lendlehtedega stseen viidud jaamahoonest väljapoole, mis andis kunstnikule võimaluse näidata üheaegselt nii streiki kui ka sandarmite ratsapatrulli.

L. A. Fomitšev hakkas oma teostes rakendama mõningaid iidsete vene raamatuminiatuuride põhimõtteid. See väljendub kunstiliste vahendite rõhutatud lakoonilisuses: kujutatud esemeid näidatakse lähivaates, inimeste figuurid omandavad ilmeka süžee, lugu on täiendatud sümboolsete detailide ja detailidega. Näiteks miniatuuris “Igori põgenemine” (vt värv sh 22) on sümboolne päike, mis valgustab näoga Igori teed ja saadab seljaga ööpimeduse Polovtsi laagrisse. Konchaki telgi kuum kinaver rõhutab khaani ohjeldamatut viha ning jõe siniste ojade taga asuva maastiku heledat tooni tajutakse kui tervitust tema sünnimaale.

Tänapäevaste Mstera maalimeistrite loomingus põimub julge uuenduslikkus kõige mitmekesisema sisu edasiandmisel mineviku kunstikultuuri traditsioonidega. Praegu töötab Mstera kunstivabrikus “Proletarian Art” umbes 200 miniaturisti. Paljud neist on NSV Liidu Kunstnike Liidu liikmed. N. I. Šišakov, L. A. Fomitšev - nime saanud RSFSRi riikliku preemia laureaadid. I. E, Re

pina. NSV Liidu Kunstnike Liidu noorliikmed on andekad meistrid P.I.Sosnin,V.F.Nekosov,V.K.Moshkovich,V.N.Molodkin jt.Msteras on kunstimuuseum ja kunstikutsekool.

Kholui on lakitööstustest noorim. Varem erines Kholuy kunst Palekhist ja Msterast oma valdavalt rahvalike, peaaegu odavate populaarsete ikoonide poolest, mida levitati talurahva seas. Kholuy kunstnikud pööravad oma töödes suurt tähelepanu dekoratiivsele ja tõlgendatud maastikule ning erinevalt Msteretsidest on kõik kompositsioonide detailid lahendatud terviklikumalt. Kholuy teoste kujutised on materiaalsemad ja konkreetselt pildilised. Kholuy miniatuuri asutajad olid kolm meistrit: S. A. Mokin, V. D. Puzanov-Molev ja K. V. Kosterin. Mokinit iseloomustab rõhutatud patoossus valitud teemade ja süžee tõlgendamisel (“Vürst Igor”, “Stepan Razini kutse” jne), mis väljendus mitmefiguuriliste kompositsioonide dünaamilises struktuuris, aktiivses tegevuses. kujutatavatest tegelastest, temperamentses kirjaviisis. Puzanov-Molev äratas tähelepanu oma kujundite erilise eepilisusega (“Prohvetlik Oleg”, “Boriss Godunov ja püha narr”, 6.9) ja folkloori spontaansusega (“Sadko” jt); Kosterin - teravalt poolgraafiliselt kaasaegsete teemade kuvamisel (“NSVL kaitsejõud”, “Puhkus kolhoosis” jne). Need kunstnikud koolitasid välja hulga andekaid õpilasi - RSFSR austatud kunstnikke V. A. Belov, N. I. Baburin, B. I. Kiselev, N. N. Denisov, kunstnikud B. V. Tikhonravov, V. I. Fomin ja teised.

Kholuy kunstiliste lakkide miniatuuride tehases töötab praegu üle 100 maalikunstniku. V. A. Belov ja N. N. Denisov pälvisid Lenini ordeni, N. I. Baburin - aumärgi ordeni, N. I. Baburin ja B. I. Kiselev - RSFSR riikliku preemia laureaadid. I. E. Repin.

Lakikunsti teine ​​liin – maalimine lakitud raudalustele – ilmus esmakordselt Venemaal 18. sajandi keskel. Nižni Tagilis Demidovite Uurali tehastes. Kaevandamisega seotud ametite (metalli-, pronksi-, plekksepa-, plekksepa-, neetimis-, laeka-) hulgast ilmus ka lakkimis- ja maalikunst, mis tegi koostööd sepatöö ja neetimisega mitmesuguste lakitoodete, peamiselt kandikute valmistamisel.

Uuralite lakiäri esiisaks kutsutakse pärisorja A. S. Khudoyarov, kes leiutas “kristall-” laki, mis “ei pragune raual, vasel ja puidul üldse”.

Lakikunst Uurali kandikutel arenes kahes suunas: tolleaegsele molbertimaalile lähedane piltmaal (18. saj. lõpp - 19. saj I veerand) ja lillemaal, mis sarnaneb Siberi ja Uurali maaliga rinnale, kasetoha lattidele, kaartele. , pöörlevad rattad ja muud esemed . See teist tüüpi Uurali maalikunst saavutas erilise arengu 19. sajandi keskel.

Kandikupiltide maalimisel kasutasid Tagili kunstnikud kolmekihilise õlimaali tehnikat tihedale halli padjandile kantud punakaspruunile krundile (krundi ja padjandi koostis on teadmata). Piltide teemadeks olid ajaloolised teemad, allegooriad ja romantilised maastikud. Maale raamisid peenelt teostatud (šabloonide abil) kuldornamendi triibud. Ka kandikute kõrged küljed olid kaunistatud ornamentidega (sageli lõigati külgedele geomeetriline muster).

Maal kaeti läbipaistva klaasitaolise “kristall-” lakiga, mille aluseks arvatakse olevat kanepiõli. Kandikuid-pilte ostsid peamiselt väikeaadlikud. Uurali piirkonnas valmistatud “tavalised” lillealused olid kaupmeeste ja linnafilistide seas väga nõutud.

Selliste kandikute valmistamise tehnoloogia oli järgmine. Seppmeister (sepp) lõikas raualehest välja tulevaste kandikute kujundid, valis need välja kuus korraga, kinnitas virna sulgudega ja lõi viiekilose haamriga välja (“tõmbas välja”) kandikute tööala malmvormil. Pärast seda murdis ta aluse “serva” (serva) kokku ja lõikas külgedele käepidemetele augud.

Lakkija kattis aluse kuivatusõliga ja asetas kuuma ahju “siniseks”. Seda protsessi korrati mitu korda. Aluste must värv on küpsetatud kuivatusõli värv.

Parimat tüüpi kandikute jaoks kasutati musta lakki (tundmatu koostisega).

Seejärel kanti kandikute tööalale värviline muld: punane (punane plii, harvem kinaver), roheline (riivitud malahhiit) või sinine (riivitud kapsarull).

Maalitud taustale “maalisid” Uurali käsitöönaised-maalijad lillekimpe ühe sammuga. Selle olemus seisnes selles, et suure pehme oravapintsliga, mis oli küllastunud mingi värviga (segatud valgega), tehti ümar "värisev" tõmme, mis tekitas mulje lõpetatud lillest, kuid väga üldistatud kujul. Samamoodi kujutati ka lehti. Seejärel viimistleti õisi ja lehti valgendavate kriipsudega (“tõmmetega”) ja mustade joonte-tõmmetega. “Ankur” oli siin elastselt väänlev viinamarja või päti kõõlussarnasus, mis on kalligraafilise oskusega musta värviga maalitud. Maal kinnitati “kristalllaki” kihiga.

Uurali toodete värvide kujundlik struktuur oli mõnevõrra tavapärane ja vapustav. Uurali maali suurenenud dekoratiivsuse määrasid suuresti erksavärvilised taustad. Uurali maalikunsti visuaalseid võtteid iseloomustab teatav lamedus ja graafilisus lillede, lehtede ja murukõõluste tõlgendamisel ning kontrastsed värvikombinatsioonid: punane, sinine, roheline, must. Niinimetatud “poolpintsliga kirjutamine” toob Uurali salve maali lähemale portselanile kirjutamisele. Uurali maali kompositsioonistruktuuri iseloomustab kimbu allutamine objektile maali ja kandiku tööala mastaabisuhtes (Uurali meistrid jätsid suured alad laki taustal maalimisest vabaks), eriline kimbu ažuursus ja selle väike elementide koormus. Uurali lillemaal on "kursiivne" selle täies tähenduses; see viiakse läbi kahe või kolme etapina.

30ndatel asendati Uurali traditsiooniline maal “Moskva” kimpudega, see tähendab Zhostovi kunsti imitatsiooniga.

Praegu töötab Nižni Tagili tehase Em al posuda lakitsehhis üle 50 naismaalija.

Viimastel aastatel on tehtud tööd Uurali pintslimaali kunstitraditsioonide taastamiseks - vajalik tingimus käsitöö edasiseks edukaks arenguks (vt värv sh 23).

Zhostovo kandiku käsitöö tekkimist seostatakse küla põliselanike Vishnyakovide perekonna ettevõtlustegevusega. Zhostovo, Troitsk volost, Moskva kubermang (praegu Mytishchi rajoon, Moskva oblast). Siin korraldati 1825. aastal Moskvast kodumaale saabunud O. F. Višnjakovi algatusel töökoda miniatuurse maaliga lakitud papjeemašee esemete valmistamiseks, sarnaselt naaberettevõttele Lukutinsky. Koos nuusktubakakarpide, teekannide ja muude asjadega, mis peaaegu täpselt kordasid Lukutini tehase esemete sortimenti, hakati Višnjakovi töökojas, aga ka teistes piirkonna töökodades tootma lakitud raudaluseid teema- ja lillemaalingutega, mis hiljem määrasid. Zhostovo käsitöö olemus.

Kandikutel kujutati peamiseks motiiviks helmestega sarnase kunstilise kujundusega kimbud, maalid Moskva tehaste portselanile, Ivanovo tsintsid, Pavlovski suurrätikud ja Kurski lillevaibad. Žostovo kimp on mõjutatud ka Uurali Siberi rahvapärasest lillemaalist kastidel, ketrusratastel, teisipäeval ja kandikutel. Oma mõju avaldasid ka 19. sajandi keskpaiga Peterburi lakitud kandikute rafineeritud “aristokraatlikud lilled”. Kõik see murdus Zhostovo meistrite mõtetes ja muudeti loominguliselt lillemotiivideks, mis olid oma kujundistruktuurilt originaalsed, täis sümboolikat ja sisemist jõudu.

Zhostovo kandikute valmistamise tehnoloogia taandub järgmisele: rauast lehed “lõigatakse” vajaliku suurusega toorikuteks, seejärel lõigatakse neist välja mitmesugused kandiku kujundid: “Siberi” - analoogselt ristkülikukujuliste Uurali kandikutega; ovaalne, ümmargune, "tiivuline" (karmide, laineliste servadega), "gooti" (teravate, noolekujuliste servadega) jne. Järgmisena löödi plaatides välja salve tööala (nüüd on see pressi abil välja pigistada). Ettevalmistatud kandik on "servaga", see tähendab, et selle servad painutatakse rulliks ja lähevad krundi kätesse. Esmalt katavad nad kandiku mõlemalt poolt kahe kihina pahtliga (kriit kuivatusõliga) (iga kiht kuivatamise ja lihvimisega), seejärel paksu musta pahtliga (kaoliini, Hollandi tahma ja õli segu). Edasi tulevad veel kaks kihti sama koostisega, kuid vedelama konsistentsiga pahtlit. Pärast kuivamist lihvitakse iga kiht pimsskiviga. Krunditud alus värvitakse musta värviga ja alles seejärel kaetakse kahe kihi musta õlilakiga.

Kandik satub Zhostovo maalrite kätte pärast kruntimist ja kerget lihvimist ideaalselt sileda, kergelt mati pinnaga.

Zhostovos maalivad nad õlivärvidega, mida on rikkalikult lahjendatud linaseemneõli ja tärpentiniga. Sellised värvid "voolavad" kergesti oravapintslist, võimaldades teil teha pika elastse löögi.

Värvimise esimest etappi nimetatakse "värvimiseks", teist - "sirgendamiseks".

Värvimisel kasutage laia pintslit, et visandada kimbu siluett salve tööalale. Värvimine toimub tavaliselt ilma eelneva joonistamiseta tihedate, mõnevõrra valgendatud värvidega paralleelselt mitmel alusel (Zhostovo kunstnik maalib tavaliselt viis kuni kümme alust päevas, kordamata neist ühelgi). Töötades pöörab kunstnik kandikut pidevalt põlve peal, asetades soovitud osa kandiku tööpinnast pintsli alla.

Samas jälgib ta tekkivate lillesiluettide (roosid, topeltmoonid, tulbid, karikakrad jne) ilu ja väljendusrikkust ning omistab neile plastiliselt ja elastselt mahlakad varred, painduvad oksad, mille otstes on pungad. Igal kandikul lahendab kunstnik justkui uuesti kompositsioonilisi ja plastilisi probleeme kimpude kujutamisel ning selles põnevas, inspireeritud improvisatsioonis peitub Zhostovo meistrite loominguline mõte, muutes nende kunsti elavaks ja ainulaadseks.

Kuivanud, varjutatud maal kaetakse („värskendatakse“) õliga, misjärel teostab kunstnik kiiresti ja enesekindlalt „sirgendamise“, mis jaguneb mitmeks iseseisvaks tehnikaks: „varjutamine“, „ladumine“, „esiletõstmine“. ”, “joonistus.” tezhku”, “seemnete istutamine” ja “sidumine”.

Tugevad, mahlased varjutõmbed tehakse laia lameda pintsliga, kasutades puhtaid glasuurvärve: sinine (Preisi sinine või ultramariin), roheline (smaragdroheline) ja punane (kraplak). Toon suurendab lillede ja lehtede heledate alade värvilisust ning samal ajal varjutab (paksu värvikihina) mõnda kimbu vorme, sulandudes need peaaegu kokku musta lakitaustaga.

“Langutamisel” kasutatakse kogu tihedate kehavärvide paletti - siin määratakse lillede ja lehtede mahud; pimestamine täiendab tihendit peegeldustega - valguse jäljed kimbul; Joonistus lõpetab põhiliste õievormide jaotuse peenikeste joontega, joonistades õitele kroonlehtede piirjooned ja lehtedesse sooned. Kunstnikud kujutavad lilletopsides tolmukaid ja püstleid – see on seemnete külvamine. Ja lõpuks lõpetab maali lips ehk neutraalse rohelise või pruuni värviga lillede ja lehtede vahedesse loodud muru.

Koos traditsioonilise musta taustaga kasutab Zhostovo teisi värve - punast, sinist, rohelist. Sel juhul kaetakse värvimiseks mõeldud kandiku ala õhukese heleda lakikihiga, millele puistatakse alumiinium- või pronksipulbrit. Pärast metalliseeritud tausta kuivatamist värvitakse kandik soovitud värvi glasuurvärvidega (mida tihedam on värv, seda sügavam ja üllasem on taustavärv, mis kergelt sädeleb sisemise säraga).

Värvilahendus määrab loomulikult nii lillemotiivide valiku kimpudes kui ka maali koloristliku struktuuri. See mõjutab ka mõnede kirjutamistehnikate olemust: varjutamine peaks sel juhul olema ettevaatlikum - pintsel ei saa olla nii aktiivne kui mustal taustal maalimisel, kuna värviline taust pehmendab maali kontraste; helk muutub vähem teravaks, kuna suureneb kohalike toonide tähtsus maalil ja lillevormide silueti roll värvilisel taustal.

Lisaks mitmekihilisele kirjutamisele kasutab Zhostovo ka nn “lehtkuldset kirja”. Sel juhul värvitakse lakiga Gulfarba (valge värvi ja laki segu). Seejärel kantakse kergelt kuivanud lakimaalile lehtkuldlehed või puistatakse peale alumiinium- või pronksipulbrit. Kimbu särav siluett on esile tõstetud heliseva varjundiga ning kaunistatud detailselt (löökidega või joontega) mustade ja pruunide värvidega. Lehtkuldmaal on tavapärasem, graafilise iseloomuga kui mitmekihiline pildimaal.

Kandiku küljed on tavaliselt kaunistatud ažuursete kaunistustega - “muru”, “kalasaba”, “harjaga kalasaba” jne. Ornament värvitakse oravapintslitega Gulfarba lakiga ja puistatakse üle pronksipulbriga.

Valminud maal kaetakse kolme kihiga heleda õlilakiga, iga kiht kuivatades ja puhastades (pimsskiviga kasutades jämedat villast lappi). Kandikud poleeritakse pehmele lapile kantud poleerimispastaga ning lakile antakse käsitsi peeneks jahvatatud kriidiga “peegelläige”.

Žostovo lillede kandikutel maalimise traditsioone töötasid nõukogude ajal välja I. S. Leontiev, A. I. Leznov (värv sh 24), D. S. ja N. S. Kledov, M. R. Mitrofanov, RSFSR austatud kunstnik A. P. Gogin (6.10) ja teised meistrid. Praegu töötab Zhostovos üle 150 maalikunstniku. Nende hulgas on silmapaistvad P. I. Plakhov (kogenud kunstnik, kes annab noortele edasi kogemusi ja teadmisi Fedoskino kunstikutsekooli Zhostovo osakonnas), RSFSRi austatud kunstnikud N. P. Antipov, Z. A. Kledova (Leontyeva), B. V. Grafov, N. N. Mazhaev, M. P. Saveljev, kunstnikud E. P. Lapšin

Klassikaline Zhostovo kimp on alati täiuslikult kokku pandud, selle vormid on üksteisega harmooniliselt kooskõlastatud nii mõõtkavas kui ka värvitoonis. Kompositsioon on kinnine ja täis sisemist liikumist - õied, varred, lehed tunduvad kergest tuulest kõikuma. Maal on ideaalselt ühendatud eseme pinnaga. Zhostovo kunstnikud kirjeldavad oma töödes hoolikalt iga õiekuju, iga kroonlehte, iga punga, kuid ei vii neid illusoorsuseni. Zhostovo kimp on reljeefne, kuid selle vormid ulatuvad vaid veidi üle lakitausta ja on sama kergelt sellesse mattunud.

Suurt huvi pakub pärlmutrist inkrustatsioonile maalimine, mis oleks justkui sulatatud kandikute tihedasse pinnasesse – lillemotiivid omandavad sel juhul kõige õrnemad, sädelevamad värvitoonid.

Iga. Individuaalse loomingulise leiu Zhostovo dekoratiivmaalitehases töötab improvisatsiooni käigus välja kogu ettevõtte meeskond ja see on juba võti Zhostovo kunsti edukaks arenguks tulevikus.

Enamikul kunstnikest pole õrna aimugi, millal, miks või kuidas maali lakkida. Proovime neile küsimustele vastata.
Kui see on akvarell, on loomulik katta joonis kaitseks klaasiga. Akvarellvärvid pole ju midagi muud kui puhas pigment, millele on lisatud väga vähe sideainet ja seetõttu tuleb värvikihti kaitsta.
Õli- ja akrüülvärvid sisaldavad linaseemneõli või polümeerakrüülemulsiooni, mis annavad pigmendile täiendava kaitse. Kuid see ei tähenda, et täiendavat kaitset pole vaja. Mõelge, et õli- või akrüültööle kantud lakikiht on sama, mis klaas akvarellile. Lapitud maali, nagu ka klaasi, saab pühkida ja puhastada ilma tööd kahjustamata.
Aja jooksul võib iga maal tumeneda: selle pinnale koguneb tolm, rasvad ja erinevad atmosfääris hõljuvad saasteained. Kui selline mustus on kleepunud kaitsmata värvikihile, võib selle eemaldamine kahjustada pilti ennast, eriti õhukesi glasuurikihte. Lakikihti saab perioodiliselt puhastada ja isegi eemaldada, kui töösse kaasatakse professionaalne restauraator. See eemaldab kogu kogunenud mustuse ja samal ajal näeb pilt välja, nagu oleks see täna maalitud. Üldtunnustatud seisukoht on, et akrüüliga maalitud tööd ei vaja lakkimist. Tegelikult on akrüülvaik lahustite suhtes tundlikum kui õlivärvi kuiv kiht. Akrüülkiht on elektrostaatiline ja keskmisel temperatuuril muutub see pehmemaks, mis muudab selle ideaalseks pinnaks õhus hõljuvatele saasteainetele.
Järeldus viitab iseenesest: iga kunstiteos, mis on mõnda aega atmosfääriga kokku puutunud, kogub kindlasti oma pinnale mustust ja vajab puhastamist. Ja parem on lakikiht puhastada või välja vahetada, kui töö ise ohtu seada.
Veel üks oluline punkt, mida tasub mainida, on see, et mõnikord meeldib kunstnikele kasutada tugevalt lahjendatud akrüül- ja õlivärve.
Samal ajal lahjendades sideainet - linaseemneõli või akrüülvaiku, sellisel määral, et pigment jääb praktiliselt kaitsmata. Sellise pildi kadreerimisel ei saa te ilma klaasita hakkama.

Kaks tüüpi lakki

Algselt kasutati õli ja temperaga maalitud tööde jaoks looduslike looduslike vaigudega lakke, näiteks dammara ja tilguti. Neid kasutatakse endiselt õliga töötamisel, kuid need ei sobi akrüüli jaoks, kuna neile sobivad lahustid, näiteks tärpentin, on akrüülvärvidele kahjulikud.
Seevastu akrüüllahustel põhinevaid sünteetilisi lakke saab kasutada nii akrüül- kui ka õlivärvidega maalitud maalide jaoks. Need on valmistatud mineraalpiirituses lahustatud akrüülvaigust. Eeldatakse, et need lakid ei muutu aja jooksul kollaseks, samas kui loodusliku vaigu lakid kipuvad aastate jooksul omandama merevaiguvärvi.
Kuidas maalile lakki kanda: pihustada või värviga sarnaselt kanda?
Põhiargument pihustamise kasuks: võimalus kanda väga õhukesi ühtlaseid kihte, et hiljem saaks lakki üsna lihtsalt eemaldada. Vastuargument: toksilisus. Lakki tuleks pihustada hästi ventileeritavas kohas ja alati kasutada respiraatorit.
Pintsliga pealekandmiseks kasutage spetsiaalset väga laia kvaliteetset pintslit. Lakk kantakse peale õhukese ühtlase kihina, seejärel eemaldatakse pintsliga ettevaatlikult “ülejääk” ja kiht tasandatakse.
Läikiv või matt lakk. Valik sõltub eelkõige soovitud visuaalsest efektist. Matt lakk pole midagi muud kui läikiv lakk, millele on lisatud pisikesi läbipaistmatuid osakesi, mis valgust murdvad. Nende osakeste lisamine ei mõjuta mingil moel selle muid omadusi. Kvaliteetsest akrüüllahusest valmistatud lakk võib olla kas matt või läikiv.
Neid saab segada üksteisega mis tahes vahekorras. Enamasti on optimaalseks seguks 4 kuni 6 osa läikivat lakki ja üks osa matti.

Värvimiseks laki valimine võib muutuda algajale kunstnikule tõeliseks peavaluks, samas kui kogenud kunstnik teab juba täpselt, millist toodet tal vaja on.

Poodi jõudes riskib algaja maalikunstnik osta midagi, mis pole see, mida ta tahtis, nii et kõigepealt peate selgelt määratlema laki otstarbe.

Milleks on lakid?

Laki värvimise põhieesmärk on katta juba tehtud tööd. Selleks mõeldud lakid on nn kattes . Kui kunstniku eesmärk on katet tugevdada või värvimassi lahjendada, samuti anda kattekihile läbipaistvus, siis ta vajab sideaine või vedeldamine lakk

Varem valmistati lakke peamiselt looduslikest vaikudest, kuid aja jooksul asendati see materjal sünteetiliste materjalidega, mis võimaldas valmistada palju lakke universaalne kasutuses.

Küsimus, kas kasutada sünteetilist või naturaalset lakki, sõltub kunstniku isiklikest eelistustest, kuid tuleb meeles pidada, et allergikud ei tohiks sünteetiliste materjalide (näiteks akrüül) suitsu sisse hingata.

Huvitav: mõned spetsialistid ei usalda tootjaid ja teevad lakke ise, kuid selleks peavad teil olema kõik vajalikud materjalid ja teatud oskuste tase, et lakk ei kahjustaks maali.

Õhuke lakikiht loob kaitsekile, mis mitte ainult ei hoia ära välistegurite kahjulikku mõju, vaid muudab ka värvid sügavamaks, heledamaks ning väikesed detailid selgemaks ja tekstuursemaks.

Näiteks on igaüks meist näinud värvide pleekimist päikesekiirte (täpsemalt ultraviolettkiirguse) mõjul erinevatel kandjatel (tänavabännerid, paber, papp, kangas). Sama võib juhtuda ka joonistusega. Suurt rolli mängib ka õhuniiskus: kui see on kõrge, võib värv lõuendilt lihtsalt maha pudeneda, madalal aga praguneda ja mureneda. See kehtib eriti paksu paksu kihina kantud õlivärvide kohta.

Pildikunstiteosed on vastuvõtlikud ka temperatuurimuutustele, tolmu settimisele ning kokkupuutele vedelike ja gaasidega.

Värvile lisatuna suurendavad lakid selle tugevust ja elastsust, võivad suurendada värvi sügavust ja intensiivsust ning anda kattekihile läbipaistvust ja klaaskatte efekti.

Värvimiseks kasutatavate lakkide tüübid

Kaasaegsete lakkide hulgas on: dammar, akrüül-pistaatsia, pistaatsia ja akrüül-stüreen. Valikus on ka retušeerimislakk, fiksaatorlakk ja kuuselakk.

Dammarny lakk on kõige levinum. Selle eelised hõlmavad madalat hinda ja võimalust kaitsta maali päikesevalguse eest. Kuid aja jooksul muutub see lakk kollaseks, mistõttu ei ole soovitatav seda kasutada külmade värvidega maalide jaoks.

Ideaalne neile akrüül-pistaatsia lakk Seda iseloomustab katte läbipaistvus ja elastsus, see ei muutu aja jooksul häguseks, kuid on palju kallim ja ei ole nii laialt levinud.

Pistaatsia Lakk sai oma nime tänu peamisele koostisosale - pistaatsiavaigule. See praktiliselt ei erine eelmisest lakitüübist, kuid on müügil veelgi vähem levinud.

Akrüül-stüreen lakk on tunnistatud kõige tõhusamaks. Lisaks sellele, et see loob õhukese läbipaistva katte, mis ei muuda värvi ega kollast, on sellel head veekindlad omadused.

Kõik need lakid annavad sära, nii et kui maal on eredas valguses, on põhjust eelistada matte lakke. Nende omadused ei erine läikivatest, välja arvatud see, et nad ei suuda suurendada värvi sügavust ja küllastust.

Laki valimisel pöörake tähelepanu tootmiskuupäevale ja aegumiskuupäevale. Enamiku toodete puhul ei ületa see kuus kuud ja mõne lakki puhul mitte rohkem kui kolm kuud.

Kui lakk on aegunud, kleepub see ka pärast kuivamist, tõmmates ligi tolmu ja mustuse ning võib suure niiskusega kokku puutudes pehmeneda.

Retušeerimislakid ei tohiks segi ajada katetega, kuna nende tööpõhimõte on vastupidine: neid kasutatakse värvikihi lahustamiseks, et kuivanud maaliga edasi töötada. Seda kantakse soovitud alale enne töö alustamist. Pärast kuivamist kantakse lakk uuesti tööalale. Retušeerimislakk, lahustades veidi pealmist kuivanud värvikihti, tugevdab uue kihi nakkumist. See pakub "kaitset" kokkutõmbumise eest.

Näpunäide: vanade meistrite lihtne ja tõhus meetod – küüslaugupea ära lõikamine – asendab suurepäraselt retušeerimislaki.

Lakifiksaator kasutatakse jooniste kinnitamiseks pliiatsi, söe, pastelliga jne. Pärast kuivamist moodustab see kile, mis võimaldab teil pildilt tolmu eemaldada. Lisaks füüsilisele "kaitsele" võimaldab see lakk säilitada värvi rikkust.

Kuuse lakk sarnane dammariga, see tähendab, et see on samuti valmistatud vaikudest. Vähem levinud, kuna tavaliselt kasutatakse dammar lakki ehk “tee” (vedeldaja, laki ja linaseemneõli segu).

Lakitootjad

Lakitootjate seas on kõige kuulsam ettevõte SONNET. Selle tootja lakid ei ole kallid, kuid samas on neil hea funktsionaalsus, kuid neid on raske peale kanda, seega sobivad ideaalselt kogenud kunstnikele.

Lakk sobib rohkem algajatele REVEES . Hinnalt on see identne SONNET , kuid kantakse peale palju lihtsamini ja loob ühtlase katte.

Kallim ja vastupidavam variant on Prantsuse tootja toode Lefranc Kollakas . See säilitab teie töö ilu veel paljudeks aastateks.

Vene lakkmaal on maailma kunstikultuuri ainulaadne nähtus. Olles omaks võtnud sajandite jooksul kogunenud lääne ja ida lakikunsti saavutused, rikastas ta seda ainulaadse rahvusliku kogemuse ja originaalsusega ning laiendas tema kujutlusmaailma ulatust.

Vene lakkmaal on maailma kunstikultuuri ainulaadne nähtus. Olles omaks võtnud sajandite jooksul kogunenud lääne ja ida lakikunsti saavutused, rikastas ta seda ainulaadse rahvusliku kogemuse ja originaalsusega ning laiendas tema kujutlusmaailma ulatust. Lakiga miniatuursete maalidega tooted lakkasid tänu vene käsitööliste kõrgele oskusele omamast puhtalt utilitaarset eesmärki, neist said kunstiteosed, millel oli mitmesuguseid teemasid, teemasid ja pilte. Laki miniatuurid pole mitte ainult kontsentreeritud rõõm ja silmailu, vaid ka toit vaimule ja lohutus hingele. Neid on mugav kaasas kanda, nad ei koorma omanikku oma suurusega ja on interjööris õrnad, ei hävita suurte vormide, masside ja värvide stiili.

Lakkmaalikunst sai alguse mitu tuhat aastat tagasi Hiinas. Iidsete haudade väljakaevamiste käigus avastati Shan Yini ajastust (1766–1122 eKr) pärit lakinõud. Lakki kasutati majapidamistarvete, nõude ja tseremoonianõude, hoburakmete, vibude ja noolte katmiseks ning vankrite kaunistamiseks. Nad kirjutasid lakkide nagu tindiga ja kasutasid neid toodete pinna kaitsmiseks ja dekoratiivsetel eesmärkidel.

Hiinast levis lakikunst Koreasse, Jaapanisse, Indohiinasse, Indiasse ja Pärsiasse. Lakkide valmistamise meetodid määras suuresti nendes piirkondades lakkide olemasolu (Hiinas “qi-shu”, Jaapanis “urushi-no-ki”, Vietnamis “kei-shon”). Iga riik arendas lakitehnoloogiat omal moel, laenates midagi naabritelt, täiustades nende kogemusi ja tutvustades oma. Hiina lakkidega tutvunud jaapanlased ületasid neid, eriti maalides kulla- ja hõbedapulbrit kasutades “makie” ja “nashiji” tehnikaid.

Iraanis kasutasid nad spetsiaalset lakki, mille komponent oli sandarak - Põhja-Aafrika okaspuu lõhnav vaik, mille kvaliteet on Hiina ja Jaapani lakkidest madalam. Indias, kus lakikunst on tuntud juba 15.-16. sajandil, valmistati lakki linaseemnetest ja kummist.

Idamaised lakid eristuvad tehnoloogia kõrgeima taseme ja kultuuri poolest. Lakkkate jääb pärast kuivamist kõvaks ja elastseks, ei reageeri kuumale veele, on lõhnatu ja on vastupidav bioloogilisele hävimisele. Lakk on odav, hügieeniline ning seda saab värvida, vormida, voolida ja lõigata. Lakki võib kanda igale pinnale, tasasele või vormitud, puidule, paberile, kangale, nahale, metallile, kivile.

Ebatavaliste toodete ilust vaimustuses lõid Euroopa käsitöölised 17. sajandil töökojad, kus toota "nagu Hiina" maalidega tooteid. Kuid Euroopa lakkide valmistamise tehnoloogia erineb oluliselt idamaade omast, peegeldades mitte ainult lähtematerjalide, vaid ka kliimatingimuste, traditsioonide ja elustiili erinevusi.

Belgian Spa peetakse Euroopa lakkide sünnikohaks. Siinne lakitootmine sai kiiresti juhtivaks pudukaubatööstuseks. Õmbluskomplektide karbid, bonbonnieres, nuusktubakas, prillitoos, sigaretikarbid, tee- ja maitseainekarbid, pulbrikarbid, ehtekarbid, tualetikomplektid – kõik see oli valmistatud pöögipuust. Tooted olid puhkajate seas väga populaarsed kuulsas Euroopa kuurordis - Ardeni vetes. Spasski lakikunst saavutas haripunkti 18. sajandil, mil kohalikud kunstnikud ühinesid eriliseks gildiks.

1726. aastal rajas Bourboni krahv Condé manufaktuuri Chantillysse. See eksisteeris kuni 1789. aasta revolutsioonini. Vennad Martinid tõid Prantsuse lakkidele erilise kuulsuse. Nad leiutasid retsepti, mis täiustas Sansibari kopali lakki, töödeldes seda tärpentiniõliga. Neil oli ka muid saladusi. Kõik need käsitöölised teenisid aristokraatia rikkaimat eliiti, luues kalleid mööbliesemeid, teealuseid, raame, klaase, tasse, kellakorpusi ja muid luksusesemeid. Stiililiselt olid need asjad peamiselt idamaiste lakkide imitatsioonid.

Saksa lakkide õitsengut seostatakse Johann Heinrich Stobwasseri (1740-1829) nimega. Tema manufaktuur Braunschweigis oli suunatud klientidele laiadest kodanlikest kihtidest. Sellele eelnes 1717. aastast tuntud Johann Christoph Lezieri (surn. 1730) lakitöökoda. Lisaks mööblile valmistas Lezier kandikuid, puusärke, kirjutusvahendeid, pintsleid ja väikseid riistu. Tema tooted olid tugevalt mõjutatud inglise disainist. Stobwasseri manufaktuur valmistas mööblit (lauad, kummutid, kirjutuslauad), kandikuid, dekoratiivtaldrikuid, karpe, erineva otstarbega puusärke, nuusktubakakarpe, nuppudega pulkasid. Eritellimusel valmistati ka eriti suuri esemeid - vankreid Preisi õukonna pidulikeks reisideks. Väikesed objektid maaliti peamiselt Hollandi meistrite maastikumaalide, merestseenide, romantilises stiilis portreede, ornamentmotiivide ja erootiliste stseenidega.

Venemaal hakkas pidev huvi lakkide vastu ilmnema Peeter Suure ajast. Kuid isegi Aleksei Mihhailovitši (1629-1676) ajal olid Moskva lähedal asuva Kolomna palee üksikud toad kaunistatud Hiina stiilis. Tänu kaubanduskontaktidele Hiinaga ilmusid lakitud puidust kandikud, ekraanid ja ventilaatorid. 1721. aastal kaunistati üks Peeter I kabinet Peterhof Monplaisiri palees 94 lakipaneeliga, mille teostasid vene meistrid Ivan Tihhonov ja Perfily Fedorov ning nende kamraadid idamaises stiilis “Hiina all” hollandi kunstniku Hendriku juhatusel. van Brumkorst, kes töötas Venemaal kuni 1744. aastani. Olles tutvunud suurte Euroopa manufaktuuridega, ostis Peeter I partii lakivärviga mööblit ja kutsus "lakiäri" välismaised meistrid Venemaale tööle. Venemaal töötasid erinevatel aegadel sellised kuulsad meistrid nagu Noel Mireal, Carl Andreas Tremblen, Francis ja Schwartz Conrad, Thorin jt. Õpilased suunati välismaale lakkimist õppima ja pärast Kunstiakadeemia loomist 1757. aastal hakati selle tundides õpetama lakitööd. Peetri ajal oli "Lakirny Dvor", mis asus nn Katariina I majas Fontanka kaldal. Seal olid töökojad ja laod. 1761. aastal maalis Fjodor Vlasov Oranienbaumis Peeter III palee, mis on ainulaadne kunstimälestis.

Hiljem tekkis Venemaal palju lakitootmisi: Peterburis ja selle lähiümbruses - M. Booli (kes kutsus tootmist rajama prantsuse meistrid), I. Keene, Friedrich ja John Petzi, D. Orlovskaja, A. Eki ettevõtted, Wolenschneider, J. Labutin, Tareva. Peterburi lähedal K. Thieponi tehases toodeti tina- ja paberlakiga tooteid. Moskvas ja Moskva oblastis olid kuulsamad Lukutinite ja A. I. Austeni, Višnjakovide, N. Naževštšikovi ja vendade Sorokinite tehased. Väikesi provintsitöökodasid oli palju: Shimer, Danilevitš, Berdichevis - Gubarev (tema palgatud töötaja Christian Flach avas hiljem Moskvas tehase ja tootis 1450 nuusktubakast aastas), O.E. Burbõšev jt. Kõik need olid reeglina sarnased Euroopa sarnaste ettevõtetega ja suleti peagi, välja arvatud Lukutinsky ja Vishnyakovsky.

Eriline saatus kujunes välja 18. sajandi lõpus kaupmees P. I. Korobovi (surn. 1819) poolt Moskva lähedal Danilkovo külas asutatud Lukutinski manufaktuurile ja Višnjakovski töökodadele. P.I. Korobov tootis lakitud visiire Vene armee peakatetele. Tema tehas hakkab tootma ka nuusktubakakarpe. Algselt neid ei värvitud, neile liimiti graveeringud ja lakiti. 1818. aastal läks tehas üle Korobovi tütrele ja 1824. aastal tema väimehele P. V. Lukutinile (1784-1863). Pjotr ​​Lukutin muutis lakiminiatuuride vorme ja teemasid, keskendudes vene tarbija maitsele. Lukutini meistrid õppisid aga lääne eeskujudelt miniatuurse kirjutamise peenuse kohta.

Peter Lukutini ja tema poja Aleksandri (1819-1888) käe all saavutasid Lukutini lakid laialdast tuntust ja kuulsust. Ilmusid avalikkuse poolt nii armastatud Vene troikad koos teeõhtustseenide, Ukraina teemade ja ajaloolise teemaga. Laki valmistamise protsessi on täiustatud. Lukutini lakid olid kvaliteetsed, erakordselt läbipaistvad ja täiuslikult poleeritud. See saavutati tänu sellele, et lakid olid pikka aega 7-8 aastat päikese käes. Pooltoode valmistati kaltsupapist, mis andis sellele veelgi tugevuse. Toodete hinged olid kullast. Kirjutamiseks on kaks meetodit: “läbi-läbi” ja “korpus”. “Läbi-läbi” on läbipaistvate kihtidena glasuurkiri metalltagadele ja pärlmutterile. “Korpuse” kirjutamine oli teostatud tihedate löökidega, kirjutamise ja joonistamise peensus viidi virtuoossuseni. Reeglina kasutati mõlemat tehnikat miniatuurselt. Erilist tähelepanu pöörati kunstilisele ja dekoratiivsele kujundusele. Käsitöölised värvivad karpide pinda, imiteerides materjale nagu “kilpkonn”, “elevandiluu”, “malahhiit”, “kasetoht” ja varieerivad tartanide motiive. Kaunistustes on kasutatud pärlmutri ja metalliga inkrustatsiooni tehnikat. Kastide kaunistamiseks “scanyu” - mustriga, mis on valmistatud väikseimatest kuld- ja hõbeplaatidest, on loodud spetsiaalne tehnika. Peengraveeringut kasutati lakiga kaetud metallvooderdistel, nn tsirovkal.

Tehases oli joonistuskool, parimad Lukutini kunstnikud saadeti Moskva Stroganovi kunstikooli. Lukutinid suhtusid oma käsitöölistesse hästi, pakkudes neile tasuta kortereid, küttepuid, petrooleumi ja maatükke juurviljaaedade jaoks, mida Lukutini töölised Lukutini hobustel harisid. Lukutino lautades sai laenuga laenutada kohalikelt kauplejatelt kvaliteetsemat teravilja, teed, suhkrut ja võid. Nende soovil paigutati Hludovi almusmajja vanad põdurad käsitöölised ning õpilased kasutasid kogu õppeaja jooksul tasuta sööklat, varustati riideid ja jalanõusid, värve ja pintsleid.

Aleksander Lukutini ajal polnud ühtegi kauplust, kus tooteid müüakse, ta hoidis kaupu kodus ja müüs ise jaemüüki. Viimase Lukutini Nikolai (1852-1902) ajal avati kauplus. Nikolai Lukutin abiellus väga rikka pruudiga ja tehase sissetuleku küsimus teda ei häirinud. Lukutinski äri oli tema jaoks vaid hobi. Kaks aastat pärast Nikolai Lukutini surma, 1904. aastal, tehas suleti. Viimase Lukutini tütar müüs maha ainulaadse pikaajalise Lukutini parimate meistrite kollektsiooni, millest õppis rohkem kui üks põlvkond kunstnikke ja ülejäänud kaup läks välismaale tundmatutele inimestele. Pärast tehase sulgemist vahetasid paljud käsitöölised eriala, osa neist läks Višnjakovite juurde.

Višnjakovite klann, krahv Šeremetevi pärisorjad, aktiivsed ja ettevõtlikud talupojad, lõid Moskva lähistel külades mitu töökoda. 1780. aastal avas Philip Nikitich Višnjakov Zhostovo külas lakitoodete tootmise töökoja ja kolis seejärel Moskvasse. Tema tehas eksisteeris kuni 1840. aastani. Tema töökoda juhtisid hiljem edukalt tema poeg Osip (1825-1888) ning seejärel onud Peeter ja Vassili. Philipi vend Taras jäi Zhostovosse. Aleksei Višnjakov avas Sorokino külas töökoja koos Zakhar Petrovi ja E. F. Beljajeviga (1830-1885) ning Egor ja Vassili Višnjakov koos Kirila Panskiga Ostaškovo külas. Novoselttsevo külas korraldati Stepan Filiškovi töötuba. 1830. aastal oli selles piirkonnas 8 töökoda, 1876. aastal - 20. Aastatel 1876-1888 tegelesid kümne Moskva kubermangu küla talupojad laki valmistamisega.

Lukutinsky ja Vishnyakovsky lakid arenesid tihedas seoses vene realistliku maaliga. Meistrid kasutasid laialdaselt vene, aga ka Lääne-Euroopa kunstnike aineid, neid julgelt ümber töötades. Tehti palju tellimustöid. Tootevalik oli ammendamatu: alates populaarsetest erineva kujuga tikuhoidjatest, soolatopsidest, teekannudest - kuni kirjutusplokkide, reisihoiukastide ja üksikute majapidamistarveteni, nagu vihmavarjude ja keppide käepidemed, restoranimenüüde kaustad, fotoalbumite kaaned, karbid sigarite hoidmiseks ning karbid dokumentide ja muude toodete jaoks. Kõik need olid kaunistatud maalidega – alates juhtivate meistrite kõrgeimal tasemel teostatud maalidest kuni üldsusele mõeldud masstoodanguni.

1910. aastal otsustasid mõned Lukutini ja Višnjakovi käsitöölised luua oma artelli. Nad pöördusid Sergei Timofejevitš Morozovi nimelise fondi poole, mis emiteeris käibekapitali. Fedoskinost pärit maaõpetaja Ljubov Dmitrievna Deržavina aitas dokumentide vormistamisel tohutult kaasa. Provintsi zemstvo instruktorite osakonna juhataja Georgi Petrovitš Petrov uuris hoolikalt kunstnike valmisolekut ja võimeid ning selle tulemusel anti neile 500 tuhat rubla. Samuti eraldati maatükk Semenštševo külla töökoja ehitamiseks. 11. oktoobril 1910 alustasid uues majas tööd käsitöölised. Artell sai nimeks "Fedoskino tööartell", see koosnes 10 inimesest: Sergei Nikolajevitš Kuznetsov, Aleksei Fedorovitš Mišaninov, Vassili Petrovitš Mitusov, Sergei Matvejevitš Borodkin, Vassili Sergejevitš Borodkin, Semjon Matvejevitš Matvejev, Aleksei A Kruglikov Aleksevitš Aleksejev, Aleksei A Kruglikov Aleksejev Aleksei Spiridonovitš Kainov ja Ivan Petrovitš Lavrov. Juhatajaks valiti S.N. Kuznetsov. Lukutinski pooltoodete ja seadmete jäänuste ostmine avas artellitöötajatele juba esimestel kuudel võimaluse toota tooteid, mis ei jäänud Lukutinsky omadele palju alla. Käsitöömuuseum andis kaubandusettevõtetele suurepäraseid soovitusi artelli toodete osas. Tellimused hakkasid saabuma. S.T.Morozov, nähes, et artellis läheb hästi, andis talle Rahvapangas 2 500-rublasest aktsiat, millest sai alati 1000 rubla laenu, lisaks lõid artelli liikmed vastastikuse abifondi. Ja zemstvo toetas seda, hinnates kõrgelt artellitöötajate töö tulemusi ja kvaliteeti. 1912. aastal põles artellihoone maha, kuid tänu kindlustusele ehitati see kiiresti üles. Ebaõnn kunstnikke ei murdnud, nad asusid tööle veelgi suurema entusiasmiga. Tellimusi tuli kõikjalt Venemaalt, eriti Peterburist ja välismaalt.

Kodusõja ajal 1918-1920 jätkas artell tööd, kuigi sinna jäi ainult 5 inimest, ülejäänud olid rindel. Sõja ajal oli võimatu tooteid müüa ei riigis ega välismaal. Ainult ennastsalgav armastus nende kunsti vastu aitas artellil ellu jääda. 1923. aastal pälvis Fedoskino artell esimesel ülevenemaalisel põllumajandus- ja käsitöötööstuse näitusel esimese astme diplomi ja tänudiplomi tootmise säilitamise eest revolutsiooni ja kodusõja aastatel. Selle näituse suur edu inspireeris kunstnikke. Tõsi, müügiga oli ikka suuri raskusi. Fedoskino lakid ei jäänud Jaapani omadele alla, kuid viimased olid kolm kuni viis korda odavamad. Aastatel 1925-1926 oli toote maksumus 93% tööjõu- ja 7% materjalide maksumusest, 60% läks maalri palgaks. See näitab selgelt, kui kalliks tööjõudu hinnati. Odavamaks muutmiseks hakkas artell vastu võtma mitte ainult keskpäraseid Lukutini käsitöölisi, vaid ka teiste madalama taseme töökodade käsitöölisi. Uued miniatuurinäidised lõid Käsitöömuuseumi kunstnikud nõukogude kunstnike tööde töötluse põhjal. Fedoskino kirjatehnikat valdamata ei osanud Käsitöömuuseumi kunstnikud kasutada selles peituvaid rikkalikke dekoratiivvõimalusi. Üsna primitiivselt valmistatud miniatuurid on lamedalt kujundatud ja meenutavad populaarseid kastidesse kleebitud trükiikoone. Kui poleks olnud pealdisi, oleks võimatu arvata, keda ja mida nad kujutasid, nii arhailine oli kunstiline vorm, millesse autor oma teoseid riietas. Teised näited, mille need kunstnikud lõid ilma teadmisteta ja Fedoskino maali tehnilisi võtteid järgimata, täitsid oma dekoratiivset eesmärki veelgi vähem. Kompositsioonide konarlik kirjutamine ja juhuslikkus ei sobinud kammerliku vormiga. Banaalsed miniatuurid maneeriliste markiiside, pierrot'ide ja väikeste mustadega, erinevat tüüpi kunstilise maali stiliseeringud ei vastanud Fedoskino miniatuuride traditsioonile. Ja kõige kurvem on see, et tähelepanuta jäeti vene miniatuuride sajanditepikkune kogemus, surudes peale kähku väljamõeldud teemasid ja kogudes seda kuidagi erinevatest allikatest. Kuid leidus ka vastuvõetavaid katsetusi, näiteks portselanimaali motiivide kasutamine, mis sarnaneb iseloomult miniatuursele maalile või kuulsa populaarse kedrapildi erinevad variatsioonid.

Samal ajal võeti Fedoskino lakkides laialdaselt kasutusele ida- ja läänetehnikad pärlmutrist inkrustatsioonides. Pärlmutter lõigatakse kavandatud kompositsiooni järgides eseme erinevatesse kohtadesse ja heledate glasuuridega teostatud maal paneb kõlama vastavalt üldkujundusele: valguse sära sulanud lumel, päikesevalguse mäng. pilvedes ja veepinnal, majade katustel ja kirikute kuplitel rõhutavad rõivastuse rikkust - brokaat, siid, samet. Ese modelleeritakse pärlmutri abil ning see kui eriliste dekoratiivsete omadustega materjal on kaasatud pildi üldisesse pildistruktuuri.

Lisaks Fedoskinole on Venemaal praegu kolm miniatuurse lakkmaali kunsti keskust: Palekh, Mstera ja Kholui. Nad läbisid teistsuguse arengutee. Enne 1917. aasta revolutsiooni olid need suured ikoonimaalimise käsitööd, mille meistrid lõid ikoonimaalimise töökodasid kogu riigis: Peterburis, Moskvas, Nižni Novgorodis, Saratovis. Nad maalisid kirikuid Venemaal ja saatkondade kirikuid välismaal. Enne revolutsiooni kuulusid Mstera, Palekh, Kholuy Vladimiri provintsi, nõukogude ajal sattusid Palekh ja Kholuy uue haldusjaotuse järgi Ivanovo piirkonda ning Mstera Vladimiri piirkonda. Kõik need keskused on tuntud kui iidsed ikoonimaali keskused. Nad ei tegelenud mitte ainult väikevormide kunstiga, vaid ka seinamaalingute ja vanade templite restaureerimisega.

Ikoonimaalimise tava pärines suure tõenäosusega kloostritest. Käsitöö vanim keskus oli Kholuy, mis pärines Trinity-Sergius Lavra ja Spaso-Evthymiuse kloostrist. Kholuyd mainitakse 1543. aastal seoses kirjaga Trinity-Sergius kloostrile Starodubi ja Kirzhachi soolapannide tollimaksudest vabastamise kohta. Esimest asulat nimetati "Kholuy uuteks sooladeks"2. Kholuy soolatehas kuulus Trinity-Sergius kloostrile. See ühendus suurima kultuurikeskusega avaldas Kholuyle kasulikku mõju. Siin valiti välja targemad lapsed, kes saadeti kloostrisse ikoonimaali õppima. Nii võeti 1735. aastal Trinity-Sergius Lavra arhimandriit Athanasiuse käsul Trinity-Kholuyskaya asulasse tööle 10 talupojalast vanuses 12–15 aastat, "... teravad ja usaldusväärsed ikoonimaali kontseptsioonis, koolitatud kirjaoskust ja andke neile Lavras rahu, toitu ja riideid, õpetage Hieromonk Paulile maalimist"3.

1882. aastal avas Vladimiris asutatud Aleksander Nevski vennaskond Kholuys joonistusklassid, mis hiljem muudeti ikoonimaali- ja joonistuskooliks. Sinna suunati juhtima ja õpetama Peterburi kunstiakadeemia lõpetanud N. N. Kharlamov (1863-1935). Kooli tegevus osutus viljakaks. Selle lõpetajad tegelesid kirikumaali ja ikoonimaaliga. Alates 1902. aastast on kooli juhtinud ja õpetanud Peterburi Kunstiakadeemia lõpetanud E. A. Zarin. Koolis ei õpetata mitte ainult ikoonimaali, vaid tutvustatakse laias laastus ka akadeemilist maali ning laiendatakse maailmakunsti tundmist.

Mstera esmamainimine kolmekuningapäeva kirikuaia kirjutajate raamatutes pärineb aastast 1628. See on Romodanovski vürstide iidne pärand, kes olid hiljem tsaar Peeter I õukonna lähedal. Ikoonide maalimise tava 17. sajandil kolmekuningapäeva kloostris levis kogu asula meessoost elanikkonnale, saades selle põhitegevuseks.

Palekh on ka iidne küla. Kohalikus kirikukroonikas mainitakse, et Palekh kuulus algselt Starodubski vürstide suguvõsast pärit Paletski vürstide hulka. Paletski vürstid mängisid Venemaa riigi ajaloos olulist rolli. Dmitri Paletski tütar oli abielus Ivan Julma venna Juriga ja pärast tema surma läks Palekh Ivan IV poja juurde ja seejärel riigikassasse. 17. sajandil määrati Palekh Ivan Buturlinile, kes pärines iidsest perekonnast, kelle esivanem oli Aleksander Nevski teenistuses.

Kõik keskused järgisid ikoonimaalimisel ühtset õigeusu traditsiooni, kuid igaühel neist oli oma eripära: msterjakid olid orienteeritud peamiselt Venemaa eri piirkondade vanausuliste kihtidele, suurema vabaduse poole kalduvad holuyanid olid lähedased realistlikule vene traditsioonile - kuivõrd see oli ikoonil vastuvõetav; Paleshanid on kanoonilisemad.

Nende kolme keskuse edasises saatuses mängis otsustavat rolli Ivan Golikov (1886/87-1937). Kui poleks Golikovit, poleks uut kunsti mitte ainult Palekhis, vaid ka Kholuys ja Mstjoras. Tundlik kunstitaju, rahulolematus 19. sajandi lõpus - 20. sajandi alguses ikoonil valitsenud rutiiniga, visa oma ande kasutamise otsimine, õpingud erinevates töökodades ja kuulsas Peterburi koolis. A.L. Stieglitz – kõik see valmistas teda ette lahendama probleemi, millega pärast revolutsiooni kõik ikoonimaalijad silmitsi seisid. Sel ajal töötas Golikov edukalt erinevates Venemaa linnades teatri dekoratiivkunstnikuna. Tema komplektid saatsid suurt edu ja pärast esinemist kutsuti kunstnik kummardama. Golikovi õemees, endine Moskva ikoonimaalija A. A. Glazunov kutsus ta käsitöömuuseumisse, kus eksponeeriti Lukutini karpe, ja veenis kätt proovima miniatuurmaal. Ja just selles valdkonnas ilmnes Golikovi tähelepanuväärne talent.

Juba esimesed Golikovi miniatuurid jahmatasid eksperte oma ebatavalisusega. Paljudele sai selgeks, et sündimas on uus kunst. Meistri geenius aitas iidsel kunstil uuel kujul uuesti sündida. Golikovi suurepärased miniatuurid julgustasid teisi endisi ikoonimaalijaid lakkmaalimises proovile panema. Nendega liitusid A.V.Kotuhhin (1886-1961), I.P.Vakurov (1885-1968), I.V.Markichev (1883-1955). 1923. aastal osalesid nad Moskvas ülevenemaalisel kunsti- ja tööstusnäitusel ja said I järgu diplomi. See andis Palekhi maalijatele kindlustunde uutes ettevõtmistes. Aga probleeme oli ikka liiga palju. Üks neist oli oma papier-mâché toodangu loomine.

Sel ajal pakuti I. I. Golikovile õpetajakohta Stieglitzi koolis, kuid kaaslaste palvel naasis ta Palekhi, kus 5. detsembril 1924 korraldasid nad iidse maalikunsti artelli. Selle asutajad olid: I. I. Golikov, I. M. Bakanov (1870-1936), I. I. Zubkov (1883-1938) ja A. I. Zubkov (1885-1938), I.V.Markichev, A.V. ja V.V.Kotukhin (1897-1957). Artelli esimeseks esimeheks valiti A. V. Kotukhin, kes mängis tohutut rolli paleshanide jaoks oma papier-mâche loomisel. 1925. aastal liitusid artelliga A. I. Vatagin (1881-1947), G. M. Bakanov (1881-1928), D. N. Butorin (1891-1960) ja 1926. aastal - P. I. Vakurov. Kõik nad olid kõrgeima klassi maalijad, mis määras kogu äri edu.

Artell hoolitses algusest peale kunstnikele uue kunsti põhitõdede õpetamise eest. Artelli esimene õpilane 1926. aastal oli P.D. Bazhenov (1904-1941), kellel oli särav talent. Ametlikult viidi õpipoisiõpe artellidesse sisse 1928. aastal riskantsete finantsettevõtmiste poolest tuntud Ya.S. Ganetsky suurel toel. Väliskaubanduse rahvakomissariaadi juhatuse liige Ganetski osutas tohutult abi Palehhi teoste müügil, uute töökodade ehitamisel ning aitas vabastada kunstnikke põllumajandustöödel osalemisest. Veelgi enam, nende toodangu müügist saadud raha eest osteti kolhoosi põllumajandustehnikat.

Palekhis maalitud esemete sortiment oli väga lai: prossid, tünnid, purgid, kohvrid, helmekarbid, märkmikud, vintage-karbid, paberinoad, sigaretikarbid, nuusktubakakarbid, sigaretikarbid, pulberkompaktid, plaadid, prillitoosid, teekannud, kindad karbid, kirjutusvahendid, lihavõttemunad, karbid.

A. M. Gorki initsiatiivil ja nõuandel loodi iidse maalikunsti artelli ruum parimate tööde hoidmiseks, mis pidid olema tulevase muuseumi aluseks. Muuseum avati külastajatele 13. märtsil 1935. aastal. Selle esimene näitus hõlmas nelja ruumi. A.M.Gorki abiga loodi ja avati imeline raamatukogu.

Palekhi kunstnike osalemine rahvusvahelistel näitustel Veneetsias 1924. aastal ja Pariisis 1925. aastal tekitas sensatsiooni. Nad saavad kõrgeid kõnesid ja auhindu ning saavad ahvatlevaid pakkumisi avada Itaalias lakkide miniatuuride kool. Juhtiv kunstikriitik A. V. Bakušinski kirjutas toona, et Paleh on ainuke koht maailmas, kus elab veel selle vene kultuuri ajastu imeline muinasjutt, mil selle kunstil oli globaalne tähendus. Palekh sai suurt tuge A. M. Gorkilt, kes töötas noorukieas Nižni Novgorodis Palekhi kunstnike töökojas. Suure kirjaniku abi päästis paleshanid paljudest hädadest ja aitas neil tellimusi vastu võtta. Käsitööliste positsioon oli raske. Kunagised kolleegid pidasid neid usust taganejateks, usureeturiteks. Uus valitsus ei suutnud neile andestada nende varasemat ikoonimaalimisega tegelemist. Aga kuna nende toodete müük andis noorele riigile väga vajalikku valuutat, öeldi neile avalikult, kuni elad. I.I.Golikov ütles, et paleshanlasi sõimatakse sõnadega, mis on hullemad kui sõimusõnad. Kuid pärast M. Gorki surma algas paleshanide tagakiusamine. Artelli esimees A. I. Zubkov arreteeriti ja suri laagrites, süüdistatuna spionaažis. Palekhi rahva õnnestumised rahvusvahelistel näitustel äratasid maailma suurtes kultuuritegelastes suurt huvi ja nad toodi Palekhi, mis hiljem osutus ohtlikeks kontaktideks, mille eest neid karistati.

Kahekümnenda sajandi 20ndatel ei põhine Palekhi stiilis lakiminiatuuride kujunemine mitte ainult iidse vene maalikunsti sajanditevanusel kunstisüsteemil, vaid ka kogu maailma kunsti kogemusel.

Laki miniatuurides kasutasid paleshalased temperavärvidega kirjutamist, mis säilisid tänu vene ikoonimaalile, "see on Palekhi ja selle kunstipealinna peamine rikkus, mida kaitsti hoolikalt elava traditsioonina põlvest põlve, alates põlvest põlve. Bütsants ja antiikkultuur”4. Lääne-Euroopas maaliti temperavärvidega kuni 16. sajandini. Palekhi kirjutamise tehnika seisneb värvi ranges järjestikuses kandmises lakipinnale. Esiteks värvivad kunstnikud lubivärviga, kasutades seda kogu kompositsiooni lõpetamiseks. Juba selles etapis pannakse alus miniatuuri värviskeemi jaoks. Nendes kohtades, kus on heledaid värve, kantakse valgendamine paksemalt, mitmes kihis. Siis hakkavad nad värvi paljastama. Seda etappi nimetatakse dehissentsiks. Järgmine etapp on värvimine. Nad joonistavad kõik kontuurid ja detailid tumedas toonis ning paljastavad seejärel kompositsiooni varju- ja heledad osad; seda protsessi nimetatakse paleshanide seas sulandumiseks. Viimane etapp on kujutatud esemete mahtude lõplik viimistlemine värvidega. Maal lõpeb kursiivsusega (valge tühik) kullaga, koondades valgust. Emotsionaalne väljendusvõime saavutatakse mitte ainult kompositsiooni ja värvi abil, vaid ka teatud värvi pealekandmismeetodiga. Glasuuridega (glasuuridega) maalimine seisneb läbipaistvate tõmmetega mitmekihilises kirjutamises, mil alumised maalikihid kumavad ülemistest läbi, andes kompositsioonile õhulisust ja heledust. See on keeruline tehnika, mille valdamiseks kulub aastaid, mõnikord kuni 10 aastat, ja mitte igaüks ei saa seda omandada. Erilist rolli Palekhi miniatuurides mängib kõigi köidete kullaga kirjutamine viimases etapis. Kuld ei ole Palekhi kunstis mitte ainult võtmeelement, vaid ka osa kunstilisest maailmavaatest. See on lahutamatult seotud valguse sümboliga, millel on suured ajaloolised traditsioonid, mis tulenevad keskaegsetest ideedest kahe elupõhimõtte – valguse ja pimeduse – kohta. Kristlikus sümboolikas omandab valgus erilise esteetilise tähenduse, muutudes jumaliku armu prototüübiks. Selle valguse materiaalne kandja on kuld, mis sümboliseerib seda ja on materialiseerunud jumalik selgus.

Palekhi näide aitas endistel Mstera ja Kholuy ikoonimaalijatel uues kunstis kätt proovida. Veel varem kui paleshanid otsisid msterlased võimalusi oma käsitöö kasutamiseks uutes tingimustes. Mstyora lahutatud käsitöölised ühinesid kunstitöötajate ametiühinguks RABIS. Esimesed näidised olid puittoodete ja plekk-aluste värvimine. 23. juulil 1923 loodi Msteras artell “Vana Vene maalikunst”. See koosnes üheteistkümnest inimesest. Nad töötasid Semenovi linnast toodud puidust "lina" kallal. Nad maalisid kaste, puusärke, puusärke, soolatopsi, matrjoškasid ja palju muud. 1924. aastal hakati meisterdama õlivärvidega lõuendile seinavaipade maalimist. 1925. aastal oli artellis juba kolmkümmend inimest, 1928. aastal - 60 inimest. Kuid toodete madal kvaliteet raskendas selle olemasolu. Mõned endised ikoonimaalijad töötasid kohalikus õliriide tehases ja Metalloshtampi tehases. Raske oli oma teed leida. Juhtivad kunstikriitikud A. V. Bakushinsky ja V. M. Vasilenko pakkusid neile suurt abi oma stiili kujundamisel. Nad pakkusid välja, et tuleb alustada Mstera ikoonimaali omapäradest selle ebatavalise maastiku taustaga. Lääne-Euroopa, eriti hollandi maalikunst oma sulamiskaugustega, Pärsia miniatuurid vaibade ornamentikaga mõjutasid Mstera lakiga miniatuure. Mstera stiili eripära lakkmaal ja selle sisu oli mõjutatud vene lubokist. Enne revolutsiooni asus Msteras populaarsete trükiste valmistamise keskus, mille tootmisega tegeles kuulus arheoloog I. A. Golyshev (1838-1896) - innukas kõige rahvaeluga seonduva kollektsionäär, antiikaja tundja. Ta oli krahv Panini pärisorjus, kellele kuulus Mstera. N. A. Nekrasov tuli spetsiaalselt tema juurde Msterasse seoses tema teoste avaldamisega sarjas "Punased raamatud" ja nende levitamine rahva seas. Golõševi avaldatud populaarsed pildid olid üksikasjalik illustratsioonidega raamat, mida saatsid pikad moraliseeriva iseloomuga tekstid ja huumor. Pildid trükiti trükikivile ja maalisid Mstera naised ja teismelised. Palekhi hiilgav kogemus julgustas Mstera elanikke järjekindlalt oma kavandatud eesmärgi poole liikuma. 22. juunil 1931 loodi Msteras miniatuurse lakkmaali meisterdamiseks artell “Proletarian Art”. Selle asutajad olid viis meistrit: N. P. Klykov (1861-1944), A. I. Brjagin (1888-1948), E. V. Jurin (1898-1983), I. A. Serebryakov (1888-1967), V. I. Savin (1880-1957). Serebrjakov ja Jurin saadeti Moskvasse papjeemašeele maalimise tehnikat õppima kursustele.

Pärast revolutsiooni otsisid lakeiad valusalt oma käsitööd kasutada ja lõid hiljem kui Palekh ja Mstyora miniatuurse lakiga maalimise artelli. See toimus 1934. aastal ja selle asutajad olid S.A. Mokin (1891-1945), K.V. Kosterin (1899-1985), D.M. Dobrynin (?) ja V.D. Puzanov-Molev (1892-1961). Kõik nad lõpetasid ikoonimaali- ja joonistuskooli ning olid andekad ja haritud, suurte kogemustega kunstnikud. Ja V. D. Puzanov-Molev lõpetas 1912. aastal Moskvas Stroganovi kunstikooli. Laki miniatuuride tee oli lakeide jaoks keerulisem. Palekhi hiilgav debüüt ja seejärel Mstera õnnestumised sundisid inimesi neid jäljendama. Lisaks represseeriti peagi sellised suured kunstikriitikud nagu A. V. Bakušinski ja V. M. Vasilenko ning lakeed jäid ilma professionaalsest abist, mida nad olid kunagi osutanud oma kolleegidele Palekhis ja Msteras. Kholuy miniatuuride stiil arenes järk-järgult mitme aastakümne jooksul. Kesk-Venemaa looduse maastik on taustaks ajaloosündmuste, folkloori ja nende miniatuuride žanri süžeede taustaks. Kholuys kujunes välja huvitav arhitektuurimaastiku suund, mida esindasid N. N. Denisovi (sünd. 1929), B. I. Kiselevi (sünd. 1928), V. N. Sedovi (sünd. 1952). ), V. Teplova (sündinud 1955) tööd. , mitmesugustes loomingulistes tõlgendustes.

Palekhi, Mstyora ja Kholuy kunstnikud kirjutasid ja maalivad nüüd mitte ainult miniatuure, vaid ka suuri paneele ilmalike hoonete ja asutuste kaunistamiseks, nad tegelesid ja tegelevad raamatukujunduse ja teatrikaunistusega, mööbli ja portselani maalimisega, auhinnametalli kaunistamisega. tassid, koostöö juveliiridega, originaalsete kunstiteoste loomine.

Nüüd pöörduvad kunstnikud nendes kolmes endises ikoonimaalikeskuses – Palekhis, Kholuys ja Msteras – üha enam ikoonimaali poole.

Samal ajal, pärast 20. sajandi 90. aastate muutusi, kui vana poliitiline ja majanduslik süsteem kokku varises, tekkis arvukalt nelja suure käsitöö kunstnikke, kellele sotsialistliku ühiskonnastruktuuri kohaselt oli tagatud teatud stabiilne sissetulek, stabiilne siseturg, tasuta haridus ja professionaalne kasv, sattusid dramaatilisesse olukorda. Saanud täieliku vabaduse kirjutada, mida ja kuidas soovite, kaotasid nad täielikult võimaluse oma tooteid siseturul müüa. Vähe sellest, et puuduvad enam riigitellimused, mida kasutasid Venemaa ja NSV Liidu muuseumid ja kunstifondid, on tänapäeval raske müüa ka odavaid teoseid, mida varem edukalt läbi kaupluste müüdi. Riik taganes igasugusest osalusest Vene kunsti ainulaadsete keskuste saatuses ja elanikkonna täielik vaesumine muutis laki-miniatuursete kunstnike tööd neile kättesaamatuks.

Mingil määral päästab olukorra ainult see, et oma eksisteerimise aastate jooksul on Venemaa lakkide miniatuurid omandanud suure rahvusvahelise turu. Seda ei soodustanud mitte ainult teostuse kõrge kvaliteet, erinevatele sotsiaalsetele kihtidele orienteeritus, teemade mitmekesisus, Lääne-Euroopa ja Ida lakkidest ammutatud dekoratiivsete võlude valdamine, originaalsus, vaid ka uute vormide – nii toodete kui ka kunstiliste vahendite – pidev areng. väljendusvõime, tundlik seos ajaga, meistrite tõsine erialane ettevalmistus. See lubab loota, et kodumaised lakiminiatuurid peavad vastu neile osaks saavatele rasketele katsumustele.

MAALRILAKID

Maalilakid on 30-protsendilised vaikude lahused pineenis, välja arvatud kopaallakk, kus kopaalvaik lahustatakse linaseemneõlis.

Õlivärvide lisandina toodetakse järgmist tüüpi lakke: mastiks, dammar, pistaatsia, akrüül-pistaatsia ja kopaal.

Mastiksi lakk - Mastiksvaigu 30% lahus pineenis. Mastikslakk võib toimida mitte ainult värvide lisandina, vaid ka vahekihtide puhastajana kihtide kaupa värvimisel, asendades selles retušeerimislaki. Mastiksilakki kasutatakse ka õli- ja temperamaali pealislakina.

Dammar lakk - Dammari vaigu 30% lahus pineenis, millele on lisatud etüülalkoholi. Dammar lakki kasutatakse värvide lisandina ja pealisvärvina. Säilitamisel kaotab see vahel läbipaistvuse,kuid kuivades pineeni aurustumisel muutub lakikile läbipaistvaks Pineeni kasutatakse laki lahjendamiseks Vananedes kollaseks dammar lakk vähem kui mastiks.

Copal lakk - esindab pineeniga lahjendatud kopaalvaigu ja rafineeritud linaseemneõli "sulamit". Tume lakk. Laki ligikaudne koostis (ppm): kopaal - 20, õli - 40, pineen - 40. Lakki kasutatakse värvide lisandina. Kuivatatud kopaallaki kile on orgaanilistes lahustites lahustumatu.

Lisaks ülaltoodud lakkidele on saadaval: palsam-õli, seeder-, palsam-penta-õli ja kuuseõli.

KATTELAKID

Kattelakke kasutatakse katmiseks, õli- ja temperamaalimiseks.

Pistaatsia lakk on pistaatsiavaigu (23%) lahus pineenis, millele on lisatud vähesel määral lakibensiini (vedeldit nr 2) ja butüülalkoholi. Pistaatsialaki eeliseks on lakikile peaaegu täielik värvitus, mis on ülielastne. Pistaatsialaki kuivamiskiirus on oluliselt väiksem kui teistel pealislakkide omal.

Akrüül-pistaatsia lakk on sünteetiline polübutüülmetakrüülvaik, millele on lisatud väike kogus pistaatsiavaiku. Vaigud lahustatakse pineenis, millele on lisatud umbes kaks protsenti butüülalkoholi. Akrüül-pistaatsialakiga kile on peaaegu värvitu, suure elastsusega ja tugevam kui mastiksi- ja dammar-lakiga kile. Kuivamine toimub aeglasemalt kui mastikslakk.

Retušeerimislakk kasutatakse pleekimise vältimiseks mitmekihilise õlimaali ajal, samuti värvikihtide nakkuvuse parandamiseks. Lakki võib peale kanda pintsli või tampooniga. Lakk koosneb 1 osast mastikslakist ja 1 osast akrüül-pistaatsialakist, mis on lahustatud 8-10 osas lennukibensiini.

PILTIDE KATTIMINE LAKIGA

Õli- või temperavärvidega maalitud maalide lakkimine on äärmiselt oluline. Värvide toonid lakiga kaetud maalil omandavad intensiivsuse, mis on eriti iseloomulik temperavärvidele, kuid samas muudab lakk temperavärvid mõnevõrra tumedamaks. Lakiga kaetud värvikiht omandab meeldiva läike, samas tajutakse pilti selgemalt, esile tõstetakse ja rõhutatakse väikseid, matimaalimisel sageli nähtamatud pildilisi detaile.

Lakikile ei mängi mitte ainult puhtalt optilist rolli, vaid kaitseb ka värvikihti õhus olevate agressiivsete reaktiivide mõju eest. Sellised agressiivsed reaktiivid hõlmavad vesiniksulfiidi ja vääveldioksiidi gaase, mis põhjustavad mõne värvi järsu tumenemise.

Maali tuleks lakkida mitte varem kui aasta pärast töö valmimise kuupäeva. Kogu selle aja jooksul tuleb värvimist kaitsta tolmu, mustuse, tubakasuitsu jms eest.

Maali katmiseks kasutatakse üht pealislakkidest: akrüül-pistaatsia, mastiksi või dammar.

Parim pealislakk on akrüülpistaatsia. Sellel lakil on eriline läbipaistvus, kõrge elastsus ja see ei kaota aja jooksul oma omadusi.

Kasutatav lakk peab olema värske, vabastamisest ei ole möödunud rohkem kui kolm kuud, mida kontrollitakse sildil oleva kompostri kontrollimisega.

Enne laki pealekandmist tuleb maal tolmust puhastada ja kuivatada.
Laki pealekandmiseks kasutatakse laiade harjastega flöödipintsleid ning flöödi laius valitakse olenevalt maali suurusest. Keskmise suurusega maali jaoks kasutatakse tavaliselt flööti, mille laius on vähemalt 100 mm, ja väikese suurusega maali puhul - laius 45-50 mm. Teie valitud flöödiharjal peaksid olema lühikesed, lõikamata harjased. Mida paksem on lakk, seda lühemad peaksid olema flöödi harjased, et see lakki “pingule tõmbaks”, s.t võimaldaks peale kanda üsna õhukese kihina.

Lisaks flöödipintslile kantakse lakki mõnikord nailonist tampooniga või isegi lihtsalt käsitsi.

Laki paremaks poleerimiseks tuleks seda kanda kuumutatud kujul, selleks kasutatakse veevanni, mille veetemperatuur ei ületa 40°.

Mõnikord kuumutatakse maali reflektori abil, ka temperatuurini, mis ei ületa 40°, kuid see meetod ei taga ühtlaselt soojuse jaotumist värvikihi peale ning helkuri soojust on raske reguleerida.

Lakkkatte läike vähendamiseks, mis põhjustab pimestamist, lahjendatakse lakki värske pineeniga (vedeldi - nr 4) vahekorras 1:1. Laki ja vedeldaja suhet saab muuta olenevalt aastaajast külma ilmaga võetakse rohkem lahjendit.

Et lakk tööprotsessis aeglasemalt kuivaks, lisatakse sellele lakibensiini (vedeldi - nr 2), see annab võimaluse lakki aeglaselt pildile kanda, kuid lakkbensiin on pineenist suurema läbilaskvusega ja võib põhjustada nn lakirikked, mis läheb läbi mikropragude värvikihi sügavustesse, moodustades häguseid laike.

Laki pealekandmisel asetatakse maal lauale, suured maalid lakitakse molbertile.

Olles paigaldanud valgusallika paremale küljele, hakkavad nad maali katma lakiga. Olles kogunud pintslile väikese koguse lakki, liigutage flööti sujuvalt laiade liigutustega ühes suunas, ajades lakki maha. Kui flööt liigub kiiresti, haarab pintsel õhku ja lakikilele võivad tekkida mullid. Flöödi suund peaks olema paralleelne maali alumise küljega.

Pärast laki pealekandmist poleeritakse see kuiva flöödiga poolniiske laki peale. Poleerimine toimub seni, kuni flööt hakkab lakile kleepuma ja jääma.

Nii pealekandmine kui poleerimine toimub ühes suunas, naasmata maali niigi kuivadele kohtadele.

Pärast laki pealekandmist peaks maali läige olema mõõdukas.

Lakikile suurenenud läike korral, mis on seotud liigse laki pealekandmisega, korrigeeritakse seda puudujääki osa lakikilest eemaldamisega; Liigse laki eemaldamiseks kasutage pineeniga hästi immutatud flöödiharja. Kile hägustamine toimub samade pintsli liigutustega nagu katmisel. Pintslilt väänatakse perioodiliselt lakk välja.

Suurte maalingute lakkimisel, nagu märgitud, asetatakse need molbertile ja jälgitakse, et töö käigus ei tekiks tilkumist. Suured maalid on sageli lakitud, purustades järk-järgult kogu ala eraldi osadeks.

Pärast laki pealekandmist paigaldatakse pilt 10-15 minuti pärast viltu, maalilise kihiga vastu seina, et kaitsta niisket lakikilet laki kuivamisel õhust sadestuva tolmu eest.

Sellisel juhul tuleks lakiga kaetud maali kaitsta õhuniiskuse ja madalate temperatuuride eest.